Si pudiera hablar de esto no haría esto de Janet Novas en el Teatro Pradillo dentro del Festival de Otoño a Primavera
Novás es una de las figuras más destacadas de la danza contemporánea española de los últimos tiempos. Con sus creaciones, de tinte experimental, ha sabido crear un lenguaje propio, empleando el cuerpo como herramienta y dotando sus montajes de un fuerte contenido emocional, que sirve de contrapeso a la estudiada sencillez estética de sus puestas en escena. Tras haber trabajado como bailarina junto a artistas y compañías de la talla de Daniel Abreu o Les Ballets C de la B, Novás comienza su carrera en solitario como creadora e intérprete en el año 2008. Sus últimos trabajos, Cara pintada y Who Will Save Today?, han sido presentados en prestigiosos festivales nacionales e internacionales, obteniendo una gran acogida entre público y crítica. Si pudiera hablar de esto no haría esto, coproducida por el Festival de Otoño a Primavera y el Teatro Pradillo con los festivales Escenas do Cambio y BAD Bilbao, es su cuarta creación en solitario, que encuentra en el muerte y en el dolor su punto de partida. En esta ocasión, se enfrenta a un solo complejo, un territorio lleno de obstáculos técnicos que ella va desentrañando a fuerza de constancia y energía. Su cuerpo, a veces frágil parece sucumbir en el intento pero, de nuevo, vuelve a esa cuenta numérica que le permite retomar el tránsito hacia un nuevo límite espacial o corporal; una indagación sobre el precipicio del cuerpo y la desnudez emocional.
Adolfo Simón
Una noche como aquella en Nave 73
Los juegos son cosa de niños, cuando los adultos se ponen a divertirse con travesuras más propias de la infancia, es fácil que terminen llorando, como niños. En la línea de programación de noche que propone Nave 73, los sábados se puede asistir a Una noche como aquella. Y en más de una noche, tres jóvenes amigos desarrollan un juego con reglas nuevas que les llevará a pequeños paraísos y a desiertos emocionales. Es curioso ver como asiste un público muy diverso a este tipo de obras, algo que habla de una sociedad cultural mucho más abierta a historias de amor diferentes.
Adolfo Simón
Otra infancia en Cuarta Pared
Cuarta Pared siempre procura incluir en su programación, elementos que nos hagan reflexionar sobre qué está en nuestra mano para aliviar el dolor del mundo. En Éxodo, la última pieza programada en la sala para público adulto, nos muestran fotos escénicas del horror que la infancia vive en las catástrofes que día a día pueblan nuestro planeta, una obra en la que se mezclan lenguajes que transitan de lo corporal a escenas cotidianas. Y en la programación infantil, este fin de semana pasado, hubo una representación el circo creativo de Giuseppe y Peppina que la Compañía El Retablo ha elaborado a partir de materiales encontrados, estimulando así, la creatividad e imaginación de los niños-as…Circo, juego y fantasía en una misma propuesta.
Adolfo Simón
Mira hacia arriba de Polimetría 21 en Biribó Teatro
“Mira hacia arriba” es el primer montaje de Polimetría 21, una compañía de teatro compuesta por actores con y sin síndrome de Down u otras discapacidades intelectuales. Los temas centrales de esta obra son las nuevas tecnologías y la comunicación. En las distintas escenas se comprueba cómo la comunicación es alterada, transformada, cambiada o eliminada por las nuevas tecnologías y ésta, a su vez, altera el comportamiento del ser humano. Alguien me comentó que en México hay una expresión curiosa para hablar de las diferencias, se les nombra como «Capacidades diferentes» y estoy de acuerdo, es un error pensar que hay personas que no pueden hacer según qué cosas, en esta pieza queda patente que pueden estar en escena y mostrar crítica sobre la sociedad en la que vivimos, personas con unas u otras capacidades, el discurso solo cambia en matices, por suerte cada vez hay más integración en el arte.
Adolfo Simón
“A solas con Marilyn” en La Usina
En “A solas con Marilyn” un actor nos cuenta la historia de una madre abandonada por el hombre al que ama sin más explicaciones que un nombre de mujer. La lucha por mantener su integridad y la custodia de su hijo se contrapone con las perversiones de su única amiga, la cual sostiene un affaire un tanto macabro con el carnicero del supermercado en el que ambas trabajan. En la confusión que precede a la estabilidad quebrada, la protagonista se aferra a ese nombre y se sumerge en palabras indescifrables para tratar de explicarse lo incomprensible.
Marian Patilla
Hey Boy Hey Girl de La Joven Compañía en el Teatro Conde Duque
De Verona a Gandia…
Tras el éxito conseguido en las pasadas temporadas, la Joven Compañía regresa a casa. El Teatro Conde Duque acoge de nuevo el espectáculo Hey Boy Hey Girl. La tragedia romántica de Shakespeare ambientada en un reality show. Una compañía que surge de la necesidad de reivindicar una oportunidad para los jóvenes artistas, se enmarca en el proyecto Teatro Joven, un lugar de encuentro entre gente del sector artístico, profesores y alumnos de secundaria y bachillerato. Teatro hecho por jóvenes que inician su camino profesional, no solo a nivel interpretativo, sino también en la regiduria , escenografía, producción, vestuario etc y que esta echa para jóvenes. Con la intención de renovar el teatro, creando un tejido cultural accesible que suscite a ese nuevo sector del publico, el adolescente. Y es que a pesar de su corta vida, ya acumula premios. Esta vez el viaje transcurre entre focos y cámaras. Hey Boy Hey Girl, es una divertida y fresca adaptación del ROMEO Y JULIETA de Shakespeare. Que dirige Jose Luis Arellanos y ha versionado Jordi Casanovas para un elenco dejóvenes actores que demuestran estar a la altura de la propuesta. Donde los clásicos personajes se convierten en caras famosas, chonis y canis, que experimenta y sufren en sus propias carnes el éxito que les envuelve al participar en un venenoso programa de televisión. Una readaptación shakespiriana que se acerca a la vida de los adolescentes, dónde dos grupos de chavales conviven en casas separadas en busca de mayor éxito para mantenerse en la audiencia. Pero una serie de sucesos convertirá su estancia en una verdadera tragedia. La obra que comienza con energía tiene drama, critica y sobretodo un mensaje con reflexión. Donde la escenografía, dos grandes piezas moviles, que simulan ser las estancias, adquiere un gran protagonismo y en algunos momentos por el juego que se le da ponen en tensión al espectador por su peligrosidad perdiendo la atencion de la escena.
Pablo Cano
Cocina de María Fernández Ache en la Sala de la Princesa del CDN
Nos encontramos en una cocina; a través de la puerta escuchamos una animada conversación. La luz y el ronroneo de un horno nos indican que algo se está cocinando… El buen vino fluye, la conversación es brillante, competitiva: arte, literatura, la vida, la muerte, budismo… Los comensales rezuman éxito… A medida que Antonio y Emma entran y salen de su cocina empezamos a conocer sus rostros público y privado y a percibir gélidas corrientes subterráneas de envidia, amargura, desdén… Antonio no puede soportarlo más; en un absurdo acto reflejo de ira, gasta una broma pesada cuyas consecuencias escaparán a su control…A partir de aquí, la obra nos hace testigos de una serie de desayunos y cenas en los cuales asistiremos al desmantelamiento de un matrimonio, una carrera, y, probablemente, todas las relaciones sociales que rodean a esta pareja. La propuesta textual y la puesta en escena llevan al límite esa cuestión antiteatral que sitúa la acción fuera de la escena o al menos la reparte; dejando un espacio dramático que hemos de imaginar y otro, el más íntimo que transcurre en la cocina bajo nuestra mirada. En ese viaje entre lo que se ve y lo que oímos transcurre una historia que nos muestra las miserias y mezquindades de seres con piel de terciopelo, esos que viven en la abundancia, instalados en las más bajas pasiones y devociones. Un mundo elevado que se derrumba parlamento a parlamento.
Adolfo Simón
Leche y picón de Tras el trapo Teatro en Lagrada
La oscura y solitaria cámara de un recoleto hospital para enfermas mentales es el escenario de “Leche y picón”. Un personaje quijotesco, Margarita, víctima de un atracón de ideales protofeministas y liberales, es visitada por los fantasmas de su pasado. Estas máscaras de carnaval le harán revivir, al tosco compás de los tambores, acontecimientos ajados y deformados por su desatinada imaginación. Hay teatro amable y teatro combativo…Teatro sin poética singular y obras que dejan huella en nuestro imaginario. «Leche y picón» tiene los ingredientes necesarios para que el público inquieto de cualquier lugar acuda para disfrutar de su propuesta, no es una historia banal, no está contada de forma convencional…Tiene la esencia del teatro como rito verbal y plástico. Una propuesta escénica sencilla y esencial donde dos actrices, Ana Oliva, María Duarte, juegan de manera comprometida al rito ancestral de la máscara, a todo ello, ayuda Gaspar Campuzano dirigiendo con maestría este juguete enloquecido.
Adolfo Simón
A puerta cerrada de Jean Paul Sartre en La pensión de las pulgas
Este texto con traducción de Alfonso Sastre ya se ha convertido en un clásico del siglo XX, una obra atemporal por el tema que trata y el tratamiento dramatúrgico tan moderno que tiene; podría situarse en cualquier época y sociedad. La obra nos sitúa en un espacio mental y filosófico para reflexionar sobre la conducta humana. En ese lugar sin tiempo ni ubicación real, los seres, como animales enjaulados tendrán que buscar la salida o devorarse entre ellos. La pensión es uno de los espacios más idóneos donde he visto representado este texto, allí, no solo los personajes están en un callejón sin salida, los espectadores asistimos como testigos mudos a ese encierro del que también formamos parte. Ernesto Arias dirige con aplomo a los actores para que se manejen con tensión y soltura entre estas cuatro paredes sin salida.
Adolfo Simón
Laberintos mentales en la escena
Todo en la vida son ciclos, hay veces que estamos en la espiral del humor y otras entramos en callejones obsesivos. Lo mismo ocurre en la escena teatral…En ocasiones todo gira alrededor del humor y otras, los temas que se tratan están llenos de sombras extrañas, seres perdidos en laberintos sin salida. En el Teatro Lara hay dos propuestas en programación que tienen cierta conexión. Los lunes se puede asistir a Si los ángeles disparan, una mirada escénica a los terribles asesinatos que hubo en Puerto Urraco. En la pieza, los personajes se pierden en un mundo obsesivo que les llevará directamente a la tragedia. Los martes hay otra obra que trata de esos seres que buscan sobrevivir a su horror dominando y haciendo víctima de él a otras personas. El coleccionista es la versión escénica de la conocida novela de John Fowles que fue adaptada al cine en 1965 y protagonizada por Terence Stamp y Samantha Eggar.
Adolfo Simón
Nexo(s) en Nave 73
Desde el primer minuto flota en el ambiente una sensación de sondeo, de reconocimiento, como si al lanzar nuestra mirada por la nave semi-iluminada el receptor fueran unos ojos inquisitivos ansiosos por saber más de nosotros. Una vez terminan los preliminares se despliega un tejido ricamente hilado donde cada uno se reconoce donde quiere. Siento que la belleza de nuestros días ha de acoger cariñosamente el error, entendido como espasmo de humanidad frente a la perfección mecánica de la máquina. Yo me reconozco en los temblores, en los titubeos, y mirando con distancia creo que engrandecen un espectáculo que de otra forma estaría demasiado bailado.
La belleza de las dos intérpretes en los fragmentos de juego coreografiado es conmovedora. Cuando aparece el teatro, la palabra, cuando los cuerpos estallan y gimen, me es imposible no identificarme con ellas y revolverme en el asiento. Prefiero las imágenes más grotescas, las articulaciones llevadas a su límite y la copia recíproca de las torpezas. No se trata de destreza técnica (de sobra demostrada durante todo el espectáculo) sino de la intensidad. Ésta se reconoce mejor cuando no está disimulada por la geometría del ballet clásico.
Creo que la profusión de recursos es a la vez el punto débil y el punto fuerte de este montaje. Hay una bellísima armonía entre ellas dos, y entre ellas dos y el espacio. La acción es por momentos muy sincera y al estar compuesta con maestría la impresión es de gran belleza. Sin embargo echo de menos el agotamiento, la profundización en menos elecciones. En lo formal se queda a medio camino entre dos pinturas: “La amistad” de Egon Schiele y “Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas”, el famoso cuadro anónimo que cuelga en el Louvre. La preferencia por uno u otro es cuestión de gustos, aunque después de Nexo(s) queda claro que el equilibrio, aunque diplomático, también es bello.
Francisco Martínez
La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada
La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada Teatro de Madrid nos plantea una reflexión sobre el declive de una especie que, a pesar de hacer creer que ha evolucionado, tiene un funcionamiento social mucho más pobre y mediocre que muchas de las especies que realmente han sobrevivido a lo largo del tiempo. Con un juego paralelo en escena donde, en una pantalla observamos pequeñas piezas de documental con animales y animaciones que muestran el sistema tribal de los animales, se completa con un plano actoral delante de estas imágenes que muestran la desigualdad entre especies y como, el ser humano, se extinguirá inevitablemente porque no será capaz de mantener el equilibrio. Un ejercicio sugerente de poética y reflexión.
Adolfo Simón
Tres hermanas de A. Chejov por la Compañía Guindalera en los Teatros del Canal
La Compañía Guindalera presenta cada cierto tiempo sus trabajos en los Teatros del Canal, es una oportunidad fantástica para que puedan abordar producciones de mayor formato a las que realizan en su exquisita sala. Creo que esta debiera ser una de las funciones de los teatros públicos…Apoyar con difusión y medios el trabajo constante y arduo que se realiza en las salas más pequeñas. En esta ocasión, la obra elegida ha sido ese gran clásico que es Tres hermanas de Chejov y, a pesar de ser una propuesta de gran formato, mantiene la esencia de las piezas que se montan en la Guindalera Teatro. Juan Pastor apuesta por darle voz al autor, leyendo algunas de las acotaciones que van atravesando el texto, creando, además, una extraña sensación al oírlas…¿Se escribieron hace cien años y podrían servir para el mundo que vivimos hoy?. La propuesta escénica tiene un mapa trazado en el escenario, delimitando lo que es ficción y lo que pertenece a los actores fuera de escena. Y el recorrido de la pieza va transcurriendo como si los personajes hicieran un viaje de la ciudad al desierto, de una habitación llena de vida y esperanza al desván donde se amontonan los muebles y recuerdos. Ese periplo, fiel estéticamente al texto original, van siendo arañado por miradas y actitudes de algunos personajes que nos sitúan en otro contexto dramático, tal vez en la mente del autor que duda o teme lo que pueda ocurrirles al final a sus personajes. La última imagen, más allá de estar llena de esperanza textual, está herida por la presencia de unas hermanas que se vuelven de madera entre los objetos perdidos de un mundo que no ha podido conseguir la huida del desierto al mar.
Adolfo Simón
El niño adefesio de La tarara en Espacio Labruc
Hay muchas maneras de entender el ocio…Se puede salir un sábado a la noche a ver la realidad tal cual es en una película u obra de teatro, es una manera lícita de «entretenerse»…Uno ve una foto del mundo con sonrisa o mueca. Y hay otra forma de paladear el arte que es a través de espejos deformantes, en esos donde la realidad se ve de manera más profunda gracias a la distorsión de las imágenes. La Compañía La tarara ha estado unos pocos días en ese inquieto espacio escénico que es Labruc y allí nos han permitido entrar en los rincones más oscuros de una «deliciosa familia» a través de la mirada de su hijo…»El niño adefesio». El realismo nos permite asomarnos a una ventana cómoda, el teatro de la crueldad y expresionismo que utiliza este grupo como lenguaje escénico nos permite ver más allá, descubrir incluso esos pliegues negros que no queremos reconocer que están alojados en nuestro imaginario. Es una pena que trabajos tan interesantes pasen desapercibidos en la cartelera de nuestra ciudad, ojalá vuelvan pronto y nos sorprendan con sus nuevas propuestas.
Adolfo Simón
De flor en flor de la Cia. de danza Fernando Hurtado en Cuarta Pared
Hay que estimular a los niños-as a colaborar y poner empeño en la realización de sus deseos…En esta propuesta, atravesando las cuatro estaciones, dos personajes nos muestran las dificultades que van surgiendo para poder relacionarse y que vencen gracias a la constancia. Una pieza de danza y plasticidad muy sugerente.
Adolfo Simón
Voces en el silencio en Biribó Teatro
La ciudad es un laberinto que no siempre nos permite encontrar aquellos espacios donde respirar libertad. Solo el amor salvará el mundo y solo la poesía y el teatro seguirán denunciando las atrocidades que el ser humano sigue llevando a cabo, aquí o a miles de kilómetros, hoy o hace mil años…Aunque…¿Siempre ha sido ascendente la evolución del ser humano o ha tenido una trayectoria en zig zag?…O mejor…¿Somos hoy más capaces de tolerar la diferencia o cada vez somos más autistas ante la realidad que, aparentemente, no nos afecta?. Hay lugares donde se asesina por «amar» pero aquí callamos y miramos para otra parte, somos cómplices de algún modo. La ciudad está de fiesta los fines de semana y pocos atienden al dolor de los demás…pocos aceptan que un lugar como el teatro puede ser también un espacio de empoderamiento para el ser humano; no solo de risas se ha de alimentar el hombre. Por suerte hay pequeños oasis al volver la esquina como la sala Biribó que ha estado programando una honesta y sencilla propuesta de teatro poético para recordarnos que la libertad es algo por lo que debemos pelear todos y cada día.
Adolfo Simón
«La flauta mágica» de Mozart en el Teatro Real
“Los rayos de sol cazan a la noche, desbaratando los poderes de los impostores”, así termina la ópera más misteriosa de Mozart, estrenada el 30 de septiembre de 1791 en Viena, tan sólo unos meses antes de su muerte. El carácter dual de la obra, en la que Beethoven veía la cima que reunía todas las formas del canto, desde la fuga al lied –no en vano concilia la música culta con el singspiel, la comedia y el drama–, encierra un mensaje que resume todos los ideales de la Ilustración. Ópera sobre el amor común y el amor sublime, cuento maravilloso, comedia popular, fábula filosófica, confrontación entre el Bien y el Mal encarnados por la luz y las tinieblas…el mosaico que crea el músico de Salzburgo encaja piezas tan dispares con genial maestría. La insólita puesta en escena del director australiano Barrie Kosky supone un intento de volver a codificar la obra con el lenguaje de los inicios del cine, en un homenaje a Buster Keaton y su generación. Kosky devuelve a La flauta mágica su carácter de espectáculo popular, divertido y al mismo tiempo estimulante. Que Mozart era un genio es indiscutible y que pocas veces los que han de leer de manera contemporánea su obra, se atreven a proponer otras miradas sobre sus grandes piezas, siempre hay ese miedo a enfrentarse a una genialidad y se peca de respeto. Por suerte, hay creadores hoy en día que, sin saltarse las reglas básicas de la obra original, buscan su personal visión, acercándola al público de hoy con lenguajes que van desde el cine al comic o al grafismo. Esta Flauta mágica que se ha presentado en el Teatro Real es una de las versiones más sorprendentes y fascinantes que recuerdo de la obra. No hay escena que no deje atónito al público en el patio de butacas. Una locura para los sentidos!!!.
Adolfo Simón
Huevos con amor de Ramón Paso en La Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez
Paloma Paso Jardiel lleva en su ADN el teatro ya que es una digna heredera de grandes autores de nuestra mejor dramaturgia del siglo XX. En esta pieza se enfrenta sola al patio de butacas, desgranando sus habilidades de composición de personajes de comicidad agria. La historia tiene sus disparates y locuras que ella sabe muy bien como encajar en cada momento. Tener una familia de gente con propensión al suicidio puede ser un horror o una forma divertida de ver la vida…o la muerte. El público disfruta de los excesos escénicos e interpretativos de esta mujer de la escena.
Adolfo Simón
La flaqueza del bolchevique en el Off del Teatro Lara
Adaptación de la novela de Lorenzo Silva que fue finalista del premio Nadal en 1997. El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista. Esta obra nos evocada el personaje de Lolita que ha conseguido perturbar a todo tipo de público y estimular a los artistas a crear a partir del ideal que todos los seres humanos tenemos y que cuando alcanzamos, se evapora ante nuestra máscara. Una propuesta sencilla que centra la atención en el viaje emocional del protagonista.
Adolfo Simón
Seres de arcilla en Nave 73
Nave 73 es uno de los espacios escénicos más inquietos de la ciudad de Madrid. Un lugar donde poder ir a tomar algo antes o después de las funciones, visionar las exposiciones que se montan en el hall o disfrutar de la variada programación. Hay otros teatros que a fuerza de especializarse pierden el objetivo de llegar a un público variado algo que no tiene por qué ser negativo ya que en la variedad está el gusto y si se programa con gusto y criterio, pues ganamos todos. Este próximo fin de semana hay un programa intensivo de danza y en el anterior se realizaron las últimas funciones teatrales de enero. Vimos el último Cliff en la reposición de esta obra en la que Carlos Lorenzo hace un alarde interpretativo. Por la noche asistimos a Dextrocardiaco en el que los desamores de un joven por su eterno enamorado le harán crecer de manera divertida hacia la madurez afectiva. Y el sábado, a teatro lleno, descubrimos a una creadora que va a dar mucho que hablar: María Prado. En su pieza «(des)de los escombros» nos sumerge en un mar de recuerdos poéticos que por momentos se asoman al precipicio del presente. Un trabajo dramatúrgico y escénico muy sugerente en el tratamiento de la estructura y el espacio como lugar de poéticas múltiples. A ver qué nos depara Nave 73 en febrero.
Adolfo Simón
“La pequeña Bella Durmiente” en el Teatro Bellas Artes
“La pequeña Bella Durmiente” es una adaptación libre y divertida de la versión del francés Charles Perrault del cuento de hadas “La Bella Durmiente”. En esta nueva producción de Ópera Divertimento se respetan los personajes del relato original posteriormente versionado por los Hermanos Grimm y se introduce la figura de un duende que narrará y servirá de puente entre la escena y el público.
En esta ocasión se ha contado con la colaboración de Laura Cobo, diseñadora gráfica que se ha encargado de la elaboración de las películas que acompañan el relato y trabajo escénico. De este modo se puede disfrutar de la simbiosis teatro y cine que a los pequeños de la casa les hace disfrutar en gran medida.
Adolfo Simón
Monsieur de Pourceaug de Molière y Lully en los Teatros del Canal
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, raramente representada en fechas modernas, Monsieur de Pourceaugnac resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad…Recién llegado de Limoges para contraer matrimonio, Pourceaugnac es manipulado por doctores, mujeres, autoridades, pícaros, etc., hasta que debe huir de París. Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. Desde que William Christie fundó Les Arts Florissants en 1979, su actividad ha sido incesante. Especializados en música barroca, el ensemble debe su nombre a la ópera homónima de Marc-Antoine Charpentier, que fue su primera representación integral. Una producción firmaba por el Théâtre des Bouffes du Nord es garatía de investigación, rigor y placer, además, para esta ocasión se han aliado con Arts Florissants y el Centre International de Créations Théâtrales consiguiendo una obra total como resultado final. Pocas veces se puede disfrutar de un espectáculo donde el texto nos muestra, de manera critica, la hipocresía de la sociedad a través de una exquisita música en directo y una propuesta escénica inteligente en la que los actores cantan, bailan y actúan con entrega energética y emoción.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/monsieur-de-pourceaugnac/
Adolfo Simón
Pequeño catálogo sobre el fanatismo y la estupidez de Ignasi Vidal en La Pensión de las Pulgas
¿A qué vamos al teatro?¿A escuchar lo que queremos oír o a ver eso que nunca se cuenta, ni entre líneas?…
¿Para qué sirve el teatro?¿Para hacernos más borregos o para tener un pensamiento crítico?…
Voy al teatro a pensar o ver aquello en lo que no caí en cuenta en medio del ruido que se genera en la gran ciudad y que, a menudo, distrae nuestra mirada de lo esencial.
El teatro es un arma cargada de pensamiento cuando se usa para desvelar la verdad entre las mentiras o para poner el dedo en el centro de la herida….Por eso, el teatro se calla en las sociedades tiránicas.
Ahora vivimos un momento en el que parece que los crímenes cotidianos son más importantes que las matanzas en alta mar…Otra vez, la atención distraída.
En Pequeño catálogo sobre el fanatismo y la estupidez de Ignasi Vidal no se habla de buenos y malos, se expone como, la manada, se adentra en la jungla para perder el norte y, entonces, abandona la racionalidad para sacar el animal amordazado. Se habla secuencialmente e in crescenso de esa caída en picado a la irracionalidad bajo las excusas de “mi territorio y mis pertenencias”, como si lo material fuera tan importante, aunque cueste vidas y dolor.
No es una obra para salir pensando lo buenos que somos y que en desacuerdo estamos sobre las ideas torpes de los otros. No, en esta pieza fragmentada se nos invita a mirar el espejo estallado de una sociedad egoísta y narcisa que se mira el ombligo mientras escupe al que tiene delante. Y salimos teniendo que hacernos preguntas y recomponer el puzle incompleto del presente que solo es un hijo torpe del pasado. Y hay tres actores que se transforman con un cambio sutil de vestuario, pasando de una mirada del mundo a otra, sin titubeos.
De nuevo, La pensión de las pulgas ejerce la tarea de mostrar el teatro que no se atreve a exponerse en los templos sagrados, esos que se ponen medallas a diario haciendo ver que salvan al teatro desde sus poltronas, alejados de la realidad.
Adolfo Simón
Ninette y un señor de Murcia de Miguel Mihura
Llevada al teatro y al cine en varias ocasiones, esta obra de Mihura supuso en su estreno 1964 un antes y un después en el sistema de valores de la sociedad española de aquella época. La versión y puesta en escena de César Óliva, ajustada al texto original, ofrece una pincelada de aquella sociedad en pleno Franquismo, poniendo el acento en temas tan abiertos como el amor, la represión y el recuerdo perenne de su tierra por parte del exiliado. En el escenario de la sala grande del Centro de Arte Fernán Gómez aparece la reproducción de aquel mundo de los años sesenta que empezaba a pedir aires de libertad. Tal vez la pregunta ideal habría sido…¿Cómo vería Mihura hoy ese trayecto Murcia-Paris?…No podemos olvidar que, desgraciadamente, no todo lo que se soñaba entonces se ha hecho realidad y que seguimos escapando de este país a la búsqueda de un futuro mejor.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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