Vida de Galileo en el CDN
El CDN, de la mano de Ernesto Caballero ha puesto en escena Vida de Galileo de Bertold Brecht, para ello ha transformado el Teatro Valle Inclán, creando una constelación espacial en la que el público está incluido. En ese espacio transcurre el periplo vital de este personaje a través del cual, Brecht, quiso exponer que la sociedad no quiere escuchar ni ver los caminos que han de implicarle evolucionar; es más fácil negar que el ser humano está en constante cambio para tratar de frenar cualquier puerta que pueda abrirse hacia una mayor libertad de mente. A veces, los personajes históricos nos hablan más lúcidamente de nuestro presente. Y este es un caso claro, algo que también vivió en su biografía personal el propio autor; a veces la vida tiene estas travesuras, denuncias que un personaje tuvo que renegar de sus creencias para en el último capítulo de tu vida ocurra lo mismo. Ramón Fontserè encarna al personaje protagónico que a veces se cruza con el mismo autor referencial, llevando a escena este doble juego sobre la lealtad a las ideas. La propuesta escénica se completa con un reparto de actores y músicos que dan vida a todo el universo personal de Galileo.
Adolfo Simón
Paco Déniz: Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé como aficionado en Santa Brígida mi pueblo, ubicado en Gran Canaria. Allí formé parte de la compañía La otra esquina; Dios, de Woody Allen. Los 80 son nuestros de Ana Diosdado o Aquí no paga nadie de Darío Fo fueron algunos de los títulos que representamos.
Pasé tres años en la universidad dando tumbos (uno estudiando geografía e historia y otros dos filología hispánica). En ese tiempo estuve formándome como actor en diversos cursos que organizaba el Servicio Insular de Cultura, el Aula de teatro de la Universidad o La Casa de Cultura de Schamman.
En 1994 me estrené como actor profesional encarnando uno de los guardias de La Verbena de la Paloma dirigido por Jesús Castejón, Historia de un soldado dirigido por Quino Falero y en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria e incluso el protagonista de Las preciosas ridículas de Moliere dirigido por Jorge Reyes para el Festival Internacional de otoño de Las Palmas vinieron después. Juan Ramón Pérez de la compañía los Profetas del mueble bar me animó a venir a la península para continuar mi formación, en concreto a Barcelona, aunque por aquello del catalán escogí Madrid. Finalmente me titulé en el 2000 en Interpretación textual por la R.E.S.A.D. y desde entonces resido y trabajo en Madrid.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Compositor de bandas sonoras para televisión.
Como miembro del grupo de música a Capella Vocal Factory compuse e interpreté la banda sonora de Aquí no hay quien viva y en solitario las dos últimas temporadas de esta serie más las seis primeras de La que se avecina bajo la firma de Big Bang Boka. Presenté un concurso para televisión Canaria llamado Locos de la cabeza en el que también firmaba la música y cantaba con los artistas invitados.
Realizé locuciones para empresas nada mas llegar a Madrid y por tonterías de la edad no aproveché el tirón.
Por supuesto también trabajé de camarero nada más terminar mis estudios en la R.E.S.A.D. hasta que Ernesto Caballero me ofreció el papel de Azolán en Las amistades peligrosas.
En mi juventud fuí jardinero, primero como acompañante de mi padre que también era operador del cine del pueblo ( Mi infancia fue un poco Cinema Paradiso) y luego como extra en verano para mis gastos. De esa etapa conservo unas manos de labrador encallecidas por las azadas, la tierra, la lluvia y el calor. De hecho me veo a mi mismo como un hombre de campo.
¿Qué es el teatro para ti?…
Mi profesión, mi manera de ganarme la vida. Aquello para lo que me he formado. El trabajo con el que mantengo a mi familia y pago mis impuestos. Mi vocación y uno de los motores más importantes de mi vida.
¿Por qué haces teatro?…
Porque se me da bien y porque me gusta.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He logrado más de lo que esperaba en algunas cosas y mucho menos de lo pensé en otras. Estoy contento con lo que he logrado pero en absoluto conforme. Tengo muchísimo más que ofrecerme a mí mismo y a los demás.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Antes los espectáculos tenían más vida. Sobre todo en gira. Tal vez ahora haya más medios donde hacerse ver y eso es de agradecer. Siempre ha existido el off pero antes se tendía a lo macro. Grandes salas, grandes producciones, grandes giras. Ahora todo es micro. Se busca la intimidad, la exclusividad. Las giras son más cortas. Es un momento interesante en el que compiten modelos distintos. Mientras se respeten los convenios laborales todo me parece estupendo.
Hay que intentar generar y sobre todo mantener modelos sólidos y que se entienda de una vez que siendo fuertes generamos riqueza.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Soy un gran defensor del entretenimiento, del “pasarlo bien”. Uno va al teatro para descubrir algo nuevo, o para evadirse, desconectar del día a día y entrar en otra realidad. El espectador desea sorprenderse y en el fondo está deseando ser cómplice de lo que le proponemos. Ahora bien, cuanto más y mejor trabajado está un espectáculo más se abandona y disfruta un espectador.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos…
Arranqué la temporada con la gira de Montenegro, Las Comedias Bárbaras bajo la dirección de Ernesto Caballero para el Centro Dramático Nacional donde disfruté de primera mano al Premio Nacional de Teatro Ramón Barea. Todo un ejemplo de saber estar, saber hacer y saber liderar.
Luego vino Rinoceronte de Ionesco de nuevo bajo la batuta de Ernesto y el C.D.N. Representaba el papel de El Lógico. Una parodia de los ideólogos que generan las corrientes de pensamiento. Hacía pareja con el gran Juan Antonio Quintana con quien coincidí en Esperando a Godot. Realmente hicimos un grupo humano formidable. La compañía era sobresaliente (Pepe Viyuela, Fernando Cayo, Fernanda Orazzi…). Con Ernesto Caballero trabajo muy a gusto porque me da mucha libertad. Terminé rapeando un monólogo por petición suya lo que terminó siendo un regalo inesperado.
Participé en un ciclo de radioteatro en la Ser de la obra Sí, pero no lo soy de Alfredo Sanzol, dirigido por Lucía Quintana y Sánchez Cabezudo. Y he picoteado algo de televisión. Como actor un abogado sin escrúpulos en Vis a Vis, un reportero comprometido en Sin identidad y un presentador superado por las circunstancias en Anclados.
Como músico e interprete se me puede escuchar en la cabecera de la serie Aquí Paz y después Gloria. Proyecto que no firmo pero en el que participé activamente todo el verano. Finalmente desembarqué en el Teatro de la Ciudad.
¿Cómo surgió tu participación en Edipo…?
Hace quince años Alfredo montó como trabajo de fin de curso Como los griegos de Berkoff (texto inspirado en Edipo Rey). Alfredo quiso montar este Edipo con el mismo reparto. Un fin de ciclo y un inicio de otro.
Háblanos de este trabajo…
Edipo Rey habla sobre el destino, sobre lo inevitable del mismo y sobre cómo la naturaleza de cada uno nos lleva a un lugar que no podemos evitar.
Este mes se cumplió un año desde que hicimos nuestro primer taller (tuvimos tres) antes de comenzar los ensayos oficiales. Eso nos permitió tanto a los actores como al director ahondar en el estilo y en el sentido del texto.
El resultado es una representación de una hora de duración sin transiciones que produce un efecto hipnótico en el espectador ya que no te permite abandonar la atención en ningún momento. Con sólo cinco actores (Juanan Lumbreras, Eva Trancón, Elena González, Natalia Hernández y servidor) y respetando el texto original (versión de Alfredo Sanzol) se cuenta y representa al público esta historia mítica sin artificios de ningún tipo. Una mesa, cinco sillas y el escenario son nuestros elementos de trabajo. El texto queda así desnudo al servicio del público. Ha sido un reto para todo el equipo.
¿Cómo creas tus personajes?…
Cada uno es diferente. Te voy a decir cómo he creado a Creonte. Alfredo se preguntaba qué entendíamos hoy en día por personaje trágico, así que en el proceso de creación de los personajes partimos de referentes reales. Buscamos en nuestro pasado situaciones de personas cercanas que nos resultaran trágicas o que no hubiesen quedado resueltas en el pasado, improvisamos con esas situaciones y luego hicimos una segunda ronda de improvisaciones en la que defendíamos la dignidad de esas personas o de los actos que en un principio no comprendíamos. De esa defensa surgió la dignidad a partir de la cual uno justifica su manera de actuar ante el mundo. Esa dignidad fue el primer motor que tuvo cada uno de nosotros para enfrentarse a los personajes. Nuestro vestuario por ejemplo esta basado en fotos de las personas que habíamos escogido. Yo en mi caso trabajé con la figura de mi padre ( ya fallecido ). Él me acompaña cada noche cuando interpreto a Creonte y también le invito a sentarse a la mesa. Como buen jardinero llevo un ramo de flores en la mano como lo podía haber llevado él mismo.
¿Tienes un método?…
Lo primero que hago es aprenderme el texto en su totalidad para no tener que pensar en él durante el ensayo. No soporto como espectador no entender a un actor así que me esmero en desgranar lo mejor posible el texto y cada palabra. Por lo demás trato de escuchar al director e intentar comprender qué es lo que quiere y a partir de ahí me dejo llevar por mi instinto o por la técnica adquirida en los procesos anteriores.
Dentro de mis métodos sobre todo en función sigo una pauta:
-Me gusta escribir todo mi texto como si fuese un monólogo y me lo aprendo de carrerilla. Lo recito completo antes de hacer la función una, dos o tres veces depende del tiempo que tenga. Esto me sirve para que la boca «no piense» lo que va a decir y me sirve para “resetear» la línea de acción del personaje desde su aparición hasta su última salida.
-Me gusta recitarlo en la sala para afinarme con ella porque entiendo que soy un instrumento pero mi caja de resonancia es el teatro en el que voy a actuar esa noche.
-Hago unos masajes para relajar mis cuerdas vocales y al ataque.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes en nuestro sector han sido un atentado injustificado y absurdo al tejido laboral que teníamos creado. El consumidor no debe pagar un 21% de IVA por la entrada de los espectáculos que además no le desgrava lo más mínimo. Es un atraco a mano armada y obliga al sector a la precariedad constante. Está más que demostrado que el gobierno recauda menos con la subida de este impuesto y con ello han borrado el tejido laboral que teníamos construido. Con respecto a la media europea es desorbitadamente alto y sinceramente lo interpreto incluso como un impedimento para que el ciudadano tenga acceso al ocio y la cultura. Sólo la cultura aporta el 4% del P.I.B. y podría aportar mucho más si se apoyase al sector porque tiene capacidad de crecimiento y es una fuente de riqueza para todos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Por motivos obvios Medea y Antígona.
De Medea por supuesto me cautivó su protagonista ( Grande la Medea de Aitana ) y la fuerza plástica e indómita que caracteriza el teatro de Andrés Lima.
De Antígona me sorprende una vez más el talento innato de Miguel para acceder al gran público con un espectáculo total. El Creonte de Carmen Machi fue una inspiración para mi, una experiencia liberadora.
¿Proyectos?…
Los que vengan.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando. Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.
SUMA Y SIGUE
El lunes 1 de junio tuvo lugar, dentro de la programación de Los lunes con voz del Centro Dramático Nacional, la fiesta por el 25 aniversario de la creación de la Asociación de Autores de Teatro que, con más de 300 asociados, rindieron homenaje a la historia del grupo en la persona de los diferentes presidentes que tuvo la agrupación durante toda su historia. Así pues, diferentes socios subieron al escenario del teatro María Guerrero para, con mayor o menor desparpajo, participar en este repaso histórico con la lectura de fragmentos de obras como La camisa, de Lauro Olmo, El pájaro solitario, de José María Rodríguez Méndez, El último dragón del Mediterráneo, de Alberto Miralles y Las meninas de Antonio Buero Vallejo.
Realmente, el testimonio a sus presidentes en este 25 aniversario encerraba otro homenaje también a Jesús Campos, presidente saliente que ha dirigido el colectivo durante sus 16 últimos años. Con horizonte optimista debido a nuevas acciones y el crecimiento de asociados, Jesús Campos se despidió de la presidencia hablando más de futuro que del pasado. Así pues y, ante los testigos Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional y Fernando Cerón, Jesús Campos escenificó la toma de la alternativa del nuevo presidente de la Asociación: Ignacio del Moral representando también la evidencia de un cambio generacional con la participación en el acto de diferentes generaciones de autores que augura no sé si mejores tiempos pero, con toda seguridad, sí anuncia otros tiempos que hay que apuntar al suma y sigue de la AAT.
Luis Miguel González
La Asociación de Autores de Teatro (AAT) celebra su XXV Aniversario
Será en un acto que tendrá lugar en el Teatro María Guerrero el lunes 1 de junio a las 20H en el que intervendrán entre otros Ignacio del Moral, Presidente de la AAT, Ernesto Caballero, Fernando Cerón y Jesús Campos, anterior Presidente de la Asociación de Autores de Teatro.
Más info en: http://www.aat.es
LABORATORIO RIVAS CHERIF – TALLERES DE INVESTIGACIÓN TEATRAL en el CDN
Fortune Cookie
Dramaturgia: José Manuel Mora
Dirección: Carlota Ferrer
MUESTRA ABIERTA AL PÚBLICO
Del 9 al 12 de abril a las 19h (domingo 18h)
Sala El Mirlo Blanco – Teatro Valle-Inclán
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El laberinto mágico de MAX AUB
Dramaturgia: José Ramón Fernández
Dirección: Ernesto Caballero
MUESTRA ABIERTA AL PÚBLICO
Del 10 al 19 de abril a las 20.30h (domingo 19.30h)
Teatro Valle-Inclán
Premios ADE en el Teatro Español
Esta noche, en una ceremonia sencilla y emotiva, se han entregado los premios ADE 2014…Las Medallas de la Ade han sido otorgadas a Iago Pericot, Frederic Roda y Ernesto Caballero entre otros…
La Tarasca a Lucila Maquieira por su aportación a la relación cultural entre Uruguay y España.
El Premio José Luis Alonso ha recaido en Ricardo Campelo.
El Premio a la mejor Traducción teatral a… Denis Rafter y Manuel Vieites.
El de Estudios Teatrales ha sido para Blanca Baltés.
El de Mejor Iluminación para Juan Gómez Cornejo.
El de Figurinismo teatral para Ana Rodrigo.
y el de Escenografía se ha otorgado a Juan Sanz y Miguel Ángel Coso.
El Premio de Honor para Iago Pericot y el Premio Adolfo Marsillach a una labor cultural significativa a José Sanchís Sinisterra.
Premio ADE 2014 a la mejor dirección ha recaido en Javier Hernández-Simón por Los Justos.
QRLA
«Rinoceronte» en el Centro Dramático Nacional
Ernesto Caballero ha rescatado de nuevo esta obra del teatro del absurdo en una época social y política en la que nos puede sugerir muchas cosas. En palabras de Caballero, Rinoceronte es una fábula dramática acerca de la propagación y aceptación social del totalitarismo» Ionesco nos intentó explicar mediante su concepción de la vida «absurda» cómo podemos convertirnos en ovejas de un rebaño, en meros autómatas con tal de no asumir nuestra propia soledad y nuestras propias convicciones. En esta fábula las personas de una ciudad poco a poco se van convirtiendo en rinocerontes, porque es lo que se lleva, porque es lo más cómodo, porque lo hacen todos… y «cualquiera puede convertirse ahora en un robusto y vigoroso rinoceronte». Una situación absolutamente Kafkiana, pero en este caso referida a la sociedad y no a la persona en sí. Imagínense a cuantas situaciones se puede aplicar esto y qué vigencia tiene hoy en día.
Caballero ha pretendido seguir a Ionesco en su afán de creando situaciones escénicas que no tienen ninguna lógica y utilizando el lenguaje sin sentido alguno para poder resaltar el aislamiento y la extrañeza de los seres humanos. Para ello, durante el primer acto utiliza todo el teatro, y no sólo el escenario para que sus personajes circunden e invadan nuestro espacio también , provocando situaciones de inseguridad y desasosiego, más tarde va a centrarse más en el escenario, no sin renunciar a dos pasarelas instaladas en los laterales del patio de butacas por las que van a aparecer esos fantasmas rinocerontes creados para atraernos hacia el abismo.
Si bien el montaje escénico y escenografía de Paco Azorín pretende mantenernos en constante tensión, y cumple con este fin de una manera bastante firme, el texto sigue siendo algo farragoso, incluyendo escenas que a veces se hacen pesadas y redundan sobre la situación, escenas que pudieron ser más efectivas en su tiempo, pero que hoy en día necesitan algún retoque. A partir de la escena de la metamorfosis de Fernando Cayo, bastante conseguida y con un gran trabajo actoral y corporal del intérprete, la atención dramática va en declive. La que la trama empieza fresca y ágil pero luego se va ralentizando todo y espesando bastante y el acto final no consigue despuntar más que otras escenas. Aún así, merece la pena asistir a ver un Ionesco y sumergirse a pensar sobre nuestra existencia y la banalidad de adorar a ídolos.
Luis Mª García Grande.
Un paseo dramatizado por las calles de Madrid
José Luis Alonso de Santos, Ernesto Caballero, Ignacio Amestoy, Itziar Pascual, Pedro Víllora y Lourdes Ortiz son los autores de Las calles de mi Retiro, un viaje por los referentes históricos, sociales, artísticos y teatrales de nuestra ciudad, concretamente del céntrico distrito de Retiro. Bajo la dirección artística de Ainhoa Amestoy, Estival Producciones presenta este espectáculo dentro de la renovada programación teatral de Casa de Vacas. Las representaciones serán gratuitas el último domingo de noviembre.
Dar voz a las calles de Madrid, hacerlas hablar desde un monólogo interior que da vida a la Cibeles, a las calles Alfonso XII, Reyes Magos, Doce de Octubre y Paseo de la Infanta Isabel. Haciendo de paso un poco de historia, de la que se escribe con mayúscula y también de la que se recorre simplemente a pie, con dosis humor, con reminiscencias al pasado pero sobre todo al presente. Escribir lo que pasaría por la cabeza de una calle cualquiera de Madrid, si éstas tuvieran conciencia, esa ha sido la tarea que Ainhoa Amestoy ha puesto a algunos grandes dramaturgos y dramaturgas de nuestro país. El resultado: los cinco monólogos que componen Las calles de mi Retiro. Sus escritores son José Luis Alonso de Santos, Ernesto Caballero, Ignacio Amestoy, Itziar Pascual, Pedro Víllora y Lourdes Ortiz, todos ellos vinculados a la Real Escuela de Arte Dramático, que también pertenece a este distrito. Por su parte, los intérpretes que dan vida a estas cinco calles son Elena González, Ayeisa Sánchez de Rojas, Jesús Asensi, Borja Cortés, Karina Garantivá y María Besant.
En esta propuesta escénica de Estival Producciones veremos a la Cibeles en su vida de estatua, quieta e imperturbable, una diosa que ha presenciado tumultos, rebeliones, protestas, manifestaciones, dos guerras, que no logra acostumbrarse al tráfico y al ruido incesante de motores, a las luces de la ciudad que le impiden contemplar las estrellas. La calle Doce de Octubre, modesta y tranquila en su distinguido emplazamiento, que busca desesperadamente su identidad, acudiendo a Internet o al psicólogo. La calle Menorca, incómoda ante las insistentes preguntas de un ciudadano que se decida a mantener una conversación con ella. Alfonso XII sumamente inquieto ante la posibilidad de que le arrebaten su calle y le trasladen a otro lugar. Y la calle Reyes Magos, que se siente tan afortunada cada mañana cuando le despiertan las voces de los niños que van al colegio, pero que en cambio vive en soledad las Navidades porque pocos piensan el día de los Reyes Magos en la calle de los Reyes Magos.
La obra podrá verse de forma gratuita el próximo domingo 30 de noviembre en Casa de Vacas. Para diciembre, aprovechando las fiestas navideñas, Estival Producciones tiene previsto presentar dentro de la programación teatral de Casa de Vacas un espectáculo para niños basado en Alicia en el país de las maravillas.
CALLE DE LA INFANTA ISABEL
Monólogo de la Infanta Isabel a su amiga Lolita Balanzat y Bretagne, de Itziar Pascual
Interpretado por Ayeisa Sánchez de Rojas
CALLE DE ALFONSO XII
¡Alfonso XII, mi calle!, apropósito teatral de Ignacio Amestoy
Interpretado por Jesús Asensi
PLAZA DE CIBELES
Cibeles, de Lourdes Ortiz
Interpretado por Elena González
CALLE DE MENORCA
Quinientos pasos, de José Luis Alonso de Santos
Interpretado por Borja Cortés
CALLE DEL DOCE DE OCTUBRE
Docedé, de Ernesto Caballero
Interpretado por Karina Garantivá
CALLE DE LOS REYES MAGOS
La calle de los Reyes Magos, de Pedro Víllora
Interpretado por María Besant
Música
Giacomo Facco
Fotografías
Mahura
Imagen
Pablo Díaz
Asesoría musical
David Velasco
Técnico
Otto
Producción
Estival Producciones
Dirección escénica
Ainhoa Amestoy
Datos de las representaciones:
Lugar: Casa de Vacas
Fecha: Domingo 30. Dos representaciones: 17h y 19.30h.
Próximas representaciones previstas en Casa de Vacas, DICIEMBRE 2014:
Espectáculo para niños basado en Alicia en el país de las maravillas
Sábado 27. 17h.
Domingo 28. 17h.
Las actrices: María Besant, Lidia Navarro y Ana Carril
Más info en: http://www.madrid.es
Centro Cultural de Casa de Vacas abre de nuevo sus puertas al teatro
El Ayuntamiento de Madrid impulsa el teatro en el céntrico distrito de Retiro. Para su renovada programación, el histórico centro cultural de Casa de Vacas apuesta por Estival Producciones, una joven compañía madrileña que bajo la dirección artística de Ainhoa Amestoy prepara un repertorio basado en títulos de grandes autores. Las representaciones serán gratuitas los últimos fines de semana de cada mes. En el proyecto participan grandes nombres de las artes escénicas de nuestro país como José Luis Alonso de Santos, Andrea D´Odorico, Ernesto Caballero, Lourdes Ortíz o Elisa Sanz.
Más info en: http://www.madrid.es/portales/munimadrid/es/Inicio/Ayuntamiento/Cultura-y-Ocio/Cultura/Casa-de-Vacas?vgnextfmt=default&vgnextoid=7be29431c79ab010VgnVCM100000d90ca8c0RCRD&vgnextchannel=2e2b9ad016e07010VgnVCM100000dc0ca8c0RCRD
Felipe Andrés Santos: Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Empecé a los 15 años en los grupos de teatro aficionado de mi ciudad, Alcalá de Henares. Después me interesé por la formación y tras hacer cursos en Metropolis y la Escuela de William Layton, conseguí entrar en la RESAD, hecho fundamental en mi vida profesional pues, además de tener profesores maravillosos como Charo Amador, Ernesto Caballero…, me permitió entrar en contacto con profesionales con los que sigo trabajando en el presente.
…¿Por qué haces teatro?…
Para mí significa tener un lugar en el mundo en el que poder expresarme y en el que poder transformar en cierta medida lo que me rodea.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Mi trayectoria, principalmente teatral, está basada en el esfuerzo y en el trabajo del día a día, lo que me hace sentir muy satisfecho. Todo lo conseguido, sea mucho o poco, ha sido cocido a fuego lento, con muchas horas de dedicación y compromiso. He tenido la suerte d trabajar con directores muy experimentados como Juan Pastor, con el que he realizado 6 montajes, y con el que trabajar es un auténtico regalo para cualquier actor, gracias a él mi trabajo en “El fantástico Francis Hardy, curandero” fue reconocido con el Premio Unión de Actores de este años al mejor actor secundario de teatro, o con directores más jóvenes y talentosos como Victor Velasco, que fue compañero de promoción en la Resad y este año me abrió la puerta del CDN para protagonizar el montaje “La corrupción al alcance de todos”.
Mi implicación siempre es total y procuro vivir todos mis trabajos con la mayor ilusión e intento sacar lo mejor de cada experiencia, aunque sea algo comercial y a priori menos interesante, por ejemplo mi primera gran gira teatral fue con ´Frente a frente´ dirigida por Fermín Cabal en la Cía de Pedro Osinga, con él hice en un año más de 400 representaciones, era el típico vodevil y aprendí mucho.
Aunque he participado en varias producciones comerciales más, realmente donde he tenido un desarrollo y una proyección más interesante ha sido, además de los trabajos mencionados anteriormente, con las funciones producidas por mi compañía Críacuervos. Con la comprometida farsa política ´Pacto de Estado´conseguimos titulares en todos los periódicos y llegamos a estrenar en la Sala 2 del Nuevo Teatro Alcalá y con ´Cuando fuimos dos´ permanecimos casi una año de representaciones en el Teatro Infanta Isabel de Madrid y gira, consiguiendo emocionar a mucha gente y en la que mostramos, desde la mayor naturalidad, la vida de una pareja homosexual.
En televisión he intervenido en 14 series con papeles episódicos y he realizados decenas de programas de bromas de cámara oculta. Es un medio que me fascina y en el que espero poder tener un mayor desarrollo.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Creo que el teatro debe ser una ventana para la reflexión y el descubrimiento, un lugar donde reconocernos y, por qué no, también divertirnos.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Principalmente tiene que haber un personaje y una historia que me enganchen, que me motiven, y que tenga posibilidades comerciales, es decir, que pueda interesar al público. No me gusta hacer teatro sólo para los amigos.
Si conecto con lo que se quiere contar me lanzo sin prejuicios.
También es fundamental el equipo que integre el proyecto, hablar un lenguaje común me parece imprescindible para que las cosas fluyan y se produzca el hecho artístico.
¿Cómo surgió la propuesta del Chejov que estáis haciendo en La Guindalera?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
Juan Pastor, con el que ensayé y no pude estrenar hace años ´La petición de mano´ de Chéjov, nos sugirió a María Pastor, José Bustos y a mí rescatar algunas piezas cortas cómicas de Chéjov para hacer un espectáculo fresco y divertido para el verano en Guindalera. Nos encantó la idea y contando con su supervisión y ayuda en la dramaturgia nos lanzamos, queríamos que no fuera un espectáculo convencional, y surgió la idea, partiendo de ´La audición´ del propio Chéjov, de hablar de nuestro mundo, si en las piezas cortas este retrata los deseos y anhelos, la frustación , la soledad, las miserias y defectos del alma, nosotros estableciendo un paralelismo con el momento actual, situamos la acción dentro del proceso de inicio y creación de un espectáculo, de la lucha , renuncias y sacrificios que el creador tiene que soportar en el desamparo y mediocridad reinante. Esto nos permite también jugar al teatro dentro del teatro y el público lo disfruta enormemente.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?..
He protagonizado, CUANDO FUIMOS DOS de Fernando J. López y dirección de Quino Falero en el Teatro Infanta Isabel y gira (montaje del que me siento especialmente orgulloso porque fue de producción propia) y LA CORRUPCIÓN AL ALCANCE DE TODOS de José Ricardo Morales y dirección de Victor Velasco en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero.
También he participado en la Dramatización de ´EL RECONCILIADOR´de Manuel Silvela que con dirección de Juan Pastor se pudo ver en el Teatro Pavón.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Aunque terminamos con las representaciones esta semana, me gustaría continuar con ´Verano Chéjov´ después de agosto pues estamos obteniendo un éxito tremendo de público y está gustando mucho.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA está consiguiendo que cualquier montaje superior a 2 personajes sea practicamente inviable, por lo que la oferta teatral se está empobreciendo muchísimo, reduciendo la cartelera de muchos teatros, que hace años contaban con grandes e interesantes producciones, a espectáculos de monologuistas. La mayoría del teatro alternativo se ha visto abocado a una multiprogramación insostenible para las compañías, ya que además de mermar la calidad de las representaciones, hace casi imposible tener una continuidad y un rodaje con el que poder amortizar la inversión, por lo que muchos actores están trabando casi sin cobrar y en condiciones lamentables.
Lugares como la Guindalera que apuestan por la calidad y el rigor, y no por la cantidad y “el todo vale”, deberían estar protegidos.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté enormemente de NOVECENTO en la sala pequeña del Teatro Español. Texto bellísimo interpretado magistralmente por Miguel Rellán y dirigido con una gran precisión y sensibilidad por Raúl Fuertes. Me conmovió y emocionó muchísimo pues me transporte por cada imagen, sentimiento y vivencia del personaje. Un ejemplo de honestidad y rigor.
Igualmente me gustó LA BELLA DE AMHERST en el Teatro Guindalera que con magistral dirección de Juan Pastor me metió de lleno en la vida de la poetisa Emily Dickinson, maravillosamente encarnada por María Pastor.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Constancia, compromiso y mucha ilusión. Rodearse de gente con los mismos intereses y contar buenas historias.
VANESSA MARTÍNEZ nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo aterricé en el teatro a través de la ópera. Estudié la carrera de canto y durante bastante tiempo me dediqué a la lírica. De hecho, cuando empecé a estudiar interpretación actoral con Juan Pastor en la escuela Guindalera tenía toda la intención de aplicar esos conocimientos a la construcción de mis personajes operísticos, pero en el camino descubrí que mis ideas sobre la puesta en escena en ópera no encontraban reflejo en la realidad escénica que me circundaba, y decidí estudiar dirección para cambiar esa realidad. Con tan noble intención comencé la carrera de dirección de escena en la RESAD. Y durante ese viaje apareció Shakespeare y apareció el teatro del siglo de oro español, y entendí que aquello que amaba en la ópera (la forma musical) era el sustrato del teatro clásico, en especial del teatro en verso. Así que he estado compaginando la dirección de teatro clásico y ópera durante 12 años, aplicando lo aprendido en un medio al otro, y viceversa.
¿Tu trayectoria en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí, muchos. Como estudié magisterio en la especialidad de educación musical, he sido profesora de música en colegios. Guardo especial recuerdo de mi experiencia de cinco años en el colegio Estilo, dirigido por la gran pedagoga Josefina Aldecoa, de quien tanto aprendí. Pero sin duda de quien más aprendí fue de los niños: digerí su capacidad de asociación libre, su ausencia de preconceptos, su vivencia del proceso por encima del resultado… Además he seguido trabajando como soprano, en producciones propias y ajenas, y también he sido directora de coro. Uno de los trabajos que más me ha gustado y que ha sido un compendio de mi formación teatral y musical, ha sido la dirección musical del espectáculo “En este vida todo es verdad y todo es mentira” de Calderón de la Barca para la CNTC, dirigido escénicamente por Ernesto Caballero, hacia quien no tengo suficientes palabras de agradecimiento. Luego repetimos formato en “Montenegro” para el CDN, donde me atribuyó las funciones de entrenamiento vocal y arreglos corales. Todo aquello que fusione música y teatro es el mejor de los paisajes para mi.
¿Qué balance harías sobre tu s trabajos?…Háblanos de los montajes más significativos…
El balance, con perspectiva, es inmejorable. Llevo 12 años trabajando y he dirigido más de 20 espectáculos teatrales y más de 10 óperas. Todo ello surge, por supuesto, de la inversión vital, económica y emocional de los dos componentes de Teatro Defondo, que somos Pablo Huetos, (productor, actor y alma mater) y yo. Esta inversión no siempre ha sido productiva a corto plazo pero me ha permitido aprender mucho y muy deprisa, desarrollar todo mi imaginario, sin restricciones, sin mediadores, con una confianza y una ilusión algo suicida. Todo ha sido muy intenso, todos los espectáculos son hijos míos. Incluso algunos que al principio sentía como ajenos, cuando el día del estreno me senté en el patio de butacas, me quedé con la boca abierta. “¡Pero si yo estoy ahí, y no me había visto!”.
Si tuviera que elegir tres espectáculos especialmente relevantes para mi serían:
1. “El maestro de danzar” de Lope de Vega, mi primer clásico español, mis primeros pre-mios como directora, mi primera gira grande.
2. “Mucho ruido y pocas nueces”, de W. Shakespeare, mi primer Shakespeare (vinieron tres mas, ¡y todos los que quedan!), con el elenco más grande que he dirigido en teatro hasta la fecha, y aderezado con la maravillosa presencia de Will Keen como asesor y maestro, de quien tantísimo he aprendido.
3. Y finalmente “Don Giovanni” de W. A. Mozart, que tuve la enorme suerte de dirigir en gran formato en el Templo de Debod delante de 1000 personas. Este espectáculo fue probablemente el más personal de todos los que dirigí. Cuando tenía 18 años y empezaba a cantar, mucho antes de saber que yo alguna vez sería directora de escena, escuchaba incesantemente Don Giovanni y lo imaginaba todo en mi cabeza, intención por intención, escenario tras escenario, incluso me hice una especie de (entonces ni sabía lo que era) cuaderno de dirección con diagramas de movimientos escénicos. Almacenaba esa ópera desde hacía 15 años cuando finalmente la estrené. Fue un proceso increíble, los dos elencos ensayaron dos meses y medio 7 horas diarias… Conseguí realizar, gracias a un equipo de cantantes jóvenes talentosísismos (entre los que destaca el grandísimo barítono mejicano Manuel Gorka) el Don Giovanni que existía en mi cabeza. Verlo estrenado fue una emoción muy intensa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi motor es siempre el amor. Yo me enamoro de los textos, o de las músicas, y entonces empiezo a generar imágenes y sonidos. Mi devoción por la forma, adquirida a través de mi trayectoria en la lírica, me decanta por aquello que revela un enorme contenido a través de una forma estricta y perfecta. El cómo es para mi tan importante como el qué. Y creo que he hallado en Shakespeare y en Mozart el balance perfecto entre los dos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido vital. He tenido la inmensa fortuna de contar con compañeros/as maravillosos en mi carrera: Pablo Huetos, por supuesto, y una enorme cantidad de actores fantásticos como Pedro Santos, Mon Ceballos, Gemma Solé, Javier Román, Celia Nadal, Maya Reyes, Vicente Colomar, Carmen Gutiérrez… seguro que me olvido muchos. Ellos han sido mis maestros y mis compañeros, hemos podido crear un grupo más o menos estable de “habituales de Teatro Defondo” del que nos sentimos orgullosos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Esta temporada pasada la comencé estrenando en el Teatro de la Maestranza el espectáculo “Dos pianos con Pasión”, que escribí y dirigí, interpretado por Pasión Vega junto al Dúo Del Valle, y que se acaba de estrenar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid este pasado 20 de mayo. Después dirigí escénicamente dos veces en el Teatro Real: la primera fue “El hombre que se llamaba Amadé”, sobre la vida de Mozart, y la segunda un espectáculo titulado “A mis amigos”, un regalo del gran Jose Manuel Zapata donde colaboró José Mercé, Emilio Aragón, Rocío Márquez, Cecilia Gómez… A continuación estrenamos nuestro proyecto estrella para este año con Teatro Defondo: “La Opera del Malandro” de Chico Buarque, que estrenamos en Madrid este próximo 6 de junio en el Teatro Fernán Gómez. Y continuamos con la gira del “Sueño de una noche de verano” de W. Shakespeare, que parece que nos va a seguir dando muchas alegrías en 2015 después de las 70 funciones que lleva ya. Mucho trabajo, mucho teatro, mucha música… como te decía, ¡el mejor de los paisajes!.
Háblanos del proyecto de La ópera del Malandro…¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Este proyecto surge como todos los demás, surge del amor. Conocí hace año y medio la obra de Chico Buarque y me quedé sin aliento. Entre toda su producción una pieza llamó poderosamente mi atención, por su música deliciosa y compleja y por su poesía y sus imá-genes de altísimo nivel, que dibujaban el sentir de la sensualidad femenina de un modo que yo jamás había escuchado; la canción se llama “O meu amor”. Cuando empiezo a investigar sobre la canción en internet veo que la letra tiene indicado el nombre de dos personajes, Teresinha y Lucia. Y descubro que pertenece a una obra de teatro musical llamada “La opera del Malandro”. Como yo ya había dirigido “La opera de los tres peniques” de Bertold Brecht, entendí la asociación inmediatamente: ¡aquel era el dúo del segundo acto entre Polly y Lucy! Muy emocionada por el descubrimiento me hice con el texto completo (en portugués, no estaba aún traducida al castellano) y descubrí que tal y como sospechaba Chico Buarque escribe en 1978 una brillante versión del original brechtiano (a su vez versión de John Gay) ambientada en el barrio de Lapa de Rio de Janeiro en los años cuarenta, en plena dictadura de Getulio Vargas. El texto era pura dinamita, descarado, actual, rítmico… una vez más, la forma perfecta. Y la música era sencillamente deslumbrante. Era para mi la oportunidad perfecta para hacer realidad un antiguo sueño: reivindicar el género del “teatro musical», tan vilipendiado por los márgenes comerciales de nuestra profesión. Este es un GRAN musical, de texto preciso, personajes definidos, argumento vertiginoso, poética sorprendente y con una calidad musical digna del autor de música popular brasileña más importante de su generación.
El proceso fue muy intenso: comenzó con un taller de música brasileña y repertorio impartidos por Pedro Moreno(director musical) y Mario Bidart (maestro repertorista y especialista en canto popular brasileño) en la Casa do Brasil. Entre los participantes del taller seleccionamos a los nueve actores/cantantes que compondrían en elenco. Tras un mes de barbecho acometimos un proceso de ensayos largo y denso, complejo por la propia idiosincrasia de la obra. No puedo estar más contenta del resultado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De manera inmediata dirijo mi primer espectáculo de danza. Es una versión de “El Principito” en el que firmo la versión y la dirección escénica, y la coreografía es del gran bailarín José Tirado. Estaremos ensayando en los Teatro del Canal todo el mes de julio.
La temporada que viene tengo dos cosas en perspectiva: la primera es la siguiente produc-ción de Teatro Defondo, que será casi con toda seguridad un Shakespeare aún no estrenado en España. Recuperaremos todos nuestros espectáculos shakespirianos ya estrenados (“Mucho ruido y pocas nueces”, “Macbeth”, “La Tempestad” y “El Sueño de una noche de verano”) y haremos un ciclo Shakespeare para gira con las cinco funciones y un elenco estable. Al estilo inglés…
El tercero de los proyectos, quizá uno de los más importantes de mi carrera, que gracias a Dios ya está confirmado y cerrado, es para abril de 2015 pero aún no puedo revelar nada sobre él. Seguro que a no mucho tardar sabréis de qué se trata.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está siendo un tsunami destructor, como casi todas las iniciativas que sobre cultura se están tomando de un tiempo a esta parte. Ya no somos empresas teatrales, es imposible tener beneficios, y mucho menos con un espectáculo que da trabajo a nueve actores, cuatro músicos y tres técnicos. Ahora somos devotos teatrales. La profesión se está devaluando, se trabaja de cualquier manera a cualquier precio.
¿Cómo ves la realidad teatral en Madrid?…
No comparto el optimismo generalizado. Hay mucho teatro de mala calidad, con pocos medios, muy mal pagado. El teatro low cost es exactamente eso, teatro barato. Salvo para los tres o cuatro tocados por la mano de los centros de producción nacionales, la ausencia de tejido teatral profesional nos supone una mengua, no un acicate.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ejemplar “Novecento” del compañero Raul Fuertes con el gran Miguel Rellán. Tiene la escenografía más cara del mundo.
Muy emotivo “Ay, Carmela” del compañero Pepe Bornás. Historias bien contadas, con compromiso e ideas. Eso es teatro.
“Viaje a ninguna parte”, interesante concepción espacial, correcto el trabajo con los actores, donde sobresalía claramente el maestro Antonio Gil.
Si en algún lugar de España coincidís con la gira de “Barroqueros”, la macarrada más culta de José Manuel Zapata, no dudéis en llevar a todosvuestros hijos para iniciarles en la música antigua.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
1. No conformarse con “hacer lo que se pueda”.
2. No devaluar la profesión; ergo, no devaluarse a uno mismo.
3. Conservar el espíritu crítico.
4. Conservar la dignidad.
5. No olvidar que no somos las circunstancias que vivimos, sino las elecciones que hace-mos en esas circunstancias.
Bruno Ciordia nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en el grupo amateur de mi pueblo, La Trapera, a los 13 años y actué con ellos hasta los 18, edad en la que decidí venir a Madrid a estudiar interpretación en la RESAD. Después he vuelto a trabajar con el mismo grupo en varias ocasiones pero esta vez como director.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en el teatro?…Uno siempre es inconformista y se fija más en lo que le queda por hacer, que es mucho. Pero si miro hacia atrás y veo todo lo que he hecho desde que empecé, no puedo sino estar agradecido a…no se…la vida, porque he podido trabajar con regularidad y poder vivir de esto hasta ahora. Es verdad que últimamente cuesta bastante más.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?… ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Eso depende de si los proyectos los genero yo o me embarco en proyectos que me proponen otros. En cualquier caso, el germen para empezar cualquier proyecto es siempre el texto. Encontrar algo que te enganche, que te movilice a contar esa historia. Creo que un buen texto siempre es el mejor compañero de viaje.
¿Cómo surgió Tape?…En el caso de Tape, surgió de la llamada de Yolanda Vega, productora y actriz. Tenemos un amigo común que hizo de celestina y nos lanzamos sin conocernos muy bien a la piscina movidos por el trepidante texto de Stephen Belber, y la verdad es que estoy muy contento de cómo está yendo todo hasta ahora.
Háblanos de la puesta en escena… He intentado que sea lo más sencilla y directa posible. Sin artificios. La historia cuenta una relación de amistad de larga duración deteriorada por un hecho puntual y por cómo los personajes vivieron y recuerdan aquel acontecimiento con el paso del tiempo. Hemos intentado sumergirnos en los hechos y en todo el dolor que eso provocó en los personajes y lo hemos sacado a jugar a la escena. La mayor dificultad en este caso ha sido contar esa amistad de más de 10 años por actores que se conocieron en la primera lectura pero creo que tanto Fran Calvo y Jano Sanvicente como Yolanda hacen un trabajo espectacular.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…Pues comencé este 2014 en el CDN a las ordenes de Ernesto Caballero en su versión de las Comedias Bárbaras, Montenegro, montaje que retomaremos en septiembre para salir de gira por España, y acabo de estar en El sol de York con el monólogo Un buen día de Dennis Lumborg dirigido por Mariano de Paco y producido por mí, y que espero que pronto pueda volver a verse en Madrid.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…Pues ahora, cuando terminemos Tape en La pensión de la Pulgas volveremos a ensayar para ponerla a punto de nuevo en disposición a la italiana, ya que entramos en el Teatro Lara los jueves de mayo y junio a partir del 22 de mayo. También estoy comenzando a buscar los apoyos para poner en pie un espectáculo sobre la figura de Lorca y sus años como director de La Barraca durante segunda república. Una versión propia que pretendo dirigir. Un texto que habla con distancia histórica de todos los problemas que estamos encontrando actualmente los artistas para hacer nuestro trabajo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento de el I.V.A. a los proyectos de teatro?…Está siendo una verdadera sangría. El margen que ahora se lleva el I.V.A. es el único beneficio que tenían antes las compañías para seguir produciendo. Si eso lo eliminas y lo pagas en impuestos se agota el negocio. ¡Objetivo conseguido! Esto es una cruzada que ha emprendido el gobierno contra todo aquello que considera innecesario. Y la cultura parece que lo es.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… ¿Por qué?…
En construcción dirigida por Tristán Ulloa, por ejemplo, que ha estado en abril en la sala Mirador, me pareció una historia muy sencilla, contada con extrema sensibilidad y llena de aciertos. Realmente me tocó. También he visto hace poco La cortesía de España de Lope de Vega, donde la joven Compañía Nacional de Teatro Clásico da una lecciones de maestría y virtuosismo bajo la dirección de Josep María Mestres. Verso bien dicho, montaje sencillo y un buen trabajo de elenco que nos demuestra que tenemos unos jóvenes preparadísimos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Los tiempos de crisis han llegado para quedarse si no lo remediamos. Por tanto, hay que seguir creando y haciendo teatro por la pura necesidad de hacerlo, y sobre todo, hacerlo con el corazón. Como decía Lorca “Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango para ayudar a los que buscan las azucenas».
Aitana Galán nos habla de su comprometida visión con la escena.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Hice mucho teatro como actriz, de niña, en compañías de teatro aficionado; y de adolescente en el instituto. En mi familia, casi todos profesores, nadie se había dedicado nunca al espectáculo, pero ese encuentro casual que tuve de pequeña con el escenario me cambió la perspectiva de la vida: Existía un espacio donde todo estaba permitido y donde se podía ir más allá de las absurdas y aburridas convenciones sociales…. y encima te aplaudían… A los 15 años empecé a formarme profesionalmente. Di clase con mucha gente, hice muchos cursos, pero mi maestra fue Cristina Rota, con la que estudié cuatro años y a la que le debo también mi formación en tai-chi, danza, acrobacia, voz… (allí te conocí a ti, en clase de contact-dance, con Bellusci ¿te acuerdas?)…Trabajaba en su escuela y a cambio podía asistir a todas las clases y a todas las asignaturas de todos los profesores. Siempre se lo agradeceré, porque, como sabes, las clases son caras y en ese momento (y supongo que en este) yo no habría podido acceder a tener una formación tan completa si hubiera tenido que pagarla. Empecé a escribir y dirigir muy joven, a los 23 años, cuando terminé la escuela y, poco después, me puse a estudiar dramaturgia en Roma y dirección, más tarde, en la RESAD de Madrid. Creo que en el teatro he hecho de todo: actriz, ayudante de dirección, producción, espacio sonoro, dramaturgia, coordinaciones, dirección… y muchas de estas actividades las sigo alternando.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros cometidos?…Háblanos de ello…
Estudiaba interpretación y, a la vez, Periodismo y Filología en la Complutense y, como tantos de mi generación, he sobrevivido a base de trabajos basura: he sido encuestadora, camarera, payaso, go-gó, animadora, profesora particular… Periodismo y Filología se fueron quedando por el camino a medida que conseguía trabajos remunerados en el ámbito teatral. A partir de los 26 o 27 años más o menos comienzo a vivir exclusivamente del teatro, ya sea como actriz, como directora, como profesora, como ayudante… No descubro nada nuevo si digo que esta es una profesión inestable y que no siempre se corresponde un “éxito” en un escenario con lo que verdaderamente te da de comer… Paralelamente a la dirección escénica y la dramaturgia he desarrollado la docencia, que es una actividad que no creo que abandone nunca, la producción (necesaria para poner en marcha proyectos por los que otros no van a apostar) y la… no me gusta la palabra, pero no encuentro otra, “gestión”… En este sentido, mi último trabajo ha sido como Coordinadora Artística del CDN, una experiencia muy interesante y enriquecedora que no prolongué más porque despertaba suspicacias el hecho de que además fuese directora y estuviese en activo. Decidí marcharme y apostar por mi trabajo artístico, al que, por otro lado, nunca dije que fuera a renunciar.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento una privilegiada por trabajar en esto y por haberlo hecho desde una sana, y a veces castigada, independencia. He ido de aquí para allá; he colaborado con un montón de gente, he dirigido en compañías distintas, en el ámbito institucional, alternativo y en la privada, he participado en proyectos estupendos y en otros estrafalarios… Y me he mantenido al margen de los grupos muy cerrados, de los gurús, de los clubs de amigos o de los clanes… Esto me ha dado perspectiva y libertad de acción, por un lado, y por otro ha despertado antipatías… Qué le vamos a hacer… En estos 20 años he aprendido a sobrevivir a las críticas y a la indiferencia de un sector muy cerrado y extrañamente conservador. También he aprendido que muchos de los males que aquejan a la profesión se los ocasiona ella misma y que hasta que no haya una necesidad de cambio y autocrítica seria… esto es lo que hay y lo que va a seguir habiendo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Sean propios o ajenos necesito que algo me enganche con la realidad social, política, estética, emocional o sensorial que estemos viviendo. Trato de ser honesta conmigo y si un proyecto no lo veo claro, no lo hago. Esto no garantiza quizá conectar con una mayoría, pero sí me conecta conmigo y tal vez con otros que, como yo, no comparten las corrientes estético-ideológicas alabadas normalmente por los medios.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Es fundamental contar con equipos cómplices. La creación exige riesgo, libertad y permiso para poder equivocarse y eso no se puede hacer en un entorno hostil, que te juzga, o al que “tienes que demostrar” algo. La afinidad estética también es necesaria, porque muchas veces la falta de comunicación se debe a que estás en las Antípodas del otro… Yo he crecido mucho, por ejemplo, teniendo cerca a Raymond, que es un maestro del espacio y de la profesión y tiene un gusto exquisito… Seguramente no trabajaría de la misma manera si no hubiera contado con su colaboración tantas veces.
¿Cómo surge tu participación en Sobre algunas especies en vías de extinción?…
Ernesto Caballero me propuso que realizara esta dirección y dije que sí, sin dudarlo. Había leído todo el teatro de Morales y esta pieza en concreto me interesaba mucho: es rara, inquietante… es una obra de final de vida y se nota. Y dirigir en el Centro Dramático… qué quieres que te diga… es una oportunidad que no ocurre todos los días, si ocurre alguno… Le agradezco mucho a Ernesto este voto de confianza.
¿Cuál ha sido tu planteamiento de puesta en escena?…
En el proceso previo a los ensayos y a la selección del equipo, recordaba una y otra vez una frase del texto: “…el fallecimiento de todos y de todas los que componen, componemos, el coro lamentable de la sufrida humanidad”. En estas líneas descubrí que tenía que crear un coro y que tenía que hablar, con ironía, de “la sufrida humanidad”. Decidí desde el principio incorporar música en directo (el autor define la obra como una “cantiga”) y proyecciones, porque el texto habla, entre otras cosas, de un mundo que es la imagen de sí mismo. Morales es un autor difícil de clasificar, pero no hay duda de que es irreverente, subversivo y tiene mucho sentido del humor… qué mejor manera que construir la puesta en escena como si se tratara de un “Cabaret Metafísico”. He tratado de ser fiel a los postulados ideológicos y artísticos del autor a través de una estética contemporánea.
¿Cómo ha sido el trabajo con los actores y el resto del equipo artístico?…
Intenso, exigente, estimulante… El proyecto se enmarcaba dentro del Laboratorio Rivas Cherif lo que nos posibilitaba y exigía asumir riesgos artísticos y desafíos escénicos. Los planteamientos estéticos se fundamentaron en la creación de un universo apocalíptico, post-punk, con referentes en Blade Runner o Mad Max. Y con los actores hemos viajado desde el expresionismo alemán hasta el tratamiento de la palabra tomando referentes no habituales como Albert Pla, los Polipoètics, Sid Viciux, o El Noi del Sucre, entre otros: queríamos trabajar una palabra con intención, elaborada y nada casual o ingenua. Ha sido un trabajo apasionante, arriesgado y siempre en el filo. Al tratarse de una producción del Laboratorio no he contado con muchos de mis colaboradores habituales. El proceso de selección de los actores se hizo a través de audiciones (intensas) y el equipo artístico procede también de los creadores del Laboratorio. Ha sido una experiencia fantástica porque hemos hecho un trabajo de compañía pero con las condiciones de un Centro Dramático Nacional y eso, que no debería ser tan raro, es algo inusual todavía en este país. Estoy muy contenta, pero mucho: hemos vivido un encuentro artístico y humano que, probablemente, no quedará reducido sólo a este espectáculo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Dirigí una lectura dramatizada para el Instituto Goethe, “El niño que vuela”, de Roland Schimmelpfennig, un autor interesantísimo que me gustaría ver en los escenarios madrileños; hice la coordinación y asesoría de “Haz clic aquí” el “Escritos en la Escena” de José Padilla para el CDN; he estado escribiendo y poniendo en marcha una compañía de teatro, “La Radical”, con la que voy a estrenar, entre otras cosas, “Las neurosis sexuales de nuestros padres”, de Lukas Bärfuss y “El mal de la piedra”, de Blanca Doménech. También he impulsado, con otros compañeros, La Liga de las Artes, un colectivo de profesionales, empeñados en recuperar el uso y buen uso de los espacios públicos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Que nadie se lleve a engaño: los recortes están afectando fundamentalmente a los creadores y a las empresas pequeñas e independientes. La gran mole administrativa, que más que administrar parece pensada para ahogar y sofocar la creación, continúa casi intacta. De “la cultura” viven, y siguen viviendo, políticos, cargos, altos cargos, programadores, funcionarios, vividores, periodistas, empresarios de la construcción o de la hostelería…. La mayoría de los creadores y profesionales del sector, no: viven, vivimos, muy mal.
Los recortes han hecho visibles las carencias estructurales del tejido teatral español. Antes había más dinero y se disimulaba o se callaban más bocas, pero las cosas nunca han estado bien. En España sigue vigente un modelo cultural franquista: clientelismo, amiguismo, sectarismo… y detrás de las mínimas estructuras creadas en la transición subyace un pensamiento arcaico que desprecia al creador (si no es famoso) y lo considera un muerto de hambre que vive del cuento, al que hay que dar algo de dinero como el que da una limosna. Así, la relación entre profesionales y administraciones será siempre difícil.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Todos los del ciclo “Una Mirada al Mundo”, en especial “Julia” de la brasileña Christiane Jatahy: atrevido, comprometido, formalmente deslumbrante. Me lo pasé muy bien también con “Manifestaciò” de Albert Pla y con lo último que he visto, “La corrupción al alcance de todos”, donde Víctor Velasco ha hecho una apuesta formal arriesgada y muy bien resuelta.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Artísticamente hay que seguir haciendo buenos espectáculos, el problema es cómo. Desde mi punto de vista necesitamos espacios grandes que nos permitan establecer otra relación con el público y que posibiliten el poder vivir realmente de la taquilla. Estos espacios existen, son públicos y están cerrados o en desuso. Mi opción es la de ocuparlos, programarlos y defenderlos como espacios de bien común. Creo que debemos recordar que a nosotros no nos pagan ni la administración ni los programadores. Nuestros salarios provienen del dinero de los ciudadanos, ya sea a través de las entradas que compran o de sus impuestos, y es con ellos con los que tenemos que ser responsables. Hemos convertido a los intermediarios en los reyes de la fiesta y a los profesionales, en los camareros. Y deberíamos darle la vuelta a esta situación no aceptando la infinidad de condiciones, incompatibles con el teatro, que impone muchas veces la administración.
Si esta postura parece demasiado radical siempre se puede seguir haciendo lo que hemos hecho hasta ahora… invierte tu dinero, trabaja en salas reducidas, no cobres o arruínate, llora o seduce al programador, aguanta y calla y, si algún día te va bien, “pilla lo que puedas y que te quiten lo bailao”.
Una tercera opción es irse del país. Muchos lo están haciendo y, lamentablemente, creo que algunos son de los mejores que tenemos.
RAKEL CAMACHO nos habla de su proyecto Lucientes
¿Cómo surge el proyecto de Lucientes?…¿De qué va la obra?…
Amo a Goya, como tantos. Cuando descubrí Los Caprichos de Goya, hace años, sin que nadie me los mostrará en escuela alguna, quise estudiarlos, investigarlos; ví en ellos acción, verdad, sátira, humor, dolor de España, esperpento y poesía, pero sobretodo, una sociedad despiadada y deshumanizada. Comparto tanto esta visión del hombre que un día, contemplando la portada de un libro de Susan Sontag titulado «Ante el dolor de los demás» cuya imagen es el grabado de la serie desastres de la guerra titulado por Goya «Tampoco», nació la idea de crear una obra a partir de los grabados, pero en especial Los Caprichos Goya.
LUCIENTES plantea un recorrido por la idiosincrasia española a partir de una selección de los Caprichos, cuya propósito es:
«Ridiculizar los errores y vicios comunes en toda sociedad y consagrados por la autoridad, la ignorancia y el interés», expone el propio Goya.
La acción transcurre la última noche de Goya en la Quinta del sordo, antes de exiliarse a Burdeos.
El proyecto no es una biografía del artista, como muchos desearían, sino una creación escénico-poética basada en la fuerza de las imágenes que nos evocan sus Caprichos hoy, en un momento de sinrazón donde los monstruos cobran vida.
La obra no se basa en un argumento al uso, sino en una estructura fragmentada por capítulos independientes, cuyo hilo conductor es la obra de Goya y las reflexiones del artista. Se trata de un esperpento contemporáneo en el que lo que impera es la estimulación del espectador, las sensaciones y las emociones provocadas por lo que ve y escucha.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Partamos de que Goya es infinito y necesitaríamos toda una vida para estuadiarlo al completo.
Nuestro proceso se ha basado fundamentalmente en una exhaustiva documentación de los Caprichos de Goya creando un puente con noticias actuales españolas, unas más reconocibles como es el caso de los dashaucios y los problemas de la educación española (algo que preocupaba bastante a Goya hace doscientos años y que sigue sin resolverse. Caprichos: Trágala Perro y Si sabrá más el discípulo), y otras más desconocidas. La relación de las noticias con los Caprichos fue muy directa y fácil, esto resultaba asombroso. Partiendo de esta simbiosis capricho-noticia, pasamos a trabajar mediante improvisaciones y creaciones a partir de tema e imagen, sin perder de vista lo que Goya denunciaba y ridiculizaba hace 200 años con su obra artístico-satírica.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
En la sala de ensayos se contaba desde el primer día, con elementos que ayudasen a crear los personajes de cada capricho, la esencia española, la tradición, la animalización del hombre, y un largo etc, así como el trabajo con luces y sombras.. siempre se ha tenido en cuenta la idea de ruptura entre una escena y otra, evitando la continuidad también en cuanto a género, pues a una escena cómica le sigue una más dramática, y a esa dramática le sigue una más poética, después una coreografía… en algunos momentos se alcanza el carácter de show cabaretero que tanto me atrae como directora. También es un espectáculo puramente brechtiano, pero esto se fue forjando, pues inicialmente no era la premisa de más valor.
Los actores no podían ser actores al uso, pero tampoco la escenógrafa ni el iluminador, ni la vestuarista ni el músico en escena, pues ha sido una creación colectiva en la que jugaban un papel fundamental la imaginación y la valentía de cada miembro del equipo. En el proceso de creación había una libertad que aterra a muchos actores, pero los actores de Lucientes han creado y luchado como merecía el proyecto. Esto no siempre pasa, los actores necesitan que se les diga qué hacer, y yo como actriz, como huyo de eso, pues no hago a los demás lo que no quiero que me hagan a mí. No ha sido nada fácil porque todo lo que concierne a crear y seleccionar creación, es complejo, pero también hace que la implicación y pasión del equipo por el proyecto sea mayor, pues sus miembros lo sienten suyo. Para llevar a cabo un proceso así, otro de los requisitos fundamentales es la confianza enre actores y dirección y viceversa, pues se trabaja de una manera pura y visceral.
¿Qué balance haces de tus trabajos como directora?…
Generalmente esto muy orgullosa de mis trabajos, porque son verdad y están en mí. En el caso de Lucientes todavía es mayor la satisfacción(me declaro mitómana de Goya), sobre todo cuando detectas tantos obstáculos y falta de confianza alrededor y luego observas como alucina el espectador, y viaja, y siente. Esto no tiene precio. No hay persona que lo haya visto que no haya vivido la experiencia Lucientes, claro que, queda todavía mucha gente por verlo, y hay de todo en la viña . Eso sí, tras el estreno, puede hablarse de éxito.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mí hacer teatro hoy es una lucha por la cultura, por comunicar. Por acercar la cultura a todos los espectadores, porque todos disfruten y crezcan.
Considero que el teatro que se haga hoy tiene que ser necesario,un medio que eduque y conciencie a la sociedad que no está reñido con que este medio divierta y entretenga (Lucientes es muy divertido a veces). Hasta que no se convierta la cultura en algo imprescindible para una sociedad, el ciudadano no verá lógico emplear 15 euros en una función de teatro. Esto es doloroso, sobre todo cuando una copa que se bebe en media hora, cuesta 7 euros. Pero de esto ya hemos hablado muchas veces.
También en este sentido del teatro como hecho cultural (a veces artístico) y necesario para el desarrollo y la humanización de la sociedad, propongo y ofrezco con LUCIENTES un teatro que une disciplinas artísticas como la danza, el teatro, la música en escena y los audiovisuales, además del supercabeza de cartel: GOYA, un artista imperecedero e infinito, arte y cultura en estado puro. Ni creo ni le veo ningún sentido a los espectáculos caducos y obsoletos en los que se dirige el tráfico de actores y muebles, que a menudo están carentes de contenido. La falta de contenido, de sustancia, no la perdono.
La cultura está por los suelos, y es responsabilidad nuestra resucitarla, llevarla a todos los ciudadanos a través del teatro y resto de disciplinas.
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Generalmente me dejo llevar por la poesía de las imágenes y el contenido que evocan. Me ocupo de trabajar la tragicomedia y el estilo expresionista, pero sobretodo decir algo al espectador, directo y sin tapujos, quizá algo que ya sabe, pero que hay que reforzarle para que despierte del letargo social en el que estamos.
Otro gran motivo es el trabajo en equipo, las personas con las que se cuenta en cada proceso es algo fundamental para el director y el proyecto, el equipo hará que todo sea una maravilla… o que se llene de mierda.
Pero lo que más valoro, sin duda, es la libertad creadora que me supone un trabajo, detesto pasar por aros establecidos y la autocensura.Considero que arriesgo con la mente y el alma.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Estupendamente. La Intemerata tiene 4 años de vida y nunca ha recibido una ayuda (lo cual comprendo porque en este país hasta que no se cumplen los 50 se sigue siendo director/a novel), y por supuesto ahora menos, pese a estar llevando a cabo un proyecto que tanto interesaría apoyar a España. Pero sólo en Zaragoza nos están apoyando y tratando realmente bien.
En Madrid con tantísima oferta y tan poca demanda de Artes Escénicas es más difícil pero en Teatro del Arte de momento nos va bien.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he visto fue en Valencia, El rayo colgado, de Francisco Nieva, que me apasiona y dirigido por Juan Dolores Caballero. Me pareció un buen montaje y excelente trabajo actoral.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Regulero tirando para mediocre. Aunque de repente se ven cosas estupendas como André y Dorine.
Siempre están conviviendo los dos circuitos, el off y el on sin atender a la esencia que define a cada uno, pues el off lo es porque no le queda otra y el on a veces es para mear y no echar gota. En el off se ven cosas más interesantes que en los grandes teatros, a veces hay un riesgo. Por otro lado, El viaje a ninguna parte en CDN me encantó. Hay una buena propuesta por parte de Ernesto Caballero con Festivales como una Mirada al mundo.
Por otro lado, como directora, pediría el mismo apoyo para los jóvenes directores que tienen los jóvenes dramaturgos. Es lo que más echo en falta. A veces creo que no se sabe todo lo que supone dirigir, y me molesta.
¿Proyectos?…
Uno de los proyectos es 2, 4, 1 que está en proceso embrionario. 2, 4, 1 es teatro documento y trata el movimiento social de la insumisión en España. El título se debe a la condena por insumisión: 2 años, 4 meses y un día.
Otro proyecto es El año que mi corazón se rompió, de Iñigo Guardamino. Premio Leopoldo Alas del Festival Visible de Sgae.
Y muchísimos proyectos más, ¡será por proyectos!. Haría otros 5 o 6 espectáculos sobre Goya… esta es la verdad.
Ignacio Amestoy nos regala con sus sabias reflexiones sobre el teatro.
¿Qué es el teatro para ti?…
Lo que fue para los griegos. Un espacio dentro de nuestra contemporaneidad, en el que el ser humano, representado por un actor, vive una anagnórisis, el reconocimiento de un error, que es contemplado por otro ser humano, el espectador, que participa con su catarsis en el hecho escénico compartido.
¿Por qué escribes teatro?…
Para indagar, a través del teatro, en esa dialéctica entre esos dos polos del hecho escénico, reconocimiento de errores y conexión con el ciudadano, dentro de la contemporaneidad.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como autor?…
A través de una treintena de obras he procurado indagar con honestidad en unas problemáticas de mi contemporaneidad: la mujer en la encrucijada actual, la violencia en mi País Vasco, la verdad de nuestra historia o la lucha por la felicidad del ser humano. Y ahí sigo.
¿Cómo surge el proyecto de Dionisio Ridruejo?…
Salvador de Madariaga nos vino a decir que no podremos comprender nunca la trayectoria de hombres honestos como Ridruejo si no indagamos en lo que de verdad ha representado en España su Ejército. Procuré hacer esa indagación.
Háblanos de la obra…
En el ámbito de una residencia de descanso militar, un coronel que compartió la disparatada aventura nazi de la División Azul con Dionisio Ridruejo, vive la muerte de la persona a la que le hubiera gustado imitar en su enfrentamiento con Franco, y llegar a defender la democracia.
¿Cómo fue el proceso de creación del texto?…
Me interesó enfrentar la vida de ese coronel con el tránsito de Dionisio Ridruejo del fascismo, de la Falange franquista, a la democracia, en su Unión Social Demócrata Española, la USDE. Con la presencia en escena de un joven capitán miembro de la Unión Militar Democrática, una UMD que no ha sido resarcida, si es que lo ha sido, hasta 2009.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que partiste para crear este texto?…
Muchos referentes, fue una de las primeras obras. Intento conjuntar el teatro ritual con el teatro documento. Hay en la obra una pieza oratoria inédita del periodo más fascista de Ridruejo, de 1940 en Valencia, y su discurso del 75, en el hotel Mindanao, antes de morir, en la presentación de la USDE, plenamente democrático. Al recordado Moisés Pérez Coterillo le interesó el intento de «biomecánica» que había en la pieza, de los militares jugando al baloncesto con precisión, o los meticulosos ensayos de cantos gregorianos.
¿Pudiste seguir el proceso de puesta en escena?…
Hemos de partir del hecho de que esta obra se escribió al pairo del 23-F, hace más de treinta años. Fue editada por Juan Barja, en Akal, en 1983. Luego, por Juan Serraller, en Fundamentos, en 1996. El que Ernesto Caballero la haya programado es todo un compromiso. La producción por parte de Pérez de la Fuente y Rosario Calleja ha sido también todo un compromiso. La interpretación de Ernesto Arias y los demás actores es también todo un compromiso. A esta obra se la ha tenido mucho miedo. Juan Carlos Pérez de la Fuente, que ha hecho un montaje absolutamente fiel, por una parte, y vigorizador, por otra, me tuvo al tanto de sus propósitos. La elección de actores, fundamental, para la puesta en escena, fue compartida. En otras ocasiones, con Geroa, Gasteiz o Távora he estado a pie de obra para conformar los textos, por las problemática –vasca– de los textos. Aquí, Pérez de la Fuente no ha tocado el texto de hace treinta años, que sigue vigente. Incluso, más vigente. Juan Carlos ha sido el director lúcido para este montaje. Lo ritual y lo real, son tesituras que las domina bien, como se vio en montajes como «La fundación», de Buero, «San Juan», de Max Aub», «Cementerio de Automóviles» o su genial «Pelo de tormenta», de Nieva. En aquella etapa del CDN, que ha sido felizmente seguida por Ernesto Caballero en pro del teatro español.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
La realidad. La contemporaneidad. Casi siempre, el buscar la verdad de los personajes, sean históricos o no, en esta España teñida por la mentira.
¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
El texto es un pretexto para el hecho escénico. Una vez que lo escribes, que se publique. Y que los recreadores lo hagan en su contemporaneidad. La propiedad del texto es limitada. El autor no debe ser un censor de su obra. Tampoco, mucho menos, un auto-censor. Abunda la autocensura. Ajustándose a lo que se dice como políticamente, socialmente o económicamente «correcto».
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
De búsqueda de la verdad del ser humano. Y de las verdades de nuestro vivir.
¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?
Abriéndose a esas verdades, sin miedos. Pongamos Alberto San Juan, como ejemplo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto el montaje de «Dalí versus Picasso», de Arrabal, realizado también por Juan Carlos Pérez de la Fuente. La última obra de Arrabal en la que ahonda dramáticamente, desde su estética, en las complejas personalidades de Picasso y Dalí. Arrabal, un autor a reivindicar.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del IVA es demoledora no sólo para el teatro sino para toda la cultura. Parece como si el Gobierno de Rajoy se propusiera hundir nuestra cultura. Entre cultura y poder ha de existir una dialéctica. Eliminando a la cultura sólo nos queda el poder. Hay miedo a la cultura. La cuestión es si este hecho es local o global.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando, sin miedos.
¿Proyectos?…
El texto del filósofo Javier Gomá, «Aquiles en el gineceo» me inspiró una obra, «Aquiles tiene un problema», en la que se habla de la necesidad del compromiso del joven Aquiles, abandonando gineceos, y enfrentándose a su realización sin miedos, aunque esa decisión le cueste la vida. Y he vuelto a una obra que se llama «Sangre de reyes. La reina inglesa de Alfonso XIII», que sucede a la pieza «Violetas para un Borbón. La reina austriaca de Alfonso XII» –que ya estrené, no sin polémica–, en una tetralogía en la que también entrarían Don Juan y Juan Carlos.
José Pascual nos habla de sus trabajos para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Comencé como ayudante de dirección en el CDN. Luego pasé a dirigir.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con ninguno reseñable.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Todavía ninguno. Estoy inmerso en ella y me resulta difícil tomar distancia y juzgarla.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Creo que es más variado, más atrevido también. Me parece que la situación es mucho más dinámica de lo que era antes y que autores y directores se enfrentan a su trabajo con mayor libertad y capacidad de asumir riesgos que hace unos años.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…¿Cómo surgió Kafka enamorado?…Háblanos de él…
Es una suma de circunstancias. Está por un lado mi propio interés en una obra teatral o en una idea. Después, las posibilidades de llevarla a cabo que se presenten. En el caso de «Kafka» el origen del proyecto es una propuesta que Ernesto Caballero nos hizo a Luis Araújo y a mí para trabajar juntos. Luis había leído poco antes una biografía de Kafka y estaba muy interesado en el personaje. Por mi parte, desde que leí hace años «El otro proceso de Kafka», libro de Elías Canetti en el que analizaba la relación entre el escritor y Felice Bauer a partir de las cartas cruzadas entre ambos, tenía la idea de hacer algo con ese material. Esa confluencia de intereses y el apoyo del CDN hizo posible el espectáculo.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí. Es importante trabajar con colaboradores con los que te entiendas. El trabajo en común ayuda a generar ese entendimiento.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
«La Anarquista» y «Kafka enamorado».
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ninguno en concreto. Las posibilidades de poner en marcha un proyecto u otro dependen más a menudo de las circunstancias (producción, actores…) que de mis propias decisiones.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Por supuesto, muchos, pero prefiero no detallarlos. Como digo en la respuesta anterior, el azar y las circunstancias juegan un papel importante a la hora de llevarlos a cabo.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El efecto conjunto de ambos factores es devastador. La producción está casi paralizada. La distribución se ha reducido al mínimo y los pocos proyectos que se ponen en marcha lo hacen desde bases precarias.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El montaje de «Ubu Roi», dirigido por Declan Donellan, que pudo verse hace poco en el María Guerrero. Me pareció un excelente ejemplo de como abordar un clásico del siglo XX desde una mirada contemporánea y a la vez cuestionar muchas de las ideas habituales sobre la obra de Jarry.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Supongo que habrá que hacerse a la idea de que las cosas no van a cambiar en mucho tiempo, y buscar (y encontrar) nuevas maneras de poner en pie espectáculos que generen interés en los espectadores.
Montenegro de Valle Inclán en el CDN
Las Comedias Bárbaras de Valle Inclán son un monumento literario, una de las obras dramáticas más importantes del siglo XX y de nuestra literatura escénica. Es un reto abordar esta inmensa crónica de un tiempo que, curiosamente, se parece mucho a nuestro presente. Esta obra ha tentando a muchos creadores de la escena, no siempre se sale bien parado al enfrentarse a un portento como es el que escribió Don Ramón. Ernesto Caballero, actual director del CDN aborda en su segunda temporada la adaptación de esta pieza para ir a la esencia de la obra en el papel y en la escena. Ha elegido la columna vertebral del texto y se agradece porque va a lo esencial y cuando lo traslada al escenario consigue un ritmo y planos escénicos cercanos a lo cinematográfico; Valle probablemente fue nuestro primer gran guionista sin saberlo. El tratamiento de la propuesta escénica es la de mostrar un mundo bárbaro a mitad camino entre la tragedia griega y la edad media. Y ahí, a la intemperie de la tierra brumosa de un país ¿inventado?…muestra una sociedad caníbal, llena de hombres-perros y animales humanizados que se devoran entre oraciones y olor a pólvora. Y para llevar a cabo este paisaje humano, se cuenta con un reparto excepcional que presta su piel y su imaginario para construir imágenes y símbolos de una poético brutal. Y al frente de este equipo actoral fantástico, un Ramón Barea en estado de gracia.
Adolfo Simón
Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro y protagonista de Montenegro en el CDN nos habla de su trayectoria en el teatro
QRLA empieza su andadura en el 2014 con una entrevista a Ramón Barea.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
De veinteañero en Bilbao, formé un grupo»profesional al calor del Teatro Independiente que se llamó COMICOS DE LA LEGUA, en el estaba Alex Angulo entre otros actores. Anteriormente había hecho teatro aficionado. Fui, de adolescente, un espectador compulsivo de teatro. Quería ser actor, aquello me fascinaba.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi vida. A veces pienso que las actividades artísticas encubren una forma de canalizar una patología, probablemente desemboqué en esto porque era una manera de vencer mi timidez, no se…pero ahora mismo no imaginmo otra vida sin ser actor.
¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
Valoro mucho el haber podido trabajar de manera continuada en teatro, cine, televisión, haber podido escribir, dirigir… es lo mejor que me podía haber pasado. Y aun me queda guerra que dar.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Yo comencé haciendo teatro de grupo, creación colectiva…era un poco una postura militante, de grupo, aunque ya desarrollaba labores de dirección y de escritura dramática. Ahora hecho de menos precisamente aquellos equipos estables de trabajo. Eran una forma de crecer, de arroparse, pero también una actitud de equipo estable de trabnajo que ahora es menos frecuente. Todo el mundo hace la carrera por libre, y por individual.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Un lugar de encuentro y de reflexión, un espacio compartido.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año estuve en LA MONJA ALFEREZ bajo la direcciñon de Juan Carlos Rubio. En el PABELLON 6 de Bilbao dirigí el espectáculo HOY ULTIMA FUNCION, y ahora estoy metido hasta el cuello en el MONTENEGRO.
¿Cómo surgió tu participación en Montenegro?…
Me llamó Ernesto Caballero, y no veas tu como me alegré de esa llamada. Por volcver a trabajar con Ernesto y por poder hacer ese persponaje tan especial que es Juan Manuel Montenegro.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…¿Y con el resto del equipo?…
Ernesto me gusta mucho porque nunca trabaja sobre lo previsible, siempre lleva sus trabajos un poco mas lejos de lo que consigue en los primeros ensayos. Esto a los actores nos produce vértigo, inserguridad, inicialmente, pero luego es un viaje muy gozoso hacia algo desconocido. Me gusta que se genere caos e incertidumbres en los ensayos.
¿Qué visión se da de la obra de Valle Inclán?…
Yo creo que hace una lectura simbolista, que se usan las acotaciones de Valle como uuna sugerencia para crear los ambientes, las atmósferas, pero que Ernesto no ha querido hacer simple ilustración. Me ha parecido muy valiente. Valle Inclán que parece un autor «de siempre» está por descubrir, por interpretar.Parece una paradoja pero creo que es así.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En cine, haré una peli «rara» fuera de las que ha hecho anteriormente con BORJA COBEAGA, sobre un negociador socialista con ETA, y en teatro estoy enredando con JUAN MAYORGA en un proyecto que tiene y en el que va a contar conmigo como actor, junto con Edu Soto. Va de ajedrez.De jugadores de ajedrez.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?..
El IVA es mortal, yo confío en la marcha atrás de la decisión.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me gustó mucho EL PENAL DE OCAÑA de Nao D´amores por ser una pequeña pieza, entrañable y magníficamente interpretada.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Las de siempre, no esperar a que nos llamen, a que nos contraten, trabajar, actuar en espacios diferentes. Ofrecer teatro en el barrio, en el entorno cercano. Cuando el mensaje es: no se puede hacer nada mas, es cuando mas hay que moverse.
¿Qué ha significado para ti el Premio Naciona de Teatro?…
Fue una alegría enorme. Primero gran sorpresa porque yo no soy el actor de moda, ni estoy en la cresta de la ola, soy un corredor de fondo, un currante del teatro. Pero por esta misma razón me alegró especialmente la decision del jurado. Siento que el premio pertenece a mucha gente que ha viajado conmigo en mi vida profesional, y me he alegrado comprobar que lo han sentido así. Feliz, feliz, y además me he quitado varios préstamos bancarios que me acosaban. Seguimos, seguimos….
Pedro G. de las Heras nos habla de su trayectoria en la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Profesionalmente de la Mano de la maestra Dolores Marco, como corista en la compañía de Zarzuela de Juanjo Seoane, haciendo repertorio y muchas giras, mas tarde la RESAD, con una maestra Adela Escartin y un maestro Pepe Estruch realmente excepcionales, Al salir de la escuela montamos dos empresas de producción: Corral 86 y La Marítima Espectáculos, en las que aparte de actuar todos hacíamos de todo, y a mí me toco la gerencia. Creo que a lo largo de todo este tiempo he hecho de todo: producción, gerencia, regidurías, ayudas, dirección…
¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
Toda mi vida gira en torno a mi profesión, me gusta contar cosas, bien interpretando o dirigiendo, y ojala las cosas que hago, aunque solo sea por un segundo transforme la vida de alguien, le lleve a otro sitio, provoque una reflexión, una risa, un silencio, una duda, una discrepancia…
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me considero muy afortunado a lo largo de más de treinta años he conseguido vivir de mi trabajo, discretamente pero con constancia, he conocido a profesionales maravillosos y trabajado con directores a los que he admirado y de los que he aprendido: Montesinos, Plaza, Narros, Luis Olmos, Ramón Simó, Ernesto Caballero, Santiago Sánchez, María Ruiz, Mariano de Paco…con Zampano teatro haciendo repertorio de teatro clásico, coqueteos con el musical… dirigiendo cinco montajes con Descalzos Producciones la empresa de Jesús Cisneros y Yolanda Arestigui a los que estoy tremendamente agradecido por la confianza que depositarnos en mi dándome esa oportunidad.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Los que ha tenido siempre, entretener, formar, concienciar, abrir mentes…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Los dos últimos años han sido muy duros, el último montaje en el que participe “Para Bellum” una producción de La Estampa Teatro, dirigido por Mariano de Paco, con un texto de Concha Rodríguez fue en 2010 y desde entonces cuatro o cinco sesiones de televisión y mucho tiempo dedicado a un grupo de teatro aficionado que dirijo en mi pueblo, “Xexil Body Milk” desde hace más de veinticinco años. Dos años en paro, pero no parado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En el mercado, je je je… abierto a todas las propuestas que puedan venir y mientras tanto una nueva producción con XBM para Abril y muy probablemente la dirección de un texto con un grupo de actores profesionales, con muchas ganas de sacar un pequeño proyecto adelante.
¿Cómo surgió tu participación en “Carlota”?…
Cuando vi que Mariano, iba a dirigir en el CDN, le llame por teléfono para recordarle que estaba “libre” jejeje y le estoy muy agradecido por haber contado conmigo para este trabajo.
Háblanos de esta experiencia…¿Cómo ha sido trabajar con Carmen Maura?…
La primera sorpresa viene con el texto, para mi desconocido de Mihura y no sé cómo no se ha hecho antes, aparte de todo el humor de su autor, la construcción, la trama policiaca… hacen de Carlota una pieza indiscutible de la historia del teatro español y mi personaje a pesar de ser puramente anecdótico es maravilloso y en esa única escena Mihura me regala un Doctor Whtas en la línea de esos personajes de reparto imprescindibles en su teatro… trabajar con Carmen, de la expectación fruto de la admiración a la normalidad de una compañera más, con ese sentido del humor que le hacen tan especial, ya en la primera lectura era Carlota.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es evidente la cantidad de puestos de trabajo que se han perdido, las empresas que han cerrado y las que no han trufando sus repartos con nombres que les garanticen la atracción del público… pero por otro lado ese componente tremendamente vocacional de nuestra profesión nos está moviendo a nuevos modos de producción, imaginando, inventando otras formas que están dando magnificaos resultados.
Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfrute muchísimo con Desclasificados, en El Teatro Bellas Artes, entretiene y provoca la reflexión, partiendo de un texto magnifico y con interpretaciones de lujo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No dormirse, ni esperar… inventar y actuar.
Carmen Maura será la «Carlota» de Mihura para el CDN
El CDN ha presentado esta mañana en rueda de prensa la comedia de Mihura que será la vuelta a las tablas, después de veintisiete años,de Carmen Maura. En ella ha comentado que quería volver al teatro pero con una obra en la que no recayera sobre ella todo el peso, quería una función coral «con algo que no estuviera sobre mis hombros».
Maura ha confesado que no conocía al director Mariano de Paco cuando la llamó para proponerle el papel y bromeando ha dicho «la verdad es que ha estado muy simpático». Una pequeña anécdota que nos ha comentado es que Carmen ya había interpretado «Carlota» en sus tiempos del «Preu»,con 19 años. Además ha recalcado el cambio que se produce de pasar del cine al teatro ya que en el cine se interpreta en silencio, sin presencia del público. Por otro lado en el cine se graba una escena y ya está pero en teatro hay que repetir todos los días lo mismo y Maura ha asegurado que ella será incapaz de hacerlo todos los días igual y que así a lo mejor el público se anima y repite su visita. Pero lo más importante que ha recalcado es que es fundamental que la gente vuelva al teatro, a pesar de los precios y del menosprecio que se está haciendo a la Cultura en nuestro país: «En Francia decidieron bajar el IVA para fomentar ir más al cine».
A Maura le han propuesto muchas veces hacer teatro con obra mucho más complicadas y que a una actriz le apetecería hacer pero a ella no porque no era lo que ella quería en este momento.
«Carlota», reunía «todas las condiciones», ha señalado la consagrada actriz, quien ha afirmado que el director de la obra, Mariano de Paco, le ha quitado «muchos miedos» y le ha dado «mucha confianza» en sí misma, al igual que sus compañeros de escenario, con los que se ha sentido «muy acompañada y arropada».
Mariano de Paco ha afrontado este proyecto de dirección propuesto por Ernesto Caballero, actual director del CDN, con entusiasmo e ilusión para montar una obra que ha calificado de «perfección dramatúrgica» y poética. Ha indicado que Mihura merece leerlo desde otro lugar y que se debe resaltar la palabra ya que sus textos han de interpretarse como si no fuesen prosa, sino un poema al que si le quitas una palabra rompes el ritmo de la frase y ha mencionado la frase de Marsillach: «Es hora de hacer el teatro de humor en serio». Cuando leyó la obra pensó inmediatamente que Carmen Maura sería la actriz perfecta para protagonizarla y se propuso encontrar una actriz similar a ella, hasta que la llamó y, para su sorpresa, Carmen aceptó a la primera sin dejarle venderle el personaje con todos los argumentos que había pensado para convencerla.
Para el director del Centro Dramático Nacional, Ernesto Caballero, «Carlota» brinda la oportunidad de «poner en valor» la comedia del siglo XX español, de la que -ha dicho- Miguel Mihura es «uno de los más importantes» y que, frente a otros géneros teatrales, «ha estado olvidada de la programación de los teatros públicos».
Luis Mª García.
Lola Casamayor nos habla de su trayectoria como actriz
¿Qué es para tí el teatro? ¿Por qué haces teatro?…
Meterte en la piel de otros, aportarles emociones, pensamientos, acciones; jugar con otros que también se transforman, y trasmitirle todo eso al espectador, hacerle que sienta con uno, que se plantee cosas y a la vez ser testigo de ese viaje al que le invitamos, eso es magia… y me da la vida.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el grupo de teatro independiente Cizalla, dirigido por Enrique Centeno. El primer día que me subí a un escenario tenía tal miedo que estuve a punto de irme, pero me daba más miedo enfrentarme al director si no salía a escena que a los espectadores, así que salí… y luego ya no puede parar.
¿Cómo surge la posibilidad de interpretar a Perfecta?
Un día me llamó Ernesto (con el que había trabajado en anteriores ocasiones) convocándome a su despacho. Suponía que era una propuesta de trabajo, y me encantó que mi amigo me la hiciera de esa manera oficial. No sabía que proyecto tenía en mente, pero cuando me contó que quería que hiciera a la Perfecta de Galdós… nunca le agradeceré bastante la apuesta que hizo conmigo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Ernesto Caballero?…
Más que aportar ideas para la puesta en escena lo hacemos sobre acciones a realizar, formas de entender el personaje… Ernesto es enormemente abierto a lo que da el actor y hay un margen de libertad muy amplio a la hora de trabajar. Pero también hay que tener una gran ductilidad porque no para de buscar cómo mejorar el espectáculo, y va cambiando cosas incluso después del estreno y del reestreno.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
No
¿Por qué no haces más televisión o cine?…
No es que esté rechazando proyectos, pero hay épocas en que aparecen más posibilidades y otras que menos. Me encantan ambos medios, y estoy deseando volver a trabajar frente a la cámara.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Un balance harto positivo. La Perfecta producción del CDN en el María Guerrero, todo un lujo; llenando la temporada pasada, por lo que volvemos ésta. Y “Ahora empiezan las vacaciones”, una excelente versión del Pelícano de Strindberg escrita por Paco Bezerra y dirigida por Luis Luque, que disfruté interpretando con mis compañeros Juan Codina, Raquel Pérez y Raúl Tejón, en La Casa de la Portera, lo más del off madrileño, también con enorme éxito: los espectadores salían verdaderamente conmovidos.
¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
No, el personaje lo preparo igual, otra cosa es que la técnica para interpretarlos en un medio o en otro sea distinta. No considero que tengo un método, al final es una mezcla de cosas que has aprendido de maestros, en la escuela, de cursos, de la experiencia…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de hacer de espejo de nosotros mismos, unas veces riéndonos de nosotros, otras contando nuestros dramas. Hacer pasar un buen rato al espectador, trasladándole a otro mundo, ya sea para reir, llorar, aportarle ideas, otro punto de vista sobre las cosas…
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Le están asfixiando, no se le da aire por ningún lado. Es una tremenda injusticia obviar que el teatro es cultura y considerarlo como un mero entretenimiento, y un insulto que el fútbol y los toros tengan un I.V.A. más reducido. El objetivo recaudatorio no se ha cumplido y aún así persisten en ello. Pero por otro lado el teatro está acostumbrado a estar en la cuerda floja y nunca morirá. En estos momentos de crisis galopante se están abriendo muchos espacios alternativos, mini salas, donde se representan ocasionalmente multitud de espectáculos, lo triste es que sea en régimen de autoexplotación, y que ésta vía en muchas ocasiones no sea una elección sino la única alternativa.
¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?¿Qué te pareció?…
El “Ubú roi” dirigido por Declan Donelan. Un excelente espectáculo magistralmente interpretado y dirigido con una libertad y una limpieza (no exenta de caos y monstruosidad) que mantienen al espectador hechizado en la butaca. La actualización de la propuesta demuestra lo vigente del texto, y su sentido del humor, la fascinación y el asco que produce es un acierto total.
¿Proyectos?…
Esperamos que “Ahora empiezan las vacaciones” tenga un mayor recorrido y demos un salto a un teatro, estamos en ello. Luego tengo un proyecto de televisión y otro de teatro, pero están demasiado en ciernes para hablar de ellos.
María Casal nos habla de sus experencias en la escena.
¿Cómo surge el proyecto de Tre-Mendas?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
“Tre-mendas” se compone de cuatro obras breves y seis monólogos. Surge de una necesidad propia como actriz: cuando buscaba material para pruebas o para talleres me encontraba con que, en especial, los monólogos, tenían unas protagonistas que siempre eran víctimas, personajes acabados, tristes, resentidos, casi ninguno en tono de humor. Me puse a escribir para mí, después se lo mostré a algunas compañeras, entre ellas Lucía Alvarez, y me animó a que lo hiciéramos. Así que cada una de nosotras interpreta varios personajes, entre ellos una madre y una hija, una dejando al marido, otra que celebra su despedida de soltera… incluso unas abejas en su colmena. La única premisa era hacer reír, riéndonos de nosotras.
¿ Cómo ha sido el proceso de creación del montaje?…
Uno de los personajes yo lo había escrito pensando en María José del Valle, con la que había trabajado en “Celebración” de Pinter, y como digo Lucía Álvarez fue de las primeras en conocer los textos. Después hablé con Luis Gimeno, como sabes director de casting y en quien tengo gran confianza y admiración como director de actores, y después vino todo un poco rodado, muy pronto nos salieron salas…
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
En teatro he hecho prácticamente de todo, desde clásico hasta musical…. Pero lo cierto es que los últimos años he tenido mas actividad como actriz de televisión. Como te he contado, hace dos años estuve en “Celebración” para el CDN, ahora estoy ensayando una obra de Antonio Gala… “El hotelito” que estrenaremos el 5 de Septiembre en el Fernán Gómez. También un monólogo de Ernesto Caballero: “Solo para Paquita”. Pero debo reconocer que para mi hay un antes y un después de “Tre-mendas”, no sólo por ser la autora, sino también porque nunca había trabajado en salas alternativas, íntimas y con el público tan cerca, es otra forma de trabajar. Es como hacer teatro en primer plano.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Cuando es algo de imagen preparo todo por separado, es decir la memorización del texto, el estado de ánimo, el arco del personaje… y solo lo uso a la vez a la hora de rodar/grabar. Creo que así llega mas fresco y menos gastado para la cámara, que lo ve TODO. Además es un trabajo en solitario, solo ves al director y a tus compañeros el día que se hace. En teatro es otro proceso, procuro ir componiendo y haciendo lo que se me ocurre y por supuesto lo que me dice el director desde el primer día de ensayo, también cuenta mucho lo que te aportan tus compañeros en el proceso. En teatro vas acompañado a lo largo de éste, desde el primer momento.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que lo único que nos falta son mas textos, la sequía está tanto en teatro como en cine y televisión. Los autores y los guionistas deberían estar mejor considerados y pagados, habría que dignificar su cometido. Sin ellos no hay nada. También pienso que hasta que las mujeres no escriban no habrá buenos personajes para las actrices, siempre somos acompañantes de los papeles masculinos, salvando alguna excepciones… En cuanto a la temática, creo que cualquiera es buena, tanto de denuncia como de simple entretenimiento, siempre que se haga bien, con imaginación y rigor.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?… Sinceramente no entiendo esa subida, no sé quien sale ganando, no creo que recauden más, puesto que desde la subida hay menos público. Creo que el teatro y el cine deben ser menos endogámicos, tanto uno como otro están en manos de clanes, de familias, me da igual que sea privado o estatal, no puede estar siempre en manos de los mismos. La tele es un poco mas libre, me refiero a la ficción. De la otra tele prefiero no hablar.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues la verdad es que últimamente me interesa mas el teatro alternativo que el comercial, me gustó mucho “Los ojos” y “Muda” ambas de Pablo Messiez, a raíz de ver sus obras voy a sus clases de investigación escénica, soy su alumna.
¿Proyectos?…
Unas actuaciones en la sala Triángulo con “Tre-mendas”, el estreno de “El hotelito” y si fuera posible estrenar después otra obra mía “Lobas”, que también es comedia, pero es una función completa en si misma. De lo demás… seguir aguantando, ese es mi proyecto.
Fundación Universia e INAEM colaboran para impulsar el acceso a las artes escénicas y musicales de estudiantes con discapacidad
El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y Fundación Universia, con la colaboración del Centro Dramático Nacional (CDN), entregan en esta I Convocatoria del Programa de Becas Hefesto, 10.000 euros de ayudas para promover el acceso o progreso en la formación académica y profesional en las artes escénicas y musicales, de las personas con discapacidad.
Madrid, 18 de julio 2013. Fundación Universia y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), con la colaboración del Centro Dramático Nacional (CDN), presentan la I Convocatoria del Programa de Becas Hefesto Fundación Universia-INAEM.
Miguel Ángel Recio Crespo, Director General del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y Ramón Capdevila Pagès, Director de Fundación Universia, han firmado en la mañana de hoy este convenio de colaboración con el objetivo de impulsar el acceso al empleo en igualdad de oportunidades. En el acto han estado acompañados por Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, centro de creación del Instituto que participará de forma activa en la selección de los proyectos becados.
Según el Director de Fundación Universia, «la figura de Hefesto representa el espíritu de superación que demuestran las personas con discapacidad ante la sociedad. Cuando se les da la oportunidad de demostrar sus competencias, su discapacidad pasa desapercibida. Así será con quienes consigan nuestras becas, estudiantes de Arte Dramático o de Técnicas de las Artes del Espectáculo con discapacidad, que de esta manera podrán incorporarse al mundo laboral, tras un periodo formativo reglado».
Mediante la concesión de ayudas económicas a estudiantes con discapacidad, ambas entidades persiguen impulsar el acceso o progreso con normalidad, en el proceso de formación académica y profesional en las artes escénicas y musicales, incrementando de este modo las oportunidades de consecución de un empleo de calidad.
ACTORES/ACTRICES Y TECNICOS DE LAS ARTES DEL ESPECTÁCULO CON DISCAPACIDAD
Para poder solicitar una de las becas será necesario estar matriculado en alguno de los estudios impartidos en alguna de las Escuelas Superiores de Arte Dramático de España, o de las Escuelas de Técnicos de las Artes del Espectáculo; y acreditar legalmente una discapacidad igual o superior al 33% o incapacidad permanente.
Las solicitudes deberán presentarse a Fundación Universia, entre el 10 de julio y el 4 de octubre de 2013. Fundación Universia e INAEM adjudicarán un mínimo de 2 becas, una para cada grupo de Escuelas, cada una por un importe no superior a 5.000 euros, hasta alcanzar la cantidad total de ayudas prevista de 10.000 euros. La concesión de las becas se resolverá antes del 14 de noviembre de 2013.
UNA MIRADA DIFERENTE
Dentro de este ámbito de colaboración, Fundación Universia ha participado en el festival Una mirada diferente, un espacio de programación que el CDN abre en esta temporada 2012‐2013 para acoger el trabajo de grupos de creadores con discapacidad. Esta muestra se plantea con el objetivo de facilitar la exhibición y los recursos humanos y técnicos necesarios para presentar al público sus creaciones.
Fundación Universia participó en el Taller de investigación: “La limitación como punto de partida creativo”, que tuvo lugar del 24 al 28 de junio 2013 en la Sala Mirlo Blanco. Teatro Valle Inclán. La Fundación colaboró becando la participación de 8 actores/bailarines con discapacidad en esta formación impartida por Ángel Negro y Elsa Clavel de la Compañía El Tinglao en colaboración con Andrés Lima.
Para más información:
Fundación Universia – Marta Gago
Tel. 91 289 17 97
Email: marta.gago@universia.net
http://www.fundacionuniversia.net
Ernesto Caballero nos habla de la experiencia de la primera temporada del CDN bajo su dirección
¿Cómo surgió Una mirada diferente?…¿Cuáles han sido las premisas para seleccionar las diferentes propuestas?…
En el proyecto que presenté al Ministerio ya estaba reflejada mi intención de incluir en la programación actividades o espectáculos realizados por creadores con algún tipo de discapacidad. Como teatro público, pienso que el CDN debe recoger, sin ningún tipo de exclusión, el máximo de propuestas artísticas representativas de la creación escénica del país, y eso incluye a las realizadas por creadores con discapacidad. Junto con mi equipo pensé que un ciclo internacional, recogiendo la propuesta de «Una mirada al mundo» sería una forma atractiva de ofrecer estos espectáculos y acompañarlos de otras actividades: talleres, exposiciones, charlas… Inés Enciso y Miguel Cuerdo, trabajadores del equipo de producción del CDN y conocedores del mundo de la discapacidad en las artes escénicas se encargaron de llevar la coordinación del ciclo. Las premisas de selección de las propuestas han sido muy claras: propuestas profesionales de alto nivel y excelencia artística, como son las propuestas que programamos y propuestas que acogiesen a creadores con distintas discapacidades: físicas, psíquicas, intelectuales.
¿Qué balance haces de Escritos en la Escena?…¿De la novela al teatro?… ¿De los Laboratorios en el Mirlo Blanco?…
Escritos en la escena es un proyecto de investigación que tiene como objetivo desarrollar un procedimiento de escritura basada en la práctica con los actores. El resultado, por tanto, es la elaboración de un texto. Es un programa diseñado para dramaturgos. Estamos perfeccionando esta idea y para la temporada que viene vamos a eliminar toda tentación de puesta en escena que puede llegar a desvirtuar el proyecto. En cualquier caso, las cuatro experiencias llevadas a cabo hasta el momento han sido muy interesantes y enriquecedoras. El ciclo de la novela al teatro (entre las que también está incluido Doña Perfecta) ha tenido una respuesta aplastante por parte del público, tanto es así que nos hemos visto obligados a reponer tres de esos espectáculos. En cuanto a los talleres del Laboratorio, han tenido una enorme acogida. Hemos contado con creadores internacionales de primer nivel que nos han manifestado también su satisfacción con la experiencia y pienso que se están creando una serie de sinergias interesantísimas que seguramente cristalizarán en proyectos futuros. El Laboratorio es una apuesta de largo recorrido que está aportando actividad, vitalidad y apertura al CDN.
¿Seguirán las actividades de LOS LUNES y exposiciones temáticas en la programación de la próxima temporada?..
Así es, vamos a seguir simultaneando sesiones abiertas a diversas áreas de la sociedad con otras específicamente dedicadas a la profesión.
¿Qué cambios habrá en la segunda temporada?…¿O se van a seguir criterios semejantes a los de la primera?…
El fomento de la Dramaturgia española contemporánea define nuestra actuación. Aquí nos encontramos, una vez más, con varias líneas que van desde el teatro fundacional del siglo XX: Benavente, Lorca, Valle… hasta los autores emergentes de este momento. Son muchas las corrientes y aunque lamentablemente no podemos absorber a todos los que son, procuramos que estén todas presentes en la programación.
¿Qué montaje dirigirás en la próxima temporada?…
Montenegro, una versión de Comedias bárbaras.
Que Revienten los Artistas 
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