Verónica de Carlos Molinero en el Teatro Maravillas
En 1988 Verónica murió con unas tijeras clavadas en las tripas en la fiesta de 3ºE para el viaje de fin de curso. Un suicidio inexplicable para todo el mundo excepto para sus cuatro mejores amigas. Ellas sabían que esa muerte estaba relacionada con una sesión de espiritismo realizada días antes.
Pero muertas de miedo no se atrevieron a decir nada y siguieron con su vida como pudieron.
25 años después vuelven a donde ocurrió todo. Pero Verónica no ha vuelto. Ella nunca se fue. Estas líneas nos sitúan en el inicio del espectáculo Verónica. El terror es una de las cosas más difíciles de escribir y todavía es más complicado conseguirlo en escena; a pesar de que el teatro es un espacio cerrado, no siempre se consigue esa atmósfera que nos haga sentirnos atrapados en la butaca, mirando de reojo constantemente hacia atrás. En esta ocasión se consigue en gran medida, tal vez ayuda el propio espacio teatral, pues tiene ese ambiente que podría asemejarse a un instituto cerrado donde todo puede ocurrir, lo deseable y lo temido. Verónica se asemeja a muchas de las historias que hemos visto en el cine y que se han quedado grabadas en nuestro imaginario, pero aquí, se añade que no es algo enlatado, ocurre allí, ante nuestros ojos y no podemos escapar porque estamos igual de atrapados que los personajes. La atmósfera del lugar está muy bien conseguida así como los efectos terroríficos. Y las cuatro actrices están estupendas en ese juego de atreverse a enfrentarse a sus fantasmas, aunque para ello tengan que pagar un terrible precio.
Adolfo Simón
«La Escuela de los Vicios» en el Nuevo Teatro Apolo
Hablar de más tiene sus consecuencias y complicaciones y si no, que se lo pregunten a Quevedo, que por hacer unas satirillas y sonetillos lo llevaron a la cárcel. Simplemente por criticar a unos magistrados, banqueros y ministrillos sin escrúpulos. Parece mentira, pero hoy en día seguimos en las mismas. Morfeo Teatro ha elaborado un sutil montaje en el que a través de estos versos de Quevedo se hace crítica social actual, poniendo en entredicho las actuaciones de muchos personajes que se dice que «nos representan». Sí: La pluma de Quevedo era afilada como un bisturí capaz de clavarse en nuestro estómago y sacarnos las tripas hasta, incluso, en la actualidad.
El montaje escénico nos traslada a un espacio indefinido, donde dos buenas personas van a ser adoctrinadas por el mismísimo Bercebú para alcanzar esos ideales en la vida que muchos padres quieren para sus hijos: ser ministros, banqueros, magistrados… es decir, gente de «reconocido prestigio». El espacio es contemporáneo, con pocos elementos, un fondo medio cabaretero y decadente y un armario siniestro presidido por una calavera que esconde los artefactos necesarios para la enseñanza de los vicios. Escenografía y vestuarios bien pensados y tan versátiles que nos pueden sugerir cuadros de la época negra de Goya o las pinturas de Solana para reflejar una España hundida, pesimista y degradada.
Los actores han hecho un gran esfuerzo para transmitir y poner en escena unos textos bastante densos, a los que hay que sumar la complejidad de la rima y la utilización por momentos de técnicas de clown y comedia dell’arte.
En definitiva, una obra comprometida socialmente, bien estructurada y que merece la pena disfrutar, sobre todo si les gusta esa poesía del Siglo de Oro español.
Luis Mª García Grande
Adúlteros de Carlos Álvarez-Nóvoa en el Compact Gran Vía
La última propuesta de la compañía sevillana ‘La Fundición Producciones’: Adúlteros de Carlos Álvarez-Nóvoa dirigida por Pedro Álvarez-Ossorio; con María Alfonsa Rosso y Manuel Monteagudo que se desdoblan en múltiples personajes, se está representando en la Sala II del Teatro Compact Gran Vía. Un espectáculo ágil y entretenido que nos muestra diferentes caras de los adúlteros, empezando por las infidelidades que se generan en el teatro y que sirven como juego para que los actores interrumpan la acción como si de un ensayo se tratase, para hablarnos del tiempo que se vive, en el presente, en el pequeño universo de los cómicos. Los intérpretes se desdoblan en muchos personajes a un ritmo vertiginoso que da muestra de sus cualidades interpretativas.
Adolfo Simón
“Ne me quitte pas” de A Ras en Lagrada
Basado en cuentos de la escritora cubana Legna Rodríguez, dos actores hacen una revisión de la memoria y el olvido, se internan en sus raíces culturales generando pulsaciones, transformá ndose en personajes que universalizan y amplían los horizontes del “padecer la diáspora”. Un trabajo donde la doble imágen y el efecto espejo corporal transita sobre variaciones de la canción Ne me quitte pas. Hay unas proyeccione sugerentes que acompañan el viaje.
Adolfo Simón
Tres en coma en el Teatro del Barrio
“Tres en coma” cuenta la historia de un cura, una peluquera y el hombre al que atienden: un misterioso enfermo en coma que salta a la fama haciendo comedia desde la frontera entre la vida y la muerte. Un hombre en coma sin identidad yace en una habitación de hospital. Las únicas visitas que recibe son las del capellán que acude a rezar por su alma y de la peluquera en prácticas que viene a cortarle el pelo. La peluquera es radioaficionada y descubre que el comatoso empieza a comunicarse en morse a través de los pitidos del monitor de constantes vitales. El enfermo está contando chistes zafios desde la frontera entre la vida y la muerte. Pese a la oposición del capellán, los médicos del hospital desarrollan un interfaz para convertir en audio la incipiente conciencia del comatoso, que pronto será conocido como “el cómico en coma”. Esta es la premisa que tuvo como partida Juan Cavestany y el Colectivo Canódromo Abandonado. Los ingredientes son sugerentes en principio, con disparate y drama a partes iguales, el problema surge cuando se meten en la cazuela que es el escenario y lo que podría haber sido una propuesta y novedosa donde el audiovisual también formase parte de la trama, se queda en un juego demasiado gris sobre todo en lo que concierne a la interpretación de los actores que tal vez no son lo suficientemente experimentados para afrontar un espectáculo de este calibre.
Adolfo Simón
«La Carne (eres tú)» en Off de la Latina
Espacio Off de la Latina sigue apostando por el teatro contemporáneo y por dar algún tipo de salida a jóvenes compañías como la que interpreta «La Carne»: Las hermanas de Stefen. Una compañía que acaba de nacer y que aún no tiene muy definido su estilo, por lo visto en sus perfiles públicos, pero que está trabajando por hacerse ese hueco que todas las compañías desean. Es deseable que cuiden más la imagen que dan de cara a su «posible» público y de cara a sus seguidores. Valga como ejemplo el vídeo sobre «La Carne», publicado en la web de Off, que dura 23!! minutos para una pieza de una hora. Casi nos hemos visto la obra antes de llegar a la sala y es recomendable que se elabore un teaser, avance o resumen más corto.
En «La Carne» nos encontramos una mezcla de estilos, pero utilizando técnicas clásicas dentro del teatro contemporáneo. A través de una historia principal en la que se nos narra un argumento algo siniestro asemejando al estilo de Tim Burton se nos van suministrando dosis de cabaret, teatro del absurdo, crítica social, humor… Con unos actores bien preparados aunque todavía a falta de más rodaje, es una obra dinámica y que provoca alguna que otra carcajada pero que a veces decae en el ritmo en los entreactos que troquelan la historia principal. Aún así, les sugiero que vayan a descubrir qué pasaría si se nos restringe algo tan necesario como puede ser comer ¡CARNE!
Luis Mª García Grande
«Sorolla» del BNE llega a los Teatros del Canal
Hoy se reestrena el montaje de Antonio Najarro en los Teatros del Canal. Inspirado por Sorolla, Najarro recorrerá el folclor de toda España a través de un montaje que cuenta con el sello de Franco Dragone.
Para los que no lo han visto… Imprescindible, para los que lo vieron… Repetirán.
Aquí os dejamos nuestros artículos publicados y relacionados con el espectáculo:
https://querevientenlosartistas.wordpress.com/2013/06/17/sorolla-del-ballet-nacional-de-espana/
«La Venganza de Don Mendo» en los Jardines de Sabatini
¡Qué bien sienta el astracán, hasta en verano y en esos Jardines que tantas reinas y reinonas han visto! Pedro Muñoz Seca sigue vigente destrozando el lenguaje y haciéndonos reír con las situaciones más ridículas que se puedan imaginar, la sátira bien hecha, la parodia de verdad y no lo que se ve en esas «matrimoniadas» ridículas pero que a tantos actores han dado de comer. Esto es una auténtica astracanada y no lo que muchas modernas nos venden.
Con un reparto que podríamos considerar de auténtico lujo para estos tiempos de crisis, por la cantidad de actores que hay que utilizar para poner en escena y por la calidad de los mismos que tienen que aprenderse un texto retorcido, con lenguaje culto, en verso y «declamarlo» a la velocidad de un AVE. En el que destacan José Pedro Carrión, Ángel Ruiz (el propio Don Mendo),Ramón Langa, María José Goyanes, Valey Tellecehea, Luis Perezagua y un larguísimo etcétera.
Con una dirección de Jesús Castejón, impecable que sabe marcar los ritmos del verso y los tiempos de cada actor y buscar los que Muñoz Seca nos intentaba transmitir: la alegría de vivir y sacar el sentido cómico a cada gesto.
Les animo a que se dejen seducir cual Magdalena por Don Mendo en los Veranos de la Villa.
Luis Mª García Grande.
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| REPARTO (por orden de aparición) | |||
| MARCIAL | JOSÉ MARÍA OTERO | ||
| DON NUÑO | JOSÉ PEDRO CARRIÓN | LEÓN | RAÚL RESINO |
| MAGDALENA | CRISTINA GOYANES | FROILÁN | MARCELO CASAS |
| BERTOLDINO | MARCELO CASAS | MANFREDO | ARIEL CARMONA |
| MÚSICOS | VIRGINIA SOTO y RAÚL RESINO | GIRONA | LUIS ROMERO |
| DOÑA RAMÍREZ | MARÍA JOSÉ GOYANES | ESTHER | CRISTINA ARIAS |
| DON MENDO | ÁNGEL RUIZ | ALJALAMITA | CARMEN ANGULO |
| DON PERO | RAMÓN LANGA | REZAIDA | MARÍA LÓPEZ |
| LORENZANA | LUIS ROMERO | RAQUEL | ÁNGELES FERRER |
| ALDANA | AITOR GAVIRIA | AZOFAIFA | VALERY TELLECHEA |
| OLIVA | EDUARDO CARRANZA | DON LUPO | EDUARDO CARRANZA |
| NINÓN | MANUELA SERRANO | DON LOPE | AITOR GAVIRIA |
| CLODULFO | MARCELO CASAS | DON ALFONSO VII | LUIS PEREZAGUA |
| MONCADA | JESÚS CABRERO | DOÑA BERENGUELA | BERTA OJEA |
| DON JUAN | AITOR GAVIRIA | MARQUESA | KARMELE ARAMBURU |
| DON CRESPO | LUIS ROMERO | DUQUESA | MANUELA SERRANO |
| DON TIRSO | EDUARDO CARRANZA | DON GIL | ARIEL CARMONA |
| ABAD | LUIS PEREZAGUA | DON SUERO | JOSÉ MARÍA OTERO |
| SIGÚENZA | ARIEL CARMONA | ALI FAFEZ | MARCELO CASAS |
«TRANSREALIDADES» en Espacio Labruc
La realidad hay que mostrarla, pero muchas veces hay impedimentos que permiten verla tal y como es… La Transexualidad ha sido puesta en entredicho muchas veces: son unos viciosos/as, son enfermos, son discapacitados, son seres raros que no merecen nuestra atención. Son…pero están y existen.
Cuatro transexuales se han echado el mundo del teatro por montera y nos presentan sus vidas, sus experiencias y sus vivencias a través de un teatro-drama creado con el fin de educar y mostrar esa realidad que a veces se intenta tapar, ocultar y poner en entredicho.
Una obra que a veces se desfasa en argumentos y consideraciones, que a veces pierde ritmo con improvisaciones, pero que muestra una vivencia que es necesario asumir y defender. Hay que tener un par de «razones» para ponerse delante de un público y defender una vida, una manera de sentir dentro de otro cuerpo que consideras que no es el tuyo y una manera de afrontar la realidad. Aunque el final de la representación es abrupto y poco claro, merece la pena experimentar sentimientos a través de estas cuatro mujeres que empiezan a florecer en su propio cuerpo y no el que la naturaleza les dio.
Experimenten en Espacio Labruc.
Luis Mª García Grande.
FRINGE MADRID 14 y sus Propuestas….
En la selección del festival FRINGE MADRID 2014 nos podemos encontrar propuestas de todo tipo en lo que ser refiere a las artes escénicas, una selección extraordinaria de la que mostramos 3 botones:
LE BUFFET: Una performance sobre las sensaciones.
¿Ustedes han pensado la cara que ponen mientras que ven las noticias? En ese momento están experimentando sensaciones, SÍ, señores y señoras, aún tenemos sensaciones y además no podemos ocultarlas en nuestro rostro.
Tal y como en una caseta de feria, nos encontramos la instalción de «Le Buffet» en el patio de MATADERO. Atrévanse a elegir entre el menú las cinco sensaciones que les interese degustar de su carta… pero eso sí.. tiene trampa: su intimidad se va a ver comprometida porque todos los que pasean por allí podrán ver su cara mientras se come esos videos que generan sensaciones y … además se le advierte de que va a ser grabado para experimentar con su imagen y sentimientos…Todo un reto!
BANG!: Teatro de objetos que genera imágenes de cine. Un capricho para los sentidos.
Nos vuelve locos ver cobrar vida a antiguos Geyperman, a Cowboys de plastico, a Barbies haciéndose las Texanas… la imaginación del Volpinex no tiene límites y sus cámaras son capaces de captarlo todo.
La compañía francesa Volpinex une con humor y gran originalidad el teatro de objetos y el cine, con un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y otras técnicas a la vista del público, a las que se unen la música y efectos sonoros en directo. Todos los elementos del lejano Oeste están presentes: Cowboys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas… Fred Ladoué y Florian Brinker, actor-manipulador y músico, consiguen fascinar a carcajadas al público con su narración e interpretación de esta hilarante película teatral de objetos diminutos.
«INTERFACE» de Pablo Mella.
Un viaje por siete estancias efímeras que nos guiará en nuestro viaje interior hacia nuestros recuerdos más puros. Una propuesta escénica innovadora dentro de la nave 16 de MATADERO nos presenta a siete personajes metidos en siete cubículos creados con simples andamios en los que una imagen es el centro de atención . Una propuesta que nos hace deambular de sitio en sitio para encotrarse un personaje y una vivencia que nos excite la imaginación.Una imagen que puede trasladarnos a ese momento en el que nos sentimos realizados, felices, completos…. el momento puro.
7 imágenes / 7 memorias / 7 voces / 7 rincones / 1 viaje / Múltiples experiencias
En Interface, el autor Pablo Mella propone a través de siete situaciones diferentes, el inicio de un viaje interior en busca del estado puro, sin excusas, presente y natural en la infancia, ausente y extraño en la edad adulta. Él es la herramienta, el interfaz, el elemento de conexión, que transmite a través de su memoria, sensaciones y emociones que todos hemos tenido alguna vez, pero que a veces nos cuesta recordar, atrapados en nuestro día a día.
Luis Mª García Grande.
Antony and the Johnsons presentaron Swanlights en el Teatro Real
No es la primera vez que Antony Hegarty pisaba las tablas del Real, ya había pasado por allí con el espectáculo The Life and Death of MArina Abramovic, dirigido por Robert Wilson hace poco. Esta vez hemos tenido la gran oportunidad de ver el espectáculo «Swamlights». en 2012 el MoMA le encargó una obra para una única representación en el Radio City Music Hall de Nueva York, en la que Antony, en colaboración con el artista Chris Levine, el iluminador Paul Normandale y el escenógrafo Carl Robertshaw transformaron el escenario en el interior de una montaña blanca repleta de cristales y luces fragmentadas…
Un espectáculo mágico en todos los sentidos: por la voz única de Antony , por su presencia, por la de sus músicos, por la de la orquesta titular del Teatro Real, por la de la escenografía e iluminación…
Como en todos los conciertos de Pop que se precie tiene que haber un telonero, en esta ocasión, el prólogo fue ‘Ascension’, una pieza coreográfica interpretada por Johanna Constantine, que nos introdujo a ese mundo surrealista creado para dar placer a nuestros sentidos.
Acto seguido, sobre el escenario pudimos ver cómo un Antony iba apareciendo entre nubes verdes creadas con laser en una atmósfera completamente imaginaria que nos recordaba a Superman en las montañas de hielo al lado de la kryptonita.
Un Antony entregado y libre, en estado de gracia que fue interpretando las canciones que ha ido creando a lo largo de su trayectoria, partiendo del pop y elevándose hasta la categoría de un espectáculo más que digno de las tablas del Teatro Real. Una voz única, espiritual que puede mover montañas y elevar a un público a un mundo imaginario, su mundo, el que Antony ha creado. Como dijo en la rueda de prensa previa: «Se espera que el pop solo hable de fantasías románticas, pero puede ser tan profundo como quieras» y efectivamente así lo ha demostrado, ha infundido toda su personalidad para demostrarnos que el pop puede ser tan clásico y tan sublime como La Boheme.
Porque el pop puede hablar de nuestra realidad y tener un trasfondo político, social y humano y a Antony le preocupa transmitir a la sociedad su forma de pensar y de vivir, desde la máxima humildad y timidez que le caracteriza y que le ha elevado hasta el punto en el que está, casi casi en el cielo, como los ángeles, esos que cantan tan bien.
Luis Mª García Grande.
«Fuego» de Antonio Gades y Carlos Saura en el Teatro de la Zarzuela.
«Volver a la tradición si se quiere evolucionar». Antonio Gades
La Fundación Antonio Gades, coincidiendo con el 10º aniversario de su muerte ha acometido el reto de poner en pie la versión de El Amor Brujo, que, con el título de Fuego, supuso el segundo acercamiento escénido del coreógrafo al ballet de Manuel de Falla. Este ballet es una obra de transición entre Carmen y Fuenteovejuna y la última de las colaboraciones entre Gades y Saura.
Es todo un acierto intentar rescatar un ballet y Gades nunca estrenó en España este «Fuego», debido a circunstancias personales, y ahora, dirigido por Stella Arauzo, la que protagonizó en 1989 la obra junto a Gades y la que ha heredado la forma de trabajar y parte del arte de Antonio, que se pone manos a la obra para recuperar este montaje.
Gades supo evolucionar y marcar una trayectoria en la danza española a partir de los clásicos por fin hemos podido apreciar esta obra de tránsito entre Carmen y Fuenteovejuna, en la que Gades el director empezó a introducir escenas más realistas, mostrando el carácter del pueblo, sus tradiciones, sus cantes y bailes y creando una atmósfera que resumen el carácter español a través de la danza.
La belleza de esta obra reside en la creación de una serie de escenas pintorescas sobre el flamenco y sus vivencias, insertándolas dentro de la obra de Falla, a la que también se le da un nuevo aire. Estas escenas, aparte de una coreografía excelente, característica de Gades, están creadas con una estética, esencial para otorgarle ese clasicismo a esta pieza, muy pensada por Gerardo Vera, que se encargó del vestuario y escenografía. Vera huyó de colores llamativos, propios de representaciones flamencas y teatrales, y le dio un giro de tuerca toda la obra unos colores ocres, más reales, pintando una serie de cuadros, con una escenografía sencilla en la que lo importante son los personajes. En ellos se pueden apreciar escenas de El Rocío, una zambomba jerezana, el amor herido, los celos… como si apreciásemos pinturas en una galería de arte, pero pinturas en movimiento.
Gades sigue vivo por su obra y hay que celebrar que se haya podido estrenar en España una de sus creaciones que recorrió medio mundo pero que nunca pisó el suyo.
Luis Mª García Grande.
«En construcción» en Teatro del Barrio
Muchas veces el teatro tiende a crear realidades imaginarias o a reflejar realidades cotidianas pero utilizando el tamiz de la imaginación. «En construcción» refleja una sociedad a través de la imaginación de dos personas inmersas en una historia no buscada: Argentinos que vienen a España huyendo de ese «corralito» y pensando que van a vivir una vida mejor, más próspera, donde poder criar a sus hijos, donde poder ser más felices viniendo a España, sin saber la que se avecinaba aquí también… La inmigración ha dejado muchas historias rotas e inacabadas, muchas búsquedas de la felicidad y de un futuro mejor en otros países que han acabado sesgándose… pero al final lo que nos importa es que la vida sigue y hay que buscar la manera de vivirla lo mejor posible. Este es uno de los mensajes que podemos sentir a través de la vida de los dos personajes que intervienen Sole y Pablo.
Tristán Ulloa se ha lanzado a dirigir esta obra aportando su toque personal, su manera de ver las cosas, apostando por mostrar «la habitualidad» de nuestros actos. La obra está planteada de una manera audiovisual, incluyendo vídeos que encuadran la situación y acercan el acto teatral a la estética cinematográfica y que aportan dinamismo y ayudan al cambio de escena.
Según expresan los autores, Carolina Román y Nelson Dante, «En Construcción» nació con un proyecto hace años cuando la realidad argentina distaba de la europea. Ellos creyeron en la historia y necesitaban contarla a pesar de no encontrar la manera de ponerla en pie. Al final han conseguido no solamente ponerla en pie sino que han creado algo poético y optimista a pesar de esa realidad que muchas veces nos atenaza los sueños.
Una propuesta refrescante en el Teatro del Barrio, el lugar apropiado donde representar esta obra, y que podemos ver durante este mes de julio.
Luis Mª García Grande
Fantasmas en verano
El verano no parece la época más propicia para que se llene la casa de fantasmas, siempre nos imaginamos que estos seres aparecen en noches de invierno, de luna llena y con mucha niebla. Pero los tiempos cambian y ahora hay fantasmas a cualquier hora y en todas partes; debe estar lleno el otro lado y no hacen más que visitarnos con cualquier excusa. La otra noche tomé ración doble de fantasmas y me provocaron risas, emoción y algo de vértigo…los lugares donde hicieron acto de presencia fueron La casa de la portera y La pensión de las pulgas, sitios emblemáticos llenos de energías peculiares…
Ascensión y caída de Mónica Seles de Antonio Rojano es un partido paranormal en el que la pelota de tenis nos lleva al esplendor del personaje y también a su declive. La pieza está estructurada como si fuesen los tiempos donde realizan el pulso los personajes para ver quién gana cada set-escena, las palabras del árbitro en off nos vamos indicando el cambio de lugar para sumergirnos en la mente de la tenista antes de dar un golpe a la pelota o en otros momentos donde nos encontramos espejismos fruto de la fiebre del éxito o fracaso de Mónica Seles. Víctor Velasco dirige de manera sencilla y efectiva esta peculiar mirada a la privacidad de un personaje que captó la atención mundial durante un tiempo y para narrar esos retazos de vida y memoria, hay dos actrices: Nerea Moreno y Rocío Marín que juegan a los cambios interpretativos con destreza y efectividad, haciéndonos creer así en las múltiples realidades que pueden existir en nuestro mundo.
Yernos que aman de Abel Zamora en La Pensión de las pulgas es un collage enloquecido en el que las mujeres están atrapadas en un mundo donde la emoción se ha quedado en pause. Da la impresión de que mueven los hilos de un guiñol roto y a pesar de esto, intentan una y otra vez dar al play de su corazón pero no consiguen que los hombres cambien la figura que necesitan sea proyectada sobre el día a día que comparten. Hay una madre que quiere volver a ser niña y un muerto que quiere volver a bailar…y un hada que no está dispuesta a conceder deseos banales. Esta obra arranca con cierta perplejidad porque no queda claro a dónde nos conducen los pasillos del lugar, pero poco a poco, las piezas empezarán a encajar y al final uno se reconoce en alguna vieja foto del álbum que hay escondido al fondo del armario. El reparto es de lujo…Marta Belenguer, Juan Caballero, Manolo Caro, Mamen García, Emilio Gavira, María Maroto, David Matarín, Mentxu Romero, Ramón Villegas y el propio Abel Zamora.
Adolfo Simón
«El experimento» en el Teatro Alfil
¿Se puede hacer un musical sin palabras? ¿Se puede hacer un musical sin instrumentos? Parece ser que sí… En «El Experimento» cuatro hombres se van a someter a tortuosos ensayos clínicos y pruebas de todo tipo como cobayas elegidas al azar, pero de una manera muy especial… sin hablar.
Una voz en off va a ir guiando a estas cuatro ratas de laboratorio por pruebas estrambóticas y surrealistas que serán resueltas de una ingeniosa manera.
Primital Bross. son los encargados de sumergirnos es este «hospital» de locos y en el canto a capella tan especial que ellos practican y con el que emprenden su segunda obra por los teatros. Sobre el escenario podremos ver a cuatro «cantactores»: Santi Ibarretxe, Luis Miguel Baladrón, Íñigo García Sánchez y Pedro Herrero.
Santi Ibaretxe es el compositor de la «partitura» y Ana Morgade pone su voz en off para recrear ese ambiente misterioso, caótico y casi de ciencia ficción dentro del «experimento».
Todos los miércoles del mes de julio podremos ver una propuesta interesante, desenfadada para estos días de calor, muy divertida y de una imaginación potente para poder pasar un buen rato.
Luis Mª García Grande
VERANO CHÉJOV en el Teatro Guindalera
La farsa, la crítica social y el mundo teatral se citan acompañados por la música del piano en directo, para desenmascarar los prejuicios, las frustraciones y las alegrías de la vida contemporánea. Siguiendo en la línea de trabajo que da sello al Teatro Guindalera, Juan Pastor juega con tres actores: María Pastor, Felipe Andrés y José Bustos a teatro dentro del teatro, la excusa en esta ocasión es conseguir el elenco para una pieza corta de Chejov, pero esto puede ser una situación seria o un disparate como ocurre aquí. En verano hay que proponer en Madrid espectáculos ligeros y pintorescos, este lo es, empieza en el hall y hay sorpresas entre el público.
Adolfo Simón
Orfeo y Eurídice, una ópera danza de Pina Bausch en el Teatro Real
Pina Bausch fue una precursora en la escena del siglo XX. Su obra es tan personal y a la vez tan impresionante que no ha podido dejar indiferente a nadie que ha presenciado alguna de sus propuestas. Ella revolucionó la danza cuando ya parecía que estaba todo inventado en esta disciplina, la dotó de teatralidad y vida, de poesía y belleza. Además de sus grandes creaciones con la Compañía que durante mucho tiempo dirigió, tuvo ocasión también de adentrarse en otros mundos de creación como el de la ópera y su peculiar manera de abordar la poética lírica tampoco dejó indiferente a nadie. Ahora Pina es un mito del arte del siglo pasado y su obra ya está instalada en el Olimpo de la inmortalidad pero no siempre fue así, en sus principios fue criticada y abucheada por un público que se resistía a que la danza dejase de ser un espacio inexpresivo y que la ópera no perdiese ese estatus de ceremonial burgués. La recuerdo salir a saludar en medio del griterío del patio de butacas, firme y segura, avanzando por el escenario, estaba convencida de lo que hacía y sabía que el tiempo le daría la razón. Ahora que ya no está entre nosotros, la echamos mucho de menos entre tanta mediocridad y falta de riesgo. Por suerte, su obra podrá perdurar mientras forme parte del repertorio de grandes ballets como es el caso del Ballet de l´Opéra de Paris que ha traído al Teatro Real la ópera-danza Orfeo y Eurídice de Christoph W. Gluck. Aquí, Pina Bausch propone que el canto y la danza se den la mano en escena…Los cantantes interactúan con los bailarines creando un extrañamiento fantástico ya que las voces crean movimientos y el baile genera silencio dramático. Además, en el tríptico que es esta descomunal pieza, crea duplicidades entre los personajes para contar la historia de este amor imposible desde una visión dual, huyendo de la visión del bien o del mal. Un espectáculo maravilloso que dejó boquiabierto a todo el que tuvimos suerte de acudir a verlo. Por siempre, las imágenes fantasmagóricas creadas por Pina nos perseguirán y a ellas regresaremos cuando la falta de belleza nos asfixie.
Adolfo Simón
El lago de los cisnes en el Teatro Compac Gran Vía
Una vez más podemos disfrutar de esta magnífica otra maestra realizada por un elenco excepcional. El Ballet Clásico de San Petersburgo es la compañía fundada por el solista principal del Mariinskiy Ballet: Audrey Batalov como Director Artístico y Coreógrafo y por Andrey Scharaev en la función de Director General. Andrey Bartalov, con una excelente formación y experiencia es una gran figura del ballet a nivel internacional, se dice de él que es un coleccionista de premios obtenidos merecidamente en concursos realizados en diferentes países. Su repertorio incluye papeles principales en los más importantes ballets. Andrey Scharaev, cuenta con una importante trayectoria como solista, tanto en Rusia como en Europa, EEUU y un largo etcétera de países, sus conocimientos en las diferentes áreas le han llevado a ocupar el cargo de Director General en la compañía. El lago de los cisnes es un cuento de hadas-ballet que se desarrolla en cuatro actos. La obra transcurre entre el amor y la magia, insertando en sus cuadros la eterna lucha entre el bien y el mal. Su estreno fue en 1877 en el Teatro Bolshoi de Moscú. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski, siendo este el primero de sus ballets. El libreto está basado en el cuento alemán: El velo robado de Johann Musaus. En la versión original, la coreografía fue creada por Julius Reisenger. Fue el 15 de enero de 1895 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo cuando cobró el merecido éxito al presentar la nueva coreografía realizada por Marius Petipa y Lev Ivanov. Numerosas revisiones y puestas en escena nos han mostrado diferentes versiones hasta la fecha, siendo, esta última creada por Andrey Batalov la que contiene un final romántico a diferencia de otras versiones. Para los amantes del ballet y la belleza es un montaje imprescindible que quedará en el recuerdo como una puesta en escena fresca e inolvidable.
Lucila Maquieira
«QFWFQ, una historia del universo» en la Cuarta Pared
La historia del Universo contada por unos campesinos…esta es la propuesta de Meridional, la productora de Alvaro Lavín y Julio Salvatierra. Una propuesta sorprendente, basada en una obra de Italo Calvino, Las Cosmicómicas, y adaptada por Salvatierra de una manera muy peculiar y poética. Imagínense una jota cantada pero con una letra parecida a leer un libro de Ciencias Naturales… Imagínense haber vivido toda la historia de la evolución desde el gran boom hasta casi nuestros días, haber sido testigo de cambios tan importantes como el paso a ser seres vertebrados o darse cuenta de qué era el sexo, la reproducción…y el amor… aunque sea con un ser que habite en la luna ¿Cómo es posible hacer esto? La verdad es que no lo podemos explicar, quizás lo que decía Lavín en nuestra entrevista tiene mucho que ver: «el trabajo de los actores es fundamental en nuestras producciones» pero tienen que ir a verlo porque tienen la oportunidad de ver una de las obras de teatro más atrayentes del panorama actual a pesar de ese título enrevesado que se lee «cufubufúcu», no lo olviden.
Luis Mª García Grande.
¿Aún no conocen a Pía Tedesco?
Pía es un ser especial que ha sabido extraer del cabaret las historias más inverosímiles, sorprendentes y surrealistas y hacerlas suyas, aún teniendo acento argentino y no alemán. Así nos lo hizo ver en el Teatro del Barrio el sábado pasado.
Su espectáculo «Bordeaux, historias del Cabaret» es un compendio no sólo de los mejores números de cabaret alemanes sino también de todo el mundo. Se atreve a llevarnos por muchos lugares, incluida su tierra a ritmo de tango, y dejarnos un buen sabor de boca. Es sensual, descarada, innovadora y algo gamberra a la hora de afrontar la interpretación de sus canciones y de su personaje. Por eso podemos decir que no estamos viendo a una simple cantante, sino a todo un personaje interpretando su vida y su música. La excusa: un buen vino, uno de Burdeos, por ejemplo, para contarnos sin tapujos, con una buena videoescena muy sugerente, un vestuario ah hoc y un trío de músicos esas historias que ya conocemos, pero que de su boca toman un aire nuevo que ni el mismísimo Kurt Weill hubiese imaginado. Y además con sorpresa… Pía ha colaborado en el disco que va a sacar Víctor Coyote y allí que nos lo presentaron.
No se pierdan, si pueden, a la Tedesco, en su gira «internacional» y síganla en www.piatedesco.com
Luis Mª García Grande
El buscón con dirección y versión libre de Alfonso Zurro para el Teatro Clásico de Sevilla
Llevar a escena una gran novela y más si es de dominio popular, es un gran riesgo. Siempre habrá quien piense que es demasiado corta la adaptación o demasiado larga…O que tiene pasajes flojos y se omiten los interesantes, etc, etc, etc… Si tuviéramos en cuenta esta premisa, nunca se habrían visto escenificados algunos relatos o historias que no nacieron para el teatro. Dicho esto, en el programa de mano no se engaña a nadie, se deja bien claro que es una versión libre del también director de la pieza escénica, Alfonso Zurro; un hombre de teatro con muchos textos escritos y muchas puestas en escena realizadas…Últimamente se ha publicado un delicioso volumen que contiene cien mini piezas escénicas para ascensor. Hago este preámbulo porque lo que está claro es que no le falta oficio ni a él ni a los colaboradores e intérpretes de la función. La escenografía evoca una tienda de ropa de segunda mano que permite que los actores se pierdan en el laberinto de casacas y chaquetas para surgir de nuevo de él convertidos en otro personaje. Son siete actores que se multiplican en un buen número de seres que deambulan por el escenario, solo el buscón es interpretado todo el tiempo por el mismo actor aunque cambia de aspecto según esté situada la acción en una época u otra. Alfonso Zurro plantea un tránsito vertiginoso entre uno y otro relato, todo ocurre a ritmo ágil y a vista del público. Pero el gran hallazgo está en el juego temporal que se establece, a veces la peripecia ocurre en el pasado, otras en el presente y en algunas ocasiones, vemos a personajes de otro tiempo dialogando con gente de hoy; sin duda, un guiño dramático con el que nos hacen pensar que, desgraciadamente, poco ha cambiado en la manera de ser de los pobladores de este país…A fin de cuentas…O pisas o te pisan.
Las representaciones se llevan a cabo en un espacio singular: Espacio Santa Clara de Sevilla donde un bello patio acoge la función, tal vez hubiera sido interesante que la dotación técnica del lugar fuese más potente. En el hall se puede disfrutar de una estupenda exposición: Todas las circunstancias son el marco de Julio López Hernández, a partir de los trabajos previos para el monumento a Antonio Machado.
Adolfo Simón
Premios del Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco
A pesar de que en España hace falta motivación y ayudas para que los creadores de Danza Española y flamenco puedan seguir con su trabajo, muchos de los premios del Certamen han quedado desiertos. Es una pena pero se veía venir. En las presentaciones ya se apreciaba un nivel bajo en cuanto a creación coreográfica y elección de obras y el jurado ha sido lo estricto que tenía que ser.
Aún así hay claros ganadores que merecían su premio como Sara Cano, que desde un principio demostró que se iba a llevar varios premios y que se lo merecía.
Esperemos que para el año que viene se supere con creces el nivel de los participantes de este año y que el Certamen retome la envergadura que tenía en su creación y que ha reconocido a un montón de artistas que hoy, por fin, tienen un hueco en este difícil mundo de la Danza Española y el Flamenco.
Premio de Diseño de Vestuario:
Carmen Granell por «Raigambre» de Juan Manuel Prieto
Intercambio de Coreografías Premiadas entre Certámenes Coreográficos en España:
Sara Cano
Premio Flamenco Vivo Carlota Santana Nueva York:
Juan Manuel Prieto
Premio Conservatorio Superior de Danza de Madrid “María de Ávila”:
Juan Manuel Prieto
Premio Suma Flamenca a la Joven Promesa del Flamenco:
Sara Cano
Premio a una Composición de Música Original para Danza Española:
Héctor González
Premio Fundación AISGE a un/a Bailarín/a Sobresaliente:
Jesús Fernández y Elisa Suárez
Segundo Premio a una Coreografía de Solo:
Desierto
Primer Premio a una Coreografía de Solo:
Sara Cano
Segundo Premio de Coreografía:
Juan Manuel Prieto
Primer Premio de Coreografía:
Desierto
Luis Mª García Grande.
Mark Morris Dance Group en el Teatro Real presenta «L’allegro, il Penseroso ed il Moderato»
Es todo un placer ver a un grupo compacto de bailarines ejecutando una obra con brío y ganas y si es en el Teatro Real y de la Mano de Mark Morris y con orquesta y coro en directo es algo más que supremo.
Morris nos trae una obra neoclásica, en la línea de Béjart, creada con la música de Händel en 1988 en la que se aprecian las reminiscencias de la época en una escenografía minimalista de Adrianne Lobel y un vestuario algo vaporoso para estas épocas pero todo ello elegido con un gusto increíble y muy adecuado para representar lo que se pretende: Una sucesión de estampas basadas en los cuadros de William Blake.
Los bailarines recrean las escenas en un escenario compuesto por marcos y telones lisos que van cambiando constantemente y en el que predomina la importancia de la tonalidad y el conjunto grupal de los bailarines que compondrán cada escena con una ejecución impecable y completamente sincronizada. La evolución de estas tonalidades de tonos apagados y clásicos hacia tonos más coloristas en la segunda parte provoca también una subida en el pulso de la coreografía y por lo tanto una evolución hacia arriba que hace que salgamos con optimismo y ganas de disfrutar de los amigos y de la sociedad en la que vivimos. El hombre como animal social es, en definitiva, lo que nos quiere mostrar Morris.
Una obra «clásica» en la que podemos disfrutar con la presencia de las sopranos Sarah-Jane Brandon y Elizabeth Watts, el tenor James Gilchrist y el bajo Andrew Foster-Williams, quienes, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, interpretarán la bella partitura de Händel L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato bajo la dirección de la maestra Jane Glover.
Una buenísima elección para el fin de semana. Aprovechen y dense un lujo de los de verdad.
Luis Mª García Grande
Carlos do Carmo en el Festival FADO de Los Teatros del Canal
Carlos do Carmo es el rey del Fado. Es como un Raphael en España o como un Aznavour en Francia. Aparece en el escenario con una voz insuperable a sus setenta y cuatro años y con una energía que más quisieran muchos artistas más jóvenes. Se hace acompañar de grandes fadistas como Cristina Branco, Marco Rodrigues y Raquel Tavares interpretando dúos que ha grabado para su último disco “O Fado é amor”.
Carlos ha representado a su país por todo el mundo, ha colaborado con el cine, ha investigado las raíces de su música, tiene incluso un premio Goya por la película «Fado» de Carlos Saura pero sigue siendo humilde, un gran anfitrión que lleva a Portugal por bandera, saliendo al escenario nervioso, sonriente, disfrutando de lo que hace y disfrutando cuando ve que nuevos artistas toman el relevo del fado, que el apoya desde que abre el ojo en la cama hasta que se acuesta.
Apuesta por grandes músicos, apenas conocidos, algunos, como Antonio Serrano, intérprete de armónica que ha colaborado en giras y discos de los artistas másd importantes de jazz, y flamenco de España, como son Perico Sambeat, Chano Domínguez, Jorge Pardo, Carles Benavent, Tino di Geraldo, Guillermo Mac Gill
Una frase suya para una entrevista reciente resume toda su gran trayectoria artística:
«El fado tiene que ver son la disponibilidad del ser humano. Es un canto profundo, de vida que refleja la angustia, la alegría, al tristeza, la esperanza y hay que estar dispuesto a entregarse a él»
Ójala que podamos disfrutar durante muchos años de sus actuaciones y de esta gran institución.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
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