Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Escritos en la Escena

Fisuras de Diana I. Luque en Escritos en la escena del CDN

Fisuras podría aludir a las heridas físicas de los personajes. Sin embargo, éstas evolucionan hasta volverse lesiones de un riesgo latente: un brazo que podría acabar amputado, unas piernas que, tal vez, no suelden bien y deban volver a romperse, que quizás no vuelvan a servir para bailar o andar. Ambas forman parte del tratamiento de lo siniestro en el texto, de cómo lo cotidiano se torna extraño y temible. David Ojeda, el director, aborda la propuesta en proceso textual desde un cruce de poéticas, como si se estuviesen simultaneando las dos historias en el tiempo. Algo que genera extrañamientos en la escena. Hay momentos de inquietante escenificación en paralelo que le da sentido a la búsqueda de lo contemporáneo en una escritura de laboratorio.
Adolfo Simónfisuras


Boomerang de Blanca Domenech en el ciclo Escritos en la escena

Escritos en la escena es un espacio de investigación dramatúrgica en el Laboratorio Rivas Cherif dirigido por Ernesto Caballero. Boomerang es un texto escrito por Blanca Domenech surgido de este territorio de búsqueda que se ha representado en la Sala de la Princesa del Centro Dramático Nacional. Los acontecimientos importantes ya no ocurren en los palacios, surgen en los espacios traseros, allí donde se acumula el material en desuso, este parece ser el planteamiento del director que ha optado por una propuesta sencilla a medio camino entre la lectura dramatizada y la escenificación sujeta a lo esencial, espacialmente hablando, centrándose más en el trabajo actoral que en otras cuestiones. Una trama que nos remite a los laberintos emocionales que se usan como moneda de cambio en un mundo donde triunfa solo aquel que está dispuesto a pagar cualquier precio por su ascenso.
Adolfo Simón

Boomberang


Escritos en la escena para el CDN

escritosescenaMás info en: http://cdn.mcu.es/laboratorio/escritos-en-la-escena/


Aitana Galán nos habla de su comprometida visión con la escena.

aitana¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Hice mucho teatro como actriz, de niña, en compañías de teatro aficionado; y de adolescente en el instituto. En mi familia, casi todos profesores, nadie se había dedicado nunca al espectáculo, pero ese encuentro casual que tuve de pequeña con el escenario me cambió la perspectiva de la vida: Existía un espacio donde todo estaba permitido y donde se podía ir más allá de las absurdas y aburridas convenciones sociales…. y encima te aplaudían… A los 15 años empecé a formarme profesionalmente. Di clase con mucha gente, hice muchos cursos, pero mi maestra fue Cristina Rota, con la que estudié cuatro años y a la que le debo también mi formación en tai-chi, danza, acrobacia, voz… (allí te conocí a ti, en clase de contact-dance, con Bellusci ¿te acuerdas?)…Trabajaba en su escuela y a cambio podía asistir a todas las clases y a todas las asignaturas de todos los profesores. Siempre se lo agradeceré, porque, como sabes, las clases son caras y en ese momento (y supongo que en este) yo no habría podido acceder a tener una formación tan completa si hubiera tenido que pagarla. Empecé a escribir y dirigir muy joven, a los 23 años, cuando terminé la escuela y, poco después, me puse a estudiar dramaturgia en Roma y dirección, más tarde, en la RESAD de Madrid. Creo que en el teatro he hecho de todo: actriz, ayudante de dirección, producción, espacio sonoro, dramaturgia, coordinaciones, dirección… y muchas de estas actividades las sigo alternando.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros cometidos?…Háblanos de ello…
Estudiaba interpretación y, a la vez, Periodismo y Filología en la Complutense y, como tantos de mi generación, he sobrevivido a base de trabajos basura: he sido encuestadora, camarera, payaso, go-gó, animadora, profesora particular… Periodismo y Filología se fueron quedando por el camino a medida que conseguía trabajos remunerados en el ámbito teatral. A partir de los 26 o 27 años más o menos comienzo a vivir exclusivamente del teatro, ya sea como actriz, como directora, como profesora, como ayudante… No descubro nada nuevo si digo que esta es una profesión inestable y que no siempre se corresponde un “éxito” en un escenario con lo que verdaderamente te da de comer… Paralelamente a la dirección escénica y la dramaturgia he desarrollado la docencia, que es una actividad que no creo que abandone nunca, la producción (necesaria para poner en marcha proyectos por los que otros no van a apostar) y la… no me gusta la palabra, pero no encuentro otra, “gestión”… En este sentido, mi último trabajo ha sido como Coordinadora Artística del CDN, una experiencia muy interesante y enriquecedora que no prolongué más porque despertaba suspicacias el hecho de que además fuese directora y estuviese en activo. Decidí marcharme y apostar por mi trabajo artístico, al que, por otro lado, nunca dije que fuera a renunciar.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento una privilegiada por trabajar en esto y por haberlo hecho desde una sana, y a veces castigada, independencia. He ido de aquí para allá; he colaborado con un montón de gente, he dirigido en compañías distintas, en el ámbito institucional, alternativo y en la privada, he participado en proyectos estupendos y en otros estrafalarios… Y me he mantenido al margen de los grupos muy cerrados, de los gurús, de los clubs de amigos o de los clanes… Esto me ha dado perspectiva y libertad de acción, por un lado, y por otro ha despertado antipatías… Qué le vamos a hacer… En estos 20 años he aprendido a sobrevivir a las críticas y a la indiferencia de un sector muy cerrado y extrañamente conservador. También he aprendido que muchos de los males que aquejan a la profesión se los ocasiona ella misma y que hasta que no haya una necesidad de cambio y autocrítica seria… esto es lo que hay y lo que va a seguir habiendo.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Sean propios o ajenos necesito que algo me enganche con la realidad social, política, estética, emocional o sensorial que estemos viviendo. Trato de ser honesta conmigo y si un proyecto no lo veo claro, no lo hago. Esto no garantiza quizá conectar con una mayoría, pero sí me conecta conmigo y tal vez con otros que, como yo, no comparten las corrientes estético-ideológicas alabadas normalmente por los medios.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Es fundamental contar con equipos cómplices. La creación exige riesgo, libertad y permiso para poder equivocarse y eso no se puede hacer en un entorno hostil, que te juzga, o al que “tienes que demostrar” algo. La afinidad estética también es necesaria, porque muchas veces la falta de comunicación se debe a que estás en las Antípodas del otro… Yo he crecido mucho, por ejemplo, teniendo cerca a Raymond, que es un maestro del espacio y de la profesión y tiene un gusto exquisito… Seguramente no trabajaría de la misma manera si no hubiera contado con su colaboración tantas veces.

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¿Cómo surge tu participación en Sobre algunas especies en vías de extinción?…
Ernesto Caballero me propuso que realizara esta dirección y dije que sí, sin dudarlo. Había leído todo el teatro de Morales y esta pieza en concreto me interesaba mucho: es rara, inquietante… es una obra de final de vida y se nota. Y dirigir en el Centro Dramático… qué quieres que te diga… es una oportunidad que no ocurre todos los días, si ocurre alguno… Le agradezco mucho a Ernesto este voto de confianza.

¿Cuál ha sido tu planteamiento de puesta en escena?…
En el proceso previo a los ensayos y a la selección del equipo, recordaba una y otra vez una frase del texto: “…el fallecimiento de todos y de todas los que componen, componemos, el coro lamentable de la sufrida humanidad”. En estas líneas descubrí que tenía que crear un coro y que tenía que hablar, con ironía, de “la sufrida humanidad”. Decidí desde el principio incorporar música en directo (el autor define la obra como una “cantiga”) y proyecciones, porque el texto habla, entre otras cosas, de un mundo que es la imagen de sí mismo. Morales es un autor difícil de clasificar, pero no hay duda de que es irreverente, subversivo y tiene mucho sentido del humor… qué mejor manera que construir la puesta en escena como si se tratara de un “Cabaret Metafísico”. He tratado de ser fiel a los postulados ideológicos y artísticos del autor a través de una estética contemporánea.

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¿Cómo ha sido el trabajo con los actores y el resto del equipo artístico?…
Intenso, exigente, estimulante… El proyecto se enmarcaba dentro del Laboratorio Rivas Cherif lo que nos posibilitaba y exigía asumir riesgos artísticos y desafíos escénicos. Los planteamientos estéticos se fundamentaron en la creación de un universo apocalíptico, post-punk, con referentes en Blade Runner o Mad Max. Y con los actores hemos viajado desde el expresionismo alemán hasta el tratamiento de la palabra tomando referentes no habituales como Albert Pla, los Polipoètics, Sid Viciux, o El Noi del Sucre, entre otros: queríamos trabajar una palabra con intención, elaborada y nada casual o ingenua. Ha sido un trabajo apasionante, arriesgado y siempre en el filo. Al tratarse de una producción del Laboratorio no he contado con muchos de mis colaboradores habituales. El proceso de selección de los actores se hizo a través de audiciones (intensas) y el equipo artístico procede también de los creadores del Laboratorio. Ha sido una experiencia fantástica porque hemos hecho un trabajo de compañía pero con las condiciones de un Centro Dramático Nacional y eso, que no debería ser tan raro, es algo inusual todavía en este país. Estoy muy contenta, pero mucho: hemos vivido un encuentro artístico y humano que, probablemente, no quedará reducido sólo a este espectáculo.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Dirigí una lectura dramatizada para el Instituto Goethe, “El niño que vuela”, de Roland Schimmelpfennig, un autor interesantísimo que me gustaría ver en los escenarios madrileños; hice la coordinación y asesoría de “Haz clic aquí” el “Escritos en la Escena” de José Padilla para el CDN; he estado escribiendo y poniendo en marcha una compañía de teatro, “La Radical”, con la que voy a estrenar, entre otras cosas, “Las neurosis sexuales de nuestros padres”, de Lukas Bärfuss y “El mal de la piedra”, de Blanca Doménech. También he impulsado, con otros compañeros, La Liga de las Artes, un colectivo de profesionales, empeñados en recuperar el uso y buen uso de los espacios públicos.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Que nadie se lleve a engaño: los recortes están afectando fundamentalmente a los creadores y a las empresas pequeñas e independientes. La gran mole administrativa, que más que administrar parece pensada para ahogar y sofocar la creación, continúa casi intacta. De “la cultura” viven, y siguen viviendo, políticos, cargos, altos cargos, programadores, funcionarios, vividores, periodistas, empresarios de la construcción o de la hostelería…. La mayoría de los creadores y profesionales del sector, no: viven, vivimos, muy mal.
Los recortes han hecho visibles las carencias estructurales del tejido teatral español. Antes había más dinero y se disimulaba o se callaban más bocas, pero las cosas nunca han estado bien. En España sigue vigente un modelo cultural franquista: clientelismo, amiguismo, sectarismo… y detrás de las mínimas estructuras creadas en la transición subyace un pensamiento arcaico que desprecia al creador (si no es famoso) y lo considera un muerto de hambre que vive del cuento, al que hay que dar algo de dinero como el que da una limosna. Así, la relación entre profesionales y administraciones será siempre difícil.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Todos los del ciclo “Una Mirada al Mundo”, en especial “Julia” de la brasileña Christiane Jatahy: atrevido, comprometido, formalmente deslumbrante. Me lo pasé muy bien también con “Manifestaciò” de Albert Pla y con lo último que he visto, “La corrupción al alcance de todos”, donde Víctor Velasco ha hecho una apuesta formal arriesgada y muy bien resuelta.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Artísticamente hay que seguir haciendo buenos espectáculos, el problema es cómo. Desde mi punto de vista necesitamos espacios grandes que nos permitan establecer otra relación con el público y que posibiliten el poder vivir realmente de la taquilla. Estos espacios existen, son públicos y están cerrados o en desuso. Mi opción es la de ocuparlos, programarlos y defenderlos como espacios de bien común. Creo que debemos recordar que a nosotros no nos pagan ni la administración ni los programadores. Nuestros salarios provienen del dinero de los ciudadanos, ya sea a través de las entradas que compran o de sus impuestos, y es con ellos con los que tenemos que ser responsables. Hemos convertido a los intermediarios en los reyes de la fiesta y a los profesionales, en los camareros. Y deberíamos darle la vuelta a esta situación no aceptando la infinidad de condiciones, incompatibles con el teatro, que impone muchas veces la administración.
Si esta postura parece demasiado radical siempre se puede seguir haciendo lo que hemos hecho hasta ahora… invierte tu dinero, trabaja en salas reducidas, no cobres o arruínate, llora o seduce al programador, aguanta y calla y, si algún día te va bien, “pilla lo que puedas y que te quiten lo bailao”.
Una tercera opción es irse del país. Muchos lo están haciendo y, lamentablemente, creo que algunos son de los mejores que tenemos.

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José Padilla nos habla del proceso de Haga clic aquí…

padilla¿Cómo surge tu propuesta para Escritos en la escena?
Hace casi tres años me topé con una noticia que me llamó poderosamente la atención. Se trataba de la caza de brujas a la que unos muchachos se vieron sometidos después de que un abogado colgase el vídeo de una paliza que grabó desde su balcón con el objeto de que los internautas identificasen a los agresores. La respuesta fue inmediata, el acoso a los supuestos culpables fue bestial. Finalmente resultaron ser inocentes, pero el mal ya estaba hecho. Creo que las aristas dramáticas y la ausencia de conclusiones sencillas convierten esta historia en una obra de teatro pidiendo ser escrita. Ciñéndome a esto presenté mi propuesta al CDN y felizmente fue aceptada.

¿Por qué te intereso el tema que tratas en Haz clic aquí?
Por lo que te mencionaba antes: no hay respuestas fáciles en un tema así. Por supuesto, podemos optar por aleccionar, pero creo que eso no conviene a nadie, ni, por supuesto, al público ni tampoco a los que creamos historias. Es mejor proponer un foro de debate y creo que Haz clic aquí responde a este parámetro.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación del texto?
La palabra que me viene a la cabeza es enriquecedor. Se ha ido conformando en el trabajo a diario con los actores, un elenco fantástico con el que he tenido la suerte de contar. Las situaciones dramáticas que en el texto se dan las hemos encontrado en la sala de ensayos y eso, para un dramaturgo, es muy placentero. De alguna manera las situaciones te sorprenden de la misma manera que más tarde harán con el espectador. Me gusta mucho trabajar así.

¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores y el resto del equipo?
Mediante juegos e improvisaciones fuimos tejiendo una red dramática. Poco a poco los personajes iban adoptando su caracterología y en la interacción con los demás las situaciones iban apareciendo. Mi labor era la de dar forma dramática a todo el material y seleccionar que era susceptible de ser contado en el escenario, pulir y sobre esto rescribir. Pero lo cierto es que todo lo que se creó, lo desechado incluso, de alguna manera aporta al resultado. Con el equipo técnico del CDN, el de producción y desde luego con Aitana Galán, coordinadora de Escritos en la escena, el entendimiento ha sido inmejorable, todos han sumado para que Haz clic aquí se hiciera el mejor texto posible, y las visiones de todos han ayudado considerablemente a mi labor. No les puedo estar más agradecido.

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¿En qué punto del proceso has mostrado el texto y la propuesta escénica?
He de decir que el proceso de escritura no acaba hasta que termina el periodo de exhibición ante el público. Esto es un rasgo fundamental de Escritos en la escena y me parece un acierto. El público ha entrado al mes y medio de haber empezado a trabajar, pero insisto, hasta el día 15 de diciembre no termina la labor de escritura.

¿Qué fase de trabajo faltaría a partir de ahora?
Fijar, limpiar… Y dar esplendor. El lema de la RAE entra como un guante en esta fase del proceso.

¿Cómo está siendo la respuesta del público?
Inmejorable. Sabíamos que estábamos haciendo un trabajo honesto, y siendo consecuentes con ello, probablemente la respuesta no iba a ser mala. Pero ha superado todas nuestras expectativas, la respuesta está siendo muy muy cálida. Esto nos anima a trabajar más y mejor.

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¿Qué opinas sobre el Ciclo: Escritos en la escena?
Una iniciativa espléndida que espero tenga una vida larguísima. No son muchos los espacios que se brindan a autores emergentes. Que sea el CDN el que dota de medios a las propuestas de autores de nuevo corte es algo magnífico.

¿Cómo ves el teatro no convencional en la ciudad de Madrid?
Boyante. Propuestas interesantísimas en muchas salas. Tengo la enorme suerte de participar de esta corriente.

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¿Crees que están surgiendo nuevas promociones de autores y directores?
No lo creo, lo sé. Esas son las mejores noticias posibles. Se nos están cortando las alas desde según qué grupos de poder, pero nos vuelven a crecer rápido. A la vista está. Esta situación cambiará, y cuando el entorno mejore tendremos a una de las mejores generaciones de todos los tiempos entrenados y con propuestas sólidas sobre el escenario. Insisto: buenas noticias.

¿Proyectos?
Inmediatamente entro a ensayar en El Sol de York, un texto que estrenaremos rozando marzo y que, al igual que Haz clic aquí, firmo y dirijo. Un proyecto que me ilusiona muchísimo.


Haga clic aquí de José Padilla en el Centro Dramático Nacional

El ciclo Escritos en la Escena que propicia la posibilidad de que un equipo de autor/director y actores realicen un proceso de creación a pie de escenario, consigue sentido total con esta propuesta, sobre todo porque aborda un tema que nos preocupa a todos…¿Somos una marioneta en manos de las nuevas tecnologías?. Ayer, aprovechando el puente, seguro que habría muchos teatros de la Gran Vía con las localidades agotadas, pero también lo estaban las de la sala de la Princesa que es donde se muestra este trabajo. Parece que el público empieza a saber dónde acudir para entretenerse y dónde a vivir experiencias ricas. Ojalá un día haya que prorrogar estos pequeños grandes trabajos porque Haga clic aquí es un trabajo contemporáneo en el tratamiento estructural del tema dramatúrgicamente, porque la puesta en escena es sencilla y al servicio de la historia y porque los actores han entendido y confiado perfectamente en la forma de tratar este tema de convertirnos en una pieza más de un mecano endiablado que finalmente no sabemos bien quién lo maneja ni con qué objetivos. Lo fácil es que terminemos dejándole el paraguas a otro para mojándonos nosotros. Solo queda una semana, no lo duden, hagan clic y compren una entrada para este espectáculo.
Adolfo Simón

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Ernesto Caballero nos habla de la experiencia de la primera temporada del CDN bajo su dirección

ernestocaballero¿Cómo surgió Una mirada diferente?…¿Cuáles han sido las premisas para seleccionar las diferentes propuestas?…
En el proyecto que presenté al Ministerio ya estaba reflejada mi intención de incluir en la programación actividades o espectáculos realizados por creadores con algún tipo de discapacidad. Como teatro público, pienso que el CDN debe recoger, sin ningún tipo de exclusión, el máximo de propuestas artísticas representativas de la creación escénica del país, y eso incluye a las realizadas por creadores con discapacidad. Junto con mi equipo pensé que un ciclo internacional, recogiendo la propuesta de “Una mirada al mundo” sería una forma atractiva de ofrecer estos espectáculos y acompañarlos de otras actividades: talleres, exposiciones, charlas… Inés Enciso y Miguel Cuerdo, trabajadores del equipo de producción del CDN y conocedores del mundo de la discapacidad en las artes escénicas se encargaron de llevar la coordinación del ciclo. Las premisas de selección de las propuestas han sido muy claras: propuestas profesionales de alto nivel y excelencia artística, como son las propuestas que programamos y propuestas que acogiesen a creadores con distintas discapacidades: físicas, psíquicas, intelectuales.

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¿Qué balance haces de Escritos en la Escena?…¿De la novela al teatro?… ¿De los Laboratorios en el Mirlo Blanco?…
Escritos en la escena es un proyecto de investigación que tiene como objetivo desarrollar un procedimiento de escritura basada en la práctica con los actores. El resultado, por tanto, es la elaboración de un texto. Es un programa diseñado para dramaturgos. Estamos perfeccionando esta idea y para la temporada que viene vamos a eliminar toda tentación de puesta en escena que puede llegar a desvirtuar el proyecto. En cualquier caso, las cuatro experiencias llevadas a cabo hasta el momento han sido muy interesantes y enriquecedoras. El ciclo de la novela al teatro (entre las que también está incluido Doña Perfecta) ha tenido una respuesta aplastante por parte del público, tanto es así que nos hemos visto obligados a reponer tres de esos espectáculos. En cuanto a los talleres del Laboratorio, han tenido una enorme acogida. Hemos contado con creadores internacionales de primer nivel que nos han manifestado también su satisfacción con la experiencia y pienso que se están creando una serie de sinergias interesantísimas que seguramente cristalizarán en proyectos futuros. El Laboratorio es una apuesta de largo recorrido que está aportando actividad, vitalidad y apertura al CDN.

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¿Seguirán las actividades de LOS LUNES y exposiciones temáticas en la programación de la próxima temporada?..
Así es, vamos a seguir simultaneando sesiones abiertas a diversas áreas de la sociedad con otras específicamente dedicadas a la profesión.

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¿Qué cambios habrá en la segunda temporada?…¿O se van a seguir criterios semejantes a los de la primera?…
El fomento de la Dramaturgia española contemporánea define nuestra actuación. Aquí nos encontramos, una vez más, con varias líneas que van desde el teatro fundacional del siglo XX: Benavente, Lorca, Valle… hasta los autores emergentes de este momento. Son muchas las corrientes y aunque lamentablemente no podemos absorber a todos los que son, procuramos que estén todas presentes en la programación.

¿Qué montaje dirigirás en la próxima temporada?…
Montenegro, una versión de Comedias bárbaras.

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El Laboratorio Rivas Cherif del CDN busca dramaturgos para su propuesta de escritura “a pie de escenario”

El proyecto del Centro Dramático Nacional “Escritos en la escena” plantea un modelo de escritura dramática a pie de escenario: el autor desarrolla su texto en el ámbito escénico, trabajando estrechamente con un director y un grupo de intérpretes durante un plazo de tiempo determinado. Textos dramáticos viables y aptos para ser exhibidos, en la línea de los semimontados, susceptibles de prorrogar su vida y desarrollo en otros ámbitos.

Más info en: cdn.mcu.es

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La ceremonia de la confusión en el CDN

Escritos en la escena es un ciclo que ha puesto en marcha la nueva dirección del Centro Dramático Nacional para potenciar la escritura contemporánea, una experiencia que recuerda al T-6 del Teatre Nacional de Catalunya, con la diferencia de que allí, los proyectos elegidos son tutelados en el proceso de escritura y finalmente se incluyen en la programación de la temporada con el mismo tratamiento que cualquier otra producción. Seguramente, la crisis está obligando a que muchas ideas se queden en el chispazo inicial y que si no se desarrollan en condiciones, terminen siendo proyectos débiles. Creo que las propuestas de Escritos en la escena solo disponen de un grupo de actores, un director y un autor, es verdad que muchas veces se cuenta con menos, pero cada historia precisa de unos presupuestos y si no los hay económicos, los ha de haber artísticos. En La ceremonia de la confusión hay poco de lo primero y no mucho de lo segundo. María Velasco propone desde el texto una sugerente situación: ¿Qué pasaría si treinta años después se mira a la transición democrática de este país durante el velatorio de uno de  los protagonistas de aquel momento, en un tanatorio de hoy?. Seguramente, nuestros días se parecen mucho a aquellos, días de confusión donde el poder provoca la atención del ciudadano hacia otro lugar, entonces hacia la movida y hoy…¿Hacia la corrupción?…¿Y si el poder está moviendo los hilos mientras miramos para otro lado?. Toda esa confusión ciudadana no se puede escenificar en el salón del tanatorio donde yace el muerto, hay que bailar sobre la tumba de todos aquellos que no permiten que la luz entre al cementerio.

Adolfo Simón

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María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga

MaríaVelasco¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…

¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.

¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.

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¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.

¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…

¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.

¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.

¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.

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La comedia que nunca escribió Mihura de Carlos Contreras Elvira en Escritos en la Escena-CDN

La comedia que nunca escribió Mihura de Carlos Contreras Elvira en Escritos en la Escena-CDN
Esta pieza escrita a pie de escenario cuyo proceso ha dirigido Tamzin Towsend es otro ejemplo de lo que puede realizarse en este laboratorio que ha puesto en marcha el Centro Dramático Nacional. No siempre han de surgir materiales extremadamente contemporáneos de un espacio de búsqueda en la escritura teatral. La excusa de un título y una breve sinópsis que dejó Mihura sobre un texto que le hubiera gustado escribir y que no pudo realizar porque poco después murió, genera en Carlos Contreras la posibilidad de indagar sobre una época y un determinado tipo de lenguaje teatral. No cae en la tentación de tratar de emular o imitar al genial autor que fue Mihura pero si se plantea la posibilidad de qué situaciones habría vivido Mihura si hubiera tenido que experimentar, en su propia vida, la situación hipotética del personaje protagonista. Así, las peripecias de los personajes van recorriendo un tiempo y unas dificultades que generan un sinfín de disparatadas situaciones a cuál más delirante y divertida, creando, sin querer, un acercamiento bastante curioso al universo teatral de Mihura. La puesta en escena es muy sencilla ya que en este ciclo no es preciso mostrar un montaje acabado; aunque aquí está muy cerca de lo que podría ser un estreno en toda regla. Todo el juego propuesto por el autor y la directora, lo ejecutan con entrega absoluta, un grupo de actores que están en estado de gracia de principio a fin.
Adolfo Simón