Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Líbrate de las cosas hermosas que te deseo de María Velasco

Hoy se estrena en la Sala Cuarta Pared el último proyecto de María Velasco: El paseador de perros…y justo hoy llega a nuestra redacción la edición de una de sus últimas obras…la inquietante: Líbrate de las cosas hermosas que te deseo. Hoy podemos disfrutar del imaginario de María, en la escena o en el sillón de lectura.
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“La Fiebre” en Cuarta Pared

Israel Elejalde se ha atrevido a meterse en este monólogo-catársis escrito por Wallace Shawn  a pesar de que la obra ya tiente más de veinte años y que ahora estamos en un contexto muy diferente a cuando se escribió. De la mano del director Carlos Aladro, Elejalde interpreta soberbiamente un texto difícil, que requiere fuerza interpretativa y lucidez para tener al público completamente entregado durante más de una hora y para estimular los pensamientos que va provocando con una velocidad de vértigo. Un texto que ha tenido que actualizar a nuestros días en algunos aspectos para hacerlo más atractivo y con una escenografía algo hipster que nos va mostrando los esquemas mentales del intérprete a través de la proyección de una pizarra dinámica y que ayuda a remover más nuestros pensamientos.  Aún así, las preguntas que se hacía Shawn siguen vigentes y siguen inquietándonos. Preguntas sobre la pobreza, sobre el modo en que vivimos y el modo en que viven los demás, asimilaciones que nos impresionan y hacen convulsionar nuestros pensamientos y que nos demuestran que un buen texto contemporáneo puede sobrevivir al paso del tiempo si se ejecuta con rigurosidad y ganas. Todavía se pueden pasar por Cuarta Pared para disfrutar con esta fiebre.

Luis Mª García Grande.


Aitor Tejada: El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar

aitor¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en Vitoria con 16 años en la escuela de la Cooperativa Denok, una compañía de teatro de allí, hasta que di el salto a Madrid a la RESAD.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi forma de vida y mi pasión. La primera vez que vi una función de teatro profesional debía tener 14 o 15 años y sentí que yo quería dedicarme a eso, así que se puede decir que fue vocacional. Tras 20 años de carrera como actor, junto a Miguel del Arco constituimos Kamikaze Producciones y “La función por hacer” cambió mi vida. Me pasé al otro lado, la producción.aitor1

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues no puedo estar más contento. Viví una magnífica época como actor trabajando con grandes directores y grandes compañías. Y ahora desde Kamikaze estamos levantando proyectos que me apasionan y además con muy buena respuesta del público. No puedo pedir más.

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¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Creo que ha cambiado mucho. En cuanto a la interpretación creo que se ha dado un vuelco enorme, ahora hay una búsqueda de la verdad escénica que a mí me interesa más. En cuanto a la producción ahora hay mucha más diversidad. Nuevos autores y nuevos directores tienen más opciones de presentar sus trabajos en lugares poco habituales y el público responde a esas nuevas propuestas.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar. El teatro tiene que emocionar, hacer llorar, hacer reír…

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos y de tu función…
2014 fue todo el año para “Misántropo”, gira, temporadas en Madrid y Barcelona, además de una gira americana de un mes con “La función por hacer”. En estas 2 funciones, además de la producción, soy el ayudante de dirección. También en ese año llevamos a cabo los talleres y la organización de Teatro de la Ciudad que han desembocado ahora en 2015 con los estrenos de Antígona, Medea y Edipo Rey .

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¿Cómo surgió tu participación como productor de Antígona en el Teatro de la Ciudad…?…Háblanos de esta experiencia…
Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol comenzaron a pensar en unir sus fuerzas en un proyecto y para ello nos liaron a sus productores Joseba Gil, Gonzalo Salazar y yo para sacarlo adelante. Ha sido una experiencia muy emocionante en la que se ha conseguido que tres equipos creativos trabajen juntos y lleguen a buen puerto. Una experiencia extenuante pero que visto el resultado, tanto artístico como de funcionamiento interno, sé que va a ser una experiencia única que no sé si volveré a vivir. Todo gracias al esfuerzo de más de 60 personas que han confiado y han querido participar con nosotros y que hemos podido llevar a cabo gracias al apoyo de José Luis Gómez y todo el personal de Teatro de la Abadía.

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¿Te ayuda en la producción el haber sido actor?…
Muchísimo. Porque haber estado en el otro lado hace que sepa en muchos momentos lo que está pasando por la cabeza de un actor y prevenir algunas cosas. Creo que en esta profesión, que es un trabajo de grupo, a todos nos vendría muy bien estar alguna vez en el puesto de los otros para saber cómo se viven las cosas en cada departamento.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
A compañías pequeñas como la nuestra nos está haciendo polvo. Las giras apenas existen. Ahora mismo se contrata los sábados de cada mes con lo que yéndote bien tienes 4 bolos al mes. Y pensar en ir a taquilla sin actores famosos es un riesgo que una compañía como la nuestra no puede asumir. Amortizar la inversión de un espectáculo es cada vez más complicado y si no hay amortización no hay nuevo espectáculo.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Aunque la vi hace ya casi un año en la Sala Cuarta Pared, diría que es “Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez” de la compañía valenciana Pont Flotant. Un espectáculo aparentemente sencillo, lleno de poesía y buen humor que nos enfrenta a qué es lo que realmente queremos hacer con nuestras vidas.

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¿Proyectos?…
Muchos. Este año junto a Jordi Buxó, de Buxman Producciones, vamos a coproducir 2 espectáculos: “La clausura del amor”, escrita y dirigida por Pascal Rambert, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde y “La isla púrpura”, escrita y dirigida por José Padilla. Y con Kamikaze empezaremos a finales de año a ensayar un nuevo espectáculo que se estrenará en 2016 del que pronto podremos hablar.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues no parar. A pesar de todas las dificultades que nos encontramos creo que es el momento de unir esfuerzos con otras productoras o con otros directores para demostrar que tenemos cosas que contar.

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La Mirada del Otro en la Sala Cuarta Pared dentro de Surge Madrid II

La mirada del otro es el segundo montaje de la compañía, después del éxito de Proyecto 43-2, una obra que gozó de cierta difusión como muestra de teatro pedagógico. La obra presentada el pasado jueves 9 de abril en la Sala Cuarta Pared, dentro de la segunda edición del Surge madrileño, tiene una conexión temática directa con el primer montaje, y lleva a escena el programa que se realizó a finales de 2010 en la prisión de Nanclares, cuando unos presos de ETA mostraron su deseo de entrevistarse con los familiares de sus víctimas. Las grandes preguntas que plantea al espectador La mirada del otro es si tal diálogo es posible, y si puede llegarse al perdón en una situación así.

La compañía nos presenta tres personajes en escena: un etarra arrepentido, representado por un meritorio Pablo Rodríguez, la mediadora que hace posible tal entrevista entre verdugo y pariente de la víctima, encarnada por Ruth Cabeza, y María San Miguel, en el papel de hija de un concejal asesinado. Si el teatro mantiene ese estrecho vínculo con la realidad que lo convierte en una de las artes más vivas, Marta San Miguel (dramaturgia) y Chani Martín (dramaturgia y dirección), hacen que la realidad lo ocupe todo, ya que han optado por la versión más desnuda del hecho teatral, dejando fuera prácticamente cualquier juego dramatúrgico, sin permitirse más especulación que la simulación escenográfica de los espacios y algún volátil pasaje en el que la hija del concejal asesinado revive su niñez. Esta apuesta por la realidad de magnetófono es acertada la mayor parte del espectáculo, ya que le dota de la frialdad escénica apropiada para un tema tan crudo como el que trata, aunque puede parecer excesiva en momentos determinados de la representación, como si se asistiera a una reconstrucción de los hechos sin mayor aderezo.
La obra es un canto valiente al diálogo como única vía posible de tratamiento del conflicto, y una muestra tan directa como inteligente de cómo se puede tomar un material duro y trabajarlo en escena. La preparación del diálogo entre el arrepentido y la hija del político asesinado que arrastra un dolor sostenido durante catorce años está muy bien conducido, y han sabido distribuir de una manera inteligente el material que remueve las entrañas del espectador, apartando lo sensiblero o lo que conduce negatividad gratuita al espectador.

La Mirada del Otro volverá a la Cuarta Pared los días 7, 8, 9, 14, 15 y 16 de mayo, y es sin duda una recomendación para todo aquel que (como un servidor) guste del teatro que toma su inspiración a ras de tierra.
Rafael Ruiz Pleguezuelosmiradaotro


“Ayuda” de la Compañía Los Lunes en Sala Cuarta Pared

Durante estas semanas podremos ver en la Sala Cuarta Pared las tres obras que tiene en su currículo la compañía Los Lunes. Empezamos con Ayuda, su último montaje que investiga las relaciones individuales en tiempos de crisis. Ayuda parte de una brecha existencial en un especialista en inversiones que en menos de veinticuatro horas ha sido abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo en el Banco donde trabaja. Inmovilizado en su casa por una lesión en su espalda no le queda otra alternativa que compartir toda esta situación con su empleado del hogar, el cual le va a cuidar “desinteresadamente” durante este tiempo de crisis. Una nochevieja le regala 40.000 euros para que pueda abrir una farmacia en su país. A partir de aquí se desencadena una historia en la que se reflexiona sobre las relaciones humanas y el interés que las mueve.

¿Qué sucede cuando nuestro cómodo sofá de repente se hunde en el abismo cenagoso de la incertidumbre? ¿Cuando hay un naufragio existencial somos capaces de reaccionar y cambiar nuestra manera de pensar? Nos encontramos con una dramaturgia aparentemente simple que no lo es tanto una vez que se empiezan a desgranar los acontecimientos que dirige la mente humana, da igual que sea un banquero o un inmigrante, siempre hay algo que huele a podrido y a interés y que se va imponiendo subrepticiamente en nuestra forma de actuar. Ayuda es una obra que nos descoloca, nos inquieta y nos hace reflexionar sobre nuestra actitud ante la vida.

Luis Mª García Grande

LOS LUNES_AYUDA fotógrafo Íñigo de Amescua2


Décimo aniversario de la Compañía Daniel Abreu

Esta semana se ha celebrado en la Sala Cuarta Pared un ciclo especial dedicado al décimo aniversario de la Compañía Daniel Abreu, residente de la propia sala, que recientemente ganó el Premio Nacional de Danza. Un premio que debería empujar y ensalzar el trabajo de uno de los creadores más arriesgados del panorama actual, que sin embargo es programado más fuera de nuestras fronteras que en su país natal… El coreógrafo y bailarín canario se desligó hace más de diez años de Carmen Werner y Provisional Danza para desarrollar sus propios trabajos, creando una danza de autor, un lenguaje propio donde el cuerpo y el movimiento se transforman en poesía. Esta pequeña compañía que sobrevive a base de subvenciones ha sufrido la mitad de su trayectoria uno de los peores momentos del sector, y el propio Abreu reconoce sentirse cansado no tanto por las más de cuarenta producciones que lleva a sus espaldas sino por la propia burocracia.
El ciclo comenzó con “Acto de fe”, un encuentro de algunos de los intérpretes que han bailado y actuado con Daniel en estos diez años, que narraban sus experiencias los procesos creativos y bailaban fragmentos de algunas de sus piezas. Un relato improvisado que costó arrancar pero que se fue cargando de una emoción y energía desbordantes con momentos hipnóticos maravillosos como el final, en el que, a petición del público, todos los que poseían “el gen Abreu” en su ADN arrancaron a bailar al ritmo de un “temazo” cerrando una noche conmovedora.
El segundo día se mostró “Cada persona”, el resultado de un taller intensivo desarrollado durante cuatro días en la propia Cuarta Pared, en el que Abreu trabajó con 17 actores y bailarines herramientas físicas de composición de una pieza a través de su lenguaje escénico. Después hubo un encuentro abierto con el público donde pudo hablar de estos diez años y responder a las dudas de los espectadores.
El ciclo se ha cerrado con la reposición de dos de sus obras más representativas: “Silencio”, uno de sus trabajos más abstractos, estrenada en la propia Cuarta Pared en 2013 dentro del Festival Madrid en Danza; y el emblemático solo “Perro”, estrenado en 2006.
Esperemos que esta gran Compañía cumpla muchos más años y nos siga regalando esos trabajos tan personales bailados desde el corazón, a ser posible en nuestros Teatros.

Jorge AzconaDaniel-Abreu-cia-1024x639


Borja Roces: El teatro debería ser libre y un poco puta

roces0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Me inicié en el teatro en Asturias, donde finalicé estudios de Arte Dramático en el Instituto del Teatro y las Artes Escénicas de Gijón. Aunque había hecho teatro desde 1994 en diversos grupos y compañías en 1998 hice mi primer trabajo como actor profesional en “Entre bobos anda el juego” de Rojas Zorrilla, Teatro Margen, histórica compañía asturiana. En 2001 obtuve la Beca de Artistas de la Obra Social y Cultural de Cajastur; lo que me permitió ampliar mis estudios en la Ècole Philippe Gaulier en Londres, y un año más tarde conseguí una nueva beca para finalizar mis estudios con Pihilppe en París. A partir de ese momento monto compañía con Jose Troncoso y ponemos en escena el espectáculo “Tengo Miedo”, del que ambos somos, además autores del texto. Posteriormente en 2005 fundo junto a Manuel Badás la cia El Encuentro, asumiendo la dirección escénica del primer trabajo “A solas con Marilyn” texto de Alfonso Zurro, con el que participamos en el certamen de Nuevas Compañías de la Sala Cuarta Pared. Desde entonces colaboro como actor en numerosos trabajos ( “B52” de Santiago Alba Rico, “El Viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez, “A las 6 en la esquina el boulevard” de Jardiel Poncela, “Asturiestein” de Jorge Moreno, “Pasodoble” de Romero Esteo ect….) Así mismo comienzo a desarrollar la faceta de director y dramaturgo : “AlmaElectra” – Espectáculo premiado con 5 Premios Oh de la Asociación de Cias Profesionales de Teatro y Danza de Asturias y Finalista Premios MAX 2010, Espectáculo Revelación, “Inda Suenen” trabajo híbrido de teatro y música tradicional, Premio Mejor Espectáculo Crítica de RTPA ( Radio Televisión del Principado), “Mara Plau Vs. Lola Padilla”, ” Y güelita cruzó el Universo”, son algunos de los trabajos en este campo. Así mismo trabajo en el mundo de la danza, como asesor y director actoral en varios trabajos de Manuel Badás, “Recoge mi alma y bésala” “Sebastián”, “Folías”, “Corazones descalzos” o “Pequeñas muertes”; como intérprete en “Le Bal” de Jean Pierre Penchenant, “Mira!!”, “Lamento ” o “En blanco” todos ellos de la coreógrafa Estrella García- Zig Zag Danza.
Como profesor trabajo en la Universidad Popular de la Fundación de Cultura de Gijón, El Huerto Espacio Escénico, Fundación de Cultura de Siero- Teatro del Norte de Etelvino Vázquez…

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es una necesidad. Es lo más importante y, al mismo tiempo lo menos importante. No creo en la inmolación voluntaria por el teatro. Creo en la dedicación, respeto y honestidad. Hago teatro porque necesito hacerlo.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues, la verdad… no se muy bien qué balance hacer. Si hecho la vista atrás me doy cuenta de algo: nunca he programado el siguiente peldaño de la escalera. Todo lo que he ido haciendo ha surgido. Unas veces por necesidad económica y otras simplemente aparecía la persona, el tema, o la idea. Me he dejado llevar mucho, esa es la verdad. Y no se si eso es bueno o no. Veo que hay personas que planean mucho sus carreras y parece que les va bien. Lo mismo esa poca querencia mía a no planificar me ha llevado a hacer cosas muy distintas y en ocasiones contrarias, pero, y aunque suene a tópico, de la mayoría he aprendido algo. También es cierto que alguna la borraría por completo, pero ahí están.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debería ser libre y un poco puta. No delicadito y correctito. Veo mucho delicadito y correctito, Y no me gusta. Podría decir que el teatro debe hacer pensar, reflexionar, no dejar indiferente al público, hablar de temas que nos conciernen como individuos del siglo XXI en este pedazo de planeta en el que vivimos…Pero si tuviera que decir qué función debe tener el teatro diría que la función del teatro, además, sería la de incomodar. Desde la incomodidad quizá podamos avanzar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Fundamentalmente hemos puesto en escena la Pieza II de Trilogía del Desencanto “Encrucijada o nihil novum sub sole” con Alicia Rodríguez como compañera.
Después como director he dirigido un nuevo espectáculo para Factoría Norte, en Asturias: “LLumeru” trabajo de teatro de calle que se estrenó en Leoia en Umore Azoka 2014, y con el que hemos estado en el Centro Cultural Óscar Niemeyer de Avilés y en el Festival de Títeres de Bilbao, Museo Guggenheim o Laboral Ciudad de la Cultura. También he trabajado con Carlos Atanes en Necrofilia Fina o Los Ciclos Atánicos.
He trabajado también con Ruth Núñez y Alejandro Tous, en “La pausa del mediodía” de Neil Labute, con dirección de Jose Troncoso, como ayudante de dirección y en este mismo campo con Pepe Maya director de “El Pretendiente al revés” de Tirso de Molina Y seguimos haciendo Pequeño defecto de fábrica, ahora con la ayuda de Padam Teatro.

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¿Cómo surgió Pequeño defecto de fábrica?…Háblanos de este trabajo…
Surgió primero desde el más absoluto de los egos. Es decir, pensé en hacer algo yo solo y que me aplaudiera todo Dios. Pero la vida es incierta y entre que decidí hacerlo y cerré fecha de estreno, me dieron una buena hostia y todo cambió. Tuve suerte porque tenía tiempo y muy poco material sobre la mesa, así que me encerré a solas en la sala de El Huerto Espacio Escénico de Gijón. Y la necesidad cambió también claro. Pequeño defecto surge finalmente de la necesidad de exponerme a un duelo conmigo mismo y de hablar de la imperfección como belleza. También de lo que dice Marguerite Yourcenar sobre la vida ” se compone de tres líneas sinuosas: lo que un hombre ha Querido ser, lo que que Creído ser, y lo finalmente Fue” que de alguna manera bucea en todo el material textual que se dice en el espectáculo.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
En este trabajo, en concreto, los personajes son más bien distintas voces. No tengo un método, concreto. Soy estricto y caótico al mismo tiempo. Hay algo que debes dejar que aflore sin presionar demasiado. Antes no, antes era muy coñazo. Sobre todo como director. Pero ahora suelo dividir los procesos en una primera parte muy técnica, sobre todo para que el cuerpo y la voz puedan estar preparados y podamos obtener material interesante. Después escribo y probamos, y en esa parte ,que puede parecer más caótica, es donde dejo que todo se vaya colocando.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues una puñalada que ha hecho una sangría. Es una locura y un sinsentido, sobre todo el aumento del IVA.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Lo último ha sido “La quinta estación del Puto Vivaldi” de C Atanes dirigido por Marta Timón; me ha interesado el texto, que es una especie de oratorio o recitativo, reiteraitivo y excesivo que te lleva en 35 minutos a un abismo. Y eso me gusta mucho.

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¿Proyectos?…
Pues la Pieza III de la Trilogía del desencanto, un espectáculo musical, bizarro, sin vergüenza y verbenero, que haré en Asturias, en los próximos dos meses, una colaboración artística con mi compadre Jose Troncoso que prepara una versión muy personal, y poética de un conocidísimo texto de Sartre, y seguramente otro unipersonal con Alicia Rodríguez.
Proyectos muchos, dinero poco, pero al fin y al cabo nunca he tenido mucho dinero para hacer teatro, así que eso no me para.


“Territorio Danza” inaugurado en la sala Cuarta Pared con “Bailar, Volar”

Esta pieza coral, culminación del taller realizado por la coreógrafa Carmen Werner, inaugura Territorio Danza. Werner, reconocida con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Danza 2007. Los alumnos del taller llenaron el escenario de la sala con sus movimientos y energía en un intento de volar bailando, de despegarse del suelo y flotar por unos segundos, de superar la fuerza de la gravedad e imponerse a ella. Esa es la idea de Wermer, superar los retos: ya sea el reto de volar o el reto de crear arte a través de la Danza. Un espectáculo optimista que abre con buen pie este festival.

Luis Mª García Grande.

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RUBÉN OCHANDIANO nos habla de su trabajo para la escena

ruben-1¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Estudiaba “Teatro para adolescentes” en la Sala Cuarta Pared. Javier G. Yagüe se disponía a montar “Nunca dije que era una niña buena”, de Gustavo Ott; necesitaba un chaval jovencito para uno de los personajes y, tras verme en una muestra de fin de curso me propuso trabajar en el espectáculo.
Era el año 1996, cobraba cinco mil pesetas por función. Y fui absolutamente feliz. Desde entonces, no he parado.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en los diferentes ámbitos en los que has creado… Interpretación, dirección, escritura?…
Disfruto creando en todos esos ámbitos. No quiero renunciar a ninguno.

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¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
El teatro tiene que despertar, movilizar, hacer reflexionar, conmover, avivar el alma y sembrar poesía… Y entretener.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Son pasiones que me arrastran. O que me alimentan. O que me pagan muy bien.

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¿Cómo surgió la publicación de tu texto?…Háblanos de este proyecto…
“ANIMAL” es un texto escrito hace tres años. El verano pasado surgió la posibilidad de llevarlo a escena. Más o menos por aquel entonces conocí el trabajo de la editorial “Antígona” y les propuse que leyeran la función. Les interesó y accedieron a publicarla.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He dirigido un espectáculo nuevo, “LA EVOLUCIÓN” y he rodado la película “VULCANIA”, del director argentino José Skaf.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Comienzo el rodaje de la producción francesa “LE SANCTUAIRE”, y en septiembre volvemos al Teatro del Arte con un doblete: “ANIMAL” y “LA EVOLUCIÓN”.
Seguimos tratando de levantar, desde hace un año, nuestra versión de “El jardín de los cerezos”.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Me aburre y me enfada seguir hablando de esto. Es la debacle de nuestro sector.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ninguno… Porque desde hace meses no he tenido tiempo para ir a las salas!. Estoy con muchas ganas de ver el trabajo de Mencheta, sé que es un tipo interesante… Y espero no perderme “Misántropo”, siempre me gusta y me toca lo que hace Miguel del Arco.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Resistir.

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Encuentro con BLANCA PORTILLO y parte del elenco de “LA VIDA ES SUEÑO” en la SALA CUARTA PARED

Ayer, miércoles 28 de mayo, tuvo lugar en el hall de la Sala Cuarta Pared, un mágico encuentro con los alumnos de la escuela perteneciente a la misma sala y la actriz Blanca Portillo, acompañada por Marta Poveda, Pepa Pedroche y Calia Álvarez, componentes del elenco de “La Vida es Sueño” de Calderón de la Barca, representada recientemente por la Compañía Nacional de Teatro Clásico en el Teatro Pavón.

Comenzaron hablándonos, como es natural en estos encuentros, del proceso de creación, el cual conciben como un viaje, pues cada día encuentran cosas diferentes, y recuerdó Marta Poveda (Rosaura en el espectáculo y antigua alumna de la Cuarta Pared) la dificultad de trabajar con el verso, disciplina hasta entonces desconocida para ella. Concluyó Blanca Portillo (Segismundo) hablándonos del trabajo desde la intuición, gracias al cual el texto tomó una gran fuerza, consiguiendo que el espectáculo se volviese potente y pasional.

En cuanto a los personajes, las actrices estaban de acuerdo en que este trabajo ha cambiado sus vidas, comentó Portillo que para encarnar a un hombre, labor frecuente en su carrera, pasa por encima de lo masculino y lo femenino, sin dejarse llevar por el estereotipo, concentrándose en la humanidad y en la esencia, pues hay más cosas que nos hacen iguales y menos que nos hacen diferentes.

También nos acompañó en este encuentro uno de los miembros de la agrupación musical que está presente durante toda la función de “La Vida es Sueño”; Calia Álvarez ella nos comentó que utilizaban la música barroca, en este espectáculo, tomando la ópera como referencia, sólo que en lugar de cantar, los actores van recitando el verso encima de la música, lo cual también ayudaba a la interpretación actoral.

Volvieron a retomar el tema del texto, algo que a los alumnos interesa especialmente. “El verso supone limitaciones que hacen de la mente un instrumento más creativo, ya que obliga a buscar soluciones continuamente. El verso otorga belleza a lo que se dice, y una vez se domina, es como música, es un código. Las palabras son nuestro vehículo, y trabajamos para el espectador, al cual tiene que llegar la imagen de lo que contamos”. Estas reflexiones expresaron las tres actrices presentes.

Concluyó, una cercana y divertida Blanca Portillo, que para hacer teatro hay que abrir los ojos y escuchar a nuestro compañero, siendo un trabajador generoso y constante… “Hacer teatro no es algo fácil, a pesar de lo que mucha gente cree. El compromiso con el teatro es sagrado y un actor debe estar bien formado y tener criterio.” Portillo, actriz consagrada dentro del panorama nacional, reivindica el compromiso con la cultura de su país y nos aconsejó no subirnos jamás a un escenario si no creemos en lo que estamos haciendo.

LUCAS LUPIN

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A PROPÓSITO DE TEATRO X ALIMENTO

Emoción. Si tuviera que expresar lo que pasó ayer por la noche en la experiencia Teatro x Alimento en la Sala Cuarta Pared en una sola palabra, esa sería: EMOCIÓN, y así, sin más, con mayúsculas. Sin nada de artificio, a luz de público, los actores con su propia ropa, es decir, más desnudos que nunca, y con las palabras de García Lorca en su Comedia sin título (más vivas que siempre), nos demostraron una vez más que el teatro es magia y  verdad, que el teatro es educación y sueño, que el teatro es solidaridad y vida, que el teatro puede dar de comer al hambriento (y no digo ninguna metáfora). El escenario se llenó de kilos y kilos de comida no perecedera que será entregada a quien realmente lo necesita en estos duros momentos, gracias a la generosidad de esos grandísimos actores que lo dieron todo a cambio de todo para el que lo necesita, y a la solidaridad del público que abarrotó la sala. No faltéis en las próximas convocatorias del 21 y el 28 de abril. Vuestro corazón os lo agradecerá.

Más info en: http://teatroxalimento.wix.com/dante-ac

ANA MARTÍN PUIGPELAT

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María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga

MaríaVelasco¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…

¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.

¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.

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¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.

¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…

¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.

¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.

¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.

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Ultramarinos de Lucas nos habla sobre sus 18 años de creación escénica

aultramarinos¿Cómo surgió Ultramarinos de Lucas?
A principio de los 90 unas cuantas personas de Guadalajara nos encontramos haciendo teatro en un taller. Descubrimos que nos apasionaban cosas parecidas, que entendíamos el teatro de una manera similar. Y que nos soportábamos bastante bien cuando estábamos juntos. En realidad, todo fue bastante casual y bastante natural. Éramos un grupo. Compartíamos pasión (seguimos compartiéndola). Luego nos obligaron a hacernos compañía y después empresa, como a todos. Así la cosa se nos fue complicando. Como a todos. Con el tiempo, los criterios de creación y la necesidad de búsqueda personal y artística (si es que son cosas diferentes) de cada uno fueron confluyendo. Así la cosa se nos fue poniendo un poco más fácil, (También es verdad que nadie más nos ofreció formar parte de su grupo.) Y en 1994, jugando, estrenamos Cosas del mar, con la técnica de luz negra, de la que desconocíamos todo previamente.

¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?
La necesidad. Los proyectos parten de la inquietud de cualquiera de nosotros (por eso cada uno ha dirigido diferentes espectáculos). Uno necesita cuestionarse sobre un asunto y compartir sus cuestiones con el público y conmoverse con él (el público es básico en el planteamiento de nuestros espectáculos); entonces lo propone al resto y si a los demás les interesa, nos lanzamos a ello sin pensar demasiado. Por ejemplo, Pinocho surge de la necesidad de uno de nosotros de investigar sobre su lugar como padre y al mismo tiempo como hijo. Siempre nos interesa experimentar terrenos que no conocemos (por esa razón, no nos atenemos a una técnica en concreto, sino que ésta está al servicio de la comunicación con el público). Sabemos, aproximadamente, de dónde partimos, pero nunca a dónde vamos a llegar. En algún momento, alguien plantea la viabilidad económica del proyecto (no dejamos de ser una empresa con grandes dificultades para cubrir gastos), pero si hemos decidido que la aventura es necesaria, no nos para el dinero. Y no hacemos nada que no nos apasione. No podemos evitar hacer el teatro que hacemos.

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¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?
Cuando nos planteamos “celebrar” los 18 años del grupo repasando una parte de nuestra trayectoria en la Sala Cuarta Pared, apareció claramente la idea de fracaso. En realidad es algo que hemos tenido bastante claro siempre: vamos de fracaso en fracaso. Pero no entendemos el fracaso como algo negativo sino todo lo contrario: fracasamos porque siempre queremos llegar más lejos. Nos interesa más el viaje que el destino, la pregunta que la respuesta, el juego que el éxito. Porque fracasamos seguimos buscando, jugando. Por eso decidimos que esta “celebración” se llamaría Ultramarinos de Lucas, 18 años de fracasos (y lo que nos queda).
Pero también podríamos decir que 18 años después el balance es: alegría, crecimiento, números rojos, una nave hipotecada, una furgoneta muerta, otra exhausta, continentes hermosos, gente de ojos grandes, fracaso, fracaso, una puerta, fracaso, fracaso, fracaso, un haz de luz…Y estamos muy orgullosos de nuestros fracasos.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Cuando se está en permanente búsqueda, la evolución, el proceso es lento y no se sabe muy bien a dónde lleva, tal vez a ningún sitio, tal vez al próximo escenario, tal vez a la próxima búsqueda, a perderse y volver a perderse. Si bien es cierto que cada vez nos cansamos más y sabemos menos, también las sensaciones de pérdida e investigación van siendo más reconocibles. Y confiamos cada vez más en nosotros mismos cuando avanzamos en medio de la oscuridad, y nos permitimos mayores riesgos y más desnudez.
También confiamos cada vez más en el público: entendemos que el teatro es una construcción que hacemos a medias actores y espectadores. A su imaginación nos dirigimos y cada vez confiamos más en ellos.

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¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?
Es esencial para nuestra forma de trabajar. Crecemos juntos, nos formamos juntos, investigamos juntos. Entendemos el teatro de una forma muy parecida, y cuando discrepamos, es una discrepancia creativa, no destructiva. Desde esos colaboradores, que en realidad son la compañía, porque tendemos a integrar y no a mantener meras relaciones profesionales, desde ellos nos abrimos a cuanto ocurre a nuestro alrededor.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?
Obviamente, aunque esto conlleve un gran gasto y, consecuentemente, una gran dedicación.

¿Se trabaja así con menos presión?
No. La presión nos la proporcionamos nosotros mismos, desde unos presupuestos de profesionalidad, implicación, trabajo.
En realidad la presión proviene de esta necesidad que tenemos de ponérnoslo difícil, de no transitar por caminos que ya hemos pateado, de partir siempre hacia lo desconocido, sin saber qué encontraremos al final

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¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?
De una u otra forma, todos hacemos todo. Es posible que el impulsor de la idea de espectáculo lo dirija. O no. Repartimos tareas según lo que cada uno siente o necesita o puede hacer. Pero al final todos participamos de todo. Seguramente ésa es una de las riquezas de Ultramarinos de Lucas. Solemos tener unos procesos de ensayos bastante largos, porque nos gusta perdernos por el camino y dejar que las cosas nos descubran antes que forzarlas nosotros. Según las características del espectáculo partimos de un texto, una imagen, unos objetos, una idea… Luego nos alimentamos con todo tipo de estímulos más o menos relativos al montaje (músicas, libros, exposiciones…). Desconfiamos de las ideas, de los prejuicios. Estamos más atentos a lo que nos ocurre que a lo que se nos ocurre. Al final, puede ocurrir que el director lleve las luces, un actor monte focos, el protagonista planche o el dramaturgo monte la escenografía.

¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?
Creemos que ética y estética van muy unidas. Intentamos ser muy cuidadosos al respecto. En el plano estético, de una forma más o menos consciente estamos muy implicados con la naturaleza que nos rodea. En muchos de nuestros espectáculos tienen mucha importancia los elementos naturales: la madera en primer lugar, el agua, las piedras, la tierra… Pero en realidad, de nuevo la estética está supeditada a lo que compartimos con el público. Y así llegamos al plano ético: tenemos un compromiso con el público. Sin ser complacientes, todo lo que hacemos lo hacemos para el público (al fin y al cabo es un compromiso con el ser humano, con nosotros mismos). Así, intentamos no ser demasiado listos y dar más de lo que recibimos. Diríamos que tenemos unos postulados éticos (más asumidos que verbalizados) que son: la humildad de aceptar sin miedo que no sabemos nada, que cuando empezamos un proyectos no sabemos qué debería ser ni cómo va a ser; la generosidad de dar todo lo que somos capaces, de no guardarnos nada para nosotros; la honestidad de no engañar, de no dejarnos llevar por lo fácil, la vanidad, la complacencia…
Intentamos mirar al público de tú a tú, sin importar su edad, compartiendo con él sinceramente nuestras dudas. Vamos de fracaso en fracaso. Pero insistimos. Nuestros postulados éticos.

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¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
El simple hecho de existir, insistir, persistir, resistir se está convirtiendo en algo subversivo. El hecho de ponerse ante el público y hablarle de corazón a corazón (jugando, ¿eh?, jugando, nada de psicodramas) nos parece un teatro combativo y alternativo. Si hablamos del teatro de denuncia política, también creemos que este debe ser el tiempo de los bufones. El actor debe ser la voz del pueblo, del pisoteado (incluso a pesar del pueblo y del pisoteado). Desde luego esto es mucho más fácil si eres un actor famoso.

¿Cuál ha sido el recorrido de las producciones que presentáis en Cuarta Pared durante estos años? ¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Ahora mismo tenemos 10 espectáculos en repertorio y uno que estamos a punto de estrenar (peZes, para público de 1 a 4 años, el 16 de marzo en La Casa Encendida). De ellos hemos hecho una selección consensuada con la sala Cuarta Pared. Nos habría gustado mostrar más espectáculos, hacer más representaciones, pero somos conscientes de las dificultades. Las obras seleccionadas son de alguna forma emblemáticas para nosotros: desde Cosas del mar, nuestro primer montaje, que lleva desde 1994 de gira ininterrumpida, hasta Pinocho, la última que hemos estrenado (2012), pasando por espectáculos que han girado dentro y fuera de España como Las aventuras de Huckleberry Finn (2006) y Otra vez (2007). Finalmente presentaremos La sombra de Lear [Shakespeare], lo último que hemos hecho para adultos (2009).Tener un repertorio tan extenso desgasta, pero también nos permite seguir a flote y continuar aprendiendo con cada montaje. Normalmente tenemos los espectáculos en cartel hasta que dejan de ser contratados o hasta que se hace materialmente imposible mantener la estructura necesaria para que sigan girando. Alguno, como Esperando a Godot, planeamos remontarlo cuando seamos mayores y sepamos de qué va esto de hacer teatro.

¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?
No hay absolutamente ninguna diferencia de planteamiento cuando preparamos un espectáculo para adultos o para niños. Partimos de no saber y buscamos compartir dudas y aventuras con el público, sin imponer ni impostar, da igual la edad del espectador.
La diferencia radica en el lenguaje. Cuando trabajamos para niños tenemos que elaborar mucho más, es infinitamente más difícil.

¿Qué proyectos tenéis entre manos?
El 16 de marzo estrenaremos en La Casa Encendida, en Madrid, peZes, un espectáculo para público de 1 a 4 años.
Llevamos años rumiando otros espectáculos. Tenemos más ideas y proyectos que nunca. La situación económica es dura, la creativa todo lo contrario.

¿Creéis que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Con toda seguridad. Los recortes afectan porque las administraciones destinan muy poco dinero a contratar teatro (y la mayoría de los teatros son públicos). La subida del IVA en las entradas hace que menos espectadores vayan al teatro. Y que bajen los cachés, porque la mayoría de las compañías no hemos repercutido esa subida en nuestros precios. De hecho los nuestros han bajado en los últimos 3 años. Pero lo que más va a influir es que cuando ha habido dinero, en el teatro se ha utilizado para hacer propaganda, invirtiéndolo de manera absurda, sin pensar en el futuro, sin consolidar proyectos a largo plazo. Ahora resulta que todos los teatros eran de cartón piedra, y los que creíamos estar dentro nos encontramos a la intemperie, tiritando con cara de tontos. Es cierto que de una u otra forma, todos contribuimos a consolidar ese modelo absurdo. Todos.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?
Como compañía lo último que compartimos que nos revolviera fue la trilogía Le Jardin, Le Salon, Le Sous Sol de la compañía Peeping Tom. Nos sorprendió su carga de humanidad, de sencillez, de humor y de rigor. También quisiera mencionar el espectáculo Tierra pisada de El Canto de la Cabra. Demuestra un compromiso y una búsqueda artística inquebrantable. Nos hacen plantearnos lo que hacemos y nos dan aire para seguir nuestra travesía.

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El increíble hombre menguante a solas en la oscuridad

Si algo añoro de los cines de hoy en día son aquellos programas dobles en los que, en una misma tarde, podías sumergirte en el mundo de El increíble hombre menguante o quedar atrapado junto a la protagonista de A solas en la oscuridad. Este fin de semana he vuelto a recuperar aquella intensa y maravillosa experiencia…A primera hora de la tarde acudí a la Sala DT para ver en qué consistía la propuesta de Mi gran obra de David Espinosa que se mostraba junto a la instalación de Hekinah Degul…Y ya en la introducción del montaje, las palabras con las que el artifice nos explicaba el punto de partida, provocó en mí una sonrisa de oreja a oreja…Toda una declaración de principios…Si no tienes medios no has de cortar las alas a los sueños. Es complicado explicar esta obra o no…Podría decir que a través de unos anteojos, se podía contemplar la vida en tres minutos…Un viaje de la infancia a la muerte con miniaturas. Hay artístas que escriben El Quijote en un palillo, David Espinosa nos hace viaje por la vida en la lluvia de unos granos de arroz.
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Y de aquí, emocionado…me fuí a otra experiencia…a Morfología de la ceguera de Onírica Mecánica. A la entrada de la Sala Cuarta Pared nos recibe el director Jesús Nieto a los veinticinco privilegiados espectadores, para comentarnos las peculiaridades de la propuesta y darnos una cinta con la que taparnos los ojos…Cuando entramos en la oscuridad perdemos la noción de la realidad para asistir a una experiencia sensorial cargada de elementos con los que deleitar nuestros sentidos, salvo el de la vista. Es tan sugerente todo lo que va cruzándose en nuestro camino que pronto se pierde la noción del tiempo y nuestra imaginación nos anima a entrar en un bosque mágico, en una feria cargada de atracciones…en pedazos del sueño de Alicia, una niña que habita la oscuridad, allí donde todo lo que la imaginación dibuja puede hacerse realidad. Cuando abrimos los ojos, nos encontramos ante una ensoñación fascinante que se diluye en un torrente de luz.
Adolfo Simónceguera


Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga

Ablas¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.

¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.

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¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.

¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.

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MESTIZAJE INTELECTUAL – DRAMATURGOS ESPAÑOLES Y MEJICANOS HACEN SOPA DE PIEDRA EN DRAFT.INN CON OCASIÓN DE LA XIII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE ESCENA CONTEMPORÁNEA

MESTIZAJE INTELECTUAL
DRAMATURGOS ESPAÑOLES Y MEJICANOS HACEN SOPA DE PIEDRA EN DRAFT.INN CON OCASIÓN DE LA XIII EDICIÓN DEL FESTIVAL DE ESCENA CONTEMPORÁNEA
Por María Velasco
Ahora que vuelven las invasiones bárbaras con recortes masivos al mundo de la cultura (equiparada a un bien de lujo) y que por el Plan Bolonia el templo del saber, o sea, la universidad, pasa a maridarse con la empresa, cada vez son más necesarios los espacios de pensamiento. No pasa inadvertida la emergencia de un montón de salas y salitas por las que el teatro renuncia a su aspiración de un arte total y, plegándose a la infraestructura disponible, demuestra su posibilismo; obligado te veas, como decía Lope, solo se necesitan “dos actores, cuatro tablas y una pasión….” Que no es poco
Salvo el ingrediente de la pasión, Draft.inn no alberga parecido alguno con esos otros espacios. Es “quijotesco”, en el mejor sentido de la palabra, y supedita la rentabilidad al ingenio. Comentaba con uno de los socios fundadores, José Manuel Mora, el parecido de esta empresa con el cuento de la “sopa de piedra”. En él, un extranjero hambriento llegaba a una aldea con una piedra que decía milagrosa, pues solo a partir de su esencia se podía obtener una nutritiva sopa. Superada la incredulidad inicial, los aldeanos, entusiasmados por el proyecto común, se aprestaban a enriquecer la sopa con sus viandas. José Manuel Mora y Javier Bastías han puesto la piedra, un menhir de categoría… Falta la substancia.
El día 7 de febrero, el starlux, lo puso el Festival de Escena Contemporánea, y su director Salva Bolta, propiciando al medio día y en esta casa el encuentro entre dramaturgos autóctonos y los mejicanos Bárbara Colio, Edgar Chías y Richard Viqueira (director), entre otros. Pese a disfrutar de la agradable compañía de Jacob Amo, Guillermo Heras, Borja Ortiz de Gondra, José Padilla, etc., como suele suceder, estaban presentes no pocas ausencias, pero, en esta ocasión, lo importante era escuchar a los visitantes mejicanos. Con ellos sucede lo que es extensible al ámbito sudamericano: pese al inestimable vínculo lingüístico, sabemos los unos de los otros menos de lo necesario… Ahora bien, las generalizaciones son odiosas y, en este caso, uno de los invitados de honor, Guillermo Heras, director ejecutivo del Programa de Iberescena, llegaba recién de La Patagonia.
Conversando distendidamente alrededor de la mesa, pudimos darnos cuenta de que los comunes del teatro español y el mejicano son más que las diferencias: ellos también habían acusado en los últimos años la proliferación de espacios no convencionales. Hablamos de las ventajas y desventajas de este fenómeno; asimismo, de los pros y contras de la solidaridad que caracteriza a este sector: el voluntarismo parece equivalente a los recortes; como dramaturgos, nos preguntamos si escribíamos teniendo en cuenta los criterios de producción, cada vez más estrechos y, entre todos, llegamos a la conclusión de que no podíamos empezar dinamitando la libertad creadora por el texto teatral… Una charla que fue animándose al calor del vino, para derivar en aquellas cosas que verdaderamente nos importan, pues, al fin y al cabo, no somos gestores ni productores sino a la fuerza de las circunstancias. A colación de la obra de Edgar Chías Ternura Suite, dirigida por Richard Viqueira dentro del marco de Escena Contemporánea en la Sala Cuarta Pared, hablamos, por ejemplo, de cómo representar la violencia y el sexo en escena. En un mundo en el que la hiperrealidad se impone en medios, la teoría del simulacro encuentra mil giros de tuerca y somos inmunes a la agresión visual, nos parecía, en general, que habíamos de encontrar metáforas específicas de nuestro propio medio. El intercambio de ideas y anécdotas al respecto fue lo más enriquecedor de este día de mestizaje intelectual. El colorismo del otro continente y la energía preciosa de los cerebros de Draft.inn propiciaron una sobremesa ajena al victimismo que hoy le duele a la cultura.

suiternura


“Duda razonable”. Borja Ortíz de Gondra. Sala CUARTA PARED.

Sala CUARTA PARED
“Duda razonable”
Autor: Borja Ortíz de Gondra
Dirección: Josep María Mestres
Borja Ortíz de Gondra realiza un ejercicio complejo para hablar sobre la violencia de género…Podría haber optado por contar la historia de hombre malo que maltrata a su mujer…Pero no, apuesta por indagar sobre qué pasa cuando la violencia se instala en nuestro día a día…Y cómo se activan unos mecanismos que desvelan la parte más oscura que hay en todos nosotros. Josep María Mestres trata de contar la historia de la forma más sencilla pero alimentando nuestros sentidos con elementos sugerentes, gracias al uso de nuevas tecnologías…Un buen plantel de actores defiende las complejas escenas de los personajes en distintos planos de realidad. Este es un trabajo que podría apuntar hacia la posibilidad de un nuevo teatro comercial, hecho con sencillez y dignidad, entreteniendo con temas de interés.

                    Adolfo Simón

“El rumor analógico de las cosas”.Fernanda Orazi.Sala CUARTA PARED

Sala CUARTA PARED
“El rumor analógico de las cosas”
Autoría y dirección: Fernanda Orazi

Diez actores en busca de obra, así podría también llamarse esta propuesta de teatro despojado que Fernanda Orazi ha mostrado en la Sala Cuarta Pared. Cada vez, el público, tiene más curiosidad por saber cómo es la cocina de los espectáculos que ve; asiste a ensayos previos a los estrenos o acude a encuentros tras el estreno, para empaparse del proceso de creación de un personaje o espectáculo, les interesa de igual modo si el montaje es a partir de un texto o una experiencia colectiva. Aquí, en El rumor analógico de las cosas, asistimos a un juego pirandelliano en el cual, cuál voyeurs, contemplamos la autopsia del cuerpo de la creación y los juegos que los propician. Hay momentos en que se superponen situaciones que generan un extrañamiento interesante, cuando menos fuerza tiene la propuesta es cuando parece que estamos exactamente en una sala de ensayos en vez de en un teatro… Al final del espectáculo, se generó una atmósfera intensa y desordenada, que enlazaba con la potente primera imagen, aquella en la que parecía que los intérpretes creadores señalaban líneas en el espacio, como marcando los caminos de donde provendría la materia con la que se construyen los sueños…Sería bueno ver cómo seguiría el montaje tras la escena final.

ADOLFO SIMÓN