Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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«He venido a leer la noche», una película en proceso sobre la creación de Mónica Valenciano presentada en Matadero Madrid

He venido a leer la noche es una película fruto de la residencia artística del director de cine Manuel Fernández-Valdés en Naves Matadero sobre la figura de la Premio Nacional de Danza Mónica Valenciano.

El pasado 14 de febrero, como parte final de un proceso de más de un año de colaboración con Mónica Valenciano, Fernández-Valdés ha planteado un pase por primera vez de imágenes de la película seguido de un encuentro con el público. Su intención era ampliar el equipo de trabajo a todos los espectadores y a partir de sus aportaciones volver a cuestionar su propuesta antes de decidir el montaje definitivo. Mónica Valenciano y Raquel Sánchez, que ha trabajado con la creadora en diversos proyectos, acompañaron a Manuel Fernández-Valdés durante el encuentro.

Manuel Fernández-Valdés es un director de cine y fotógrafo en cuyas películas desgrana la verdad de las personas que se ponen delante de su cámara. Debuta como cineasta en 2008 con el documental Manuel y Elisa, una cinta sobre las hazañas diarias de una pareja que lleva 53 años casados; una historia de amor sin caricias y de convivencia sin palabras. En 2012 estrena Fraga y Fidel sin embargo, un viaje personal a través de las cuarenta y ocho horas que Fidel Castro visitó la casa de Láncara (Galicia) en la que nació su padreY en 2016 dirige Angélica [una tragedia], un retrato de la artista Angélica Liddell con el que participa en festivales internacionales.

Fernández-Valdés compagina su labor de cineasta con la de fotógrafo de escena de televisión y cine. Pero cuando en 2017 conoce a la Premio Nacional de Danza, coreógrafa, bailarina, poeta y pintora Mónica Valenciano, se vuelca en su figura. A lo largo de más de un año, presencia el proceso de creación de su obra IMPRENTA ACÚSTICA en (14 borrones) .. de una APARICIÓNrealizada en Naves Matadero y el resultado es su última película He venido a leer la noche, un largometraje sobre el universo de la artista.

“Mónica Valenciano investiga las formas de una danza del azar inspirada en la observación de los gestos y las palabras de su vida cotidiana. Una danza introspectiva que encuentra su razón en las palabras de Zeami, monje zen creador del teatro Noh: «Mover diez centímetros el espíritu y siete el cuerpo». Sin intención, sin discurso, sin nada que explicar. Sólo atención y presente. Con He venido a leer la noche he querido seguir los movimientos de su cuerpo durante su camino indescifrable”, explica Manuel.

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«Eroski Paraíso» en las Naves del Español

Eroski Paraíso es la primera producción de Chévere tras recibir el Premio Nacional de Teatro. Estrenada en marzo de 2016 en Donosti/San Sebastián.

Chévere nos presenta una comedia documental que explora la memoria colectiva, la deriva vital y la transformación de las relaciones dentro de una pequeña comunidad, a partir de historias reales recogidas sobre la sala de fiestas O Paraíso, que funcionó en Muros, un pequeño pueblo de la costa gallega, entre 1972 y 1990, y que al cabo de los años fue convertida en un supermercado Eroski. Un hecho que, cambiando los nombres, se ha repetido en infinidad de lugares de toda España, donde los cines, las salas de fiesta y otros espacios de socialización se han ido transformando en espacios de consumo. Una metáfora viva de la transformación social ocurrida en los últimos 35 años en España.

La pieza sorprende desde su inicio por la naturalidad demostrada en la interpretación, con un comienzo difuso en el que van apareciendo los personajes dentro de un ficticio supermercado, que en realidad es un plató donde se rememorarán los recuerdos de los años 80 que tienen los padres de una directora novel: Alexandra. Los actores juegan constantemente con los apartes de una manera magistral. La reflexión que se produce sobre la búsqueda de la naturalidad a la hora de interpretar, de plasmar la realidad a través de actuaciones irreales, de conseguir que algo parezca verosímil aunque sea algo escrito en un guión, es uno de los puntos fuertes de esta pieza en la que se juega constantemente a la confusión entre lo ficticio y lo real y la mezcla de planos temporales.

 

Merece la pena visitar este supermercado y rememorar con los personajes tiempos que… seguramente no fueron tan felices como los recordamos ahora, pero que dejaron una huella en cada uno de nosotros.

Luis Mª García Grande.

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El sueño de una noche de verano en el Matadero

Un clásico que nunca puede fallar, esta vez en su versión más desenfadada y divertida. Tras disfrutar recientemente con su montaje Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín Dario Facal vuelve a la cartelera. En este caso el sueño es literal y viene de la mano nuevamente de la compañía Metatarso Teatro Contemporáneo y de las frescas y siempre divertidas líneas del maestro William Shakespeare. A simple vista esto ya es más que suficiente para cautivar al público, pero si le añadimos un elenco de primera y una sutil dosis de ilusiones en 3D… El sueño se hace verdaderamente original. Son muchas las propuestas que ahora se muestran en la cartelera con motivo del 400 aniversario del nacimiento del escritor, pero sin duda la más esperada y arriesgada de todas es Sueño de una noche de verano. Y como no podía ser de otra manera Dario Facal nos deja boquiabiertos y sorprendidos una vez más. Acostumbrado ya a sus propuestas dónde los textos se fusionan con verdadera habilidad con innovadoras y contemporáneas exposiciones, eso sí sin perder de vista el original, esta vez nos cautiva con un pulso mano a mano entre lo simbólico y lo real donde las tres historias se entremezclan en un bosque lleno de comicidad. Un naturalista a la vez que ligero y amplio espacio escénico sirve de unión junto con una compañía con estilo y firmeza que hace que todos despunten. Unas auténticas explosiones de carcajadas completan la obra final dónde él elenco representa en ese momento la obra de los artesanos, que intención no le falta a la hora de representar con motivo de regalo de boda, aunque sus dotes actorales no sean lo mejor en ellos. Un apasionante viaje el que se vive en las naves del español que muestran sus entresijos escénicos antes de iniciar la función para inducir al público en una noche estival.
Pablo Cano

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«La estupidez» en Matadero Madrid

«La estupidez» es una obra compleja, no apta para espectadores noveles o señores que van dos veces al año al teatro, por muy Teatro Español que sea. Partiendo de este punto de vista, el lector de esta crítica se estará imaginando como espectadores a sesudos catedráticos en Filología Hispánica o similares y puede que se le estén quitando las ganas de asistir a ver este entramado, pero estas no son mis intenciones al hablar sobre el montaje, ya que a veces hay que abrir la cabeza, experimentar, dejarse llevar y meterse en vena tres horas de teatro, pero del bueno, del intenso, del que no te deja respirar para pensar, y caer en la cuenta de que las sensaciones después de haber visto esta obra, afloran, surgen y regurgitan en nuestra cabeza.

Spregelburd ideó una especie de laberinto de veinticuatro registros dramáticos para cinco actores que ubicó en Las Vegas, un lugar donde, dicen, que todo lo que ocurre debe de quedarse allí. Inspirado en el pecado capital de la avaricia desarrolló toda una serie de escenas en donde se desarrolla la estulticia humana en todos sus niveles. Hasta las clases menos pudientes se ven atraídas por el vil metal y pudren su mente y la de los demás moviendo sus vidas alrededor de lo superfluo y de lo ridículo.

Feelgood Teatro demuestra de nuevo su investigación y experiencia, dando un paso más, un paso firme, arriesgado y decidido para crear montajes de calidad y bajo la sapiencia y dirección de Fernando Soto, experimentado ya como director, y conocedor del entramado dramatúrgico que quiere presentar el autor unos actores que aportan toda su experiencia y capacidad para cambiar de registros a un ritmo endemoniado y hacerlo con nota esta es obra que no dejará indiferente a nadie, sepa o no de teatro.

 

Luis Mª García Grande


«El arquitecto y el emperador de Asiria» en Matadero

El Teatro Español ha estrenado en Matadero Madrid una de las obras cumbres de Fernando Arrabal que se presenta como un imprescindible para comenzar esta temporada. Imprescindible por muchos motivos: Primero porque Arrabal es uno de los más importantes autores españoles reconocido internacionalmente y del que se ha dicho que tiene una voz propia y característica, y eso nadie lo duda.

En «El arquitecto y el emperador de Asiria» podemos disfrutar de su dramaturgia en pleno esplendor, con el surrealismo brotando y la filosofía flotando por todas partes. Arrabal tiene afilados sus cuchillos y los va hincando rápidamente en la cabeza del espectador con poesía y humor. Nos hace recapacitar a través de dos personajes estrambóticos y ridículos, sobre la gran metáfora de vivir en sociedad, de ser humano y tener que compartir nuestro espacio con otros humanos,con todo lo que esto conlleva. El autor se ríe en nuestra propia cara del complejo de Edipo, de la justicia, de la monarquía y de la política, del poder, del aprendizaje y de todo lo que nos rodea… sin dejar pie con cabeza. Pero todo esto, que nos parece un tema tan actual… se escribió hace cincuenta años…

Además del talento del autor hay que poner también su medalla a Corina Fiorillo, la directora, que ha sabido llevar por buen camino, con destreza dinamismo, a unos espléndidos Fernando Albizu y Alberto Jiménez, que entran perfectamente en ese juego de burla y sátira que caracteriza al autor y a los que no les duelen prendas en enseñar el culo, sin cabeza ni pies, solo el culo, para poner imagen a ese surrealismo desbordado.

Luis Mª García


«El Señor Ye ama los dragones» en Matadero Madrid

«El Señor Ye ama los Dragones» nos sumerge en una ciudad lúgubre, apestada y que se equipara a una gran colmena, una colmena humana donde conviven las abejas obreras, los zánganos y las abejas reinas. A través de un pequeño cuento sobre un hombre que quería adorar a los dragones, pero no era cierto, ya que por lo que realmente se sentía atraído era por el ser mitológico y no el real, se nos plantea una dramaturgia perfecta, concisa y con la duración necesaria para meternos de lleno en el fenómeno de la inmigración china en las grandes ciudades y el despropósito que ha causado en las clases «acomodadas» representadas por las señoronas de un barrio bien de la ciudad.

Merecen especial mención Gloria Muñoz y Lola Casamayor en  su compromiso con la interpretación de sus personajes. Gloria Muñoz, metida en la piel de la abeja reina sigue a la perfección su papel, embuchada en ese abrigazo de señora arreglada, con su cardado que se retoca deliberadamente y cada vez que exige el libreto (porque lo exige literalmente) y Lola Casamayor encarna la vecina que ya ha visto de todo y a la que le da lo mismo ocho que ochenta mientras no le quiten su dulce diario y su televisión a todo volumen. Ellas recrean este thriller cañí como si hubiesen vivido toda la vida en esos pisazos decorados con el gusto más refinado de los sesenta, con su refinado gusto por el encaje. Además, la exigencia de el libreto de incorporar a actrices chinas, ya que el autor partía de la investigación en el teatro entre dos culturas y lenguas diferentes, aporta una nota original en el reparto, incorporando a dos estupendas actrices chinas como son Huichi Chiu y Chen Lu

Muchas veces un «cuento chino» nos ayuda a abrir los ojos y bajar a la tierra para darnos de bruces con la realidad porque detrás de las pequeñas historias hay grandes consejos. Paco Bezerra es especialista en escoger temas sociales actuales y maquillarlos de esperpento valleinclanesco, barnizarlos con toques cañís y rebozarlos con salsa agridulce para que salga una obra luminosa, atrayente e interesante para cualquier persona, como dice él desde un punky hasta una señora del barrio de Salamanca.

Luis Luque le ha dado un acabado final exquisito que coloca a cada personaje en el plano intelectual que merece y además lo enmarca en la escenografía, también plenamente acertada que nos sugiere una mezcla de muralla china a través de unas escaleras que asemejan la muralla por donde transitan los cuatro personajes de panal en panal. Además infunde a cada personaje una extraña mezcla entre la forma de interpretación china y la occidental.

En definitiva, una galleta de la suerte rellena con palabras de sabiduría en forma obra para todo el mundo: actores, directores y público.

Luis Mª García Grande

 


«El lenguaje de tus ojos o El Príncipe travestido» en Matadero Madrid

De nuevo podemos disfrutar en Matadero, después de haber girado por bastantes lugares, de una obra de Pierre de Marivaux y sumergirnos en las tramas clásicas más puras a través de un texto sencillo, pero cuidado pero con una escenografía atrayente y muy cuidada que nos sitúa en una mansión-palacio-jardín donde va a discurrir toda la trama argumental de una manera fresca y dinámica. La dirección e interpretación está muy cuidada y aderezada con toques contemporáneos que hacen de esta obra una delicia para los que quieran disfrutar de ese clasicismo burgués,  que reflexiona sobre los sentimientos que provoca el amor, la mentira, la infidelidad, la mesura, el sentido común y la confusión provocada por nuestros propios pensamientos propia de una tragicomedia con un final algo histérico. En definitiva, una crítica bastante sobre el ser humano y sus debilidades.

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FRINGE MADRID 14 y sus Propuestas….

En la selección del festival FRINGE MADRID 2014 nos podemos encontrar propuestas de todo tipo en lo que ser refiere a las artes escénicas, una selección extraordinaria de la que mostramos 3 botones:

LE BUFFET: Una performance sobre las sensaciones.

LE BUFFET¿Ustedes han pensado la cara que ponen mientras que ven las noticias? En ese momento están experimentando sensaciones, SÍ, señores y señoras, aún tenemos sensaciones y además no podemos ocultarlas en nuestro rostro.

Tal y como en una caseta de feria, nos encontramos la instalción de «Le Buffet» en el patio de MATADERO. Atrévanse a elegir entre el menú las cinco sensaciones que les interese degustar de su carta… pero eso sí.. tiene trampa: su intimidad se va a ver comprometida porque todos los que pasean por allí podrán ver su cara mientras se come esos videos que generan sensaciones y … además se le advierte de que va a ser grabado para experimentar con su imagen y sentimientos…Todo un reto!

 

Bang!BANG!: Teatro de objetos que genera imágenes de cine. Un capricho para los sentidos.

Nos vuelve locos ver cobrar vida a antiguos Geyperman, a Cowboys de plastico, a Barbies haciéndose las Texanas… la imaginación del Volpinex no tiene límites y sus cámaras son capaces de captarlo todo.

La compañía francesa Volpinex une con humor y gran originalidad el teatro de objetos y el cine, con un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y otras técnicas a la vista del público, a las que se unen la música y efectos sonoros en directo. Todos los elementos del lejano Oeste están presentes: Cowboys, pistolas en la cintura, vaqueros, caballos y balas bajo un fondo de montañas rocosas… Fred Ladoué y Florian Brinker, actor-manipulador y músico, consiguen fascinar a carcajadas al público con su narración e interpretación de esta hilarante película teatral de objetos diminutos.

INTERFAZ-596x417«INTERFACE» de Pablo Mella.

Un viaje por siete estancias efímeras que nos guiará en nuestro viaje interior hacia nuestros recuerdos más puros. Una propuesta escénica innovadora dentro de la nave 16 de MATADERO nos presenta a siete personajes metidos en siete cubículos creados con simples andamios en los que una imagen es el centro de atención . Una propuesta que nos hace deambular de sitio en sitio para encotrarse un personaje y una vivencia que nos excite la imaginación.Una imagen que puede trasladarnos a ese momento en el que nos sentimos realizados, felices, completos…. el momento puro.

7 imágenes / 7 memorias / 7 voces / 7 rincones / 1 viaje / Múltiples experiencias

En Interface, el autor Pablo Mella propone a través de siete situaciones diferentes, el inicio de un viaje interior en busca del estado puro, sin excusas, presente y natural en la infancia, ausente y extraño en la edad adulta. Él es la herramienta, el interfaz, el elemento de conexión, que transmite a través de su memoria, sensaciones y emociones que todos hemos tenido alguna vez, pero que a veces nos cuesta recordar, atrapados en nuestro día a día.

Luis Mª García Grande.

 

 


«Siente el vestuario del Ballet Nacional de España»

siente el vestuario 2Celebrar el día Internacional de la Danza a través de un desfile con muestras del vestuario histórico del BNE es una idea brillante. Una idea defendida por Antonio Najarro, su actual director, y una idea que nos demuestra que la «marca España» puede conjugar disciplinas de una manera soberbia.

 

Hemos podido apreciar 130 trajes de una selección de piezas representativas y emblemáticas de coreografías del BNE creadas por Karinsca, Pedro Moreno, José Granero, Miguel Narros, Sonia Grande, Nicolas Vaudelet y el propio Najarro, entre otros.

Disfrutar en primera fila de las creaciones e ballets como «Paso a Cuatro», «Grito», «Bolero», «Ángeles caídos» o «Suite Sevilla» en el entorno de Matadero Madrid es un auténtico lujo. Porque en la danza los volúmenes y texturas del vestuario son importantes para conseguir transmitir el movimiento del bailarín, porque los bailarines se tienen que sentir a gusto con su vestuario y porque el vestuario puede realzar y optimizar completamente una coreografía.

 

«Vestir a mis bailarines es también vestir mi coreografía y conozco perfectamente lo que quiero para el vestuario para que se realce del movimiento. Me introduje en ese mundo y ahora hago los diseños de vestuario en algunas ocasiones», ha afirmado Najarro.

Si al desfile se le añade la maestría de treinta bailarines del BNE que, aparte de modelar, transmitían el espíritu de la Danza española se le pone la guinda al pastel…

Luis Mª García Grande.

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Roberto Zucco de Bernard-Marie Koltés en el Matadero

Roberto Zucco es uno de los mejores textos contemporáneos, siempre es una buena noticia que se presente en los escenarios, cualquier lectura que se haga sobre la obra vale la pena, es una pieza compacta y solida. Julio Manrique que ha presentado en Madrid, en otras ocasiones, propuestas más arriesgadas, aquí hace una lectura correcta sobre el material que propone Koltés, en algunos momentos hay destellos de ingenio para instalarse inmediatamente en escenas de corte realista con un pellizco trágico. Los actores se desdoblan en los diferentes personajes con brío y entusiasmo. El espacio escénico no ayuda mucho a la idea metafórica y poética del viaje de Roberto Zucco hacia el sol.
Adolfo Simón

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Luis Luque nos habla de sus proyectos teatrales

luque¿Cómo surge el proyecto de Ahora empiezan las vacaciones?…
El Pelícano de Strindberg es una función que me perturba siempre que la leo, adoro las historias familiares como nido de enfermedad, Strindberg es perfecto en estas historias porque su escritura es pura enfermedad, cómo él. Le dije a Bezerra que si hacíamos una versión, le gustó la idea y la hicimos.

¿De qué va la obra?…
La obra trata sobre una familia en una época de crisis, una madre con dos hijos, acaba de morir el padre y la hija tiene que volver repentinamente de su viaje de luna de miel. Los hijos siempre han sufrido de hambre y de frío y nunca han abandonado el núcleo familiar. A través de una carta que el padre muerto deja a su hijo se desvela una historia de maltrato, corrupción y falta de amor entre los integrantes de la casa.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Sí, también lo hicimos en La escuela de la desobediencia y lo seguiré haciendo cuando sea una dramaturgia que esté naciendo, trabajamos no sobre la idea, sí sobre la acción.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?…
Quería hacer una puesta en escena jugando con los elementos de La casa de la portera, la función se escribió con la imagen de la casa en nuestra cabeza. Quería hacer una función nada artificiosa, solo me he permitido un juego de convención escénica a mitad de la función. Me he centrando sobre todo en el juego de los actores.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
El proceso de creación siempre es lo más divertido e intenso. Con Paco me lo paso fenomenal en el proceso de escritura y luego trabajando en ensayos con los actores soy feliz.

¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Podemos decidir cómo queremos vivir la vida.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Mi recorrido cómo director no me da para hacer balance.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?…
Maribel y la extraña familia.

¿Qué te pareció?…
Todo el reparto es maravilloso y Lucía Quintana es lo más.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Más paro, bajada de espectadores, más empresas del sector cerradas… podría seguir dando cuenta de las consecuencias de una política recaudatoria vengativa y estúpida. Por mucho que digamos, la idea de que éramos un sector que super-vivía subvencionado y que éramos unos vagos que visten de Armani ha calado. Nos han empujado a un cambio de modelo, la crisis empezó hace más de cinco años y todavía algunos de nosotros no sabemos cual es ese modelo, a parte del sálvese quien pueda. La mayoría de nuestra clase política pasa bastante del teatro, de la danza y de todos nosotros, están aquí para otra cosa, para dejar su impronta en un ejercicio ególatra que da repulsión.

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¿Proyectos?…Estrenar Diario de un loco de Gógol en el Matadero en octubre. José Luis García-Pérez y yo tuvimos el deseo de montar esta función bajo las estrellas de Madrid y lo hicimos gracias a un equipo maravilloso, ahora encerramos al loco en la sala 1 del Matadero.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
No llenarnos de mierda por dentro. Estar alerta para que ni Wert ni Wart nos alejen de lo que queremos. Todo lo que nos rodea es tan gris que es muy fácil caer en la desazón, sin saber cómo salir de esta. Hay que ponerse de pie. La acción trae la reacción, apegarnos a nuestro deseo e ir a por ello.

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Roma Calderón en verano…

RomaCalderon¿Qué balance artístico haces de este año?…
Si te refieres a lo que llevamos de 2013 puedo decir que está siendo un buen año para mi, por un lado «The Lovers» (Nu-cabaret en espacios no teatrales) no ha parado de funcionar, ha entrado en circuitos de café-teatro, ha pasado por Matadero, ha sido seleccionado por el único festival internacional de cabaret (México DF), he estado actuando sola ante 1500 personas (subidón), y tras ajustarlo va a estar en otoño en la sala Alfil…esto para una producción propia sin grandes pretensiones es un gran logro.
Por otro lado mi participación en «La Esmeralda de Kapurthala» (Smedia) como actriz, cantante, bailarina y coreógrafa está siendo muy enrriquecedora.
Y además estoy grabando un disco con mi grupo de electrónica «Scud Hero» y formo parte del elenco de la web serie «Gentejuelas»…como ves, un espectro de esperimentación artística bien amplio, como a mi me gusta.

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¿Cómo estás pasando el verano?…
Pues a función diaria con «La Esmeralde de Kapurthala» en los jardines del Teatro Galileo, y compatibilizando con actuaciones de «The Lovers», grabaciones de «Gentejuelas» y del disco…vaya, cansada y feliz jajaja.

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¿Has visto algún espectáculo interesante?…
¿Cuándo?, !no me queda tiempo!, ya me pondré al día después del verano.

¿Qué libro estás leyendo?…
Releyendo una biografía: «Bob Fosse, vida y muerte» de Martín Gottfried, muy interesante para cuanquier profesional del medio con proyectos propios, de los grandes se aprende mucho.

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¿Proyectos para el otoño?…
Pues a parte de un par de proyectos audiovisuales que están por firmar (cruzo los dedos), estoy adaptando «The Lovers» para ponerlo en espacios teatrales, para otoño estreno la nueva versión en la sala Alfil y se queda una temporadita. Tengo a la espera de fechas el Teatre Nou en BCN para este mismo espectáculo y quien sabe si después de pasar por DF me haga «Las Américas» como las folclóricas jajaja.
Si me dá tiempo también quería viajar…pero empiezo a pensar en clonarme para cubrir planes…
«La vida es una fiesta y yo conozco al portero» by Roma Calderón.

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Chevi Muraday nos habla de sus creaciones como coreógrafo e intérprete

chevi¿Cómo surge el proyecto de Return?…
El proyecto de Return nace del deseo entre Marta y yo de trabajar juntos. De esto hace más de 10 años.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que Marta Etura u otros profesionales, aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
En mi forma de trabajo durante el proceso de creación, todos los componentes del equipo aportan desde su lugar ideas y propuestas al proyecto. En Return Marta ha sido pieza esencial para poder contar de la forma que queríamos por dónde transitan estos dos personajes.

¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta coreografía?… Háblanos de ello…
La pieza habla del amor y de cómo está idealizado. A partir de todas estas imágenes con las que hemos crecido han surgido los distintos momentos que componen Return. Especialmente hay una escena donde se proyectan fragmentos de películas con las que nosotros hemos jugado durante el proceso creativo.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como creador?…
Me cuesta hablar mucho de mi propio trabajo y analizarlo de forma objetiva. Mirando hacia atrás considero en todos ellos un crecimiento, no puedo decir exactamente hacia dónde, pero sí encuentro en ellos una constante inquietud.

¿Cuál ha sido la evolución en tus trabajos con Losdedae?…
Losdedae como compañía tiene más de 16 años. La compañía y yo hemos crecido juntos y de esa misma forma hemos ido evolucionando y madurando con el tiempo. En los primeros años los trabajos los considero más osados y con una estética y una psicología de la coreografía muy actual. En cambio desde hace unos años el trabajo se ha ido convirtiendo en un trabajo más íntimo, mas introspectivo, y enfocado a la investigación del comportamiento humano.

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¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
De las últimas cosas que he visto, lo que más me ha conmovido es el solo Vaca de Alberto Velasco. La valentía con la que trata el tema de la obesidad me pareció tan honesto que no pude resistirme a invitarle a participar conmigo en uno de mis últimos proyectos.

¿Cómo ves la danza contemporánea en España?¿Crees que están mejor preparadas las nuevas generaciones de bailarines?…
Creo que la danza contemporánea, si existe en España, es gracias al coraje y valentía y constancia de un gran número de profesionales que no permitimos que la creación y las nuevas propuestas dejen de existir. Me sorprende ver, en las circunstancias en las que estamos viviendo, como emergen nuevos artistas, coreógrafos, bailarines… Como las salas se resisten a desaparecer. No puedo decirte que la danza esté viviendo su mejor momento, pero sí puedo decir que está en la primera línea.

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¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Son tantos que me cuesta decidirme por alguno de ellos.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
No es que lo crea, en estos momentos que estoy en el Matadero haciendo temporada con Return, lo estoy sufriendo. Estas denigrantes e injustificadas medidas hace que muchas compañías nos veamos afectadas y por ello no seguir generando de la misma forma el mismo movimiento profesional.

¿Proyectos?…
Titanio con la compañía de Rojas y Rodríguez en calidad de director de escena, se ha estrenado este mes, gira con Return, nueva producción con Losdedae para octubre y algunos otros proyectos que se están por cerrar.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Seguir creyendo en el trabajo y en uno mismo.

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«Feelgood» en Matadero Madrid

El poder corrompe… no solamente a los políticos sino a todo lo que les rodea. Las relaciones que se establecen entre el hombre y el poder es lo que ha preocupado a  Alistair Beaton al escribir esta obra, que trata de ser un reflejo, no sabemos si muy fiel, de la realidad y día a día de los políticos.

Feelgood, ganó el Premio Evening Standard a la Mejor Comedia en 2001 y, desde entonces, se ha estrenado con éxito en Estados Unidos, Canadá, Alemania, Dinamarca, Austria, Portugal, Eslovenia, Estonia, Finlandia y Hungría.

La publicidad y marketing creados para esta obra no tienen nada que ver con lo que se nos va a proponer sobre el escenario. Al ver el cartel de Feelgood, con Fran Perea a la cabeza, seguido de Manuela Velasco, pensamos en altos ejecutivos, en carreras por el dinero, en jóvenes pero sobradamente preparados, … pero a nivel privado, de empresa. De repente nos encontramos en algo que tiene que ver con los políticos y cómo nos venden sus ideas.

La obra nos mantiene en tensión durante el tiempo que dura, como si estuviésemos trabajando constantemente para mantener ese puesto que no podemos perder y los actores contribuyen a mantener este ritmo de manera que deben acabar agotados tras la representación.

Merece la pena prestar atención a la escenografía creada por Uxua Castelló que ha utilizado la icónica Lámpara Fase, conocida como «Presidente» para hacer que todo este entramado de poderes gire en torno a ella.

En definitiva, una buena adaptación de la mano de Alberto Castrillo-Ferrer que nos mete de lleno en los entresijos del poder político y sus peligros y consecuencias.

Luis María García

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Una propuesta sobre EL GRAN TEATRO DEL MUNDO en el Matadero

Al menos, una vez, en el programa de mano y el cartel dejan claro que no vamos a ver la obra escrita por Calderón de la Barca sino una versión libre de Carlos Saura. Y se agradece porque, en aras de la modernidad, se realizan verdaderos disparates sobre obras clásicas dejando solo la responsabilidad al autor que la escribió cuando, moviendo escenas, cortando textos o añadiendo parlamentos, finalmente puede aparecer una propuesta dramatúrgica que poco tenga que ver con la original. Aquí, Carlos Saura ha querido situar el texto de Calderón en un ensayo previo a la representación, añadiendo momentos de discusión o ajuste sobre cómo hacer la obra, esta idea de teatro dentro del teatro suele ser efectiva y dar buenos resultados, aquí no consigue clarificar lo que el autor nos quiere contar, más bien complejiza el discurso de Calderón con los trasiegos de actores y preparativos del estreno. Hay momentos de plasticidad y audiovisuales muy sugerentes, algo lógico ya que firma la puesta en escena un gran director de cine.

Adolfo Simón

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Mirage Compañía de Teatro en el Matadero-Escena Contemporánea

Acudir a ver ¡Quieto todo el mundo! el 24 de febrero justo después de la marea humana que había llenado las calles de muchas ciudades de nuestro país el día anterior, me inquietaba sobre manera. Fuí esperando encontrar un espacio de reflexión profunda sobre lo que había ocurrido aquel fatídico 23-F o una conexión con nuestra realidad. Y claro que la propuesta tiene que ver con pensar sobre unos acontecimientos que hicieron temblar los cimientos de la democracia en este país, como en tantos otros ocurrió. Pero salí con la sensación de haber asistido a una animación sobre el tema, me desconcertó que un grupo de jóvenes actores tuviese un discurso tan ligero sobre algo tan terrible, sin duda, tenemos que reflexionar por qué nos cuesta tanto enfrentarnos a corazón abierto sobre los temas que pueden llegar a pudrir nuestro futuro.
Ignacio Ribes

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Novena edición de Madferia en Madrid

Durante tres días se ha llevado a cabo en Madrid la Novena edición de Madferia, organizada por Artemad. Un escaparate para la exhibición del trabajo de un grupo de Compañías elegidas para ser presentadas ante un nutrido grupo de programadores. Y una serie de debates y reuniones para reflexionar sobre el momento actual de las artes escénicas. Dos espacios han albergado este encuentro: Cuarta Pared y Matadero. Entre las Compañías seleccionadas podemos reseñar: Iker Gómez Teatro Físico, Fil d´Arena, Sudhum Teatro, Morboria Teatro y El Óbolo Producciones. También hubo una Showcase de teatro dirigido a la infancia.
Más info en: http://www.madferia.com
Ignacio Sánchez

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Leviathan en el Matadero

A favor…Gran espectacularidad visual y utilización del espacio de múltiples formas.

En contra…Tratar de conseguir convertir la maravillosa novela Moby Dick en un espectáculo visual sin texto es una ambición imposible.

Leviatan

 


Ana Cabo, Directora del Festival Internacional Madrid en Danza reflexiona sobre la trayectoria y programa de este año del prestigioso festival.

Ana Cabo, Directora del Festival Internacional Madrid en Danza reflexiona sobre la trayectoria y programa de este año del prestigioso festival.

 

¿Qué balance haces de tu gestión en el Festival hasta el día de hoy?…

Siempre es complicado valorar uno mismo lo que uno hace y en el delicado campo de las artes escénicas siempre quedan cosas por hacer y cosas que mejorar. En concreto en el campo de la danza de actualidad, de la danza contemporánea existe siempre una interesante tensión entre las opiniones, los gustos, la apreciación, los lenguajes, las técnicas corporales y dancísticas que a mí me resulta muy estimulante. Creo que el festival se ha afianzado en una filosofía abierta y fiel a la creación coreográfica actual y tiene un lugar dentro de las programaciones especializadas que se dan en Europa. Ha habido un incremento de públicos y creo que una comprensión más amplia frente al fenómeno de la danza y sus múltiples respuestas estéticas y temáticas. Sigo siendo una programación poco habitual dentro de la generalidad de la programación de la cartelera madrileña y esto hace que la acción pública tenga sentido pues apoya así la diversidad y la diferencia. Es también muy gratificante que muchos artistas y compañías internacionales quieran estar en el Festival, incluso presentar sus nuevas creaciones en él, como fue el caso de la última creación de Merce Cunningham (hizo su presentación europea en el Festival) o el de la compañía O Vertigo de este año. He intentado hacer una programación coherente junto al impulso de creadores y también atraer a directores, productores y programadores internacionales paro los que el Festival puede ser un lugar donde descubrir artistas y propuestas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¿La crisis te ha obligado a pensar en otras estrategias a la hora de diseñar la programación de este año?…¿Cuáles?…

Sin duda. La primera estrategia fue buscar compañías con producciones de más fácil montaje. Hay que tener en cuenta que las compañías (incluso las grandes) también se están adaptando a la crisis actual simplificando los montajes. La segunda fue rediseñar parte de la programación de manera que en el festival se presenten nuevas creaciones locales; así también contribuimos a impulsar a estos artistas. La tercera ha sido ampliar las colaboraciones, como es el caso del Certamen Coreográfico de Madrid incluyendo el proyecto ChoreoRoam Europe 2012, destinado a residencias de jóvenes coreógrafos europeos y españoles que en un futuro próximo desarrollará nuevas obras o el caso de la colaboración con la Compañía Nacional de Danza y el Matadero. La cuarta mantener la política de precios e incentivar los descuentos y los grupos. Quinta, la programación internacional es algo menor que en otras ediciones.

¿Qué líneas base hay en el programa de este año?… 

Completamos la presentación de la creación contemporánea de Canadá con Chouinard y Ginette Laurin. Asumimos una línea más teatral con Peeping Tom y obras como la de Olga Mesa. Mantenemos una fidelidad a la creación madrileña celebrando los 25 años de la Compañía Provisional Danza con una producción única para veinticinco bailarines. Estrenamos los trabajos de Sharon Fridman, Pablo Esbert, Lesly Teldfor (coproducida por Korzo –Holanda-) y de Dani Panullo. Incentivamos programas especiales para familias en el Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial y este año por primera vez en el Teatro Paco Rabal, con coloquios y explicaciones. En fin, intentamos por un lado afianzar líneas que consideramos importantes y por otro ser útiles a la creación de nuestros artistas

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Afectará la subida del I.V.A. para que acuda el público a las salas?… 

En el caso del Festival Internacional Madrid en Danza hemos mantenido los precios prácticamente igual que en años anteriores y proponemos múltiples descuentos y fórmulas. El objetivo desde la Comunidad de Madrid es continuar una política de accesibilidad de la cultura. Ahora bien, el impuesto del IVA no distingue entre “rentas” y por tanto afecta de manera general al precio de muchos bienes, servicios, no solo los culturales. La tendencia que vemos es que se organizan más grupos, que tienen reducciones entre el 40 y 50% de descuento y que el usuario compra entradas más baratas.


Convocatoria para participar en ZINC SHOWER

Convocatoria abierta para presentar proyectos:
Hasta el 20 de diciembre de 2012

Fecha del evento:
11-13 de abril de 2013

Lugar:
Matadero Madrid

Queda abierta la convocatoria para participar en ZINC SHOWER.

El objetivo de esa instancia es servir de punto de encuentro entre emprendedores, inversores y profesionales del ámbito de las ICC, para apoyar y promocionar proyectos empresariales, que además incorporen la tecnología a los mismos, e instaurando a la vez una red de fomento de la colaboración y el aprendizaje.

Organizado por Stage Planet y Utopic_us, en co-producción con el Área de las Artes (Ayuntamiento de Madrid), a través de Matadero Madrid.

ZINC SHOWER cuenta con la colaboración de diversas instituciones cuya finalidad es el apoyo al emprendimiento como Madrid Emprende (Área de Economía, Empleo y Participación Ciudadana del Ayuntamiento de Madrid), la Secretaría de Estado de Cultura a través de la Dirección General de Política e Industrias Culturales y del Libro (Mª de Educación, Cultura y Deporte), Invest in Spain (ICEX) y ENISA (Mº Industria, Energía y Turismo).

Se adjuntan las bases para poder participar.
Más información en http://www.zincshower.com/


La CND abre sus puertas en «Una mañana con la CDN.

«Una MAÑANA con la CND», bajo la dirección de José Carlos Martínez. Hoy lunes 8 de octubre, hemos asistido a  visitar las instalaciones de la CND y hemos participado de una parte de la jornada diaria en la compañía. En primer lugar, hemos visto una clase, donde los bailarines, dirigidos por el maestro de ballet, ejecutan variados ejercicios acompañados por un pianista para más tarde entrar en el  ensayo abierto de extractos de las obras Babylon y Unsound, creaciones originales para los bailarines de la Compañía Nacional de Danza de los coreógrafos españoles Arantxa Sagardoy/Alfredo Bravo y Juanjo Arqués/Heidi Vierthaler.

José Carlos Martínez ha acompañado a los visitantes por todas las instalaciones, enseñándoles los archivos, talleres de confección y almacenes de los que dispone la compañía en el Paseo de la Chopera. Al encuentro han asistido unas 30 personas.
En los ensayos hemos podido ver ya a los bailarines que componen esta temporada como Daan Vervoort, Mar Aguiló, Doron Perk, Elisabet Biosca, Erez Ilan, Jessica Lyall, Heeyoon Choi, etc
Es gratificante ver el trabajo de los coreógrafos y maestros repetidores y cómo se van creando y matizando los movimientos  con correciones e intercambio de pareceres. Una buena iniciativa que nos acerca más a la Danza.
Luis Mª García.