Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “La Joven Compañía

«Federico hacia Lorca» de La Joven Compañía en los Teatros del Canal

La Joven Compañía ha decidido acercarse y acercar a los jóvenes a Lorca aportando su grano de arena en la visión del legado del poeta. Los Teatros del Canal acogen las primeras representaciones que más tarde continuarán en Conde Duque.

Cuentan con colaboradores excelentes para ello: Irma Correa y Nando López al mando de la dramaturgia, Miguel del Arco como director, Pazo Azorín creando escenografías oníricas, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo  y toda la ilusión de sus actores.

La propuesta pretende crear pequeños destellos de las vivencias de Lorca a través de una recreación no lineal de su vida tomando como excusa el momento de su muerte, en el que se supone que pasa toda la vida por su mente. Una idea acertada en la que los autores han conseguido hilvanar textos del poeta y dramaturgo granadino, algunos más conocidos y otros más personales, escenas y personajes importantes en la vida de Lorca, como Maruja Mallo, Rafael Alberti, Margarita Manso, Luis Buñuel, Salvador Dalí, Buster Keaton, Luis Rosales o, incluso, el de José Antonio Primo de Rivera.

La puesta en escena conseguida por Miguel del Arco es potente, dinámica y arriesgada, con los actores pasándose el testigo de Lorca continuamente, expresando la alegría de vivir que irradiaba y generando flashes con su universo poético.

Como siempre, es importante destacar la gran labor pedagógica que La Joven Compañía sigue consiguiendo utilizando El Teatro como elemento generador de curiosidad y emoción, capaz de acercar a nuestros grandes autores a nuevas generaciones de estudiantes que tienen la oportunidad de disfrutar con propuestas de calidad excelente, pero que no aburren y permiten facilitar la labor de los profesores en la tarea de transmitir conocimientos importantes y de motivar para el aprendizaje.

Luis Mª García Grande.


«Proyecto Homero» de #LAJOVENCOMPAÑÍA en el Conde Duque

Es importante poder transmitir a los jóvenes la cultura clásica y sus discursos de alguna manera, ya que son plenamente actuales y nos ayudarán a comprender muchos de los hechos que suceden hoy en día. Hay profesionales que se están encargando de esto a través del teatro, rompiendo moldes y acercando la cultura a los más jóvenes de una manera actual y comprensible.

#PROYECTOHOMERO se compone de dos obras Ilíada y Odisea, adaptadas por Guillem Clua y Alberto Conejero respectivamente, dos dramaturgos contemporáneos que comprenden perfectamente la complejidad que conlleva enfrentarse a los textos de Homero y que han sabido adaptar y transmitir de diferente forma: Clua destripa cada personaje de Ilíada y nos expone de manera esquemática, pero concienzuda, toda la obra a través de las voces de los personajes que van pincelando lo que ha supuesto la guerra para ellos. Con este esfuerzo es fácil atraer a un público acostumbrado a ver Juego de Tronos pero que no conoce el «germen» de su cultura.

Conejero asume el viaje de Ulises y su hijo Telémaco en Odisea de una manera más narrativa, describiendo episodios fundamentales en la mitología y desgranando un recorrido que reflexiona acerca de nuestro propio recorrido vital. Ambas dramaturgias están dirigidas por José Luis Arellano, situándolas en un escenario sencillo, con unas gradas y una plataforma giratoria en medio que provoca la concentración en la actuación y en el entendimiento del mito y ofrece una versatilidad a la hora de enfrentarse a dos obras diferentes sin tener que realizar cambios rotundos.

Es necesario, pues, dar las gracias a #LAJOVENCOMPAÑÍA al tomar este tipo de iniciativas que suple el gran vacío que el sistema educativo no llena con una simple asignatura de cultura clásica y también es necesario recomendar a todos los profesores y educadores que se interesen por el teatro como método de enseñanza y chispa que prenderá la curiosidad por el conocimiento en nuestras futuras generaciones.

Luis Mª García Grande.

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La Joven Compañía viaja al origen del teatro

La Joven Compañía está creando un precedente del que surgirán, con el tiempo, muy interesantes efectos resultantes de todo lo que se está sembrando ahora. Resulta curioso que, de manera muy humilde, se ha ido construyendo un proyecto tan serio y necesario como este. No solo porque es una plataforma que permite el acceso a la profesionalidad a todo el sector joven de las artes escénicas si no, también, porque lo está haciendo con un rigor y generosidad envidiable. Cuando llevamos décadas intentando crear espacios oficiales que, con el dinero de todos se construyan puentes y tejidos culturales, sin conseguir, a día de hoy, mucho más que el relevo de gestores creativos que han desembarcado en los espacios para realizar su obra magna, olvidando que su tarea es, sobre todo, construir una realidad que aglutine los profesionales y les proteja en la complicada y frágil tarea de la creación. Pero bueno, ese es otro debate sobre el que habría que pedir responsabilidad algún día y que, los gestores en activo hoy, todavía están a tiempo de mirar con lupa el trabajo que se está desarrollando en La joven compañía. Sus primeros trabajos fueron una búsqueda de lenguaje común, de elenco creador y gestor del que han surgido trabajos muy interesantes. Ahora, han dado un giro o una pausa a ese posible repertorio poético y han viajado a los orígenes del teatro: Proyecto Homero. Y ahí, con la misma pasión de equipo, han sumado a dos autores: Alberto Conejero y Guillem Clua a los que han encomendado la tarea de adaptar a hoy La Odisea y La Ilíada. Las comparaciones son odiosas y en este caso más y valorando la idea de buscar un espacio común para las dos propuestas y un equipo artístico que transita también por las dos piezas. Ambos trabajos son muy valiosos y el patio de butacas lo valora como pude comprobar en una sesión doble para Institutos. No obstante, hay algo en La Ilíada que le da contundencia escénica, tal vez tiene que ver con ese lenguaje corporal paralelo que va construyendo un sub-texto escénico de gran poder. La Odisea nos sumerge en un viaje que sobrevuela más por encima de las olas del mar.…en la otra, nos sumergen en las entrañas de una tormenta marina.
Adolfo SimónProyecto-Homero-Marzo_002la-epica-de-los-ulises-del-siglo-xxi


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La Joven Compañía busca…

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Hey Boy Hey Girl de La Joven Compañía en el Teatro Conde Duque

De Verona a Gandia…
Tras el éxito conseguido en las pasadas temporadas, la Joven Compañía regresa a casa. El Teatro Conde Duque acoge de nuevo el espectáculo Hey Boy Hey Girl. La tragedia romántica de Shakespeare ambientada en un reality show. Una compañía que surge de la necesidad de reivindicar una oportunidad para los jóvenes artistas, se enmarca en el proyecto Teatro Joven, un lugar de encuentro entre gente del sector artístico, profesores y alumnos de secundaria y bachillerato. Teatro hecho por jóvenes que inician su camino profesional, no solo a nivel interpretativo, sino también en la regiduria , escenografía, producción, vestuario etc y que esta echa para jóvenes. Con la intención de renovar el teatro, creando un tejido cultural accesible que suscite a ese nuevo sector del publico, el adolescente. Y es que a pesar de su corta vida, ya acumula premios. Esta vez el viaje transcurre entre focos y cámaras. Hey Boy Hey Girl, es una divertida y fresca adaptación del ROMEO Y JULIETA de Shakespeare. Que dirige Jose Luis Arellanos y ha versionado Jordi Casanovas para un elenco dejóvenes actores que demuestran estar a la altura de la propuesta. Donde los clásicos personajes se convierten en caras famosas, chonis y canis, que experimenta y sufren en sus propias carnes el éxito que les envuelve al participar en un venenoso programa de televisión. Una readaptación shakespiriana que se acerca a la vida de los adolescentes, dónde dos grupos de chavales conviven en casas separadas en busca de mayor éxito para mantenerse en la audiencia. Pero una serie de sucesos convertirá su estancia en una verdadera tragedia. La obra que comienza con energía tiene drama, critica y sobretodo un mensaje con reflexión. Donde la escenografía, dos grandes piezas moviles, que simulan ser las estancias, adquiere un gran protagonismo y en algunos momentos por el juego que se le da ponen en tensión al espectador por su peligrosidad perdiendo la atencion de la escena.
Pablo Canoromeo-y-julieta-la-joven-compania


Juanjo Llorens: La luz es algo que forma parte de nuestra vida desde el momento que nacemos, nos puede transportar a espacios emocionales muy diferentes, la luz nos incomoda o nos da seguridad

juanjo¿Cómo surge el proyecto para que ilumines “Cabaret”?…
Ya había colaborado con Som Produce en el espectáculo Sinfonity en el Teatro Nuevo Alcalá y también en el musical Avenue Q, y una vez que se decidieron por mi como iluminador, me comentaron su idea y con el director nos pusimos a trabajar junto con todo el equipo creativo.
Me imagino que el que hubiera iluminado los últimos espectáculos de cabaret de la cartelera nacional como «The Hole» y «The Hole 2» o algún que otro musical mas teatral como «Excitame» unido a mi trayectoria como iluminador, habrá influido en la decisión.

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¿Dónde crees que has de acentuar la iluminación en un musical?…
Creo que la luz de un musical no deja de ser un espectáculo muy teatral y la unión de estos dos lenguajes, musical y teatral, te permite ser más fino y expresivo en las partes habladas, y poder poner el toque más espectacular y efectista en los temas musicales, ya que creo que por muy teatrales que sean las partes musicales, el lenguaje de la música nos permite acompañarlo con un pequeño acento de luz para intentar llevarnos al mismo mundo en el que el actor se sitúa para musicalizar su texto.

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¿Te ha influido la iluminación de la película o has tratado de hacer otro tipo de iluminación?…
Es una propuesta muy distinta tanto de la película como de anteriores referentes teatrales. La película me parece mas atrevida que la documentación sobre la que he trabajado de otras puestas en escenas. El último referente que vimos en España era un espectáculo muy bueno pero esta puesta en escena no tiene nada que ver con el.
Así que aunque cogiendo como referente la película no tiene nada que ver ni con la película ni con ninguna producción anterior… creo.

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¿Hay algún referente estético que has utilizado en esta ocasión?…
Creo que el referente estético lo ha condicionado la escenografía y el trabajo de mesa para la puesta en escena en esta producción.

¿Cómo afecta el vestuario o la escenografía a la hora de iluminar un musical u otro tipo de espectáculo donde estos elementos sean muy coloristas o espectaculares?…
Evidentemente la escenografía te condiciona mucho, primero debemos, valorar la parte técnica ya que si hay muchos elementos escenográficos que juegan en escena y tienen unos volúmenes determinados, te condicionan el espacio físico en las varas que al mismo tiempo condicionan la situación de los focos. Una vez realizada la implantación de decorados y varas de iluminación tienes que ver los «huecos» reales que quedan para poder ir creciendo en los detalles. Siempre hablas con el escenógrafo para incluir elemento de luz dentro de los decorados o que se puedan inventar ventanas o falsos huecos en perspectiva para poder añadir calles de luz. No olvidemos que luego los actores deben tener un recorrido limpio siempre entre cajas para poder llegar a las escenas. En cuanto al vestuario, es algo que siempre va a favor de la luz y tenemos que ser muy conscientes del tipo de tejidos y colores que se utilizan para poder potenciarlos e ir a favor de ellos en beneficio de la luz y del espectáculo.
Tanto con los decorados como con los trajes hay determinadas pinturas y tejidos que no se favorecen en nada con la luz y que incluso se esconden o oscurecen, en definitiva si un vestuario brilla, la luz brilla con el y si un vestuario es oscuro nos llevará a otro estado anímico.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
Por suerte esta siendo un año muy productivo de trabajo, donde he podido hacer un poquito de todo. Lo empecé con la Tragedia de Carmen, Ópera producida por el Teatro Calderón de Valladolid, alguna gala como los premios Goya y los premios Max, colaborar con la Joven Compañía en Fuente Ovejuna y Hey Boy Hey Girl, me puso las pilas al poder trabajar con gente joven con ese entusiasmo; algún clásico con Dario Facal como el Sueño de una noche de verano, algo de circo como Cabaret Maldito del Circo de los Horrores y el proyecto más interesante de este año como fue La Antigona con el Teatro de la Ciudad, por la experiencia que supuso colaborar con otros compañeros iluminadores y creativos para poder poner un trabajo en común de distintos espectáculos a la vez.

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¿Hay algún motivo que te seduzca más a la hora de elegir un proyecto u otro?…
Me tienen que llegar desde la emoción que me transmiten en el primer momento, tanto el texto como las personas que me lo cuentan.

¿Cómo surge la inspiración para tus diseños de iluminación?…
Una vez que leo los textos y me cuentan las pautas que debo seguir, veo imágenes que siempre son las que intento defender. Alguna vez que he querido cambiarlas y siempre he tenido que volver a ellas, así que hace tiempo que las primeras ideas e imágenes que me vienen a la cabeza son las que intento transmitir en el escenario.

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¿Te interesaría la pedagogía de la iluminación?…
Es una parte que tengo que desarrollar, la luz es mucho más de lo que la gente ve. Es algo que forma parte de nuestra vida desde el momento que nacemos, nos puede transportar a espacios emocionales muy diferentes, la luz nos incomoda o nos da seguridad; dependiendo de la luz que nos encontremos en los sitios hace que estemos de una manera muy distinta, nos podemos quedar en un sitio o nos tenemos que ir a otro. Nos hace relacionar situaciones y espacios que ya hemos vivido, en fin es algo que llevamos muy unidos a nuestro día a día y a nuestro universo emocional..

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¿Para cuándo un libro sobre tu experiencia de iluminador?…
Bueno, me imagino que tardará en hacerse, voy guardando todos mis trabajos y a lo mejor algún día contaré mis experiencias.

¿Qué proyectos tienes entre manos?.
Pues mas espectáculos de cabaret, el estreno La Celia y El Cabaret de los Hombres perdidos en los Teatro del Canal, un poquito de danza con Otra danza y ya planteando el Hamlet para la CNTC y Kamizake dirigido por Miguel del Arco para el Teatro de la Comedia.

 


FO-Fuente ovejuna de Lope de Vega/Juan Mayorga por La Joven Compañía

Todavía hay oportunidad para no perderse la primera propuesta escénica de La Joven Compañía que se ha recuperado de nuevo para disfrute de todo el público que no tuvimos ocasión de verla en su presentación original. Un espectáculo contundente y sintético; la versión de Juan Mayorga va al corazón y a la columna de la obra, sin perderse en los detalles anecdóticos del texto. La puesta en escena es bella y cruda, llena de signos y momentos que entran profundamente en las situaciones y psicología de cada momento y de los personajes. Todo aporta y suma…luz, video en directo, música improvisada…Y unos actores potentes y arriesgados, nadie diría que son tan jóvenes…Y además, hacen que el verso llegue natural al patio de butacas. Un juego popular que se convierte en un cuento terrible para volver al reencuentro de la ciudadanía en la plaza del pueblo.
Adolfo Simón

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Fernando J. López: Los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres

nando¿Cómo surge la obra que acabas de estrenar en el Teatro Bellas Artes?…
De mutuo desacuerdo surge a partir de dos vías diferentes que coincidieron casualmente en el tiempo. La primera fueron mis charlas en centros escolares como novelista. En ellas comento con mis lectores adolescentes títulos como El reino de las Tres Lunas o La edad de la ira y en esos coloquios salen muchos temas que les inquietan y que abren ante mí posibles historias futuras. En más de una de esas charlas se abordó la inquietud que les provocaba verse desubicados ante sus padres, perdidos en una guerra que no era suya y convertidos en armas arrojadizas entre uno y otro. Ese tema, que me pareció que era necesario abordar en el escenario, coincidió con que acababa de estrenar Cuando fuimos dos, una historia de amor entre dos hombres en la que pretendí captar la cotidianidad de una relación gay. Por ese motivo me apetecía cambiar de registro –pasar del drama a la comedia- y, a la vez, seguir trabajando en el mundo de la pareja, pero abordando en esta ocasión el momento de la ruptura. La suma de ambos factores dio lugar a esta comedia ácida en la que bajo cada risa hay una cicatriz y un poso de amargura.

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Háblanos del texto…Del proceso de escritura…
El proceso de escritura del texto fue especialmente complejo. Tenía claro que quería evitar la moralina, los juicios de valor y, sobre todo, el maniqueísmo. Necesitaba entender bien a los dos personajes y construirlos con idéntica grandeza y ruindad. Ninguno de nosotros somos, en nuestra inmensa mayoría, héroes ni villanos, así que intento que mis personajes reproduzcan esa misma realidad. Además, como el tema afecta a mucha gente –más de un espectador y espectadora suelta alguna lágrima en ciertos momentos de la función- necesitaba encontrar el modo de que la comedia funcionase y, a la vez, permitiese una reflexión a posteriori. Todo ello se materializó cuando di con la estructura que es, siempre, el primer elemento que decido tanto cuando abordo la escritura de una obra teatral como cuando me enfrento a una novela. Tenía claro que mi protagonista debía ser un personaje ausente: Sergio, el niño-mochila. Pues esta obra, en realidad, es la historia de su vida y de cómo los actos de los adultos encuentran su eco –irresponsable y peligroso- en los más menores. Si él era el protagonsita ausente, la obra tenía que estructurarse siguiendo el ritmo de su vida, es decir, como un curso escolar. De ahí que se componga de una sucesión de escenas breves que tratan de retratar, de modo impresionista, la evolución de la relación entre Sandra e Ignacio. Por último, como el curso al que se enfrentan tanto Sandra como Ignacio es el de aprender a comunicarse, la obra debía partir del yo para llegar al nosotros, de ahí que el primer acto –en nombre y en espacio- sea Ella; el segundo, Él; y el tercero, Ellos.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los referentes surgen sin que los controles, solo eres consciente de ellos cuando has acabado el texto y te das cuenta de que hay muchos elementos de obras y autores que te gustan en ellos. En realidad, no hay obra que no sea una construcción de otras tantas anteriores de las que se nutre. En este caso, confieso que resulta evidente mi pasión por autores como Woody Allen –por el tono urbano de la pieza y su búsqueda de la profundidad a partir de la trivialidad- o Neil LaBute, en especial, en una de mis escenas favoritas de la obra, la del restaurante. Una escena que requería un director tan experimentado como Quino Falero y dos actores de la talla de Toni Acosta e Iñaki Miramón. Lo que hacen ambos en escena en esta obra es prodigioso: sin ellos no habría sido posible que De mutuo desacuerdo fuera como es.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
A veces surgen de mis necesidades expresivas: no puedo vivir sin escribir y sin tratar de retratar el mundo en el que vivo. Este es el caso de Cuando fuimos dos, con la que intentaba ejercer el activismo y la defensa de los derechos LGTB desde una propuesta que ahondaba en cómo el amor no admite etiquetas ni estereotipos, o el caso de De mutuo desacuerdo, donde quería ofrecer un retrato de la familia del siglo XXI alejado de ese buenrollismo tradicionalista que no tiene nada que ver con el concepto de familia actual. Ahora, por suerte, hay muchos más modelos –homoparentales, monoparentales…- y todos son válidos y necesarios mientras se respeten los derechos del menor. De eso y de la identidad tras una ruptura (¿quiénes somos cuando ya no somos parte de aquel a quien queríamos?) habla esta obra.
A veces, sin embargo, los proyectos surgen a partir de personas que me proponen aventuras que me apetece compartir, como mi nuevo texto, Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Rocío Vidal y de repetir con un director al que quiero y admiro tanto como Quino Falero.
Ahora mismo, por ejemplo, ando embarcado en la escritura de nuevos textos e incluso de alguna adaptación que son encargos de gente que me inspira por su implicación y su creatividad. Estar rodeado de personas así es siempre un enorme estímulo.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No sé si desde dentro es posible responder a esa pregunta. Creo que si tuviera que elegir un rasgo diría depuración. Cada vez busco una mayor precisión, una mayor estilización de la realidad que retrato. Prefiero sugerir a partir de situaciones y esbozos de vidas, dejando que sea el espectador quien complete el resto. Además creo que, frente a lo que debería ser más lógico, he ganado en espontaneidad: la experiencia y el rodaje me han permitido liberarme de miedos y abordar géneros y tonos muy diferentes entre sí. Esa diversidad me permite afrontar nuevos retos y, sobre todo, seguir creciendo.

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¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…¿Tienes un método para escribir?…
Creo que se pueden aprender técnicas, sin duda, pero es necesario partir de una voluntad de comunicación dramatúrgica. No es una pulsión tan infrencuente como creemos y sí estoy convencido de que a escribir se aprende escribiendo. Los talleres o incluso los master –y yo soy actualmente profesor de Dramaturgia en el Master de la Universidad de Alcalá de Henares y la AAT- permiten pulir errores, adquirir nuevas estrategias…, pero sobre todo, son un punto de unión con otros dramaturgos y el verdadero aprendizaje sucede al confrontar textos y experiencias.
En cuanto a mi método de escritura, como comentaba antes, suelo partir del tema que me ocupa y de la estructura. Creo que la forma es esencial para contar algo: el qué puede perder o ver tergiversado su sentido sin el cómo.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Sin duda. Alguna vez lo he hecho a la inversa y al final he acabado arrepintiéndome. Los textos varían, evolucionan, crecen, mutan… Y esa vida hace que finalmente sufran modificaciones que los enriquecen y que es una pena que no se vean reflejadas en la obra publicada. En el caso de De mutuo desacuerdo, por ejemplo, hay una escena completa que surgió poco antes de los ensayos gracias a una conversación con Toni Acosta en la que, además de quedarme deslumbrado por el talento de quien iba a ser mi futura Sandra, di con una idea a través de esa charla que me permitía cambiar una escena que no me convencía por otra que, ahora mismo y por lo que vemos en la reacción del público, funciona perfectamente. Por eso en este caso la obra se va a editar justo a finales de este mes en Ediciones Antígona, porque ahora sí que el texto ha alcanzado su forma definitiva.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…Háblanos de ello…
Hace mucho tiempo también actuaba, aunque solo en plan amateur y, por suerte para los amantes del teatro, dejé de hacerlo pronto. Creo que era el peor actor del mundo… Y aún hoy me sigo poniendo nervioso cuando, en los estrenos, me toca salir a escena a saludar.
También he dirigido muchos de mis montajes y, aunque no descarto volver a hacerlo, ahora mismo me aporta mucho más el trabajo con otros directores. Así me ha sucedido con Quino, con quien desde Cuando fuimos dos he formado un tándem que me enriquece enormemente y de quien no dejo de aprender en cada nuevo proyecto que abordamos juntos. Quizá por eso ahora no me veo dirigiendo un texto mío, sino que prefiero verlo en manos de otro para que le aporte su personal punto de vista. Ese rasgo colectivo del teatro es lo que más me gusta de este género.

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¿Por qué escribes teatro?…¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
Porque con quince años me enamoré de una función que vi en la Sala Triángulo gracias a una profesora de mi instituto. Se llamaba Retén y estaba escrita por Ernesto Caballero. Allí me di cuenta por primera vez del poder del teatro para poder alterar conciencias, provocar emociones y, sobre todo, llegar con fuerza a la sensibilidad del público. Por eso en mis obras, ya sean dramas o comedias, abordo temas aparentemente cotidianos que, en realidad, siempre encubren los mismos temas, dos ideas obsesivas que se repiten en todo cuanto escribo: la comunicación (¿realmente el lenguaje nos acerca? ¿y qué lenguaje: el verbal o el físico?) y la identidad (¿quiénes somos ante nosotros mismos? ¿y frente a los demás?).

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Ahora mismo veo un combate que se libra entre la desidia gubernamental –nuestro Ministerio de Educación y Cultura es, posiblemente, el que más ha despreciado la Educación y la Cultura en mucho tiempo- y las ganas y la voluntad de crear de mucha gente que estamos dejándonos la piel en este oficio. Me quedo con los segundos, claro, con toda esa generación de nuevos autores, actores y directores que estamos peleando día a día frente a la mezquindad de quienes prefieren ahogar el teatro con medidas tan inadmisibles como la subida del IVA cultural (no olvidemos que los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres).

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
No es fácil elegir un solo montaje que haya visto recientemente, pues –por suerte- hay mucho y buen teatro aquí y ahora. Pero admito que tengo debilidad por la versión de Romeo y Julieta que, bajo el título de Hey boy, hey girl, ha escrito Jordi Casanovas para La Joven Compañía. El proyecto en sí me parece excepcional y muy necesario, pero el trabajo del autor sumado al talento de los actores y a la magistral dirección de José Luis Arellano ha dado como resultado un espectáculo redondo en todos los sentidos.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Proyectos?…
La única sugerencia es la perserverancia. No hay crisis que no se pueda vencer con tenacidad. Aunque a veces la obstinación nos cueste cara y se nos quede media vida en ello…
En cuanto a los proyectos, ando ya trabajando en un monólogo femenino que verá la luz este año y que lleva por título Los amores diversos. Está protagonizado por Rocío Vidal y dirigido por Quino Falero, y se trata de un homenaje a la poesía a través de la historia de una mujer que, tras la muerte de su padre, se ve abocada a afrontar los recuerdos de una vida en la que no acaba de reconocerse a partir de los textos y de los versos que, desde niña, compartieron juntos. Es una obra en la que se habla del amor a la literatura, del amor ante los demás –hay una importante carga de activismo y visibilidad lésbica en el texto- y del amor a uno mismo. De nuevo, el tema que me obsesiona en todos y cada uno de mis textos: la identidad.


Punk Rock de Simon Stephens en el Conde Duque

De nuevo, La Joven Compañía acierta en la propuesta con la que abre la nueva temporada de exhibición del trabajo realizado en los últimos meses. En esta ocasión, con Punk Rock, abordan los problemas de los adolescentes enfrentados a ese momento complicado donde tienen que aprender a relacionarse, a elegir su futuro y a encontrar un hueco en la sociedad que les ha tocado vivir. La obra transcurre en un Instituto en el que iremos viendo como los deseos frustrados y la realidad deformada provoca situaciones trágicas que superan a los protagonistas. La puesta en escena contiene elementos reales cruzados con mundos imaginarios. Y el joven elenco se deja de nuevo la piel en la escena.
Adolfo Simón

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Encuentro con el autor Simón Stephens en el Conde Duque

Ayer por la tarde hubo un encuentro con Simón Stephens en el Teatro Conde Duque, el autor ha venido a Madrid para ver la propuestas escénica que ha hecho de su obra La Jóven Compañía… A partir de las preguntas de los asistentes…Nos dejó estas reflexiones sobre su trabajo…
«No escribo literatura… Diálogos… Intento atrapar el mapa de los comportamientos…
Aprendo teatro viendo obras en idiomas que no entiendo…»
«Escribo para entender cosas que no entiendo… Para reparar cosas que se estropearon… Siempre vuelvo sobre los mismos temas… Con humildad…Intento entrar en los huecos que están vacíos…»
«Hay tres tipos de obra en mi carrera…
-Las que escribí originariamente… Y que tienen mi huella mas profunda…
-Cuando versiono obras de otros autores… Tratando de ser fiel a la estructura, acción… Ahí hago un trabajo lingüístico…
-Y cuando adapto una novela a lo que necesita ese texto para ser escenificado…el 80 por ciento es del original y yo aporto un 20… Ahí trato de encontrar una forma dramática que haga de la novela… Teatro.»
«Cada producción que se ha hecho de Punk Rock ha sido diferente y creo que todas son fieles a mi texto… Hay muchas lecturas posibles de un texto. Para mi, un texto teatral es un gesto o provocación para un director, un productor… Un equipo artístico… Para estimular su creatividad…al final…¿Quien es el autor de lo que se muestra?…»
«Me interesa hablar de la cordura en un mundo loco… Siempre vuelvo a los mismos temas con formas distintas…»
«Para mi… La contradicción es fundamental…el borrador que entrego al teatro es lo definitivo… Después, lo leen y me hacen sugerencias que tengo en cuenta… Y cuando lo dicen los actores, hay que seguir revisando lo… Y en el estreno… Creo que esta terminado pero no…una obra de teatro ha de estar viva siempre… Modificando se siempre que se pueda…»
«Nuestros fracasos nos distinguen, el éxito no es posible realmente.»
«Los personajes de Punk Rock son ficción, totalmente imaginados pero muy documentados… Extraídos de mi, con distancia…»
«Las obras suelen surgir de…
-Experiencia del autor.
-Experiencias observadas.
-Experiencia de investigación.
-Experiencia artística…inspiración de otras creaciones.
-Experiencia teatral… ¿Cual sería el mejor gesto en la escena?…»
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El señor de las moscas de William Golding por La Joven Compañía

De nuevo, La Joven Compañía se presenta en el Teatro Conde Duque de Madrid. A lo largo de la temporada han mostrado varios trabajos de distinta índole y de gran interés por múltiples razones. En este caso es la adaptación para la escena de la novela El señor de las moscas de William Golding en versión de José Luis Arellano que también firma la puesta en escena. En esta ocasión, siguen con temáticas que son de interés para cualquier público pero que son idóneas para adolescentes, algo que tiene gran coherencia al formar parte del programa de aprendizaje de esta estupenda fabrica de creación. Ya hay unos rasgos estéticos que van configurando la personalidad plástica de esta Compañía y sobre todo, lo que están consiguiendo es un equipo artístico y técnico de gran calidad; ya quisieran muchas compañías tener este grupo humano tan entregado y preparado. Los que dan la cara y se dejan la piel en escena son los actores que de nuevo, consiguen credibilidad y fuerza para contarnos esta historia que nos habla de lo que se esconde detrás de ser civilizado que somos. Todavía quedan unos días de representación, no se la pierdan.
Adolfo Simón

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Invasión de La Joven Compañía en Escena Conde Duque

 

En estos tiempos de dificultades para poder llevar a cabo proyectos culturales, en el Centro Cultural Conde Duque lleva un tiempo presentándose el proyecto de La joven Compañía, una idea seria e inteligente planteada por una serie de profesionales para dar acceso a la profesión a nuevas promociones de la escena. El primer espectáculo mostrado fue uno de nuestros clásicos y esta semana cierran la segunda presentación, en este caso, un texto contemporáneo escrito para la propia compañía. Invasión de Guillem Clua plantea la hipótesis de una guerra futura que tiene raíces en el pasado; al final nos marchamos con la sensación de que todas las guerras descienden, las unas de las otras en la historia y que siempre pagan el horror los inocentes. Una escenografía sencilla y efectiva sumada a unas luces sugerentes y una atmósfera sonora inquietante arropan a un reparto de jóvenes actores cuya vitalidad y credibilidad dan buenos augurios para este proyecto. Este fin de semana todavía puede verse la función.

Adolfo Simón

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