La señorita Julia y La señorita Elsa: El precio del desarraigo
Hay dos piezas de teatro en la cartelera de Madrid que coinciden a la hora tratar el tema de una mujer que intenta enfrentarse a sus deseos pero encuentra, en la sociedad, un muro infranqueable…
La señorita Elsa es la adaptación de la novela de Arthur Schnitzler realizada por Lola Blasco para la escena. En Sexto Derecha, un espacio en el que la temporada pasada disfrutamos de unas pequeñas joyas escénicas, se presenta, en la intimidad más absoluta, el periplo de esta joven que, al tratar de descubrir su propio deseo, se encuentra con que el resto de la sociedad ya ha decidido cuál será su viaje emocional. Un ejercicio arriesgado que la joven actriz, Angela Boix realiza con temple gracias a la dirección de José Luis Sáiz.
Y en La Pensión de las Pulgas, se ha estrenado una adaptación de La señorita Julia de August Strindberg, con el título de El ojo de la aguja, dirigida por Estefanía Córtez, con Esther Acebo, Sergio Pozo e Irene Escalada. La acción la han trasladado al mundo de las altas empresas donde una rica heredera, atrapada en su soledad emocional, intenta conseguir domar a su chofer ante los ojos de la secretaria. Un viaje al sometimiento físico y afectivo, sin cortapisas.
Adolfo Simón
Algo en el aire de David Harrower en el OFF del Teatro Lara
¿No has tenido, alguna vez, la sensación, al mirar en el fondo de una jarra de cerveza, sentado en una banqueta, delante de la barra de un bar, que pasan, entre la espuma que queda como resto, un montón de momentos de tu vida con los que se va componiendo el puzle de un vacio afectivo?…A veces, en la prisa del día a día, dejamos de pensar en personas a las que hemos querido y que, de repente, han desaparecido de nuestra vida y no sabemos muy bien por qué…Un día, decidimos que nuestros caminos se han de separar, seguramente por un tontería…Y el abismo se abre entre nosotros…Ha de llegar alguien que medie para que los caminos se vuelvan a cruzar. De esto va Algo en el aire, de dos caminos paralelos, como los de una vía del tren, que aunque en la distancia, los raíles se juntan, en el presente es imposible verlos juntos. Y así está planteada la propuesta escénica, de manera sencilla…dos mundos paralelos en los que se recorre, a través de monólogos alternos la peripecia de dos hermanos, que nunca sabremos si se encontraron, se encontrarán o todo es un deseo en paralelo.
Adolfo Simón
De Mutuo Desacuerdo de Fernando J. López en el Teatro Bellas Artes
Si las comedias de los ochenta y aún de principios de los noventa con frecuencia explotaban las riñas domésticas de matrimonios que no se soportaban, la fórmula poco a poco ha dado un paso más y ahora es cada vez más frecuente encontrarse montajes que bucean en los problemas de relación de un matrimonio roto. Ese es precisamente el punto de arranque de De Mutuo Desacuerdo: Iñaki Miramón y Toni Acosta encarnan a una pareja de recientes divorciados que se lanza auténticas andanadas de puyas y reproches en los sucesivos encuentros obligados por el hijo de nueve años que tienen en común.
Particularmente interesante resulta ese papel del niño, el tercer personaje al que nunca vemos pero sobre el que pivota toda la historia. Da mucho que pensar esa ausencia, pues entre risa y risa el texto de Fernando J. López —por cierto recién publicado en Antígona— es capaz de remover conciencias acerca de cuánto llegan a perder los niños con cada gesto egoísta de un adulto. Resulta una lástima, no obstante, que se pase de una manera demasiado fugaz y como de puntillas por un tema que, por su actualidad y calado, hubiera dado para mucho: la custodia compartida.
Lo que el espectador encuentra en De mutuo desacuerdo es una comedia de adultos narcisistas, rotundamente woodyalleniana en la intención de crear humor desde las neurosis personales y sociales de los personajes. La obra sabe encontrar chispa en lo cotidiano y explotarlo, y eso ya es un mérito. Los actores están francamente bien y saben mantener un tono de voracidad verbal permanente sin perder credibilidad.
La obra estará en el Bellas Artes hasta el 31 de mayo. Es una recomendación como comedia de sociedad sin pretensiones elevadas, bien interpretada y dirigida de una manera efectiva, hecha en definitiva por expertos del género. Conociendo la trayectoria de Miramón y el favor del público que desde hace tantos años cosecha, pienso que el mejor cumplido final que se le puede hacer al montaje es que se trata de “una de Miramón”.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Crímenes de andar por casa en el Pequeño Teatro Gran Vía
Los teatreros, siempre inquietos, se han inventado un programa doble de teatro con humor y crímenes. La propuesta se puede ver en el Pequeño Teatro Gran Vía y se llama Crímenes de andar por casa. No hay que ver películas americanas para vivir experiencias límite ni salir de casa para que te conviertas en un experimentado asesino. Durante casi dos horas asistimos a dos historias que transcurren en un mismo espacio escénico y con el mismo equipo actoral que nos depara disparates truculentos que al público le hicieron disfrutar en la función del pasado sábado..
Adolfo Simón
Los martes, milagro presenta AMOR OSCURO de la Compañía Arte-Factor
Los sonetos del amor oscuro, Poeta en Nueva York y fragmentos de El Público se integran en la dramaturgia de esta obra que muestra los escritos menos conocidos del poeta dando un tratamiento declamatorio en una partes y excesivamente naturalista en otras.
Adolfo Simón
El jardín de los cerezos de Ángel Gutiérrez en el CDN
El jardín de los cerezos tiene más de 100 años. Pero nadie sabe de qué trata. Algunos recuerdan que la hacienda de la noble dueña Ranievskaya se vende por deudas, y que un tal Lopajin (un nuevo rico) intenta convencerla para poder recuperarla: hace falta dividir la tierra en parcelas y venderlas para arrendar casas de veraneo. Ella rechaza su consejo y finalmente, en la subasta, celebrada el 22 de agosto, el mismo Lopajin compra el jardín de los cerezos. El montaje mostrado en el CDN puede considerarse un homenaje a la trayectoria de este director de escena que ha desarrollado su labor, de manera personal, durante más de tres décadas.
Adolfo Simón
Penev en Cuarta Pared
Tras los éxitos cosechados la pasada temporada, la joven compañía valenciana La Teta Calva continua llevando a los escenarios, y por primera vez en Madrid, esta obra que pretende ayudarnos a entender a aquellos que tienden a tropezar en cualquier adoquín en alguna calle olvidada. Toni Agustí y Xavo Giménez, los dos actores y co-directores del espectáculo, proponen unir en el patio de butacas a «los que aman el fútbol y odian el teatro, y viceversa» con una pieza que rinde homenaje, en su título, al célebre valencianista Lubo Penev. Una pieza donde los objetos están cargados de memoria y que, a través del juego poético con ellos, nos narran con humor ácido el desmoronamiento de la sociedad actual, más atenta a lo que vales que no a lo que eres.
Adolfo Simón
«La guerra de los sexos» en la sala AZarte
Estrenada recientemente en el festival Surge Madrid LA GUERRA DE LOS SEXOS se podrá ver todos los Sábados y Domingos de Mayo y Junio en el Teatro Azarte.
Nuestra vida es un carrusel sentimental, un vodevil esperpéntico en el que podemos encontrarnos colores para todos los gustos… pero disfrutamos relacionándonos, flirteando, conociendo a otros, interesándonos por sus aficiones, gustos, morbos, debilidades y sueños… por eso una obra como «La guerra de los sexos» nos gusta y nos hace olvidar por una hora todas nuestras penas viendo cómo los diferentes sexos intentan comunicarse y no morir en el intento. Una propuesta potente, arriesgada versátil y divertida, dirigida por Chos y producida por Karlos Klaumannsmoller, que nos introduce a ritmo vertiginoso en el loco mundo del amor.
Luis Mª García Grande.
Elepé de Carlos Be en el Teatro Lara
Elepé ha crecido sin necesidad de convertirse en cd. Elepé surgió en las recoletas estancias de La casa de la portera y ahora, después de un largo periplo, ha recalado, para despedirse de los escenarios, en la sala OFF del Teatro Lara. En un país normal, que este no lo es, habría pasado a la Gran Vía y se habría convertido en un éxito, mayor que algunos musicales que solo contenían los grandes hits de ciertos grupos de los ochenta pero que se mostraban como un catalogo de videoclips, sin argumento de peso ni un trabajo comprometido por parte de los actores y el director. En Elepé hay, en apariencia, una historia pequeña que narra algunos de los grandes acontecimientos de aquella prodigiosa y extraña década. Pero Carlos Be no puede escribir una mera comedia, así que truca la estructura para mostrarnos lo que ni siquiera saben los personajes que vivirán en un futuro, un recurso muy bien utilizado en cine y que en teatro no suele funcionar bien. En la sala Off del Lara, la obra cobra otra dimensión, mantiene la intimidad y al tiempo da más perspectiva a los personajes y sus ámbitos personales. Solo quedan dos domingos, yo no me lo perdería, después oirán hablar de esta obra y ya no tendrán ocasión de ver el trabajo de tres deliciosos actores: Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde.
Adolfo Simón
Caza Mayor en La Pensión de las Pulgas
¿Alguna vez se han preguntado porque no hay sección de necrológicas en la revista Forbes?
Pues sencillamente porque, al igual que el Mal, los oligarcas nunca mueren. Aparecen, desaparecen y reaparecen en un sinfín de Consejos de Administración, Vicepresidencias, Asesorías de Estado o Grupos Financieros. CAZA MAYOR nos acerca al verdadero nido del crimen y de la cochambre; un chalet exclusivo en una urbanización de lujo en lo alto del Mulhacén, en Sierra Nevada.
Atrapadas en la nieve, cercadas por huskies siberianos, un número siempre excesivo de ruines personajes de solvencia contrastada, nos asoman a la intimidad de sus actividades delictivas. En un bucle dramático enloquecido, cuatro personajes mueren y sobreviven para contarnos que siempre ocurre lo mismo, y que como reza el dicho…»Son los mismos perros con distintos collares». El texto de Palmira Yubero es una sucesión de pequeñas escenas de crimen sin castigo dirigidas en clave de comic por Salva Bolta.
Adolfo Simón
El año del pensamiento mágico de Joan Didion en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
El arte y por supuesto, el teatro, han de tener una función que ayude a la sociedad a encontrar luz en la oscuridad de su tiempo. Hay espectáculos que alivian los desastres diarios a través del humor o nos distraen de problemas cotidianos, otros nos conmueven para sensibilizarnos con según qué tema…Todos son beneficiosos para el espectador de algún modo pero, pocas veces, el teatro consigue, de alguna manera, que salgamos sanados espiritualmente. En muy pocas ocasiones, la catarsis ante la obra, nos hace entender mejor el sentido de la existencia. En El año del pensamiento mágico de Joan Didion hay la narración de unos acontecimientos terribles y como, la protagonista real de la historia, es capaz de sobrevivir a ellos para crecer humanamente, todo esto es gracias al texto, a la actuación precisa y emocionante de Jeannine Mestre y a la dirección que Juan Pastor hace, ese trabajo que cuanto más invisible es, más útil resulta.
Adolfo Simón
La Comedia de los Errores en el Teatro Lagrada
Adaptar una comedia clásica siempre es difícil, porque resulta evidente que los mecanismos de conmover y crear tragedia son más estables en el tiempo que los de hacer reír. Cualquier persona que emprende la tarea de ofrecer un espectáculo de comedia contemporánea a partir de un texto clásico (en este caso es Lidio Sánchez Caro el director y versionador) debe hacerse consciente de que la clave del éxito se encuentra en saber incorporar ese humor actual que realmente conecta con el público, y asumir que por lo común tiene que superponerse, más que adaptarse, y además realizarlo sin traicionar la obra original. La otra alternativa posible es someterse a la raíz, venerar el texto y la época y crear una obra extemporánea, apta solamente para paladares sofisticados.
Lidio Sánchez Caro, en la propuesta que presentó en el Teatro Lagrada el pasado viernes, ha echado mano de muchos recursos a la hora de intentar acercar la obra al espectador contemporáneo: lo intenta desde el vestuario, la disposición escénica, la adaptación de diálogos, el movimiento agitado de escena y hasta provocar que los actores rapeen sobre el texto. Ha acertado en el aggiornamiento de los dos criados, ofreciendo unos graciosos que honoraban el tipo representado y se metían al público en el bolsillo desde el primer momento. En este elenco, uno tiene con frecuencia la sensación de que los actores más jóvenes parecen estar a punto de devorar a los más experimentados, permitiendo ver que algunos de ellos (Helena Lanza, Irene Soler) puedan tener una buena perspectiva futura.
La Comedia de los Errores es una obra de humor sobre equívocos deliciosa, que se pone en marcha a partir de una confusión de identidades -esa obsesión de Shakespeare-, donde ya está apuntada la transición a la animalidad de El Sueño de una Noche de Verano y en la que -otra constante del inglés- la confusión lleva a la diversión. Verla siempre es un placer más que recomendable.
Me permito un apunte final al respecto del montaje: no resulta difícil estar de acuerdo en que en el texto original han envejecido mucho más los mecanismos que arman la comedia (el equívoco al que he aludido) que la profunda, inagotable e impresionante lírica de sus textos. Harold Bloom, a quien por cierto citan en el programa de mano, ha dejado escrito que cualquier farsa acaba teniendo algo de metafísico. Ahí, en ese caos trascendente, podemos encontrar sin duda más modernidad que en el superadísimo juego de confusión de gemelos sobre el que gira La Comedia de los Errores. Esta adaptación ha puesto tanto interés en jugar con la primera que en ocasiones descuida el componente más perdurable de Shakespeare: la palabra y su valor.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Mujeres y criados de Lope de Vega en el Teatro Español
El reestreno de la inédita obra de Lope de Vega: «MUJERES Y CRIADOS», escrita hace más de 450 años, muestra la atemporalidad de los conflictos planteados por los clásicos. Esta comedia de enredo confronta el camino del amor, al frecuentado camino del miedo.
La resplandeciente luz de las mujeres en esta ágil pieza, nos deja una sabia enseñanza: la maestría del amor solo tiene un camino, su práctica.
Es reseñable el respeto que el autor muestra por la mujer, declarándose contrario a la convención social de que la misión de las mujeres sea satisfacer los egoístas deseos paternos, o el capricho sexual del noble de turno, en nombre del amor.
Para el escritor, el ser humano ha de acometer una gran tarea: ser feliz y disfrutar completamente de la VIDA.
El amor de las mujeres lopescas es amable, responsable. Abre todas las puertas. Experimenta la vida como si de un juego se tratase, nada hay que no sea posible, todo lo puede.
Inés nos habla de cómo al amar a otro no necesitas sentirte amada. El amor femenino halla respuesta en los celos masculinos, en ese confuso y débil camino del miedo, en el que das esperando recibir a cambio, siendo ésta la fuente de todo dolor. El camino del amor no espera que nada suceda, es incondicional, ignora la posición social y las bajas pasiones, aunque derrocha arrojo y valentía para confesarle al amado su firme deseo de no escuchar permanentes imprecaciones.
El amor encarnado por Violante se halla en todas partes, en la compasión, a pesar de su dicha, del doliente y aunque no falta a la verdad, atiende y aconseja al desamor, en una inversión de roles, en la que la romántica desesperanza habita en el corazón del hombre.
La publicidad de la obra obvia el compromiso del dramaturgo con los grupos más desfavorecidos socialmente, decantándose por una incomprensible cosificación del ser humano. La elegida y engañosa imagen orgiàstica, contrasta con la equidad de un sugerente mensaje en boca de Violante: «mujeres y criados pueden revolver España».
Paloma Martín
Celestina, la tragicomedia de Atalaya en la CNTC
Supe de mi amor por la literatura clásica cuando aún muy niña, en la búsqueda de un paraíso terrenal inexistente, cayó en mis manos un hermoso ejemplar de libro, encuadernado en piel roja, que con incomprensibles, aún para mí, letras de oro decía: “La Celestina” de Fernando de Rojas. Desde la perplejidad, intuía que algo elevado estaba inmortalizado en aquellas páginas de color sepia.
Sé de mi renovado amor por el teatro, cuando ayer entre los ruidos de bolsas de plástico y móviles de un profanador público, las emociones me arrojaron una tabla de salvación, para un viaje en el que de la mano de Ricardo Iniesta, Elicia, Areúsa y una soberbia Celestina, eran rescatadas del escarnio de una hipócrita sociedad que compra los servicios de supervivientes prostitutas, pero que se niega a nombrarlas y reconocerlas como lo que son: sus iguales.
La fuerza de una puesta en escena por la Compañía Atalaya, evocaba imágenes que hacen justicia a un texto que minimiza a Calisto, el hombre, elevando a la categoría de diosa a Melibea, la mujer, y que apalea las castas y aquellas construcciones sociales opresoras de la condición humana en cualquiera de sus manifestaciones: el linaje, el ideal de belleza masculino, la sexualidad manipulada por los hombres, el matrimonio… ladrillos de un muro que va siendo derribado por la inteligencia, astucia, determinación y el coraje de unos personajes femeninos, que más allá de sus circunstancias, elevan un sonoro canto al deseo de vivir con mayúsculas.
Ante la grandeza del texto, añoré en este viaje una ruta interior hacia la necesidad de superar ese vigente e interesado consenso social sobre el placer y el disfrute en un modelo de sexualidad que olvida a las mujeres. En la afirmación de Elicia: “yo le tengo odio a este oficio” está contenida la letra de una asignatura pendiente: alcanzar cotas más humanas e igualitarias en las relaciones sexuales.
La propuesta coloca un espejo delante del ser humano: su codicia, orgullo, envidia,… la estúpida venda en los ojos para sostener el propio egoísmo…
Al contemplar la verdadera imagen…
¿Volveremos a colocarnos de espaldas al espejo?.
Paloma Martín
Adentro de Carolina Román en el CDN
Carolina Román está realizando una carrera como autora, directora y actriz muy coherente. La primera vez que la vi fue en Microteatro, esa pieza que ahí representó, creció y fue mostrada en el Teatro del Arte y ahí estrenó hace unos meses la obra Luciérnagas. Es como si fuese tejiendo de a poco su poética, sin sobre saltos, enlazando un eslabón con otro. Ahora, con el mismo equipo artístico que ha realizado las experiencias anteriores, presenta Adentro en la Sala de la Princesa del CDN. Y ahí nos sigue hablando al oído, susurrando historias pequeñas llenas de vida o deseo. La vida a veces se tropieza con el deseo y este hace que nuestros sueños descarrilen. También es cierto que no siempre están en nuestras manos las riendas del trayecto, los otros, esos que están a nuestro alrededor, ahora o siempre, nos obligan muchas veces a ver la vida como una foto desenfocada. Creo que están agotadas todas las localidades, animo a que se vuelva a reponer esta obra y pueda disfrutarla más gente.
Adolfo Simón
La Toñi en el Café del Cosaco
La Toñi ya se ha convertido en un personaje familiar, no hay mercado o mercadillo donde alguien no hable de su vida o de los modelazos que usa en sus chous. Ella ha vivido siempre demasiado deprisa y por eso se ha equivocado de los lugares y horas en los que estar a tiempo. El viernes pasado llegó al escenario del Café del Cosaco y creía que iba a hacer un bolo en el Real; así podríamos resumir su vida…Siempre quiso amar y vivir entre joyas y lo ha hecho entre bisutería. Por suerte para nosotros, se quedó en la tarima de este curioso lugar y nos deleitó con sus canciones y anécdotas alrededor del amor. Un espectáculo lleno de guiños y sorpresas…arriesgado en sí y para todos los que en él participan y no digo más, si quieren saber detalles, vayan los viernes por la noche al Café del Cosaco y relájense, que la vida son dos estaciones de tren y casi nunca estamos a la hora de coger el que conviene.
Adolfo Simón
Los buitres en La casa de la portera
Un hombre y una mujer celebran su décimo aniversario esperando a alguien. Una relación cimentada en el odio y en el desgaste que se verán reafirmada con la llegada de un amigo del pasado, cargado de secretos, que acaba envuelto en una lucha por la supervivencia moral hasta las últimas consecuencias. En la recta final para que se cierre este emblemático espacio, siguen aterrizando personajes inquietantes en sus salones. No sabemos si llegan de la realidad o de un paraíso donde el amor y las relaciones humanas se han mecanizado. En Los buitres encontramos unos seres desgastados por el tiempo y convertidos en alimañas. Un mundo oscuro y perverso.
Adolfo Simón
Hedda Gabler de Henrik Ibsen en el CDN
Hedda Gabler es una de las obras más atemporales de Henrik Ibsen, nos muestra un mundo que podría corresponder a otra época pero que es de rabiosa actualidad: La necesidad de no quedar atrapado en una tela de araña asfixiante donde no puedes elegir tu destino. La versión que ha realizado Yolanda Pallín propone un universo en el que todos están observándose en una jaula de oro y Eduardo Vasco dirige la propuesta y a los actores acentuando este laberinto obsesivo y perverso donde Hedda tomará la decisión final para abrir su vida al mundo aunque el precio que ha de pagar es caro. Cayetana Guillén Cuervo es Hedda y transita por el escenario como alguien que ve como su trayecto se acerca al abismo, el elenco se completa con la presencia de Ernesto Arias, Jacobo Dicenta y Verónika Moral y Charo Amador.
Adolfo Simón
«Hedda Gabler» de Henrik Ibsen
Dirección: Eduardo Vasco
Reparto: José Luis Alcobendas, Charo Amador, Ernesto Arias, Jacobo Dicenta, Cayetana Guillén Cuervo, Verónika MoralEduardo Vasco.
Yolanda Pallín (Versión), Carolina González (Escenografía), Miguel Ángel Camacho (Iluminación), Lorenzo Caprile (Vestuario), Ángel Galán (Música), Eduardo Vasco (Espacio sonoro y vídeo), Isidro Ferrer (Cartel), marcosGpunto (Fotos), Paz Producciones (Vídeo)
El médico de su honra de Calderón de la Barca de Corsario en la CNTC
El médico de su honra de Carlderón de la Barca cuenta la historia de don Gutierre, un hombre obsesionado con la sospecha del amor entre su esposa Mencía y el hermano del rey, el infante don Enrique. Para que el supuesto adulterio no se haga público, don Gutierre decide ser el «médico de su honra» y llevar a cabo un diabólico plan.
Escrita a mediados del siglo XVII, la obra es una tragedia de mujeres en un mundo dominado por los hombres. Aquí está la sangrienta receta para curar los celos; el asesinato premeditado y consentido por la autoridad; el reino del secreto, la doble moral y los valores inquebrantables. La obra nos muestra las múltiples caras de esa sociedad machista que hemos heredado y que aún seguimos sin enterrar. De nuevo, la Compañía Nacional de Teatro Clásico nos permite conocer otra forma de abordar nuestros textos del Siglo de Oro en el ámbito de las Autonomías. Corsario tiene una larga trayectoria abordando de manera más asequible el teatro en verso.
Adolfo Simón
BigMouth (Bocazas) de Valentijn Dhaenens en el Teatro del Barrio dentro del Festival de Otoño a Primavera
“Quien sabe elegir sus palabras es capaz de transformar el argumento más débil en la más poderosa de las razones”.Bajo esta poderosa premisa, el gran éxito del Fringe Festival de Edimburgo en 2012 llega al XXXII Festival de Otoño a Primavera de manos de SKaGeN, una de las compañías belgas con mayor proyección en Europa desde Ontroerend Goed.El genial director e intérprete en solitario Valentijn Dhaenens ha cosechado el aplauso unánime de la crítica y el público a nivel internacional, que no han dudado en tildar su impresionante interpretación en BigMouth (Bocazas) como un “auténtico torbellino”. A partir de fragmentos de discursos célebres y de otros algo menos conocidos, Dhaenens nos muestra que los trucos del oficio de la oratoria apenas han cambiado en los últimos 2.500 años y que la verdad absoluta no existe, sino tan solo bellas mentiras que son pronunciadas por aquellos que aspiran a llegar al poder. Muy oportuna la presentación de este espectáculo inaudito en el Teatro del Barrio, un espacio que está encontrando su lugar en la cartelera de Madrid gracias a mostrar obras donde el discurso y la propuesta escénica está enfocada a desvelar el juego peligroso del poder y el lenguaje. Y más oportuno aún, estrenarlo en Madrid cuando estamos casi en campaña electoral. En Bocazas, de manera muy sugerente y con un trabajo virtuosista por parte del intérprete, nos muestran que no hay apenas diferencia, en la historia, de lo que han querido decirnos algunos de los supuestos grandes hombres, que tal vez cambia el tono pero no aquello que quieren que provoque nuestra reacción como ciudadanos. Un curioso experimento político para hacernos reflexionar sobre qué nos dicen y cómo aquellos que han trazado las líneas éticas en la historia del hombre.
Adolfo Simón
Amaluna del Circo del Sol en Madrid
Amaluna invita a los espectadores a una misteriosa isla gobernada por Diosas y guiada por los ciclos lunares. Su reina, Prospera, celebra la ceremonia de entrada en la etapa adulta de su hija con un ritual en honor a la feminidad, la renovación, el renacimiento el paso de estos valores de una generación a otra. El estallido de una tormenta provocada por la propia Prospera obliga a un grupo de jóvenes hombres a aterrizar en la isla, una llegada que desencadenará una épica y emocionante historia de amor entre la hija de Prospera y un joven pretendiente. Pero su amor será puesto a prueba. La joven pareja deberá enfrentarse a difíciles pruebas y superar reveses desalentadores antes de lograr alcanzar la confianza mutua, la fe y la armonía. Siempre que vuelve a Madrid el Circo del Sol es un acontecimiento, al poco de ponerse a la venta las entradas, se agotan y hay que ampliar funciones. Creo que podría haber un Circo del Sol estable en Madrid, hay un público ávido y fiel de estos emocionantes espectáculos. En esta ocasión, Amaluna es, probablemente, la propuesta más completa y rica desde aquel maravilloso Alegría. Con el tiempo han ido enriqueciendo las obras, sobre todo, dramatúrgicamente; la técnica y espectacularidad siempre ha sido difícil de igual, la marca del Circo del Sol es algo que atrae a cualquier espectador curioso y exigente en todos los continentes. En Amaluna hay, además, reminiscencias shakesperianas, de manera sutil, los personajes de La tempestad y Romeo y Julieta se entrecruzan dando consistencia a la historia que podría situarse en el universo femenina de Pentesilea. A veces, se juega con mezclar personajes históricos y el resultado no es muy interesante. Aquí la historia de magia y amor de los seres que se encuentran por casualidad en esa isla gobernada por mujeres, da paso y juego a todos los números de acrobacias y humor. No hay un momento en que decaiga el show…Es frenético, teatral y espectacular en cada momento y todos los artistas son de un nivel excepcional. Y, además, los componentes, en gran medida femeninos, dan un toque personal y peculiar a la estética y poética de Amaluna…Bello y de fuerza fascinante. Hay algunos números que no se habían visto hasta hoy y que dejarán boquiabierto a todo el que acuda a la carpa instalada en la Puerta del Ángel de Madrid. No lo duden, vayan a ver Amaluna, no les defraudará.
Adolfo Simón
«Insatisfechas» en el Teatro Fernán Gómez
Miriam Díaz-Aroca y Belinda Washington continúan formando tandem en el teatro dirigidas por Juan Luis Iborra, el director de títulos destacados de la época dorada de las comedias en el cine español como “Salsa Rosa”, “Boca a Boca” “Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo” o “Todos los hombres sois iguales” y que últimamente ha pasado su batuta a la dirección de teatro.
Después de ver el cartel que anuncia la obra, con dos actrices perfectamente peinadas, maquilladas y retocadas esperamos asistir a una comedia de «alta sociedad», pero no… nada tiene que ver…»Insatisfechas» podría calificarse como una comedia «choni»a la española, con los gags típicos de este género que tanto gusta al público patrio y con el toque de estilo Iborra, que ha intentado adaptarse a estos tiempos de crisis en los que esas comedias, donde no existe la crisis y el máximo problema del protagonista es un affaire amoroso, se han quedado obsoletas e incluso mal vistas.
La Mari y la Encarni, dos mujeres de barrio, amigas inseparables desde la infancia y con toques «choni» deciden embarcarse en una aventura debido a que piensan que su vida no es como ellas la habían soñado. Con reminiscencias a «Thelma y Louise», se escapan en un coche rumbo a Benidorm para encontrar un futuro mejor, encontrándose por el camino con el chulo de turno que acabará siendo el pañuelo de sus lágrimas en una mala pensión de carretera.
La comedia exige una interpretación exagerada, por los personajes que se interpretan, y las actrices intentan meterse en la piel de esas amas de casa, chillonas, despeinadas y teñidas en casa, maniquís del mercadillo, que ya no tienen ilusiones, que viven el día a día en su pequeño mundo de barrio, que comen pipas al sol en el banco más cercano a su casa como su mayor diversión, que sirven a sus maridos e hijos como si se tratase de una obligación y que tienden la colada como autómatas mientras hablan de sus penas. Todo un reto para Miriam y Belinda después de haber representado a dos viudas ricachonas del Barrio de Salamanca…
Luis Mª García.
Teatro de Mariano Peyrou en la Sala TU
En el programa de mano dice que esta comedia es filosófica y que gira alrededor de la seducción. Realmente, lo que se desprende del texto es un juego múltiple en el que un Don Juan de hoy, sin el atractivo ni capacidad de manipulación que tendría el personaje mítico, trata de conseguir, una y otra vez, de mujeres distintas aunque con un perfil físico similar; como si siempre buscase la misma mujer, la consumación inmediata del acto sexual, sin preámbulos ni juegos de seducción, como se diría vulgarmente…»Yendo al grano». Evidentemente, si este es el Don Juan de hoy, Doña Inés le ha ganado la partida.
Adolfo Simón
Our Town de Thornton Wilder en la Sala II del Centro de Arte Fernán Gómez
Thornton Wilder escribió Our Town para hablar de las pequeñas cosas que van tejiendo la vida y lo situó en un pueblo del Este de Estados Unidos. Durante la narración, en tres épocas distintas, va describiendo como el lugar se transforma pero lo esencial, en los seres humanos, se mantiene. En pocas ocasiones se ha representado este interesante texto porque precisa de muchos actores y una producción importante y claro, no están los tiempos, por desgracia, para riesgos. En esta propuesta, capitaneada por Gabriel Olivares, se han unido un grupo de actores para arriesgar de nuevo por esta obra y han hecho algo muy interesante que es, no dejarse llevar por las sugerencias de tiempo, lugar o situaciones…Desarrollado un proceso de creación para ir a lo esencial, usando unos módulos como espacio escénico que va transformándose cada vez en distintas localizaciones y sobre todo, encarnando los personajes sin temer que su edad o características no se adecuen al perfil descrito por el autor. Desde el principio se establece un código por el cual, el público también es ese pueblo y por tanto, va a ser un cuento que se les narra, unos acontecimientos que ocurrieron y que tal vez sigan ocurriendo hoy.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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