Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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20 AÑOS EL CURRO DT: “LA INSIGNE MONJA GERÓNIMA” EN LA SALA MIRADOR

La insigne monja Gerónima cuenta la historia de una mujer llamada Juana que un día decidió hacerse monja para poder escribir, y que otro día tuvo que renunciar a sus letras para poder sobrevivir. La insigne monja Gerónima es un capricho coreográfico a propósito de la vida y no de la obra de la ilustre monja y poeta mejicana Juana Inés de la Cruz, en particular visión de la agrupación teatral y dancística.

El Curro DT ha sabido desarrollar una poética propia en sus montajes que homenajea a Sor Juana Inés de la Cruz mediante una escenografía original, entre papeles arrugados, unas representaciones modernas, da igual monjas o monjos, de Juana deambulan, imaginan y sacan al exterior los sentimientos e inquietudes que la misma desarrollaba a través de sus escritos, de sus poemas, de su vida. Una vida ejemplar de luchadora entre hábitos que reivindicaba su espacio como escritora y mujer en aquellos tiempos. Juana decidió rasgarse los hábitos, revolcarse entre las hojas de los libros y de sus escritos, deshojar los libros, declamar el verso  y hacer volar los papeles con sus palabras escritas, para que al menos ellos tuvieran libertad y un espacio, al menos en el aire…

La dramaturgia intenta rascar en todo momento esos sentimientos y exteriorizarlos a través de la danza y la representación metateatral. Una representación  en la que sus protagonistas se van dejando la piel y las letras, un espactáculo poético y contemporáneo que no va a dejar indiferente a nadie.

Luis Mª García Grande

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“Ternura negra” en la Sala Mirador

Si María Estuardo levantara la cabeza y viese a una actriz con un palo de esos del móvil de la mano interpretándola a través de skype seguramente no entendería nada y querría volver a su cautiverio en Tutbury.  Si ustedes llegan al teatro y ven esto pueden pensar que Denise Despeyroux se ha pasado de postmoderna. Si luego empiezan a observar elementos paranormales, fantasmas, posesiones corporales inesperadas, apariciones virtuales y otras lindezas puede que incluso se queden pegados al asiento esperando ver qué va a suceder…Todo tiene una explicación y un desarrollo para poder justificar tamañas modernidades.

La obra propone una revisión histórica de la figura de la Estuardo recreando un ficticio montaje teatral en la actualidad sobre su persona y estableciendo paralelismos sobre su pasión amorosa. Una propuesta interesante, bien estructurada y que engancha desde el primer momento que observamos la escenografía y genera curiosidad y tensión dramática a cada instante. La dramaturgia deambula entre la contemporaneidad y el clasicismo permitiendo que los actores demuestren su versatilidad interpretativa y afronten con profundidad cada situación propuesta. Ester Bellver, Joancarles Suau y un virtual Fernando Cayo han sabido sumergirse en la propuesta de Despeyroux y exprimir el texto perfectamente.

Todos estos personajes, actores y fantasmas estarán en la Sala Mirador del 14 de enero al 7 de febrero.

Luis Mª García


Estefanía de los Santos: Una virtud que tiene el Teatro es la multifunción

estefania0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La primera primerísima actuación en el salón de mi casa para familiares y amigos, eso ya era hacer teatro!! y profesionalmente en la Sala Mirador con “Los viernes del Hotel Luna Caribe” obra dirigida por Fermín Cabal y escrita por Alberto de Casso. Fui feliz!!

¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Por supuesto…la profesión que acompaña siempre a la actuación; camarera! Bueno y mil cosas más pero esa la que más.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Algo inevitablemente necesario, me identifico como persona teatral. En muchos sentidos…menos mal que siempre tendré salones donde poder saciarme!!.

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¿Por qué haces teatro?…
Para ser feliz, haciéndolo me aseguro un ratito de felicidad.

¿Qué balance harías sobre tu  trayectoria?…
De montaña rusa.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
Las que ha tenido y tendrá siempre; mostrar realidades, ensoñar, entretener, divertir…Es una virtud que tiene el Teatro; la multifunción.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?Háblanos de ello…
En teatro: ”Las Plantas(la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” , “Las palabras(una historia de amor) ambas de Pablo Messiez, dos maravillas para mi corazón por muchas razones…y “Normal” de Chiqui Carabante para Microteatro un loco divertimento. En cine: ”Hablar” de Joaquín Oristrel un proyecto muy interesante ya que es una película de un sólo plano secuencia y “Chica busca chica” de Sonia Sebastián una divertidísima película de enredo. Se estrenan este año. Y he participado en tres cortos también: ”Quiero conocer a Brad Pitt” de Esteban Garrido y “Más sabe el diablo” de Benja de la Rosa, dos cortos que son dos chaladuras muy locas!. Y ”Hermano” escrito y dirigido por Javier Roldán, una hermosura…

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje Las plantas?…Háblanos de este trabajo
Fue un regalo de Pablo Messiez por Reyes. Siempre lo digo; ¡Yo no creo en los Reyes pero sí en Pablo!!. Es uno de los mejores regalos de mi vida.
De los trabajos más satisfactorios, me está dando muchas alegrías, muchas reflexiones…

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¿Cómo ha sido el trabajo con Pablo Messiez?…
Fácil, fluido, lleno de amor, trabajar con Pablo es una bendición, una suerte caída del cielo. Te hace sentir bien todo el rato. Es pura generosidad.

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Pues yo a mis personajes los pienso mucho; sobre todo, y después los siento y los quiero y como por arte de magia sus expresiones van apareciendo, se van encarnando en mi cuerpo… Y, cosa rara!! el hecho de como van peinados me los termina de colocar!… Ya ves…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Cuál salmones…luchando contra corriente! Los recortes y el 21% i.v.a son actos satánicos. Pero aquí estamos bieeen ricos de espíritu!.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Comento un par, aunque me han interesado más; “La piedra oscura” es una joya! quien la haya visto sabe los tantos porqués y quien no la haya visto que corra, vuele para conseguir entradas para la próxima temporada.
Y “A vueltas con la vida” la gran Beatriz Carvajal está espectacular. Adoro a esta mujer.
Recomiendo “Killing Paquito”, ”A-creedores”, ”Como si pasara un tren”…aaah! ¡tanto buen teatro!…

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¿Proyectos?…
Estoy en pleno rodaje de “La Tama”(título provisional) de Martín Costa. Esta película va a sorprender. En breve empiezo ensayos para un Microteatro dirigido por Sonia Sebastián que me apetece muchísimo entre otras cosas,trabajo por primera vez con mi hermano Guillermo de los Santos y es un sueño cumplido!. Y seguiremos regando “Las plantas(la carne,la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” ¡qué me llena de felicidad!…Bueno y algunas cosas que están por cerrar y ya se sabe…
Y el proyecto de los proyectazos seguir viviendo con alegría y estusiasmo!.


Silvia Gallerano en La merda (La mierda) de Cristian Ceresoli dentro del Festival de Otoño a Primavera en la Sala Mirador

Tras presentarse con gran revuelo en el Fringe Festival de Edimburgo en 2012 y 2013, La Merda ha sido merecedora de grandes premios internacionales, como los codiciados Scotsman Fringe First y el The Stage Award a la mejor actriz, la intérprete italiana Silvia Gallerano. El éxito de la obra se asienta sobre dos grandes pilares: los certeros y airados textos de Cristian Ceresoli y la cautivadora interpretación de su “joven, fea y desnuda” protagonista, como literalmente la describe la propia compañía. En un descarnado monólogo, Gallerano descubre sobre las tablas sus secretos más terribles mientras lucha de forma valiente, decidida y obstinada por alcanzar el éxito en un lugar que ella misma define como “la sociedad de los muslos y la libertad”. Vivimos en un mundo donde la imagen es lo que cuenta, tanto mides tanto vales… De ese modo creamos monstruos que no están cómodos en su piel y terminan ahogados en su propia mierda. Un mundo cruel y despiadado donde los frágiles han de convertirse en animales salvajes que se muerden las manos para no acariciar los deseos profundos, esos que podrían hacer evaporar los fantasmas del pasado que nos empujan al precipicio de la dependencia e insatisfacción. La merda es un grito filosófico sobre la decadencia de un tiempo que va a la deriva. Una propuesta minimalista y contundente en la que nos encontramos a un ser semi-salvaje, feo por dentro y por fuera que al final, en el saludo, envuelto en un estandarte, recuperar la dignidad humana.
Adolfo Simónla-merda1


“Granos de uva en el paladar” en la Sala Mirador

Un suelo rojo, unas bombillas pendiendo de cables y un cuerpo tendido al fondo, es todo cuanto recibe al espectador antes de que comience la obra. En seguida, una canción popular anuncia la entrada del resto de actrices. Una canción que llega de otro lugar y parece querer convocar otro tiempo. Cuando éstas – las actrices – entran en escena así ocurre: una parte de nuestro pasado, de nuestra historia, cobra vida en el escenario. Una prenda gris, que aparentemente nada dice, les sirve a ellas para transfigurarse en aquel valiente y torero propietario, en una joven o un muchacho, monja o soldado de un pelotón de fusilamiento. Con esta mínima e infinita prenda, junto con sus cuerpos, sus voces y sus acciones construyen estas jóvenes actrices tres historias quebradas, tres mundos marcados por una guerra fratricida y su correspondiente dictadura. Nada más entra en la escena para acompañar al cuerpo tendido sobre el suelo rojo que dio la bienvenida al espectador. La acción del resto nos atrapa y parece desarrollarse indiferente a su presencia. Pasado el tiempo, su total inmovilidad y posición poco privilegiada, le confiere cierto carácter de elemento escénico. Pero un cuerpo tendido, esté donde esté, no se puede ignorar: capta la atención y plantea cuestiones al espectador. La puesta en escena resuelve algunas: todas aquellas que tienen que ver con la fabula, con la historia. Es generosa dejando otras abiertas: aquellas que apelan a la memoria y al recuerdo de toda víctima. La puesta en escena, gracias al trabajo de sus actrices, logra transformar ese espacio, ese no-lugar que es cualquier pasado, en otros donde olvidados y silenciados cobran vida. En un lugar donde el tiempo se dobla y los cuerpos abandonados por la historia despiertan.
Más que interesante propuesta de unas jóvenes actrices españolas nacido y creado en Argentina donde se percataron de “que la obstinación por ocultar no pertenece a una frontera”. Proyecto que tras cuatro temporadas en Buenos Aires, donde contaron con el apoyo de las Madres y Abuelas de la Plaza de Mayo, y pasar por Madrid, inicia una gira por España. Un viaje de ida y vuelta a la Memoria.
http://granosdeuvaenelpaladar.blogspot.com.es/p/gira-espana.html
Juan Antonio Marigil

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Kike Guaza: El teatro es de los pocos lugares en los que uno puede asistir a una experiencia única

kike¿Como fueron tus inicios en teatro? ¿Realizaste otras facetas ademas de la actuación?… Empecé
de muy joven, divirtiendome; después me forme en la escuela de Cristina Rota que como tenia un
teatro, la sala Mirador, los alumnos podíamos actuar durante la formación. Y claro que he hecho
otras cosas para subsistir, de todo, como casi todo artista en este país.

¿Que es el teatro para ti? ¿Por que haces teatro?… Para mi es un lugar donde se pueden contar
historias que hacen reflexionar a la gente de otra manera a la que normalmente están
acostumbrados; creo que en el mundo en el que vivimos el teatro es cada vez mas necesario, casi
lo veo como un elemento humanizador en una sociedad en la que vamos hacia un pensamiento
mas y mas robotico. Por otro lado, como actor, disfruto mucho el hecho de que cada día sea una
experiencia nueva, un publico nuevo, eso, de alguna manera, me libera, me conecta con el aquí y
ahora.

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¿Que balance harías sobre tu trayectoria?… Pues muy bueno porque no he parado de trabajar
desde que terminé la escuela y aunque no suelo mirar mucho hacia atrás, creo que he tenido la
suerte de trabajar con gente increíble. Pero ya te digo que prefiero pensar en lo que esta por venir.

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¿Que función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… Pues un poco lo que
comentaba antes, ahora todo va muy rápido y yo creo que nuestras cabezas no se han adaptado
a esa rapidez, es como si no fuera natural, hay ciertos procesos que llevan su tiempo, que no se
pueden acelerar; el teatro es de los pocos lugares en los que uno puede asistir a una experiencia
única, que solo tendrá lugar ese día y que nos puede hacer sentir.

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¿En que proyectos has participado últimamente? Hablanos de ellos…
En mayo terminé “Absolutamente comprometidos”, una función que he estado haciendo casi dos
años en el Teatro del Arte. Era una locura porque estaba yo solo y hacia 38 personajes. En cuanto
termine se me cruzó Manlet, de hecho creo que hubo un momento en el que se solaparon las dos
funciones…por otro lado acabo de terminar de rodar una pelicula.

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¿Como surgió tu participación en Manlet? Hablanosde este trabajo….
Conozco a Ines Piñole, la directora, desde hace bastante tiempo y siempre hemos tenido una
visión muy similar. Ella me llamo y me mando la obra, en cuanto la leí supe que quería hacerla,
fue algo inmediato, llevaba mucho tiempo haciendo una comedia muy loca y tenia ganas de
meterme en el barro. Manlet es una obra compleja en donde es importante que las cosas
sucedan, por eso necesitamos ensayar todas las semanas y trabajar nosotros por nuestra cuenta
para que todos los materiales que ponemos en el asador estén ahí y nos asistan, nos den un
soporte, sino es muy complicado…

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¿Como creas tus personajes? ¿Tienes un método?… Depende de cada trabajo, pero lo que si es
seguro es que siempre lo hago desde mi, desde mis propias experiencias y siempre implicando el
cuerpo, que es el que me ayuda si me pierdo.

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¿Como crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A a los proyectos de teatro?…
Pues imaginate…si ya estaba la cosa floja ahora ya es una hazaña hacer teatro. De cualquier
forma creo que todo forma parte de un plan de este gobierno de acabar con la cultura en general,
es injustificable. En este país los artistas no estamos bien vistos, este gobierno nos trata como
una panda de vagos.

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¿Que montaje que hayas visto últimamente te ha interesado? ¿Por que?… El fin de semana pasado
vi “Luciérnagas” de Carolina Roman. Es una dramaturga y directora que siempre me conmueve,
de pronto me encuentro llorando en el teatro sin darme cuenta.

¿Proyectos?… De momento seguir con Manlet y cosillas que por lo pronto no se cuentan…

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SOLETE en la Sala Mirador

Solete es una obra que trata de acercar la danza y el teatro a los primeros años de la infancia con sencillez y claridad. Las palabras suenan sin que la comprensión de su significado tenga excesiva importancia. Son las intenciones que portan los movimientos y las palabras, los silencios y las miradas, los que adquieren el protagonismo. Solete no es sólo el solo de una bailarina… Solete es un dúo con el sol. Una propuesta que empieza antes de entrar a la sala, recorriendo un camino de pequeños círculos que nos conducen a un espacio donde el sol se cuela por nuestros sentidos.
Y tras la función, Juan Diego Botto contó un cuento en otro espacio íntimo de la Sala Mirador.
Adolfo Simón

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Ruido blanco en la Sala Mirador

Ruido blanco se define como un espectáculo contemporáneo y multidisciplinar donde se combinan dos lenguajes: el lenguaje flamenco en su triple dimensión (cante, toque y baile) y el lenguaje audiovisual. El propósito de este montaje es introducir al espectador en una atmósfera visual y sonora sobre la que se desarrollan las distintas coreografías. De formato reducido, se estructura en cinco escenas que recrean otros tantos estilos de la tradición flamenca bajo la mirada personal de sus intérpretes. La Sala Mirador abre sus puertas al flamenco en un ciclo sugerentes que propone disferentes lenguajes dancísticos.
Adolfo Simón

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Danza en septiembre…

Empieza la nueva de temporada de danza con tres programas fantásticos en…

LAGRADA: Miradas al cuerpo
http://www.fcnc.es
Más info en: http://www.teatrolagrada.com

CUARTA PARED: Territorio Danza
Más info en: http://www.cuartapared.es

SALA MIRADOR: Un cuerpo mil danzas
Más info en: http://www.fcnc.es

territorio


“Muda” y “Las plantas” de Pablo Messiez

Una de las cosas más interesantes que se han programado en la nueva línea de la Sala Mirador ha sido el ciclo dedicado a Pablo Messiez, se ha podido disfrutar de nuevo de su trilogía más personal: Muda, Los ojos y Las plantas. Sin duda, Pablo ha mostrado en poco tiempo una serie de piezas que dejan constancia de su “Voz personal”. Lo más difícil es conseguir que el teatro que uno hace, cuando el público lo ve, pueda identificarlo con el autor. Hay muchas obras que tiene un sello tan específico que podrían haberlas dirigido cualquiera de los popes del teatro nacional o internacional. Con Messiez, ocurre que cuando ves sus espectáculos tienes la sensación de que en cada uno busca estilos diferentes pero que quedan atrapados en un mismo misterio profundo, seguramente el de la comunicación de los seres humanos. En Las plantas, mostrada en una sala de trabajo de la Mirador, nos encontramos ante una mujer que habla con las plantas que la acompañan, las convierte en sus cómplices hasta que abre su mirada a los allí congregados, a partir de ese momento, ella rompe las cuarta pared de la escena y nos abre su corazón en canal. Ya antes, ha estado dejando caer entre las líneas de esta confesión impúdica, el vacio del silencio y el miedo a las caricias; es más fácil abandonarse a los cuerpos y al alcohol…pero…¿Qué ocurre cuando se baja de la montaña rusa del corazón y se aterriza en la lúcida cabeza?…Solo nos queda mirar los objetos que nos rodean y construirnos unas alas de papel para volar sobre la voz negra de Nina Simone. Y si no, ponernos un vestido verde clorofila y echarnos a la calle, temprano para que no se haga tarde. Las plantas han de volver en algún momento a nuestras carteleras y han de ir a ver la propuesta porque está en el filo de la mentira y la vida…algo imprescindible para sobrevivir y porque hay una actriz en estado de gracia que se llama Estefanía de los Santos.
Adolfo Simón

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A veces existe algo importante que decir y no podemos expresarlo, bien por nuestra propia voluntad, que no tiene fuerzas para manifestarse, bien porque los demás no nos dejan. Hablamos, hablamos, hablamos… y no escuchamos. Aprovechamos el silencio del otro para desahogarnos, para satisfacer nuestro propio ego sin importar lo que el oyente piense o, incluso, quiera escuchar. El proceso de comunicación está distorsionado por nuestra propia mente: un emisor prepotente, un emisor incapaz de buscar un mensaje adecuado o quizás un emisor mudo pueden ser muchos de esos esperpentos que influyen en ese proceso comunicativo.  Pablo Messiez analiza en esta obra el proceso de comunicación a través de tres personajes que representan distintas maneras de relacionarse debido a sus circunstancias personales, a su ciclo vital.

Seguro que han vivido estas dos situaciones: una vecina que llega a tu casa y no para de hablar y contarte su vida, un señor que parece algo tímido y al que le salen las palabras cuando bebe dos cervezas…

Imaginen una persona muda que alquila un apartamento. una persona a la que no conocen de nada… pero que tiene mucho que decir. El conserje y su alocada vecina serán las claves para ir construyendo el puzzle de su vida y, quizás ellos sean una de esas piezas a ensamblar.

Messiez dota a sus personajes de un carisma y poesía que les hace casi irreales pero que al final reflejan fielmente lo que cada uno lleva por dentro y hace que reconozcamos comportamientos que existen en nuestra vida. Son como un reflejo distorsionado de la personalidad pero, al fin y al cabo, acaban dando una imagen reconocible, identificable de cada uno.

La interpretación de los tres actores, dentro de una escenografía sencilla pero también influyente, es soberbia y perfecta para conseguir los fines que persigue el autor y eso es algo que se consigue muy pocas veces.

En definitiva, una obra que nos mantiene con la tensión necesaria para no dejar de prestar atención a cada movimiento y gesto de los personajes y para esperar un desenlace de una situación un tanto extraña, pero totalmente real.

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Lo que no te digo dirigido por Cristina Rota en Surge Madrid

Cuando pase la tormenta de este torrente de propuestas que está resultado la Muestra Surge Madrid, quedará en la memoria de los que hemos seguido su programación, aquellas propuestas más sencillas y honestas, creadas con el afán de investigar sobre un material dramático que tal vez de otro modo no habría visto la luz en la cartelera. De este tipo es Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi bajo la dirección de Cristina Rota. Un círculo en la escena donde se acumula material que está usando el personaje para realizar su tesis sobre la perversión del lenguaje, sirve para crear un mundo de obsesiones, miedos, dudas e impotencia sobre las palabras y su función para la comunicación. ¿Aprendemos antes a hablar o a mentir?. Un espectáculo sencillo y emocionante que nos permite seguir pensando, para dejar de ser piedras.
Adolfo Simón

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Bruno Ciordia nos habla de sus proyectos para la escena

ciordia¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en el grupo amateur de mi pueblo, La Trapera, a los 13 años y actué con ellos hasta los 18, edad en la que decidí venir a Madrid a estudiar interpretación en la RESAD. Después he vuelto a trabajar con el mismo grupo en varias ocasiones pero esta vez como director.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en el teatro?…Uno siempre es inconformista y se fija más en lo que le queda por hacer, que es mucho. Pero si miro hacia atrás y veo todo lo que he hecho desde que empecé, no puedo sino estar agradecido a…no se…la vida, porque he podido trabajar con regularidad y poder vivir de esto hasta ahora. Es verdad que últimamente cuesta bastante más.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?… ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Eso depende de si los proyectos los genero yo o me embarco en proyectos que me proponen otros. En cualquier caso, el germen para empezar cualquier proyecto es siempre el texto. Encontrar algo que te enganche, que te movilice a contar esa historia. Creo que un buen texto siempre es el mejor compañero de viaje.

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¿Cómo surgió Tape?…En el caso de Tape, surgió de la llamada de Yolanda Vega, productora y actriz. Tenemos un amigo común que hizo de celestina y nos lanzamos sin conocernos muy bien a la piscina movidos por el trepidante texto de Stephen Belber, y la verdad es que estoy muy contento de cómo está yendo todo hasta ahora.

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Háblanos de la puesta en escena… He intentado que sea lo más sencilla y directa posible. Sin artificios. La historia cuenta una relación de amistad de larga duración deteriorada por un hecho puntual y por cómo los personajes vivieron y recuerdan aquel acontecimiento con el paso del tiempo. Hemos intentado sumergirnos en los hechos y en todo el dolor que eso provocó en los personajes y lo hemos sacado a jugar a la escena. La mayor dificultad en este caso ha sido contar esa amistad de más de 10 años por actores que se conocieron en la primera lectura pero creo que tanto Fran Calvo y Jano Sanvicente como Yolanda hacen un trabajo espectacular.

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¿En qué proyectos has participado en el último año?…Pues comencé este 2014 en el CDN a las ordenes de Ernesto Caballero en su versión de las Comedias Bárbaras, Montenegro, montaje que retomaremos en septiembre para salir de gira por España, y acabo de estar en El sol de York con el monólogo Un buen día de Dennis Lumborg dirigido por Mariano de Paco y producido por mí, y que espero que pronto pueda volver a verse en Madrid.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…Pues ahora, cuando terminemos Tape en La pensión de la Pulgas volveremos a ensayar para ponerla a punto de nuevo en disposición a la italiana, ya que entramos en el Teatro Lara los jueves de mayo y junio a partir del 22 de mayo. También estoy comenzando a buscar los apoyos para poner en pie un espectáculo sobre la figura de Lorca y sus años como director de La Barraca durante segunda república. Una versión propia que pretendo dirigir. Un texto que habla con distancia histórica de todos los problemas que estamos encontrando actualmente los artistas para hacer nuestro trabajo.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento de el I.V.A. a los proyectos de teatro?…Está siendo una verdadera sangría. El margen que ahora se lleva el I.V.A. es el único beneficio que tenían antes las compañías para seguir produciendo. Si eso lo eliminas y lo pagas en impuestos se agota el negocio. ¡Objetivo conseguido! Esto es una cruzada que ha emprendido el gobierno contra todo aquello que considera innecesario. Y la cultura parece que lo es.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… ¿Por qué?…
En construcción dirigida por Tristán Ulloa, por ejemplo, que ha estado en abril en la sala Mirador, me pareció una historia muy sencilla, contada con extrema sensibilidad y llena de aciertos. Realmente me tocó. También he visto hace poco La cortesía de España de Lope de Vega, donde la joven Compañía Nacional de Teatro Clásico da una lecciones de maestría y virtuosismo bajo la dirección de Josep María Mestres. Verso bien dicho, montaje sencillo y un buen trabajo de elenco que nos demuestra que tenemos unos jóvenes preparadísimos.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Los tiempos de crisis han llegado para quedarse si no lo remediamos. Por tanto, hay que seguir creando y haciendo teatro por la pura necesidad de hacerlo, y sobre todo, hacerlo con el corazón. Como decía Lorca “Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango para ayudar a los que buscan las azucenas”.

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La casa de los huéspedes, capitulo I en La Trastienda

Dentro de un tiempo, cuando se pregunte qué se puede hacer un domingo a la mañana en Madrid, habrá más respuestas a la que hasta ahora era la habitual: Ir al Rastro!. Si, el mercado popular de esta ciudad es el gran acontecimiento del fin de semana, pero, ahora hay otros atractivos, algo que además se puede sumar al recorrido por Cascorro: Ir al teatro. Si, desde hace unos meses, se están llevando a cabo sesiones matutinas en domingo, empezaron en La Pensión de las Pulgas, siguió La casa de la portera y ahora empiezan a programarse estas funciones en La Trastienda; creo que en breve también las habrá en la Sala Mirador. Las personas somos como ciudades, depende de cuál sea el recorrido vital que compartamos con el interlocutor, tendrá una idea de nuestro paisaje personal u otra. Una ciudad puedes recorrerla de arriba a abajo o de derecha a izquierda…Puedes empezar una ruta al amanecer y otra al atardecer, seguramente, cuando hables de este lugar con alguien que lo conozca, creerá que le hablas de otro, es sencillamente que cada uno ha mirado sus calles desde ángulos distintos. Eso ocurre en el I Capítulo de La casa de los huéspedes, escrita por Luis López de Arriba que se representa en La Trastienda, muy cerca del Rastro. El público entra con una tarjeta roja o verde, dependiendo del grupo al que correspondas, tendrás un recorrido por la sala u otro…y por tanto, conocerás las historias de los personajes desde un ángulo u otro. Así, participamos de un rompecabezas con varios posibles finales. Además, con esta propuesta, tenemos acceso a todos los espacios de La Trastienda, verdaderos recovecos sugerentes. Si quieren sentir que eres parte de ese grupo de viajeros que irán descubriendo a los personajes y sus historias…tal vez muy parecidas a las nuestras, acudid a La Trastienda.
Adolfo Simón

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Perdidos en Nunca jamás de Lucía Miranda en la Sala Mirador

En algún sitio he leído que los cuentos para niños surgen de los terrores nocturnos de los adultos, después, el autor suaviza las situaciones y personajes, llenando de moraleja la historia. Peter Pan es ese niño que no quiere crecer, que quiere seguir siendo niño eternamente y por tanto, deja a su imaginación volar, creando mundos imposibles, para seguir instalado en la infancia, rodeado de sus amigos y cómplices. Lucía Miranda ha tenido una acertada idea al trasladar la esencia y personajes del cuento a la realidad de muchos jóvenes que no podrán crecer porque la sociedad no les va a permitir hacerlo, este mundo de grandes oportunidades que nos habían vendido se ha convertido en una estafa en toda regla y ahí, naufragando, están unas generaciones de personas que deberían construir un futuro mejor y que les amordazan o alejan de sus raíces, para dejan los sueños en el desván, cerrados bajo siete candados, en un baúl donde ya quedaron apolillados los cuentos. Hay otros atractivos en el espectáculo, el tratamiento del espacio escénico, cargado de poética de objetos abandonados a los que se les da un nuevo uso y sobre todo, un equipo de jóvenes actores que transitan por las diferentes formas teatrales con aplomo y entrega. A menudo, leo que La ratonera lleva representándose en Londres desde que se estrenó, hay otros espectáculos, como este, que deberían estar siempre en escena, de visión obligada, sobre todo para las jóvenes generaciones, para que no se dejen engañar con los cuentos tal como nos los narran.
Adolfo Simón

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Rudolf de Patricia Suárez en la Sala Mirador

Las víctimas de los holocaustos no son solo los que desaparecen durante el horror de esos tiempos, hay víctimas que heredan terribles heridas físicas o psíquicas que les acompañarán el resto de sus vidas. En Rudolf, Patricia Suárez nos habla de las hojas de un calendario en el que Alemania se reconstruye tras el salvaje paso del nazismo por sus calles y plazas. En ese tiempo donde parece que el sol volverá a salir, siguen viviendo en la bruma y el ruido de la pesadilla reciente, dos personajes heridos por ese desastre humano. Dos personajes que tratan de olvidar el pasado, creyendo que fue la vida de otros y soñando por un futuro que no saben qué lugar tendrá en su piel. Dos seres frágiles que se esconden en la comida y las caricias torpes. Dos seres complejos y contradictorios que interpretan con delicadeza y verdad dos actores en estado de gracia: María Botto y Roberto Drago. Cristina Rota ha huido, acertadamente, de una puesta aparatosa para centrarse en la vida en escena a través de sus actores.
Adolfo Simón

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De payasos y funcionarios

Cuando alguien quiere insultar a otro, le dice…¡Eres un payaso!…y no sabe que en realidad, está diciéndole que pertenece a uno de los oficios más hermosos del mundo. Los payasos no tienen vida más allá de su nariz, lloran en los camerinos y gritan en las azoteas pero cuando salen a escena, entregan su corazón de papel secante para provocar una sonrisa al espectador que ha venido al teatro para olvidar su realidad…¿Su realidad?…¿Y si la realidad fuese lo que soñamos?…¿Y si en realidad nuestra vida fuese un sueño?…¿Qué habrá cuando despertemos y dejemos de hablar a solas reflejados en un espejo que se ha quedado dormido dentro de una maleta?. El minuto del payaso que por suerte se ha prorrogado unos jueves en Kubik es la oportunidad que tenemos para entrar en la privacidad del payaso y sus miedos, sus recuerdos, sus deseos, sus fracasos…y podamos ver la vida de otro modo, viva… la vida viva encarnada en la piel de un actor espléndido como es Luis Bermejo. Por suerte, los artistas no siempre son pasto de los desalmados funcionarios que tienen como cometido contabilizar el arte por puntos y a partir de aquí, sellar la carpeta del proyecto o creador…y dejarle en un sótano que huele a podrido y cerrado. Vitalicios en la Sala Mirador nos sienta ante el ritual rutinario de tres seres absurdos que ahogan su mediocridad y su falta de creatividad en la tarea de anular o eliminar a los que realmente se juegan la vida en el arte, dentro o fuera de un escenario…Son tan crueles verdugos que a veces, ejecutan de manera simbólica a los que basan su vida en imaginar otros mundos. Pero está claro, en tiempos de crisis, lo primero que hay que hacer desaparecer del mapa es a los artistas y a los viejos, ambos no valen para nada.
Adolfo Simón

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EJECUCIÓN HIPOTECARIA de Miguel Ángel Sánchez en la SALA MIRADOR

Adolfo Fernández dirige y actúa en la obra de Miguel Ángel Sánchez, “Ejecución hipotecaria”, representada en la Sala Mirador de Madrid, un tema peliagudo y de una actualidad, lamentablemente, absoluta. Ejecutar el lanzamiento del inquilino de un piso y entregarlo al nuevo propietario, un proceso que desgraciadamente se realiza todos los días como algo cotidiano en la práctica judicial. En este caso, basado en un hecho que sucedió en Alemania, trasladado a este país, el ejecutado se rebela y somete a la comisión del juzgado, que acude acompañada por un policía y un cerrajero, a la que más tarde se une la representante del banco, nuevo propietario del inmueble. La violencia se desata y aparecen las miserias de cada uno de los personajes, y como contrapunto, en una propuesta escénica de Eduardo Moreno y Pau Fullana, muy bien iluminada por Pedro Yagüe, aparece la vida cotidiana de los propietarios reales del piso, un pareja que se ama y confía en vivir tranquilamente de su trabajo, que pierden por “la crisis”, que no han causado y en paralelo el desahucio que presagia la tragedia. Un elenco estupendo Juan Codina, violento y tierno, una fantástica Susana Abaitua y unos personajes que dejan ver sus entrañas, el resto del elenco Rafael Martín, Ismael Martínez y la funcionaria que lamento no conocer su nombre, brillan en sus intervenciones y crean la tensión necesaria para mantenerte atento y reflexionar sobre la violencia y su causa y sobre la necesidad de que no salgan impunes aquellos que se enriquecen con el sufrimiento ajeno en aras de una economía brutal que solo ampara a los ricos –bancos-, ayudados por sus lacayos –políticos-. Y el eterno slogan “compre, compre, que será un triunfador”
Ángel Savín

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Mongolia, el musical en la Sala Mirador

¿Qué hace una revista de humor en escena?…¿Se puede poner en pie una viñeta?…¿Qué humor combativo se debe realizar hoy en día?. Creo que todas estas preguntas se las han hecho los artífices de la revista Mongolia y con esa intención, han convocado a sus cómplices lectores para hacerles en vivo su peculiar humor. Durante algunos martes, en la Sala Mirador, han cambiado el lápiz por el mando a distancia y han puesto en vivo, frente a los espectadores-lectores su ingenio y crítica a este mundo absurdo que vivimos.
Adolfo Simón

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UNA MUJER EN LA VENTANA EN LA SALA MIRADOR

El jueves pasado se presentó en la sala El Mirador de Madrid, la obra de Franz Xaver Kroetz, “Una mujer en la ventana”, traducida y adaptada por Manuel Heredia, dirección de Juan Margallo e interpretada por Petra Martínez. El último día en su casa, antes de irse a una residencia, porque han desahuciado el edificio y lo van a derrumbar, y hay que recoger y decidir que te llevas contigo de los enseres de toda tu vida y que conforman tus emociones y recuerdos. Una mujer mayor pasea por la casa y reflexiona sobre la Vida con mayúsculas. La sencillez, lo simple, lo cotidiano, lo que es reconocido y reconocible se hace arte en este monólogo en el que Petra se adueña del espacio y desgrana su monólogo con la tranquilidad que dan la experiencia y el talento, te la crees, se te mete en el corazón y en el alma y quisieras abrazarla. Jamás cae en el sentimentalismo, y te habla de esas mujeres fuertes y valientes que tienen que dejar todo su mundo para irse, en este caso a una residencia, pero bien pudiera ser el exilio o la inmigración o a la calle como tantas personas se ven obligadas a hacerlo. Una lección magistral de interpretación con esa personalidad alegre de Petra Martínez que nos hace reír y nos pone el nudo en la garganta. Una ovación larga para una delicia de función que al final te hace pensar, claro que sí.
Ángel Savín

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Kung fu chandal en la Sala Mirador

El teatro infantil suele inspirarse en cuentos clásicos o historias sobre temas de actualidad de interés para los niños. Normalmente se realizan desde un tratamiento realista o fantasioso. En cambio, en Kung fu chandal apuestan por un trabajo de clown físico con toques de títeres de cachiporra con el que harán las delicias de todos los niños y mayores que se acerquen estas Navidades a la Sala Mirador. Gerard Clua y Julián Ortega realizan una composición de múltiples personajes en clave de humor y disparate a partir de un trabajo gestual preciso y divertido. La obra está llena de gags y con dos paneles y cuatro elementos nos trasladan a mil lugares físicos, proponiéndonos, al final, que la amistad es el mejor recurso para resolver los problemas. Vayan!, les divertirá.
Adolfo Simón

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Ciclo 3D de Danza en la Sala Mirador

Un nuevo Ciclo de Danza en la Sala Mirador
Más info en: https://twitter.com/CNCMirador‎

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¿La ciudad baila?

Noviembre se ha convertido en el espacio para la danza, parece que no molesta a nadie que el mes se llene de propuestas para el público afín a esta arte. Otros festivales han sido desplazados de la cartelera por molestar al resto de las programaciones, por suerte, el baile parece que no compite con otras disciplinas artísticas. Madrid en danza se convierte en el aliciente de los escenarios, hay danza y performance casi cada día de la semana durante el tiempo que dura la muestra. Los recortes y dificultades del momento hacen que quien diseña y selecciona los proyectos tenga que hacer malabares, aún así, el nivel y diversidad no ha bajado en las últimas ediciones. Pero me llama la atención que en una misma semana, coincida una propuesta de danza bastante ingenua dentro del Festival en Cuarta Pared como fue la presentada por Janet Novás donde un par de anécdotas se estiran creando momentos catárticos solo para la performer y en cambio, se quede fuera de la programación un trabajo como En partes de Mónica Runde que se está mostrando en la Sala Mirador. Un espectáculo que además ha sido apoyado por la Comunidad de Madrid y que ha sido posible gracias al encuentro de La Runde con la creadora mejicana Marcela Aguilar, de esta colaboración ha surgido una propuesta muy sugerente en poética y movimiento. Son los misterios de nuestros teatros y programadores, nunca se sabe bien qué razones les mueven a decidir su gestión pero no lo duden, si han de ir este fin de semana a ver danza, vayan a la Mirador.
Adolfo Simón

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Fuenteovejuna, ensayo desde la violencia en la Sala Mirador

El nuevo rumbo de la Sala Mirador bajo la dirección de Juan Diego Botto ha empezado con una propuesta muy sugerente. La visión contemporánea de Fuenteovejuna en este ensayo desde la violencia frente al público. En él se nos plantea una lectura interesante al colocar al espectador en un espacio de compromiso. Nos dan voz metafórica para enfrentarnos a la tiranía del poder injusto. La crisis está posibilitando que surjan propuestas esenciales que se sumergen en el discurso ético, con la forma necesaria, sin adornos ni aditivos. Se agradece que los clásicos sean material para investigar sobre nuevos lenguajes y para que sirvan de reflexión del presente. Solo he de sugerir que el verso ha de entenderse y oírse en escena, para que nos sirva la belleza de su lenguaje.
Adolfo Simón

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Huevo, texto y dirección de Iñigo Guardamino en la Sala Mirador

Huevo, texto y dirección de Iñigo Guardamino en la Sala Mirador
¿De dónde venimos…a dónde vamos?…Esta doble pregunta existencial ha servido para nutrir muchas historias. En Huevo tenemos una mirada actual sobre lo complicado que es encontrar el lugar exacto de nuestra identidad cuando hemos de lidiar con la herencia de los progenitores y el acoso laboral y social del día a día. Y aún así, hay que buscar algo que le de sentido a esta vida anodina en la que muchos anidan. Iñigo Guardamino ha escrito un comedia jugosa con toques de absurdo que, curiosamente sirve de buen espejo para la realidad de hoy y además, la ha dirigido con toques sorpresivos, facilitandonos el juego que nos plantea, aparentemente simple…pero con un pequeño trasfondo trágico. Y se ha rodeado , para ello, de dos actores dispuestos a toda propuesta escénica, algo que se agradece desde el patio de butacas.
Simón Ribes