Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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“Valle Intrap” en Nave 73

No es nada fácil ponerse delante de “Luces de Bohemia” y actualizarlo, reinventarlo y darle un estilo contemporáneo basado en el Madrid de hoy, un Madrid aún tan sórdido y sucio como en tiempos de Valle Inclán a pesar de tanta medida protocolaria por parte del Ayuntamiento, los mendigos con sus carros siguen las calles buscando una dicha dentro de un contenedor.

Kees Harmsen suelta las inquietudes que le asolan a través de la herramienta del esperpento, las va colando una por una: la crítica teatral, la situación con Cataluña, el dinero como motor de la desigualdad,… Para ello se abriga con la compañía Panyvino y con unos actores que apuestan por un formato teatral rompedor y atrevido, donde “lo establecido” no aparece en escena. Se pueden romper los tiempos escénicos como el Trap rompe los ritmos,  se pueden romper las costuras del teatro en busca de otras sensaciones, sí por supuesto, y esa es la sensación que me ha dado en este montaje, que hay que relajarse y sumergirse en él, disfrutar sin tiempos,  ya que a veces la gente transitando por una sala, perdidos desvariando y saliéndose de un ritmo escénico puede generar el ambiente adecuado para llegar a lo que nos quería contar Valle Inclán.

En definitiva, creo que es un montaje divertido, impactante, que refleja y actualiza el espíritu de su autor y que muchos adolescentes que ahora se plantean sumergirse en la vida y los últimos días de Max Estrella deberían ir a visitar a Nave73.

Luis Mª García Grande.

 


Corta, pica, tritura.. PULVERIZA en Nave 73

Así es como se nos presenta esta sátira del siglo XXI dónde no queda títere con cabeza.
Con un ritmo constante se ponen sobre la mesa temas de actual condolencia para la sociedad, que dandole una vuelta se convierte en un universo de humor negro que caracteriza a los personajes y envuelve el ambiente de la sala. Con una dramaturgia cargada de lenguaje connotativo y elementos con gran memoria social, Abel Zamora conjuga todos estos ingredientes para literalmente cortar, picar y triturar, los conflictos sociales a los que nos enfrentamos en estos tiempos. Es de agradecer poder encontrar algo tan refrescante como la risa, en espacios artísticos dónde no se dejan de encargar de dar un discurso moral.
Estamos ante una propuesta que hace recordarnos aquellos tiempo donde el señor Valle-Inclán despellejaba a la sociedad de la época. Ese esperpento que viaja hasta nuestros tiempos en forma de aborto, dónde encuentra lugar entre los escritos del señor Zamora.
África Anamúpulveriza1


Diversidad en la diversidad.

Este lunes el Valle Inclán, santuario escénico de la diversidad, nos ha regalado un teatro inclusivo, sin aditamentos, una igualitaria propuesta que, desde la investigación, Desde un lugar inesperado, ha sido partero de la facilidad y la belleza artística de lo raro, en una edición más del Festival Una Mirada Diferente, alumbrado en 2013 por el Centro Dramático Nacional.

Incapacidad
Invalidez
Minusvalía
Inutilidad
Discapacidad
Dependencia,…

Ellos y ellas frente a nosotros y nosotras,
su dignidad o nuestro desprecio,
su problema o nuestra ceguera.

Diversidad en la diversidad.

Sociedades imperfectas imponiendo un modelo pasivo de funcionamiento físico, sensorial, mental, intelectual, sexual,… a seres humanos perfectos tal y como son. Nadie funciona de la misma manera: TODOS y TODAS tenemos una capacidad propia, una forma exclusiva de pensar, sentir y actuar,… una manera irrepetible de funcionar en la vida.

Pensar, expresarnos, movernos, actuar con libertad: esa es la verdadera diversidad, la verdadera igualdad. Lo “normal” es una ficción estadística al servicio de las mayorías desiguales, opresoras. La lucha por la dignidad del ser humano es reconocernos, amarnos en nuestra diversidad.

Alas en unas manos presentes en la ausencia; el peso muerto de la institución familiar en un andador, báculo de un hermoso cuerpo al que no ha sido posible negarle el movimiento, partículas de polvo en unos ojos que no quieren ver el desamor…
Vida en cada objeto, en cada átomo del espacio escénico
La existencia disfrutada con toda su plenitud
por cada SER ÚNICO Y DIVINO.
Paloma Martínraros

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Autores en el Centro: Francisco Nieva, Carolina Román y Antonio Rojano

Una iniciativa importante que está realizando el Centro Dramático Nacional es la edición del texto y documentación concerniente a alguno de los estrenos realizados en su sede. Los últimos en aparecer y que pueden ser adquiridos a través de la página web o en el hall de los teatros María Guerrero y Valle Inclán son el espléndido texto Salvator Rosa o el Artista de Francisco Nieva, Adentro de Carolina Román y La ciudad oscura de Antonio Rojano. Teatro contemporáneo y atemporal, piezas que demuestran el buen estado en que está la escritura dramática en nuestro país. Seguiremos informando de otros textos publicados.
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ADENTRO

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Acciones culturales en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

Conferencia de Chema Madoz: La imagen y el objeto
25.03.15
Sala Ramón Gómez de la Serna (19.30h.)
Chema Madoz, Premio Nacional de Fotografía en el año 2000, pronunciará esta conferencia en la que, a partir del análisis evolutivo de su obra, diseccionará su modo de entender la fotografía y de aproximarse a los objetos a través de la mirada. Su trabajo fotográfico, hoy, incorpora vocabularios de procedencias tan diversas como el diseño, la instalación, la pintura, la escultura o la poesía.

Variaciones Max: XVIII Noche de Max Estrella
27.03.15
Teatro Fernando de Rojas (22.00h.)
Variaciones Max propone un trayecto literario alternativo por la inmortal obra de Valle-Inclán Luces de Bohemia, ese retrato de la sociedad española que persiste y resuena en estos días por sus atemporales frases y reflexiones; por el discurso estético, ético y social que encierran los parlamentos de su protagonista, Max Estrella.

Más info en: http://www.circulobellasartes.commadoz


Alberto Conejero: Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos.

conejero¿Cómo surge el proyecto de Cliff?…
El proyecto de Cliff / Acantilado surge gracias a la iniciativa y pasión desbordante de Alberto Velasco. El texto había sido estrenado en Buenos Aires un par de años antes y casi estaba resignado a que no ocurriese lo mismo en España. Pero Velasco lo leyó y perseveró para hacerlo posible. Finalmente me sumé a la dirección y pudimos contar con Carlos Lorenzo, el actor para el que había sido escrito. Imagino que en como casi todo lo excepcional, un cúmulo de anhelos y de voluntad por hacerlos posibles. Posteriormente se sumó Pablo Martínez a la ayudantía de dirección y técnica, otra pieza fundamental del montaje. Hemos contado además con colaboradores excepcionales como el músico Mariano Marín y el creador audiovisual Adrià Ghuiralt.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
El texto no es un biodrama sobre Montgomery Clift aunque esté irremediablemente ligado a su biografía. Leí todo lo que pude sobre Montgomery Clift, volví a ver toda su filmografía, e iba apuntando todo aquello que coincidía con la obra que empezaba a intuir, que se sumaba en ese otro Clift que yo necesitaba contar. De ahí que desde el título el texto busque señalar esta ficcionalización de la persona real. En este sentido, el texto es mucho más deudor de La gaviota de Chèjov que de la propia biografía de Clift. Hay un juego de muñecas rusas entre Treplev, Clift y mi personaje que, quizá, es la suma de ellos o la suma de ellos en mí…

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¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Los dramaturgos sabemos que no escribimos teatros sino para el teatro. Hay en los textos una constante incitación a los imaginarios de los actores, del director, del escenógrafo, etc. Lo peculiar aquí es que además yo codirigía la función aunque la distancia con el momento de escritura (cinco años) me han permitido tener una distancia que considero imprescindible. La función no es un mero representar de mi texto sino una nueva reescritura de la que también son responsables Velasco , Lorenzo y el resto del equipo. He tenido que renunciar a partes del texto que sobre el papel funcionan poderosamente pero que en esta función estorbaban. Pero lo he hecho sin ningún sentimiento de renuncia.

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¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No estoy seguro. Defiendo la necesidad de una literatura dramática que exista como tal, que se publique y se lea teatro, que se reivindique la palabra escrita que, en el caso de la teatral, espera además hacerse carne. La publicación permite además sobrevivir a la fugacidad del hecho escénico y poder dar ocasión a nuevas representaciones. Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos. Es además un refugio para los dramaturgos. Nadie te proscribe cuando escribes. ¿Qué hubiera sido de Valle-Inclán siguiendo ese pensamiento? Pero efectivamente la escena es la mejor escuela para un dramaturgo. Es una catástrofe que en este país no haya verdaderos espacios de aprendizajes de escritura en escena, que se le facilite a los dramaturgos crecer en el escenario, sin la presión del resultado. Por lo tanto, aquellos que puedan permitirse estrenar antes de publicar que lo hagan… y mientras tanto, defendamos la literatura dramática.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
Los últimos textos que he escrito y publicado han sido La piedra oscura y Ushuaia. El primero se estrena en enero en el CDN con dirección de Pablo Messiez y el segundo espera aún su oportunidad… Estoy feliz de haber encontrado compañeros de viaje como Messiez o el propio Velasco en Cliff. Siento que mi escritura está creciendo gracias al privilegio que es llegar a las tablas y que realmente, aunque lleve quince años escribiendo teatro, estoy empezando.

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¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Una generación espléndida que es capaz de generar maravillas en una tormenta perfecta. Es el resultado de la educación pública y de los esfuerzos por dignificar las enseñanzas artísticas. Pero me temo que ese fulgor sea devorado por la destrucción sistemática de los espacios de reflexión, por esta oscuridad sin nombre que nos gobierna. En una sensación extraña la de saberme rodeado de autores con inmenso talento y, a la vez, vivir en uno de los peores momentos para la cultura en este país.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
A esto me refería. La profesión se ha atrincherado en espacios pequeños para no dejar pudrirse ganas y talento pero la precarización es absoluta y no debemos ni podemos conformarnos. El IVA cultural es una medida profundamente antipatriota de los que dicen amar este país, una de las grandes vergüenzas que recordaremos de estos años…

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¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Un lugar de encuentro para la poesía y el pensamiento, para plantearnos quiénes somos como seres humanos y ciudadanos. Lo que siempre fue y será.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto Infamia de María Velasco, una de las voces más importantes de la dramaturgia contemporánea. Un montaje artesanal que suple con talento a raudales una producción de resistencia.

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¿Proyectos?.
El estreno de La piedra oscura en el CDN, una lectura dramatizada de Ushuaia en Nueva York y ojalá finalmente cuaje un proyecto que Luis Luque y yo llevamos tiempo soñando.


Lectura dramatizada ‘Pieza de guerra’, con Emilio Gutiérrez Caba y Ana Fernández

La Sala Berlanga acoge la lectura dramatizada ‘Pieza de guerra’, con Emilio Gutiérrez Caba y Ana Fernández

Los actores interpretarán textos de Blasco Ibáñez, Gaziel, José Plá y Valle Inclán con motivo del centenario de la Gran Guerra

Cuando se cumplen cien años de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la Sala Berlanga (C/ Andrés Mellado, 53) acoge Pieza de guerra, una lectura dramatizada en torno a este hecho histórico. Será el martes 3 de junio, a las 19 horas (Precio: 3 euros), y está interpretada por Emilio Gutiérrez Caba y Ana Fernández. Coorganizada por Fundación SGAE, Ovación y Euroscena, Pieza de guerra nace de una iniciativa del actor para dar importancia a un suceso que marcó la historia de Europa.

Los textos -seleccionados por Emilio Gutiérrez Caba- pertenecen a escritos de Vicente Blasco Ibáñez, Agustí Calvet Pascual -Gaziel-, Josep Plá y Ramón María del Valle Inclán, escritores españoles que vivieron este acontecimiento en primera persona, y que dejaron constancia, no sólo en crónicas periodísticas, sino en anécdotas, sucesos reales, relatos o incluso cuentos. La lectura está acompañada de imágenes y sonidos que trasladan al espectador a aquella época. Fotografías que se proyectarán durante la lectura realizadas por Carlos Saura, en un proyecto que ha denominado “Fotosaurios”. Además, cuenta con la dirección técnica de Eulalia Ramón y en el archivo de imágenes y montaje con Pablo Noailles Horno.
Más info en: http://www.fundemilioacionsgae.org


Lucientes de Rakel Camacho en Teatro del Arte

Dicen que cuando uno está a punto de morir, ve pasar la vida como en una película. Me pregunto que habrán visto en ese film último los grandes genios del arte…¿Su vida?¿Su obra?… En Lucientes, la pesadilla de Goya antes de huir…¿De la vida?¿De España?… Hay un ritual que podría haber imaginado Artaud, donde las pinturas del genial aragonés cobran vida, construyéndose y destruyéndose ante los ojos del espectador. Es un gran ceremonial donde los actores son muñecos de un guiñol en el que se burlan de la historia y la vida. No es habitual ver en nuestros escenarios obras comprometidas con el arte y con el presente, aquí, en Lucientes, hay una mirada al pasado para ponerla frente a espejos esperpénticos, la única manera de ver la realidad tal como es según Valle Inclán. Por suerte para los espectadores de Madrid, hay propuestas que no ocurren sobre las banquetas de un bar o sobre historias superfluas, aquí hay una propuesta arriesgada que no dejará indiferente a nadie. Y seis actores entregados a muerte con el discurso escénico…Jorge Kent, Teresa Vallejo, Rebeca Matellán, Lorena Benito, Antonio Sansano, Aldo Lozano y la música en directo de Marcel Mihok.
Adolfo Simón

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Montenegro de Valle Inclán en el CDN

Las Comedias Bárbaras de Valle Inclán son un monumento literario, una de las obras dramáticas más importantes del siglo XX y de nuestra literatura escénica. Es un reto abordar esta inmensa crónica de un tiempo que, curiosamente, se parece mucho a nuestro presente. Esta obra ha tentando a muchos creadores de la escena, no siempre se sale bien parado al enfrentarse a un portento como es el que escribió Don Ramón. Ernesto Caballero, actual director del CDN aborda en su segunda temporada la adaptación de esta pieza para ir a la esencia de la obra en el papel y en la escena. Ha elegido la columna vertebral del texto y se agradece porque va a lo esencial y cuando lo traslada al escenario consigue un ritmo y planos escénicos cercanos a lo cinematográfico; Valle probablemente fue nuestro primer gran guionista sin saberlo. El tratamiento de la propuesta escénica es la de mostrar un mundo bárbaro a mitad camino entre la tragedia griega y la edad media. Y ahí, a la intemperie de la tierra brumosa de un país ¿inventado?…muestra una sociedad caníbal, llena de hombres-perros y animales humanizados que se devoran entre oraciones y olor a pólvora. Y para llevar a cabo este paisaje humano, se cuenta con un reparto excepcional que presta su piel y su imaginario para construir imágenes y símbolos de una poético brutal. Y al frente de este equipo actoral fantástico, un Ramón Barea en estado de gracia.
Adolfo Simón

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CONSUELO TRUJILLO nos habla de su trayectoria y proyectos para la escena

trujillob¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Yo comenzé en el teatro universitario, despues inicié mi formación en el Instituto de Teatro de Sevilla y mi pasion por la interpretación me llevo a Buenos Aires a estudiar con Carlos Gandolfo. Aquel viaje cuando yo tenía 27 años me cambió la vida y y me orientó hacia el tipo de actriz que yo quería ser. Se me abrió un camino en el arte pero también en la vida. La búsqueda del “ser” en la actuación, ser. La necesidad de encontrarme de romper bloqueos, resistencias conocerme más…. En aquella época la pregunta era ¿quién so yo? ¿quen es esta mujer que desea tanto actuar?
Y claro Carlos Gandolfo era un gran maestro en desvelar la verdad y sobretodo en señalar la falsedad de la que ni tu te das cuenta. Allí también conocí a Juan Carlos Corazza quién también ha sido un maestro importante y con quién he colaborado en su escuela durante 14 años, a él le debo el despertar de mi vocación por enseñar.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi pasión, mi destino, mi vocación, el lugar donde puedo dar lo mejor de mí misma, donde me expando, crezco y me desarrollo siendo útil a los demás. Me siento muy identificada con ese texto de Nina en La Gaviota “Y cuando pienso en mi vocación no le temo a la vida”.

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¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
He tenido la suerte y la posibilidad de desarrollarme en el teatro desde varios frentes,: la actuación, la enseñanza, la dirección y esto me ha abierto puertas y a la vez he tenido que trabajar muy duro para prepararme y también para compatibilizarlo.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
De lo que estoy más contenta es de haber estado siempre en el teatro desde que decidí que era mi camino, también de todo lo que he dedicado y sigo dedicando a formarme, reciclarme, experimentar, buscar nuevos retos. Yo por dentro me siento con la misma ilusion, la misma ansia por saber, el mismo extasis amoroso por actuar… El teatro es ese camino insondable, inabarcable, en el que me adentré con 21 años y todavía sigue siendo para mí un misterio por descifrar, o no, no lo quiero descifrar, quiero que siga siendo un misterio para mí, sorprendente, lleno de nuevos retos…. En realidad el teatro es mi maestro.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Ya he comentado antes que yo empecé en el teatro universitario y el teatro independiente, era un teatro de guerrilla, ahora volvemos a las trincheras pero la diferencia es que estamos más preparados, sabemos más, nuestro arte ha crecido, los profesionales se preparan mucho más, y yo me siento más cerca de estas inquietudes de ahora que de las de antes… Y vibro en la esperanza de que desde las trincheras del teatro, este off tan vivo y fuerte que está emergiendo en Madrid se van a producir cambios muy importantes que con el tiempo se recordará como una época gloriosa para la escena de nuestro pais.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ayudar a cambiar el mundo, parece muy grande pero así lo siento, contribuir a la revolucción de la conciencia, revelar lo que esta oculto. Lo dicen todos los grandes: Chejov, Shakespeare y yo humildemente y desde mi modesta situación me sumo a ese proposito. Los artistas tenemos que contribuir con nuestro arte al cambio que esta emergiendo y que tanto necesita nuestro mundo.
Despertar conciencias, reflexionar sobre el sentido, la gran pregunta. Ya se la hace Chejov: “¿Para qué nacemos, para qué vivimos?”.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año he estado sumergida en un proyecto de creación en el que también seguiré en 2014 “Criatura” en el participo como creadora, codirectora e interprete y que es una apuesta personal muy arriesgada de la que estoy muy contenta. He dirigido por primera vez una Opera como proyecto pedagógico para el Auditorio Nacional “El rio de la vida” algo muy especial que hicimos con la compositora Marisa Manchado, la orquesta nacional, el coro nacional y casi 70 niños de primaria y secundaria, una locura que resultó una experiencia maravillosa. He seguido con el Laboratorio que realizo en CriaturadelArte para actores, este año iniciamos el laboratorio en torno a la la obra de Mouawad y por ultimo el regalo grandísimo que me ha hecho Raul Tejón con el personaje de Andrea en el Huerto de Guindos para La Casa de la Portera.

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¿Cómo surgió tu participación en El Huerto de los Guindos?…¿Qué te atrajo de la propuesta…
Raul Tejón me lo propuso y no me lo pensé. El me transmitió mucha confianza, tenía más fé en mi que yo misma. Y la verdad que me pareció tan bello, que él que había sido mi alumno, quisiera dirigirme y me trajera este regalo a mi vida. El personaje de Lubov Andreievna, Andrea en nuestra version es un personaje que me apasiona, es un reto para cualquier actriz, te obliga a rajarte las vestiduras, a entregarte a un viaje apasionante, sin control, un tobogan de emociones, procesos irracionales, locura, contradicciones, desgarro. Ella lo pierde todo, ya lo dice “mi huerto, mi dulce y querido huerto, mi vida, mi juventud, mi felicidad”… pero también es el adios a una forma de vida, a una época y quitando capas es el adios que todo decimos a ese anhelo de felicidad que hemos sentido tan vibrante en la niñez y la juventud, cuando te ibas a comer el mundo, cuando todo era posible…y llega el momento de bajar las armas y aceptar que no sera posible, entonces se nos abre la brecha… o claudicar o abrirnos a una nueva vida, en la que nada es como parecia que tenía que ser, la aceptación…Parece que Andrea esta dispuesta a quemar todos los cartuchos y vivir en la intensidad hasta morir, es su opción y yo la respeto y cada noche viajo con ella, bailo su danza y me da mucho. También esta siendo un viaje actuar en La Casa de la Portera con esa cercania e intimidad con el publico y con un grupo de compañeros maravillosos que me estan enseñando mucho, mucho de humildad, amor al teatro y generosidad…

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Este Huerto es uno de ellos y este personaje es uno de ellos, Criatura mi proyecto de creación en torno al universo poético que me ha marcado en la vida es otro y está en marcha…Me gustaría mucho mucho hacer una puesta con la obra de Wjadi Mowaud con un grupo actores que siento muy afín y con los que llevamos trabajando un tiempo. Y que sigan viniendo textos interesantes, me interesa mucho el teatro contemporaneo, pero también la creación colectiva y hacer nuevas lecturas de los grandes textos.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Esto es una bomba que nos han tirado para acabar con la cultura pero no lo están consiguiendo. Todo esto está hacienda que los artistas y la gente de la cultura estemos hacienda de tripas corazón y derrochando amor e imaginación para seguir creando. Esto implica mucho sacrificio pero estamos resistiendo y abriendo una brecha de esperanza que los politicos y poderos no esperaban. El arte nunca muere y la gente necesita el alimento del arte. A mi me inspira e ilumina este texto de Federico para saber que vamos por el buén camino: El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre. Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo…

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Quede fascinada con SEUL el ultimo montaje que ha traido Mowaud, es un creador que me interesa mucho y su obra me estimula a llevar mi mundo, mi historia a escena, comprometiendome con la universalidad de la mi historia y la de mi pueblo. Y acabo de descubrir a Christiane Jatahy con la version de JULIA que trajo al Valle Inclán… en ambos me facinó la libertad de los creadores, la combinación de lenguajes, como se interrelacionaban lo cinematográfico y lo teatral, la presencia viva y salvaje de los actores en escena, textos llenos de poesía que nos hablaban de un aquí y ahora que nos traspasaba por inmediato y a la vez atemporal.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Creo que esta pregunta ya te la he contestado en las otras. Hay también un proyecto de cine que me apetece mucho que es la primera película de Albalá-Deudero… En tus huesos afilo mis dientes y depues hay dos proyecto de adaptaciones de textos dramaticos al lenguaje cinematográfico que ojalá lleguen a buen termino porque para mi supondrán dos personajes maravillosos para este momento de mi camino como actriz.

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Ramón Barea, Premio Nacional de Teatro y protagonista de Montenegro en el CDN nos habla de su trayectoria en el teatro

bareaQRLA empieza su andadura en el 2014 con una entrevista a Ramón Barea.

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
De veinteañero en Bilbao, formé un grupo”profesional al calor del Teatro Independiente que se llamó COMICOS DE LA LEGUA, en el estaba Alex Angulo entre otros actores. Anteriormente había hecho teatro aficionado. Fui, de adolescente, un espectador compulsivo de teatro. Quería ser actor, aquello me fascinaba.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi vida. A veces pienso que las actividades artísticas encubren una forma de canalizar una patología, probablemente desemboqué en esto porque era una manera de vencer mi timidez, no se…pero ahora mismo no imaginmo otra vida sin ser actor.

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¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
Valoro mucho el haber podido trabajar de manera continuada en teatro, cine, televisión, haber podido escribir, dirigir… es lo mejor que me podía haber pasado. Y aun me queda guerra que dar.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Yo comencé haciendo teatro de grupo, creación colectiva…era un poco una postura militante, de grupo, aunque ya desarrollaba labores de dirección y de escritura dramática. Ahora hecho de menos precisamente aquellos equipos estables de trabajo. Eran una forma de crecer, de arroparse, pero también una actitud de equipo estable de trabnajo que ahora es menos frecuente. Todo el mundo hace la carrera por libre, y por individual.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Un lugar de encuentro y de reflexión, un espacio compartido.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este año estuve en LA MONJA ALFEREZ bajo la direcciñon de Juan Carlos Rubio. En el PABELLON 6 de Bilbao dirigí el espectáculo HOY ULTIMA FUNCION, y ahora estoy metido hasta el cuello en el MONTENEGRO.

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¿Cómo surgió tu participación en Montenegro?…
Me llamó Ernesto Caballero, y no veas tu como me alegré de esa llamada. Por volcver a trabajar con Ernesto y por poder hacer ese persponaje tan especial que es Juan Manuel Montenegro.

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¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…¿Y con el resto del equipo?…
Ernesto me gusta mucho porque nunca trabaja sobre lo previsible, siempre lleva sus trabajos un poco mas lejos de lo que consigue en los primeros ensayos. Esto a los actores nos produce vértigo, inserguridad, inicialmente, pero luego es un viaje muy gozoso hacia algo desconocido. Me gusta que se genere caos e incertidumbres en los ensayos.

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¿Qué visión se da de la obra de Valle Inclán?…
Yo creo que hace una lectura simbolista, que se usan las acotaciones de Valle como uuna sugerencia para crear los ambientes, las atmósferas, pero que Ernesto no ha querido hacer simple ilustración. Me ha parecido muy valiente. Valle Inclán que parece un autor “de siempre” está por descubrir, por interpretar.Parece una paradoja pero creo que es así.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En cine, haré una peli “rara” fuera de las que ha hecho anteriormente con BORJA COBEAGA, sobre un negociador socialista con ETA, y en teatro estoy enredando con JUAN MAYORGA en un proyecto que tiene y en el que va a contar conmigo como actor, junto con Edu Soto. Va de ajedrez.De jugadores de ajedrez.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?..
El IVA es mortal, yo confío en la marcha atrás de la decisión.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me gustó mucho EL PENAL DE OCAÑA de Nao D´amores por ser una pequeña pieza, entrañable y magníficamente interpretada.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Las de siempre, no esperar a que nos llamen, a que nos contraten, trabajar, actuar en espacios diferentes. Ofrecer teatro en el barrio, en el entorno cercano. Cuando el mensaje es: no se puede hacer nada mas, es cuando mas hay que moverse.

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¿Qué ha significado para ti el Premio Naciona de Teatro?…
Fue una alegría enorme. Primero gran sorpresa porque yo no soy el actor de moda, ni estoy en la cresta de la ola, soy un corredor de fondo, un currante del teatro. Pero por esta misma razón me alegró especialmente la decision del jurado. Siento que el premio pertenece a mucha gente que ha viajado conmigo en mi vida profesional, y me he alegrado comprobar que lo han sentido así. Feliz, feliz, y además me he quitado varios préstamos bancarios que me acosaban. Seguimos, seguimos….


“Fósil” de la Compañía Alta Realitat.

Dentro de “Una mirada diferente” del CDN  se ha estrenado esta abra dirigida por Jordi Cortés y que nos hace reflexionar sobre nuestro espacio privado y el público.fosil

En el día a día de nuestra comunicación hemos ido construyendo nuestro mundo, nuestra personalidad y hemos ido poniendo barreras a los demás. ¿No las ven? Esas gafas de sol, para ocultar nuestra mirada; esos tacones altos, para estar por encima de los demás, las mascarillas, que evitan un “contacto aéreo” de contagiosas enfermedades; los auriculares que todos llevamos en el metro para escuchar nuestra música favorita y no esos desafinados acordeones que nos piden limosna… sí señores, es así, y lo hemos hecho nosotros…Pero ¿y si las barreras vinieran dadas obligatoriamente por nuestra condición física? Ser ciego, sordo, cojo, parapléjico…no se elige, no se construye… ¿Han probado ustedes a sentirse como un ciego en el medio de una gran ciudad? ¿Cómo se baila con una silla de ruedas? ¿Cómo canta un mudo? Inténtenlo: A más de uno le darán ganas a partir de esa experiencia de estampar sus Ray Ban contra el suelo, desnudarse y salir corriendo a ver el sol.

Juegen, experimenten, profundicen en esto y… ¡bájense de esos ridículos tacones!

Luis Mª García.


José Manuel Mora nos habla del proyecto Draft.inn y sus últimos textos.

josemanuelmora¿Cómo surgió el proyecto de Draft.inn?…¿Cuáles son sus objetivos y sus líneas de actuación?…¿Quiénes formáis el equipo?… Fue amor a primera vista, una experiencia muy poética. Me hablaron de un lugar muy especial en Ventas que había sido una imprenta. En cuanto lo vimos, mi socio Javier Bastías (actual director adjunto) y yo, no paramos hasta conseguirlo. Rápidamente tuvimos la visión de convertir ese espacio semi-abandonado en lo que hoy es Draftinn, un lugar para el intercambio artístico y la creación. Un espacio para dar y recibir, para modificarse profundamente a través del otro y su expresión artística. Ante todo, un espacio para lo humano y la transmisión de conocimientos y experiencias vitales transformadoras. Pretendemos que sea una “posada” para el arte en general, no solamente para las artes escénicas. Queremos albergar la semilla del arte del mañana y acoger a esas voces que formarán el tejido artístico del futuro próximo.Todos los integrantes del proyecto provenimos del mundo de las artes escénicas y, aunque hemos crecido exponencialmente este primer año, somos un grupo pequeño de personas trabajando muchas horas al día. El núcleo principal de Draft.inn lo formamos Javier Bastías y yo (director adjunto y director respectivamente), Carlota Ferrer (asesora artística), Jacob Amo y Montse Gabriel (coordinación artística), Rafaella Marques (relaciones internacionales) y Apolonia Mora (diseño). Tenemos además varios colaboradores artísticos de gran prestigio como Alejandro Tantanián, Ignacio García May, Fernando Soto o Salva Bolta. A este equipo habría que añadir a la empresa Cultproject que gracias al premio de un concurso gestionan toda nuestra comunicación a nivel internacional.

¿Cómo ha sido el proceso de puesta en marcha?…
No ha sido un proceso fácil. Ante la falta de apoyo institucional hemos tenido que levantar el proyecto literalmente con nuestras propias manos. La verdad es que sin la inmensa generosidad de las personas que han puesto su alma en Draft.inn este proyecto no hubiese despegado jamás. Estoy profundamente agradecido a ellos y, una vez más, esto me demuestra que a pesar de todo la gente es maravillosa y tremendamente generosa cuando un proyecto les ilusiona de verdad.

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¿Es un espacio abierto a propuestas de otros profesionales que no formen parte de Draft-in?…
¡Por supuesto! Eso es lo que deseamos, que nos lleguen propuestas interesantes de artistas de todo el mundo que tengan cosas que decir y una voz única. En este sentido, en Draft.inn, hemos creado un programa de residencias internacionales dirigidas a profesionales de las artes escénicas (directores, dramaturgos, autores, escenógrafos, actores, bailarines…) que necesiten un lugar donde desarrollar sus trabajos. El escenógrafo sueco, Paul Sebastián, inaugurará este programa el próximo mes de julio.

¿Es necesario, hoy en día, encontrar un espacio de trabajo propio para poder desarrollar proyectos personales?¿Son necesarios equipos estables de creación y gestión para lograr realizar proyectos diferentes y alternativos?…
Draft.inn surge precisamente de esta necesidad. Es un sumidero de creadores, donde el objetivo es dar voz y proyección a los que, creemos, puedan ser referentes en el futuro. Por otra parte, nosotros también necesitamos este espacio para poder realizar nuestros proyectos personales. Draft.inn es un espacio de libertad, un terreno en el que plantar semillas y poder controlar y modificar el proceso de crecimiento y florecimiento. Con respecto a los equipos creativos y de gestión cultural, es necesario que haya un núcleo estable y sobretodo absolutamente profesional como es nuestro caso. En cada parcela contamos con profesionales que potencian y hacen más grande Draft.inn. Sin embargo, debido al rápido crecimiento que estamos experimentando, pronto será necesario también que vaya entrando sangre nueva en el equipo, gente con ideas y con fe en el proyecto que pueda hacer crecer Draft.inn y llevarlo a lo más alto.

¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como director y autor?…
Muy positivo. Mis obras se han traducido al francés, inglés, alemán y serbio. Y la verdad es que estoy muy contento del resultado escénico de mis últimas obras: Autopsia (dirigida por Fernando Soto dentro del último Festival de escena Contemporánea) y La melancolía de King Kong (dirigida por Carlota Ferrer en el Teatro de la Abadía).

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
No te voy a negar lo evidente, es una situación entristecedora y bastante oscura. Atravesamos un mal momento para las artes en general. Este sector está siendo maltratado y no hay oportunidades de trabajo para muchos artistas y creadores. El poder considera la cultura como un producto de lujo y eso es muy peligroso porque el crecimiento de un país se cimenta sobre todo en los pilares de la educación y la cutura. No obstante, creo que no hay que dejarse llevar por el desánimo, eso sería lo más fácil, y hay que mantenerse en pie como guerreros. La falta de dinero no puede paralizarnos ni ser una excusa para no hacer cosas. Estamos en un momento complejo pero maravilloso desde el punto de vista creativo y los ojos del artista deben estar alerta, bien abiertos, porque las cosas cambiarán y entonces estaremos listos para florecer. Hay que sembrar mucho y rodearse de gente con ganas y talento para dar voz a los proyectos y llevarlos adelante. Hay que atreverse y tirarse al vacío sin red.

¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Ya se están viendo las consecuencias tanto en el cine como en el teatro. La gente no acude a las salas porque sencillamente ir al teatro se ha convertido en un lujo que no puede permitirse. Es muy triste pero es así. Las grandes producciones que antes estaban en los teatros más importantes han pasado al off y las del off al off-off. Estamos reviviendo un florecimiento de las microsalas pero en realidad esto conlleva precariedad para los artistas y la imposibilidad de hacer montajes como deberían hacerse. Nos lo están poniendo muy difícil. Al destruir el tejido cultural hay que trabajar de otra manera, con colaboraciones, con el crowfounding, con ayudas de familiares y amigos porque sino no hay manera.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Pues últimamente he visto “Esperando a Godot” en el teatro Valle Inclán y me ha encantado, es un montaje fantástico, muy interesante de Alfredo Sanzol. Lo recomiendo a todo el mundo. Después me pareció muy interesante “Fragmente” del sueco Lars Norén en el teatro de la Abadía. Hacía tiempo que no veía un lenguaje tan innovador sobre el escenario.

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¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
La fe, el entusiasmo, la fuerza, la seguridad absoluta de tener un lugar reservado a nuestra voz y a nuestra forma de entender el mundo. No veo otra manera de sobrevivir a la crisis que no sea a través de la creación y del trabajo en equipo. Es el mejor momento para crear. Este punto de nuestra historia encierra una libertad increíble que desconocemos y a veces no usamos a nuestro favor. El arte es una forma de vida, un antídoto contra el desánimo general y la mejor manera de mantenerse a flote, activo, para que cuando los vientos nos favorezcan estemos preparados.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La principal función del teatro es, desde luego, entretener pero sobretodo permitir un espacio de libertad, de reflexión y de concienciación de uno mismo y de su entorno. No deja de ser un catalizador de la emoción, de la vida misma. Una concentración de experiencias vitales dentro de una sala bajo circunstancias imaginarias. También creo que el teatro tiene una función integradora porque permite darse cuenta de que formamos parte de este trocito de la historia y lo queramos o no debemos interactuar con él. Las preguntas que el teatro debe hacer son: ¿Qué decidimos entregar de nosotros mismos? ¿Qué vas a entregar de ti al tiempo en el que te ha tocado vivir? En ese momento se activan mecanismos muy profundos y muy personales. La revolución que pretende el teatro es muy íntima y desde esta intimidad puede crecer y extrapolarse a la sociedad pero parte de un punto muy personal.

¿Proyectos?…
Primero de todo trabajar en la expansión internacional de Draft.inn por lo que me espera un año cargado de viajes. En cuanto a la escritura tengo muchos proyectos en fase embrionaria. De citarte uno, me gustaría hablarte de una obra sobre superhéroes que estoy escribiendo y que se estrenará en septiembre. Este texto es un elogio de lo raro y lo diferente, de la necesidad del otro en un mundo individualista y de las cosas pequeñas frente a la violencia que ejerce lo inmenso en nuestras vidas. Cuando la rentabilidad económica atraviesa las fronteras más íntimas, nadie está a salvo de convertirse en un superhéroe. En este proyecto va a colaborar en la escritura un joven dramaturgo y director con muchísimo talento, Jacob Amo. Por otro lado ando inmerso en una versión libre a partir del zoo de cristal de T. Williams que dirigirá Carlota Ferrer (una directora a la que admiro profundamente y con la que aprendo muchísimo) y concluyendo un texto breve que se estrenará junto al trabajo de otros autores contemporáneos.

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20º aniversario de la creación de la Asociación de Casas-Museo y Fundaciones de Escritores (ACAMFE).

En el Museo Casa Natal de Cervantes, se celebrarán los actos de conmemoración organizados con motivo del 20º aniversario de la creación de la Asociación de Casas-Museo y Fundaciones de Escritores (ACAMFE).
Ésta es la única asociación a nivel nacional de casas museo, en este caso de escritores, y actualmente tiene 46 miembros, entre los que se encuentran las casas museo de Juan Ramón Jiménez , Rosalía de Castro, Emilia Pardo Bazán, Jovellanos, Unamuno, Blas de Otero, Valle-Inclán, Carlos Arniches, Azorín, García Lorca, Miguel Hernández o Blasco-Ibáñez, e instituciones como la Residencia de Estudiantes o el Archivo Histórico Nacional, entre otras. Y, por supuesto, el Museo Casa Natal de Cervantes y la Casa Museo Lope de Vega, gestionados por la Comunidad de Madrid.

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¿Qué es una creación Pop?…Jorge Calvo nos lo aclara en esta entrevista.

JorgeCalvo¿Cómo surge el proyecto de LAS HUÉRFANAS?…
Miguel me paso antes de verano los dos textos que tenía escritos para ver que me parecían y este me gustó para mi desde el primer momento. Le dije que quería hacerlo y que había pensado en Jose Martret para el otro personaje porque parecía escrito para que él lo interpretara. Miguel me dijo que él también había pensado en nosotros dos y ahí decidimos arrancar.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificaseis la dramaturgia los actores al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
El texto no hubo que modificarlo para hacerlo en La Casa De La Portera porque desde el primer momento me pareció perfecto para hacerlo allí. Sí se hicieron cambios durante el proceso, pero los típicos que se hacen cuando se trabaja un texto con libertad y jugando con lo que los actores aportamos durante el proceso.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
El proceso de creación ha sido largo, difícil y muy enriquecedor para encontrarle el punto exácto que queríamos conseguir. No ha sido solo tarea de Miguel, que estuvo en el proceso con nosotros para hacernos entender bien como eran esos personajes, se ha conseguido un equipo fuerte para hacer lo que usualmente se llama Creación Colectiva y que yo prefiero llamar Creación Pop.

Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
El teatro me fascina, me encanta, me hace sentir muy bien, es el medio en el que más cómodo me encuentro y por eso me gusta hacer buenos proyectos, desde hace mucho tiempo nunca me conformo con cualquier cosa. Respeto mucho el teatro y aunque este haciendo otra cosa siempre vuelvo. El año pasado estaba haciendo Amar En Tiempos Revueltos y no pude renunciar a hacer al mismo tiempo Luces De Bohemia y El Inspector. Acabé agotado pero mereció muchisiiiisimo la pena el esfuerzo.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
El balance es muy positivo. Hacer De Ruben Darío en Luces De bohemia fue algo increíble, agradezco tanto a Lluis Homar que confiara en mi. Tabajar un texto de Valle Inclán es un lujo. Después estuve en El Inspector con Miguel Del Arco y fue otro regalazo. Me permitió crear e inventar un personaje que no estaba en la función y que se convirtió en el mejor de los tres que tenía que interpretar. Además el proceso con Lluis y con Miguel fue radicalmente distinto, no se puede pedir más…bueno si, hacer Las Huerfanas, y aquí estamos.

¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Como te dije antes este no ha sido un proceso con un director como se hace habitualmente. Una Creación Pop, como a mi me gusta llamarlo, nace desde sitios intelectualmente complejos hasta lugares absolutamente intuitivos o espontáneos.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Yo creo que el teatro fundamentalmente tiene que ENTRETENER. Adoro la palabra ENTRETENIMIENTO. Que sea desde el lugar que sea pero que entretenga, y creo que se puede entretener desde muchos lugares y cada uno tiene que elegir el suyo. Además no todo el mundo se entretiene con lo mismo, se puede entretener desde la intelectualidad, desde la vanguardía o desde la comedia más ligera, o mezclando todo, porqué no? Y en cualquier caso lo importante es que haya una buena historia que contar porque si la hay enseguida se mueven conciencias.

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¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Claro que afectaran, pero no menos que lo que ya afectan desde hace mucho tiempo. Fijate que cuando Lluis Pascual dirigió Luces De Bohemía en el año 84 para el María Guerrero en el reparto había 41 actores y nosotros el año pasado en la dirigida por Lluis Homar, también para el María Guerrro, éramos 15. Estuvimos dos meses en Madrid y no pudimos hacer gira, en cambio en la de Pascual estuvieron creo que dos ó tres años. Lo del 21% de IVA es vergonzoso y una muestra clara de lo que nuestro gobierno aprecia nuestro trabajo.

¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
Todos los medios son muy distintos y todos los procesos también, no tengo una receta clara para hacer los personajes, confío mucho en los directores cuando tienen muy claro su proyecto y eso hace que tu proceso de trabajo también cambie.

¿Cómo preparas los personajes?…
A mi madre, que era una gran cocinera, cuando le preguntaban como hacía sus guisos siempre respondía los mismo, “CON LAS MANOS” jjajajjajajaj…yo te digo lo mismo, no reveló los ingredientes, aunque si te diría que sigo al pie de la letra lo que me enseño Yolanda Monreal, mi profesora de interpretación, que siempre decía que lo más importante era La Observación.

Háblanos de QUÉ MARAVILLA!…¿Para cuándo una próxima?
Que Marávilla es un gran show de cabaret underground que dura varias horas y que hago cuando me apetece. Es un Espectáculo que he hecho 10 veces en tres años y que cada vez es completamente distinto. Define todo lo que yo soy,lo que me gusta y en el soy absolutamente libre. Tengo la suerte de contar con unos colaboradores de lujo, desde Jose Martret que es parte fundamental e inspiración creativa hasta un moton de artistas que han pasado por el escenario de Laydown( el local donde se representa). Desde Loles León, Alaska. Hugo Silva, Chevy Muraday, Concha Cuetos, Asier Etxeandía, Vivían Caoba, Diabeticas Aceleradas y un montón de artistas desconocidos y otros Undergound. Prometo hacer una pronto e invitarte.

¿Proyectos?…
Proyectos hay, en breve empiezo a ensayar LA CHUNGA de Vargas Llosa dirigida por Joan Ollé para el Teatro Español de Madrid.

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Mónica Cano nos habla sobre sus experiencias teatrales

Mónicano¿Cómo surge el proyecto de Vitriolo?…
Unas compañeras y yo hemos creado un grupo de trabajo, con la idea de hacer textos que nos gusten, crear nuestros proyectos. Estoy madura como persona y como actriz tengo la necesidad de expresarme, de dejar testimonio de mis recuerdos, de aportar mi granito de arena a la cultura, al Teatro. Siempre me ha gustado escribir, ahora tengo tiempo y lo estoy haciendo. Estrenamos el año pasado “Historia de la Nati”, gusto, y eso me dio estimulo para estrenar este año “Vitriolo”, en el Nudo, una sala alternativa en la que nos acogen.

¿Cómo ha sido el proceso de creación y montaje?…
Fácil y grato, mis compañeras Saturna Barrio y Vene Herrero son portentosas actrices, con una gran curiosidad, las tres nos hemos zambullido en el argumento de cabeza, hemos desmenuzado la historia, y la hemos recompuesto una vez metabolizada, para mostrarla tal cual es.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…Háblanos también de tus otros trabajos y experiencias en el ámbito del teatro…
El balance es bueno. He tenido la suerte de hacer grandes personajes, “la Pichona” de “Las Comedias Bárbaras” de Valle Inclán o “Yocasta” versionada por Steven Berkoff entre otros muchos, de todo ha habido, siempre he vivido únicamente de mi trabajo en la profesión y ya sabes…no siempre puedes elegir, por hacer he hecho hasta transexuales, uno se de ellos se llamaba Mª Fernanda. ¡Qué gracia¡ ¡Estoy contenta¡ He trabajado con los mejores directores y con autores a los que venero como por ejemplo Lorca.

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¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?
Soy Stanislavskyana. Disfruto mucho componiendo el personaje. En su inicio, es como si lo engendrara, poco a poco va cobrado vida, adquiriendo costumbres, relaciones, facciones, emociones…no lo dejo en ningún momento, duermo con él, sueño con él, lo paseo, lo siento…despacio, lentamente, y al cabo de algún tiempo cuando le parece bien, se materializa y ahí está, listo para exhibirse. Para televisión el proceso por desgracia debe ser más ágil, hay que ser fresca inmediata y tener el texto muy sabido, no hay tiempo, todo es fulminante. En cine intento ser económica de gestos, todo pequeñito, con las emociones en los ojos. Siempre a las órdenes del director. Soy bastante disciplinada.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre, mostrar la tragedias de la vida y de la muerte, que nos veamos en ese espejo, etimológica mente la palabra Teatro significa “Lugar para ver” “Lugar para contemplar”, para ver y contemplar, para aprender a existir, de la forma más bella más elevada, mas apasionada. Transgredir, criticar, reprochar, estremecer, emocionar, mostrar, entretener, activar los cerebros y los corazones son algunos de los condimentos de la “Función Ideal”, intemporal.

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¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?.
Claro. Estamos siendo represaliados por el poder. El Teatro en sus orígenes era un arma de paz, para denunciar a los políticos corruptos, a los personajes celebres, a los malvados. Los cómicos siempre han sido perseguidos por los gobiernos de ciertas filosofías que prefieren otro tipo de ocio. No quieren que la gente se cultive. Afecta de una manera letal a las salas alternativas y por supuesto a las clases con menor poder adquisitivo que no pueden ir al cine, ni al teatro…ni a casi nada…

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Lúcido”… Me encanto, un texto escrito por un actor argentino, Rafael Spregelburd, nacido en 1970. Dirigida por Amelia Ochandiano, he trabajado con ella y le tengo mucha estima.

¿Proyectos?…
Seguir luchando por hacer mis montajes, y si salen cosas interesantes pues aquí estoy esperándolas. Pero muy feliz de hacer lo que estamos haciendo…Vitriolo.

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En el túnel un pájaro de Paloma Pedrero dentro del Festival Una mirada al mundo-CDN

En el túnel un pájaro, sugerente título de la obra de Paloma Pedrero que dirige Pancho García y que se vio en el CDN/Teatro Valle-Inclán-Sala Francisco Nieva dentro del Festival Una mirada al mundo, un propuesta arriesgada con un magnífica resolución en la puesta en escena, una estupenda escenografía de Eduardo Arrocha y unas importantes interpretaciones, cabe destacar al propio Pancho García por su aplomo y por la capacidad de hacer suyo el espacio convirtiéndolo en lo que él quiere, acertado y sugerente, muy bien arropado por el resto del elenco que se mueve en un compás ágil y ligero. El texto de Pedrero, a veces envenenado, refuerza la necesidad de elección para morir dignamente, así como el arraigo de la locura para hacerse entender cuando alguien tiene la certeza de que va a morir; por qué no dejar que uno sea libre para elegir el momento de la partida, en ese momento, todos los prejuicios saltan frente a lo que debería ser una decisión propia ¿o no?. La sociedad cruel que describe Pedrero, se torna remilgada para consentir que la muerte pueda ser elegible y reproduce los temores a que pueda haber algo más allá que sigue presionando a un mundo incapaz de liberarse de tabúes religiosos que siguen de alguna manera marcando con su impronta las decisiones humanas. El juego de los locos, con una espléndida Miriam Learra, entrañable y tierna hermana que acepta la tarea de cuidar del enfermo hasta el final quiera éste o no, hace un guiño a la capacidad que tiene el ser humano para aceptar lo que viene y como muchas veces damos el valor absoluto a las verdades de un loco. Entretenida, no noté movimientos extraños en las butacas, se vio con interés, ¿algún pero?, quizás algún momento donde el ritmo se ralentiza, que hace que tenga más presencia lo escenográfico, que insisto es una estupenda escenografía. Gracias por esta obra, en cierta medida, emocionante. Gracias Pancho por regalarnos tu arte.
Ángel Savín


XII Encuentros con Mujeres en escena de Asturias

XII Encuentros con Mujeres en escena de Asturias
Entre el 11 y el 14 de Octubre realizaremos los XII Encuentros con Mujeres en escena de Asturias que , una vez más, se realizará en la Casa de la Cultura de Lugones, estando todas sus actividades abiertas tanto a mujeres como a hombres del teatro Asturiano.

La actriz y pedagoga gallega Casilda Alfaro, del grupo Teatro de Ningures de Cangas (Pontevedra) presentará su espectáculo Huellas. Casilda Alfaro forma parte de Teatro de Ningures desde su creación hace 26 años. Ha trabajado no solo en el teatro gallego sino también en la televisión y en el cine. Ha intervenido en películas como Los lunes al sol y en series como Libro de familia. Casilda Alfaro impartirá un curso los días 12, y 13 de 15´30 a 19 horas y el 14 de 10 a 13 horas sobre el tema de Interpretar en el teatro e interpretar ante la cámara. El Taller pretende jugar a explorar los recursos básicos y las herramientas del actor/actriz ante el medio audiovisual y su utilización en contraposición con el medio teatral. Se trata de explorar puntos de encuentro y diferencias entre ambos lenguajes en lo que se refiere al análisis del texto, la composición de los personajes y las emociones. Para ello trabajaremos a partir de dos escenas o secuencias de dos personajes y de un monólogo corto. El precio del curso será de 20 euros.

Habrá también representaciones: El jueves 11 de Octubre, a las 12 de la mañana, Homenaje a Valle-Inclán: Martes de carnaval, a cargo de Teatro del Norte para los alumnos del IES Astures de Lugones. El jueves 11 a las 7´30 de la tarde, Tejiendo historias, a cargo de Kamante Teatro de Pola de Siero, representación destinada al público infantil. El viernes 12, a las 7´30 de la tarde, Yo, Edipo, a cargo del Teatro del Norte. El sábado 13 , a las 7´30 de la tarde, Huellas, a cargo de Casilda Alfaro de Teatro de Ningures.

Todas las representaciones serán en la Casa de la Cultura de Lugones y serán gratuitos y abiertas a todo tipo de público. Un año más contamos con el apoyo de la Fundación Municipal de Cultura de Siero y de la Consejería de Cultura del Principado de Asturias.
Más información en:
http://www.asturiasescena.com/spip.php?article102&rubrique=1


“Ligazón”. Valle Inclán. FRINGE MADRID – CONDE DUQUE Sala de Ensayos.

FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
Sala de Ensayos
“Ligazón”
Autor: Valle Inclán
Dirección: Mathilde Rambourg
A favor:
Un texto incombustible del mejor autor de teatro español del siglo XX; vigente cien años después de su estreno. Un par de ideas de dirección…La presencia en escena del judío durante toda la función y el travestismo para encarnar al personaje de la raposa.
En contra:
Un excesivo tratamiento de efectos modernos que solo dilatan la acción dramática.