Alma y cuerpo en el Teatro Español
La programación de esta temporada en el Teatro Español se ha cerrado con un curioso programa llamado «Alma y cuerpo». Un díptico en el que la palabra, la danza, la escena caleidoscópica nos trasladan a un universo onírico lleno de imágenes surrealistas donde la poesía adquiere cuerpo y el cuerpo levedad.
Adolfo Simón
Triptico sobre Surge Madrid
Los años rápidos, pequeña pieza teatral que relata los dimes y diretes de una familia. Nos muestra como el tiempo no cura todas las heridas, y como los secretos «mejor» guardados, siempre salen a la luz de una forma u otra.
Pieza perteneciente al festival Surge, en la sala Azarte bajo la dirección de Secun de la rosa, y escrita también por el.
España ingobernable, es una recopilación de textos de otros tiempos, y textos de no tan lejos que bien podemos entender ahora y ajustarlos a los últimos hechos que sacuden nuestra España, inquieta, luchadora e ingobernable.
Una propuesta muy interesante, una guitarra, un par de voces, y mucho por decir, en un ambiente intimo, compartido y con toques de misterio y secreto, en la sala mirador, dentro del festival Surge.
Paisajes de un interior común.
Una propuesta de danza y música en directo, sacando de objetos cotidianos nuevos sonidos, significados y ambientes. Seis bailarines reunidos en un espacio, en una lucha incansable de danza consigo mismos.
Propuesta dentro del festival Surge en Nave 73.
Lucía M Herrera
“UNA MIRADA SUTIL” en La Mirador / Surge
Cuando se trata de Carmen Werner es muy complicado no presentarse ante el patio de butacas sin ninguna expectativa. En este caso volvemos a hablar de una propuesta envuelta en todo el universo Werner. Una atmósfera casi tangible a los ojos, que juega a la plasticidad de sensaciones donde el cuerpo y el movimiento toman el papel principal. Con la naturalidad de las cosas vivas, la historia y los sucesos que aquí pasan, son el perfecto partenaire de una composición que reaviva en nosotros la atención en todo momento. Hablar de “una mirada sutil” es hablar de la atención del público, de la captación real e instantánea de lo que allí pasa. Cosa que reafirma a Carmen como una autentica vudú de atmósferas, consiguiendo de manera directa y soberbia, adentrarnos en su materia gris.
África Animú
De Salonnières, primer festival de artes escénicas y salonísticas en La Casa Encendida de Madrid
Durante dos semanas, La Casa Encendida convirtió sus salas expositivas en un salón en el que se hablará del arte mismo de conversar, de ciberpolítica, de brotes y kombucha, del pensamiento del corazón, de cómo la masculinidad se distrae en la pista de baile, de (anti)terrorismo, de anatomía, de ocultoides, de lúcidas locas, de memoria holográfica y dadá, de pulpos y de arañas…Y de este modo, desplegaron un catálogo insólito donde el prefijo «anti» acompañaba con precisión cada propuesta…Antidanza, Antiexpresión, Anticultura… Un programa diferente a lo que se puede apreciar habitualmente en la cartelera madrileña.
Adolfo Simón
“SHIMAI SISTERS” en DT/Surge Madrid
“Shimai Sisters” nos adentra en una mirada particular acerca del mundo femenino en Japón. Con una perspectiva inductiva, se nos presenta una realidad que mucho tiene que ver con la sociedad actual. Estamos muy acostumbrados a etiquetar una raza con sus apariencias más características, sin pararnos a pensar de donde surgen. En esta ocasión somos testigo de la historia que esconden muchas de sus costumbres más peculiares. Teatro, performance y danza; se fusionan para hacernos participes de aquello que arrastra una de las sociedades más estigmatizada, consiguiendo así, que uno salga preguntándose que esconde esa cultura tan valorizada.
Uno sale con ganas de entrar, porque de algún modo cuando entras nunca terminas de salir del todo.
África Animú
Shana Moulton en De Saloniéres en La Casa Encendida
Las salas de exposiciones raras veces se convierten en otro tipo de espacios a lo habitual. Y en La Casa Encendida justamente eso es lo que sucede durante unas dos semanas, La Casa ofrece un ciclo de performances en sus diferentes salas. De Salonniéres trata de ocho propuestas escénicas. Se ponen en juego el Tiempo, el Espacio y los Cuerpos. No hay obras expuestas, descripciones o títulos en las salas. El espacio está vacío hasta que entramos. Y las obras de arte solo suceden en nuestro presente compartido, en el espacio compartido con el artista, en el espacio compartido con los otros. La obra de arte es Estar ahí. Estar y dar la posibilidad a que nuestra imaginación se expande.
He tenido suerte al asistir al ciclo con la propuesta de Shana Moulton, artista “audiovisual”. Ningún título es suficiente para contener la inmensa creatividad, humor y frescura de Shana. Ella acompaña a las proyecciones y estas le acompañan a ella. A través de un camino psicodélico y al hilo de la auto-sanación lleva al espectador a su universo. A un universo posible para todos nosotros.
Una propuesta de Green Parrot, un colectivo de arte contemporáneo de Barcelona. Recomiendo seguir sus trabajos, y también pasarse a los últimos encuentros De Salonniéres.
Lutza Borsos
I LEAVE THE LIGHS ON en Cuarta Pared / Surge
¿Dónde se encuentra el fondo del abismo? ¿Has visto alguna vez las líneas que generan tus pensamientos? Solía pensar que aquello que proyectamos al exterior se ve de alguna forma representado por líneas infinitas, invisibles y dúctiles, que emergen en nosotros vínculos que nos completan. La unión de muchas líneas hace el puzzle y el puzzle conforma lo que somos y lo que no. En este caso, desde la silla de un teatro, a pocos metros de la historia, brotó en mi uno de esos momentos de autentica revelación. Mis poros encontraron la metadona que hacía tiempo que les faltaba, como un chute de adrenalina, disparó una de esas líneas que embriagaron mi sistema inmunológico. La señorita Miranda, desencajo todo pensamiento predeterminado, haciéndonos caer en un mundo bello y coreografiado, aderezado con una atmósfera agridulce que hace que nuestra mirada se obsesione por ver todo aquello que ocurre.
Ahora, tras tomar distancia con aquel momento, podemos recordar aquella frase que pronunciaba el señor Neruda.. “Algún día en cualquier parte, en cualquier lugar indefectiblemente te encontrarás a ti mismo, y ésa, sólo ésa, puede ser la más feliz o la más amarga de tus horas”
A veces hay cosas que llegan a uno en forma de flecha, quedando atravesado por una línea infinita, invisible y dúctil, que coloca en nosotros otra pieza más del puzzle, quedando así, un poco más completos que ayer.
África Anamú
Soy una mosca que mira a través del agujero de una llave un lugar en llamas de Lola Jiménez en Teatro Pradillo
Salí del teatro y la ciudad estaba desierta, en el autobús solo íbamos el conductor y yo…todo el mundo estaba en el fútbol o viéndolo desde un monitor, en casa o en alguno de esos bares que se llena de gente que mira el plasma como si mirase a Dios. Sólo un grupo de privilegiados nos reunimos en Pradillo para sumergirnos en el imaginario de Lola Jiménez. En la breve pieza, habla, pela manzanas, deambula por la sala, se sumerge en un mar de imágenes perturbadoras y pelea con sombras imaginarias…Hay propuestas escénicas que no se pueden explicar ni describir, hay que estar ahí y abandonarse al misterio que ocurre ante nuestros ojos…Lo dicho, todos miraban el fútbol y unos pocos mirábamos el saco de la risa.
Adolfo Simón
Habla.De.La.Tierra de Camille Hanson en La Usina/Surge
«Habla.De.La.Tierra» es una visión tangente del desarrollo natural de tiempo y la materia. Los cuerpos entrelazados por la madre tierra crean un ecosistema que nace y se desarrolla ante nuestros ojos. Con el comportamiento salvaje de los elementos tierra, agua y fuego, las interpretes nos conmueven con una pieza cargada de condensación motriz y un cuerpo totalmente abrupto. Generando un cuerpo bello y una belleza que desea ser tocada.
Las pinceladas dramatúrgicas del siglo XXI, nos hacen de puente entre el nacimiento del planeta llamado tierra y su estado actual. Dos lenguajes que conviven de manera paralela, retro-alimentando el mensaje que estamos recibiendo.
Deberíamos marcar este tipo de propuestas como una gran punto de partida, donde el interprete se encuentra en total disposición a su cuerpo, siendo este otro siervo a la material que conjuga esta bella atmósfera.
África Animú
Plexus en el Festival de Otoño a Primavera en la Sala Verde de los Teatros del Canal
Hay dos cosas muy difíciles de conseguir que funcionen en escena, una es la tecnología que suele usarse como adorno y efectismo…y otra, crear atmósferas sensoriales y tenebrosas. En Plexus, un espectáculo de danza que transita por la acrobacia y la magia se alcanza algo muy complicado, la simbiosis entre el cuerpo humano y el espacio, consiguiendo que por momentos no podamos distinguir entre el final del físico de la bailarina y la materia que la envuelve. Durante la hora que dura, nos mantienen pegados a la butaca esperando que cada haz de luz o cada sombra, nos depare nuevos efectos sensoriales y emocionales…Un viaje a la fisicidad como algo tangencial y a lo atmosférico como discurso de la memoria del tiempo. Una propuesta que sorprende y fascina.
Adolfo Simón
“TIME OUT» en Cuarta Pared/Surge Madrid
¿Correr es una forma de escapar o un modo de llegar?
A lo largo de la vida encontramos diferentes torrentes de energías que nos enmarcan una etapa. Nuestro cuerpo se ve inmerso en esa necesidad que parece tener el mundo, ese sistema cíclico que nos hace comprender la vida como una gran Pangea. El tiempo no para y nada lo detiene, somos fruto de aquello que sucede en su franja temporal, sin darnos cuenta que la quietud también precisa de ese espacio para existir. Detenerte, callarte, observar, escuchar… abren un nuevo torrente de posibilidades, un movimiento no tangible a los ojos pero si al ser humano. Aristoteles afirmaba que el movimiento no existe, pues para llegar a un punto primero hay de recorrer la mitad y para llegar a esa mitad otra mitad, dándote cuenta que el infinito acaba por paralizarte. Esto que ahora surge es precisamente lo que podemos ver en “Time out” una propuesta de movimiento, en donde la pausa y el tiempo entre paso y paso; nos adentra en un mundo de realidades olvidadas que nos enseña que para lanzarte, correr, empezar… hay que posicionarse primero en el punto de partida. Es la pausa dónde todo comienza, donde las millones de opciones toman decisiones que nos hacen guiar nuestro camino. La vida es como una maratón donde no debemos olvidar que gestionar la velocidad es crucial para llegar victoriosos a la meta.
África Animú
Letter to a man en los Teatros del Canal
Mikhail Baryshnikov es uno de los bailarines más importantes de la historia de la danza, he tenido la suerte de verle en varias ocasiones, bailando diferentes coreografías…y siempre he salido del teatro con la sensación de haber estado suspendido en el aire durante la representación. También ha actuado con cierta holgura…En este espectáculo que ha creado junto a la maestría escénica de Robert Wilson, hace algo muy difícil…»Bailar actuando y actuar en danza». Si uno acude a ver este espectáculo con la idea de verle hacer acrobacias, saldrá decepcionado porque aquí no se hacen piruetas físicas, se baila el silencio y la locura. Esto, que se dice muy fácil, es muy complicado de realizar porque la sensación que llega al patio de butacas es que, lo que nos proponen es un tránsito por el cerebro de Nijinsky a partir de su diario, unos textos escritos durante su encierro; una bajada al abismo de un hombre que había perdido la orientación de sus pasos en la vida. Hay ocasiones en las que es muy complicado explicar qué ocurre en el escenario, solo se puede decir una cosa…Vayan! La cartelera está llena de intentos frustrados de arte…aquí hay un salto al vacío sobre una paleta de colores infinitos donde uno entiende profundamente lo que ocurre cuando la mente se queda mirando al infinito, en la más absoluta oscuridad…y aparecen los cisnes de papel.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/letter-to-a-man-robert-wilson/
Adolfo Simón
TIME OUT en Surge Madrid-Entrevista
¿Cómo surgió la propuesta que presentáis en Surge?
En nuestra formación como bailarines estábamos muy unidos y después de trabajar unos años cada uno por su cuenta nos volvimos a encontrar, esta vez por las ganas de HACER juntos.La idea de ser mas fuertes en la union y de tener una infraestructura que nos permitiera llevar a cabo diferentes proyectos hizo que naciera Aula 3 plataforma de creación. TIME OUT nace de esta unión, partimos de un concepto común y tres maneras diferentes de afrontarlo. 3 CARAS DE UNA MISMA MONEDA.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?
Muy sencillo en el entendimiento personal. Tres idiomas que se han conseguido hablar y entender. Habido una experiencia muy enriquecedora. Vemos las cosas, las imaginamos y las creamos desde sitios muy diferentes, esto ha hecho que el trabajo sea muy personal y diferente a lo anteriormente vivido.
El proceso fue madurando pasando por sitios diversos como son: C.C. Eduardo Urculo; Espacio en Blanco; Canal; Conde Duque; La Nave del Duende. En todas sacamos algo y ello nos animaba a sacar adelante la pieza larga. El pasar por el Certamen Coreográfico de Madrid el pasado Diciembre 2015 nos hizo mucho bien porque pudimos presentar un boceto de lo que ahora es Time Out. El caso es que de ahí salimos premiados con la beca-residencia para ayuda a la creación en La Nave del Duende (Casar de Cáceres). En la Nave pudimos ahondar más en el proceso y cerrar los 50 minutos aproximados de la pieza. Toda una experiencia.
¿Qué os parece un Festival cómo Surge?
En estos últimos años Madrid se ha llenado de bailarines y creadores por la mejora en la oferta de formación. Paralelamente, debido a la famosa crisis y los recortes, la oferta de programación y la opción de trabajar en compañías consolidadas se ha visto mermada o totalmente amputada por el cierre de compañías. Esto ha hecho (y no decimos nada que no se sepa) que la creatividad surja por defender lo que a uno le mueve y para lo que se ha formado toda su vida. El hecho de lanzarse a crear no a todo el mundo le gusta pero en estos tiempos en que todo se reinventa es, dentro de lo malo, emocionante. No con ello defendemos lo que ha sucedido en este país con la cultura, pero por ver cosas buenas creemos que la gente joven se está moviendo y está surgiendo algo diferente que aunque no sume a lo anterior si podrá generar otros modelos y otras formas de trabajar. En cuanto al “Surge” nos parece un festival necesario. Sin idea de sustituir a ningún festival que haya podido desaparecer (es una pena) es una oportunidad para esos valientes que se atreven con el sector y que quieren defender su manera crear.
¿Cómo es la situación actual para la creación contemporánea?
Evidentemente no vamos a decir que esté bien para nada. Hablando de la danza en particular, es una pena que un país con tanto potencial en el sector esté tan poco explotado. La formación y la creatividad de los españoles es un potencial que se ve fuera. Podemos comprobarlo observando los elencos de muchas compañías europeas llenas de españoles a día de hoy. Esto no es nuevo y tampoco malo. Lo que sí da pena es que en otros países la danza tenga tanta visibilidad en televisión, teatros durante todo el año, universidades y lo más importantes institutos y colegios y aquí casi nada o nada. Creemos que la lacra de la danza en España está en que no nos hacen valorar este arte desde pequeños. Los beneficios para la sociedad y para el sector en si está probado que son brutales. El fomento de la creatividad, el contacto con los compañeros y el conocimientos de nuestro propio cuerpo desde pequeños haría de la sociedad española una sociedad más empática, libre pensante y sensible. A parte de esto, el posible público que no se hace a los 30 años, son esos niños/as. Si sumamos el tema del IVA al 21% (que hacen difícil que una producción sea rentable) y la no facilidad para jóvenes de acudir a teatros a ver danza lo veo difícil.
Esto es lo que hace difícil que uno se lance a crear con facilidad o no tire la toalla a medio camino. Si no hay para quien bailar , no se bailará. Creemos muy mucho en el fomento de la danza dentro de la educación no artística y la mayor visibilidad en medios de comunicación. Esto retroalimentará todo y hará más productivo las pocas inversiones que se hacen hoy en todo el resto del engranaje.
Quiere cantar su alegría por El Curro DT
Curioso como con el paso del tiempo las historias de los otros se mezclan con la propia hasta hacerse indistinguibles.
“España que perdimos, no nos pierdas” parece venir de las flores cultivadas en las grietas de la memoria. “Quiere cantar su alegría” se despliega como un pedazo de memoria cruda. Sobre el sustrato de recuerdos como los de Alberto García, alguien regó poesía.
Hablar de la forma es complicado si está al servicio de una historia personal. Hay un bello paralelismo entre la luz que va bajando hasta alumbrar intimidades por las que nos invita a pasear y el vestir y desvestir del mariachi. También siento que, en la misma línea de la propuesta anterior, todo parece desvelar un claro absurdo. El absurdo de las coincidencias, de los amores, de las dudas, el absurdo del mundo en su complejidad al fin y al cabo. Pero sobretodo el absurdo de la guerra, que ante los ojos de un niño pierde toda lógica y nos golpea como un ridículo motivo por el que las cosas cambian. Una vida como la de Alberto se entreteje en infinitas vidas y por eso nos dice tanto de todos nosotros.
Me siento agradecido como público cada vez que se habla con entereza del pasado de este país en el que convivimos, y más aún cuando se hace desde la experiencia personal. Creo que es importante dejar que los hechos queden atrás sin por ello olvidarlos. Puede que llegue un momento en el que la historia de este mariachi sea una bella anécdota y no tengamos que recordárnosla para tenerla presente. Pero ese momento aún no ha llegado, así que nos deseo que brindemos con tequila y sigamos hablando de lo nuestro para que lo nuestro se transforme. Porque aún no es demasiado tarde.
Javier Tirado
Adicto en DT Espacio Escénico
El amor es uno de los impulsos fundamentales del hombre. En esta propuesta tan personal e íntima el amor se entiende como la raíz del sujeto, el núcleo alrededor del cual se construye el yo, su herramienta principal al aproximarse al mundo exterior y la primera causa de derrumbes en el edificio de la personalidad. Sin amor externo, sin la mirada del otro, es imposible que conozcamos nuestras verdades.
Estar sola en escena durante una hora requiere mucha valentía. Hablar de algo que es una parte indiscutible de una misma, también. El montaje es como un despliegue de pequeñas intimidades, ordenadas una detrás de otra y vinculadas a la idea del yo y los otros. Hay espacio para profundizar más, para explotar mejor los recursos escénicos no dejándose llevar tanto por el efecto como por el contenido de lo que se está tratando. Aunque ella comparte sus noches de insomnio y sus momentos de alegría y eso se agradece mucho.
Se agradecen también las torpezas y los temblores. El riesgo de encerrar algo vivo en la cárcel de la forma es omnipresente. Para mí no hay nada más bello que ver a una actriz/actor vulnerable compartiendo su debilidad. A fin de cuentas el sujeto, el “yo” es tan frágil como una torre de gelatina.
Javier Tirado
Yo, Carmen de María Pagés en los Teatros del Canal
María Pagés explora el deseo como una responsabilidad ética; reivindica la vida, el placer, la autonomía, la libertad y la felicidad como derechos fundamentales del ser humano. El personaje de Bizet es el inicio de un espectáculo que busca desarmar los estereotipos inculcados durante siglos para silenciar la esencia de la mujer real. Una mujer hablando de mujeres, con las aristas que las conforman y sostienen. La reflexión coreográfica de Pagés busca confrontar el mito y despojarlo de la imagen prefabricada que todos tenemos incorporada para mostrar en el escenario una más certera y veraz. Carmen surgió del imaginario de un hombre y otro hombre creó la ópera y la gran mayoría de las versiones que hay de este personaje, están hechas por hombres. Ya era hora de poder ver la visión femenina sobre este mito. María Pagés se arropa de textos de mujeres de primer orden para tejer ese laberinto de escenas y miradas sobre Carmen, creando un caleidoscopio sutil y sugerente, con el objetivo de quitar etiquetas y tópicos sobre el personaje. Una visión diferente y necesaria.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/yo-carmen-maria-pages/
En el desván de Café Müller
No quiero dejarme llevar por la emoción que me embarga saber que en unos meses se cerrarán las puertas de La pensión de las pulgas como ocurrió con La casa de la portera…no, como en ese momento ocurrió, todos sentimos que allí habíamos vivido unos momentos inolvidables y que cuando una puerta se cierra, otra se abre; estoy seguro que los responsables de estos espacios nos depararán nuevas y hermosas aventuras. De momento, quiero seguir disfrutando de las múltiples y diferentes propuestas con las que van a deleitarnos en estos meses. ¿Estaba todo visto en La pensión de las pulgas?, no…Todavía podían sorprendernos nuevamente, en esta ocasión, con una pieza de danza producida ni más ni menos que por la Compañía Nacional de Danza cuyo responsable, José Carlos Martínez ha tenido la brillante idea de dar espacio de creación a Agnès López y Elisabet Biosca para que llenen las habitaciones de La Pensión con aroma Home. De manera delicada, los personajes que aparecen entre visillos o de debajo de los muebles, nos llevan de un lugar a otro para suspendernos en esa atmósfera que nos recuerda a los personajes perdidos en tiempo y lugar en las piezas de la genial Pina Bausch. Es una propuesta diferente, en la que el público respira el latido de la piel de los bailarines a un centímetro de su mirada. Todo el mes de abril será una fiesta para bailar con los ojos en este particular teatro. Y este fin de semana hemos podido asistir a un evento performático de la mano de la Compañía Nitroglicerina Theatre…en Awakening se nos sumergió en un mundo de seres sin identidad a los que había que reprogramar para que recuperasen la capacidad sensorial.
Adolfo Simón
Kaspar Hauser de La Phármaco en los Teatros del Canal
Es maravilloso experimentar cómo Luz Arcas nos adentra en un personaje muy complejo en su interior a pesar de haber sufrido un encierro de diecisiete años, un encierro involuntario que le ha convertido en un ser extraño a la sociedad y para el que la sociedad también es algo extraño. Pero esto último no es lo que le interesa: ella quiere experimentar en sus carnes lo que Kaspar sintió en sus primeras veces, en su primera experiencia con la luz natural, con el mundo exterior, con los animales o con la primera visión de las estrellas. Es impresionante ver el trabajo de fondo que Luz ha imaginado, sentido y realizado a través de su expresión corporal y de la coreografía que nos va sumergiendo en numerosas sensaciones. Luz se convierte en Kaspar enteramente, desde lo más dentro, emanando hacia fuera, como sólo ella sabe a través de su danza, la personalidad de «el huérfano de Europa». Un trabajo de una calidad extrema, de delicada plasticidad y de acertada interpretación que no puede dejar indiferente a nadie y que coloca a la intérprete una vez más en la punta de la pirámide en lo que a danza se refiere.
La composición e interpretación musical de Carlos González también es sobresaliente. Cada acorde acompaña al cuerpo y el cuerpo acompaña a cada acorde de una manera que nos estremece la piel. En definitiva, La Phármaco nos ofrece una oportunidad única para disfrutar de lo más hondo de la danza en un trabajo bello y emocinoante que esperamos que se pueda repetir muy pronto, ya que ha tenido un paso muy breve por Madrid, breve pero muy intenso.
Luis Mª García Grande
Mi madre no llevaba bolso, por El Curro DT en el VII Ciclo Puente Aéreo. DT Espacio Escénico.
El vínculo materno, algo tan primario y original que justifica nuestra naturaleza individual. En «Mi madre no llevaba bolso» por El Curro DT, recorremos como si de un juego se tratase la memoria de un hombre y su historia familiar. El intérprete nos conduce por distintas etapas del personaje sin ocultar nada, comparte con nosotros la intimidad de su hogar al tiempo que recompone cada detalle de su infancia, desde la nochevieja de 1990 en casa de sus tías a las lecciones aprendidas en las rebajas de El corte inglés o las notas que los profesores mandaban a su madre. Carlos A. Alonso con su cuerpo, su voz, y su carisma, atrapa al público, dinamiza el recorrido y nos toca con esta historia.
Marian Patilla
El Carnero de Los Anacolutos…Proyectos Poplíteos en DT
El Carnero de proyectos Poplíteos echa raíces profundas bajo sus huesos. Entre la maraña de signos hay líneas continuas que se cierran al final en la mente del espectador, dubitativas pero intensas. Durante la muestra se dejan muchas puertas abiertas, algunas invitan a entrar, otras son aparentemente incoherentes en el conjunto.
Sucede cuando Isaac Torres habla que aparece una cierta arrogancia difícil de asumir en un recorrido personal por la herencia y el pasado. Hay más verdades en la sucesión de recuerdos, cuerpos, sonidos e imágenes que en las palabras de reproche visceral hacia el mundo. Todos nos hemos dejado arrastrar alguna vez por ese rechazo ardiente y catártico, pero para mi gusto convive con dificultad en el mosaico de imágenes.
La palabra despeñadero se usa demasiado poco en nuestra vida cotidiana. Es suficiente con el carnero despeñado para salir retorcido de la sala. Además, en el animal que escapa con nuestros pecados vive la impotencia de ver crecer aquello que nos va a sobrevivir, que va a petrificar la memoria de nuestra abyección. Como la madre de Isaac yo no querría volver atrás para confirmar que el cemento, la madera y la piedra saben tan poco de uno que pintan la memoria como un fraude, una mentira construida día a día entre todos que de vez en cuando vomita carneros hambrientos sobre un mar indiferente.
Javier Tirado
Sacre (Consagración) de Sasha Waltz en el Teatro Real de Madrid
«L’après-midi d’un faune» es una producción de Sasha Waltz & Guests coproducida por la Staatsoper im Schiller Theater. «Scène d’amour es un extracto de «Roméo et Juliette», una producción del Teatro alla Scala de Milán y «Sacre» es una producción de Sasha Waltz & Guests coproducida por el Teatro Mariinksy de San Petersburgo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. Este tríptico presentado en el Teatro Real de Madrid es una ocasión única para conocer tres aristas de la rica producción artística de Sasha Waltz. En la primera pieza hay un lenguaje mucho más contemporáneo que en las otras que ralla la peformance plástica. La segunda es un ejercicio emotivo de belleza extrema para cerrarse con una obra de gran intensidad estética y energética; un cierre que demuestra de manera contundente lo que no duda nadie hoy en día y es que Sasha está en el momento más álgido de su carrera creativa y cuenta con un elenco de bailarines de un nivel técnico fantástico. Por suerte para nosotros, el Teatro Real ha programado estas tres piezas para seguir disfrutando y conociendo a fondo su trayectoria. Poder disfrutar de sus coreografías con música en directo es un lujo exquisito.
Adolfo Simón
Phantasmagoria en DT
No es necesario afirmar que la materialización de una idea conlleva muchas dificultades. Una de las preguntas que surgen y que permitiría un extenso debate es hasta donde la idea original, inmaterial, ha de imponerse a las condiciones físicas de su materialización, o dicho de otro modo, hasta donde debe una idea transformarse para adaptarse a la realidad y convertirse no en una “copia” en 3d de los pensamientos del autor sino en un ente independiente con vida propia. En el caso de Phantasmagoria parece tratarse de una obra adaptada solo parcialmente al lenguaje escénico, al contacto con el público. Cuando una performance es un objeto de exposición en un museo el espectador es libre de acercase a ella a su antojo. Sin embargo en el teatro ha de tenerse en cuenta el ritual del espectáculo y la ansiedad que genera que aquello que se va a ver será mostrado solo una vez. Cada distracción penaliza y la monotonía adquiere otro valor. Pienso que unos de los materiales más preciados en cada espectáculo son los pensamientos del público que no están directamente relacionados con lo que ve (las distracciones, las dudas, los viajes fuera del hilo narrativo) pero son específicos de ese ritual compartido. Creo que el fantasma de Arianna Marcoli podría haber arañado más nuestro cerebro porque sus uñas estaban afiladas de sutileza y cariño. Pero hubo distancia entre la convención que creó y mi butaca, aunque la verdad no se si la marcó ella o la marqué yo.
Javier Tirado
“De relaciones va la cosa…” en la sala DT
Tengo ganas de agradecerle algo al contact. Porque hace a los cuerpos fluir y permite al ojo del espectador relajarse y seguir el movimiento en lugar de estar contando pasos y números y buscando formas reconocibles. “De relaciones va la cosa…” es sobre todo un espectáculo fluido y muy limpio. Impecable en lo formal, redondo, completo. Como un buen vino que combina cuerpo y elegancia. Me hizo pensar a la salida en la ingesta de antibióticos que para desembarazarse de un intruso dañan la micro biota necesaria para la vida. La sobriedad y la limpieza tienen el peligro de convertir cualquier montaje en una aséptica sala de hospital. Si hubiera una pega que poner tendría que ver con la atmósfera distante, me atrevería a decir publicitaria (como un anuncio de un producto de lujo donde hombres y mujeres bellos miran con indiferencia arrogante) que por otro lado abunda en ciertos espectáculos de danza contemporánea. No es lo más llamativo del montaje pero por momentos se intuye, aunque afortunadamente abundan los recursos que sorprenden y animan a romper con esa formalidad. Muchos momentos destacables en todas las combinaciones que tienen lugar. E insisto, por instantes apasionante la combinación entre la estética casi minimalista y la magnífica intensidad física de los bailarines. El último duo es una maravillosa guinda, un gran final a la altura de un trabajo muy bien construido y tremendamente bien ejecutado.
Javier Tirado
KM 0 en Dt Espacio Escénico
Parece complicado hallar un término medio cuando se trata de narrar la propia experiencia en un escenario. Si se hace de forma cotidiana e improvisada se corre el riesgo de que las palabras no lleguen con suficiente claridad al público. Si se trata de fijar el recuerdo y convertirlo en un texto teatral el riesgo es que la memoria coja aroma a plástico.
KM 0 abre muchos caminos distintos, dibujando una enorme red de imágenes íntimas que se apoyan en la teoría de la deriva acuñada por Guy Debord, jugando con lugares y vidas que conviven simultáneamente. Cuando sus recuerdos las hacen bailar, saltar, florece algo intenso cuya seducción es difícil evitar. A pesar de ello quizá se exceden en la fragmentación, saltando de un mundo a otro como si cada uno hubiera sido construido aparte, aunque siempre con sutilezas que los entrelazan. La unificación de todos los territorios explorados es la compleja tarea con la que el espectador sale a la calle. Una calle intensificada por las palabras de Clara Pampyn, Gema Cañón y Esther Rodriguez-Barbero, y, curiosamente, situada a unos cientos de metros del origen, del cero de todos los caminos.
Javier Tirado
Que Revienten los Artistas 
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