«Yo te querré», el Proyecto Zarza del Teatro de la Zarzuela
Los temas que compuso el maestro Francisco Alonso para sus zarzuelas se unen para crear la nueva producción del Teatro de la Zarzuela, en su Proyecto Zarza: Zarzuela hecha por jóvenes y para jóvenes.
Su director actual, Daniel Bianco, ha hecho de este proyecto una apuesta ganadora y, en esta ocasión, ha encargado el texto a Lola Blasco para rescatar las melodías y los personajes que poblaban los años veinte del siglo pasado y renovarlos, haciéndolos más atrayentes para los jóvenes que desconocían este tipo de historias. Para ello utiliza el «teatro dentro del teatro» en el que una pareja de jóvenes, La Autora y El Director, discuten sobre cómo construir la obra que van a llevar al teatro y de aquí van surgiendo boxeadores, indios, falsas cupletistas, transformistas e incluso espías… una dramaturgia que crea una obra coral en la que la protagonista es la música, y no uno de los personajes.
Por su parte, el director de escena, José Luis Arellano, se encarga de movilizar a todos ellos para que nunca paren en escena, gracias a la dirección musical de Lucía Marín, al estilo de un cabaret, o un musical en el que todos viven todo y todos manifiestan sus sentimientos a la vez, creando un dinamismo necesario para que la energía fluya en escena y el aplauso sea generoso y constante. Los tres son capaces de hilar los retazos para crear una sábana nueva en la que volver a cubrirse, independientemente de la edad, y poder soñar con esas melodías.
Luis Mª García Grande
El Teatro Español acoge un Baile literario entre Madrid y París
El Teatro Español acoge el próximo domingo 15 de octubre un Baile Literario dentro de los actos que cada año organiza la ciudad francesa y que para este 2017 han elegido a Madrid. Este ‘Tándem’ es un intercambio cultural que cada año realiza junto con una ciudad extranjera. Un mes de conexión cultural Madrid-París con más de 30 citas programadas en ambas ciudades.
Baile literario es una iniciativa del Théâtre de la Ville de París en colaboración con el Teatro Español. Dos dramaturgos parisinos (Elisabeth Mazev y David Lescot) y dos dramaturgos españoles residentes en Madrid (Lola Blasco y Paco Bezerra) se reúnen la víspera de la presentación con una lista de canciones muy conocidas de ambos países. Entre todos deben escribir una trama de 4 episodios que debe finalizar con el título de una de esas canciones. Al día siguiente, los espectadores están invitados a escuchar esa historia original, única, escrita a ocho manos y como colofón podrán bailar esos temas que forman parte del imaginario común de cada país.
De Madrid a París y de París a Madrid. Este es el recorrido que a lo largo del mes de octubre harán decenas de propuestas culturales a través de Tándem París-Madrid, el programa cultural impulsado por el Ayuntamiento de París que cada año selecciona a una ciudad del mundo realizar un profundo intercambio cultural. Tras su intercambio con la ciudad de Nueva York el pasado 2016. Madrid toma ahora el relevo y durante el mes de octubre se convertirá en el momento de conexión entre los proyectos culturales creados en ambas capitales.
De manera simultánea en las dos ciudades y con dos plazas como epicentro del programa, el Tándem Madrid- París gira en torno a la transformación urbana, y más concretamente al papel que juega el arte, la cultura y la participación ciudadana en esta transformación.
En total más de 30 actividades que abordan una enorme variedad de disciplinas como las artes escénicas, la música o el diseño, pero también la arquitectura, el urbanismo, la fotografía o el cine. Tanto en París, donde las actividades arrancan el día 1 como en Madrid, que lo hacen el día 3, cada una de estas disciplinas se presentará en formatos diferentes desde las exposiciones a los talleres o proyectos de trabajo más experimentales.
El Tándem París-Madrid 2017 está organizado por el Ayuntamiento de París, el Ayuntamiento de Madrid y el Institut Français, en colaboración con la Embajada de Francia y el Institut Français en España y la Embajada de España y el Instituto Cervantes en Francia.
Hard Candy de Brian Nelson en el CDN
Thonggrrrl14 y Lensman319 llevan semanas chateando y flirteando en la red. Por fin han decidido conocerse. Thonggrrrll14 es Hayley, una adolescente de unos 14 años, y Lensman319 es Jeff, un afamado fotógrafo de moda de 32 años. Tras un breve encuentro en una cafetería, Hayley accede a ir a casa de Jeff con el pretexto de escuchar un concierto. Pero Hayley tiene un sofisticado plan, que empieza por tenerle secuestrado en su propio apartamento. Está empeñada en desenmascarar a Jeff como pederasta y también como asesino de la desaparecida Donna Mauer. Y de este modo, obligarle a asumir las consecuencias de sus actos. Para conseguirlo hará todo un despliegue de recursos sorprendentes para una chica de 14 años, aunque Jeff no se lo pondrá fácil. El cruce de caminos creativos entre el Laboratorio Rivas Cherif (CDN) y el Laboratorio de Creación (LAZONAKUBIK) está dando resultandos interesantes, lástima que se muestran poco tiempo en programación. El caso que nos ocupa, Hard Candy, en adaptación de Lola Blasco y puesta en escena de Julián Fuentes Reta da un giro al cuento que siempre nos han hecho creer sobre esa caperucita frágil y débil que se encuentra con el lobo en el bosque, en este caso, la adolecente toma las riendas de una situación en la que ha de vengar a muchas niñas abusadas a lo largo de la historia. Una propuesta dura, llena de hallazgos escénicos que mantienen al espectador pegado a la butaca del teatro.
Adolfo Simón
La señorita Julia y La señorita Elsa: El precio del desarraigo
Hay dos piezas de teatro en la cartelera de Madrid que coinciden a la hora tratar el tema de una mujer que intenta enfrentarse a sus deseos pero encuentra, en la sociedad, un muro infranqueable…
La señorita Elsa es la adaptación de la novela de Arthur Schnitzler realizada por Lola Blasco para la escena. En Sexto Derecha, un espacio en el que la temporada pasada disfrutamos de unas pequeñas joyas escénicas, se presenta, en la intimidad más absoluta, el periplo de esta joven que, al tratar de descubrir su propio deseo, se encuentra con que el resto de la sociedad ya ha decidido cuál será su viaje emocional. Un ejercicio arriesgado que la joven actriz, Angela Boix realiza con temple gracias a la dirección de José Luis Sáiz.
Y en La Pensión de las Pulgas, se ha estrenado una adaptación de La señorita Julia de August Strindberg, con el título de El ojo de la aguja, dirigida por Estefanía Córtez, con Esther Acebo, Sergio Pozo e Irene Escalada. La acción la han trasladado al mundo de las altas empresas donde una rica heredera, atrapada en su soledad emocional, intenta conseguir domar a su chofer ante los ojos de la secretaria. Un viaje al sometimiento físico y afectivo, sin cortapisas.
Adolfo Simón
Piezas de otro mundo por ti en Microteatro por dinero
Microteatro por dinero se ha convertido en uno de los formatos más imitados escénicamente en los últimos tiempos. La ciudad de Madrid y otras del país están trufadas de piezas breves que se muestran en recónditos espacios. Este mes, Microteatro por dinero ha tenido el tema de «Por ti» como estímulo para las historias que han representado en su peculiar teatro. Acudir a Microteatro es una experiencia que siempre depara satisfacciones…Se descubre un autor o una directora…Se ve por primera vez una intérprete desconocido que tiene energía y magia…Y sobre todo, se encuentra uno, allí, a profesionales de larga trayectoria que se quieren medir con ese espacio mínimo en el que han de cohabitar con el público. En esta ocasión he transitado por piezas de la sesión de tarde y la golfa…
En la tarde he de destacar los trabajos de Juan Meseguer, Lola Blasco, Nancho Novo, Miquel Mars y en la golfa a Sonia Sebastián, Estefanía de los Santos, Rodrigo Poisón o José Ignacio Tofé…acompañados en todas ellas de un buen grupo de jóvenes promesas escénicas.
Todas las historias tenían algo en común, la necesidad de creer en algo externo que nos hará libres y nos llevará a la felicidad eterna, para ellos, los personajes no escatimarán recursos y locura que, al final, no les sitúa en ese tiempo de calma zen si no en una vida al borde del precipicio y la locura con terribles consecuencias, en algunos casos divertidas.
Adolfo Simón
Canícula del Colectivo La casa en el árbol en Cuarta Pared
Vicente Colomar y el colectivo La casa en el árbol llevan a escena este detallado y rico retrato familiar escrito por Lola Blasco. El teatro contemporáneo sobre el papel necesita propuestas enloquecidas para que conecten con el espectador. En esta ocasión, el tercer proyecto surgido de ETC de Cuarta Pared se presenta y consigue que los laboratorios puedan seguir su curso de desarrollo para convertirse en producción escénica.
Luis García Grande
Dramaturgas del siglo XXI editada por Catedra-Letras Hispánicas
Nos llega a la redacción de la revista un ejemplar fantástico de Catedra-Letras Hispánicas: DRAMATURGAS DEL SIGLO XXI, Antología en la edición de Francisco Gutiérrez Carbajo. Las autoras incluídas en esta Antología presentan preocupaciones y procedimientos dramatúrgicos semejantes y abordan cuestiones fundamentales del panorama político, cultura y artístico de la actualidad. Sus obras quieren convertirse en discursos cívicos y en amplificaciones culturales. Se recogen obras de: Lola Blasco, Antonia Bueno, Diana de Paco Serrano, Juana Escabias, Beth Escudé i Gallès, Aizpea Goenaga, Diana I. Luque, Gracias Morales, Itziar Pascual, Carmen Resino y Vanesa Sotelo.
QRLA
Artículo 47 de Lola Blasco en el Teatro del Barrio
Artículo 47 es un proyecto de investigación teatral. La dramaturgia incluye testimonios reales, textos de creación colectiva y textos teatrales universales. A iniciativa de la directora, se reunió un grupo de actores y una cantante y compositora, para investigar e improvisar sobre el tema de los desahucios. La indagación empezó en diciembre del 2012. En junio de 2013 la dramaturga aunó el trabajo generado con las improvisaciones grabadas a lo largo de estos meses, las entrevistas realizadas a personas desahuciadas o en proceso de desahucio y tomando como inspiración El Jardín de los Cerezos de Chejov. De todo ello ha resultado un espectáculo muy interesante, una mezcla de musical contemporáneo con fondo de denuncia social. Los actores son un coro humano que se transforma y muta ante los ojos del espectador para crear espacios dramáticos en los que transcurren las diferentes situaciones que van componiendo este puzle actual de los temas que están poniendo contra las cuerdas al ciudadanos de este principio de milenio. La acción del presente se da la mano con secuencias de la obra chejoviana, consiguiendo que el drama adquiera tintes atemporales. Todo el equipo está compactado y funciona como el mecanismo de un reloj en sus distintas atmósferas, seguro que con el rodaje de las funciones se conseguirá una propuesta muy sugerente para sus futuras representaciones.
Adolfo Simón
Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.
¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.
Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.
¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.
¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…
¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.
¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.
¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.
La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.
Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.
Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.
Combates dialécticos en escena
Cuando nos amordacen, morderemos.
Cuando nos empujen, levantaremos la mirada.
Cuando tengamos que marchar, no lloraremos.
Afuera, la ciudad ruge con sus luces de neón y con el sonido de las máquinas tragaperras, adentro la palabra.
Hay veces que necesitamos reír y reír…pero otras necesitamos que las palabras nos sumerjan en océanos oníricos, en ciudades amuralladas, para salir de esta realidad tonta que nos asfixia. Y para eso hemos de volver a entrar en los espacios del rito, en el teatro…
Ya sé que la Gran Vía está en el centro de la ciudad de Madrid, ya sé que allí están los espectáculos de masas, pero a mí me gusta perderme por los barrios, por las calles estrechas e ir a espacios donde el tiempo se detiene o se dilata…
Hoy toco ir a EL TALLER, en el barrio de Usera…Y allí me he encontrado un trozo de teatro donde la palabra se ha hecho carne gracias a las actrices que interpretan Visiones de Margarita de Navarra de Ángeles Carmona; de LA MALA COMPAÑÍA…Es un ritual de puro teatro, donde se viaja a través de las imágenes escritas, palabras que crean formas en el espacio. Un lenguaje hermoso y contundente…Y me pregunto… ¿Por qué la ciudad y sus dirigentes dan la espalda a estos lugares?…Seguramente les da miedo sentir, mirar de frente, ver la realidad. Acudan a ver este trabajo, no les defraudará.
Y no podrán ver, de momento…En Defensa, hoy ha sido la última función de este poema dramático que ha estados las últimas semanas en Cuarta Pared. Creo que el equipo de esta propuesta no sabe que han hecho una ópera contemporánea, un espectáculo de una sensibilidad exquisita, comprometido y generoso. Cuando nos comunicamos por sms o a gritos desde los balcones, aquí se instalan en un espacio de poesía visual donde la palabra, las imágenes, la música, el espacio…todo, adquiere una dimensión de poema clásico atravesado por una contemporaneidad rabiosa. Estén atentos, si vuelven a ver programado…En Defensa de Lola Blasco, acudan a verlo con el silencio en la cabeza.
Adolfo Simón
LOLA BLASCO nos habla sobre su experiencia en la creación dramatúrgica.
¿Cómo surge el proyecto EN DEFENSA?…
En Defensa surge dentro de uno de los laboratorios ETC de la sala Cuarta Pared denominado Lo real. El laboratorio partía de la premisa ¿cómo llevar lo real a escena? La investigación, en mi caso, se centro en cómo renovar el teatro político a través de la música. Pensando en Bertolt Brecht y en su opereta, la pregunta que me hice fue ¿cuál sería la opereta de ahora? Y consideré que el rap o el spoken word era una forma interesante de renovación de ese lenguaje. No obstante, yo creo que la verdadera radicalidad reside, como su nombre indica, en irse a las raíces. Por ello pensé en la figura del clásico rapsoda en las tragedias y, de nuevo, el rap me servía para «modernizar» esa figura. Pero en En Defensa, además de rap hay cantos en latín. Y textos de rabiosa actualidad política. Así lo nuevo y lo viejo se dan la mano.
Para el concierto hemos contado con dos compositores, Luis Paniagua y Jesús Rubio. Cuyos estilos son radicalmente opuestos. Luis compone con instrumentos antiguos como la lira, mientras que Iñaki hace música electrónica . Ha sido un lujo trabajar mezclando estilos tan distintos.
Al igual que pasa con la música, la temática comienza en el presente, (se centra en los jóvenes que tienen que exiliarse por la falta de trabajo en el país, en la denominada Generación Perdida) pero echa la vista al pasado, al exilio republicano y antes aún, y encuentra, en las figuras de Sócrates y Ovidio, consuelo.
¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores y el director?¿Y las siguientes fases hasta su estreno?…
En el proceso de ETC trabajé con Óscar Villegas y el laboratorio aunque breve fue muy fructífero. Después volví a trabajar con Óscar en Proyecto Milgram en el CDN, precisamente por la buena comunicación que tengo con él. No obstante, cuando Julián Fuentes Reta, director con el que trabajo de forma habitual, propuso retomar En Defensa, Óscar no pudo sumarse al proyecto y en ese momento pensamos en Luis Panigua. Trabajar con Luis ha sido maravilloso en todos los sentidos. Admiro su música y para mí ha sido un gran placer. Iñaki ya hizo el espacio sonoro para Los hijos de las nubes, así que ya conocía su estupendo trabajo. De entre los actores ya había trabajado en varios montajes con Miquel Insúa, al que también conocí en un ETC. Completan el reparto la actriz y cantante Mónica Dorta y el rapero Mentenguerra. Todos ellos son grandes profesionales, pero lo que me parece más importante, excelentes personas. Sé que me has preguntado por los actores, pero me gustaría hablar también del maravilloso trabajo de Jesús Almendro (quien hace las luces de esta función, pero con quien ya trabajé en Los hijos de las nubes) y de Iván Arroyo (que se encarga de los audiovisuales), así como Marcela Cantillo, una artista plástica que se suma al equipo por primera vez.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
En realidad, En Defensa es la obra para la que menos me he documentado de cuantas he escrito, ya que surge de un problema personal, del problema de los jóvenes de mi generación, de mis amigos. Nace de la rabia y de la tristeza y de la necesidad de utilizar el teatro para compartir el duelo.
¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Sí, bastante. De hecho parte del texto se ha construido sobre los ensayos y con conversaciones que he tenido con Miquel Insúa.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Es imprescindible. El teatro es un trabajo de equipo. Para mí no hay un elemento más importante que otro en el hecho escénico. Considero de igual importancia desde la primera palabra escrita hasta el último foco dirigido. El teatro es un arte horizontal. Si no contara con el resto de personas que he mencionado, mis obras no saldrían de la soledad de un cajón.
Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado…
Creo que eso sería lo deseable, pero no siempre ocurre. Y publicar resulta de mucha importancia también. Yo he tenido mucha suerte, la verdad, y hasta la fecha, he visto todas mis obras estrenadas, sin embargo tengo alguna sin publicar.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autora en teatro?…
Han sido buenos trabajos, si no lo creyera no me habría metido en esos proyectos. Estoy contenta con tener la posibilidad de seguir estrenando y de seguir creciendo como autora. He crecido mucho desde mi primera obra. Mis últimos trabajos, Los hijos de las nubes, Proyecto Milgram o En Defensa, han sido trabajos de fuerte carga política. Sacarlos adelante ha sido arriesgado, pero me han traído muchas satisfacciones.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que es otra más de las acciones que lleva a cabo el gobierno para acabar con la cultura del país. Antes sentía rabia, ahora cansancio, y eso me da miedo.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Es importante tener algo que contar, no caer en un formato televisivo de entretenimiento que sólo consigue ser opio para el pueblo. El teatro es una experiencia compartida de un conjunto de seres humanos, es un ritual. Creo en ese tipo de teatro en el que uno sale transformado de la sala.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Si alguien la tiene, por favor, que me escriba.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Staying Alive de Matarile. Con momentos de una belleza indescriptible.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Como un «sálvese quien pueda». No hay ninguna red que sostenga al autor, y dentro de la propia profesión, es el último a tener en cuenta. Yo me he visto obligada a encargarme o involucrarme de un modo u otro en mis espectáculos porque de lo contrario, al cabo del tiempo, a la gente que está en la sala ensayando se les olvidan los meses que dedicaste creando una historia. Y te marginan por ello. Es una profesión solitaria, carente de recursos. Y además, como la palabra siempre queda escrita, a diferencia de lo efímero que resulta el resto del hecho teatral, los autores se enfrentan al juicio y a la critica constante. Dicho esto, creo que nos crecemos ante la adversidad. Creo que hay una nueva generación de autores con fuerza y con valentía para contar historias que merezcan la pena. Agradezco iniciativas como la de la Cuarta Pared. A mí me han dado la posibilidad de seguir creando.
¿Proyectos?…
Pues he acabado Los Gigantes, una obra musical sobre el drama de los deshaucios dirigida por Lorena Bayonas con música de Ana Laan, también he acabado Canícula, obra que la Cuarta Pared ha dotado con cinco mil euros para su puesta en escena y recuerdo que todavía se puede concurrir con un proyecto para el montaje de la misma. Además, estoy haciendo una adaptación de Proyecto Milgram para cine, me han dado la beca del Inaem para escribir Siglo mío, bestia mía y en Junio me han invitado a crear un texto colectivo que se representará como lectura dramatizada en el Deutsches Theatre de Berlín. No me puedo quejar.
Hoy lunes, encuentro con dramaturgos en el Instituto Cervantes de Madrid
El Instituto Cervantes organiza esta tarde, a las 19´30 horas, el coloquio «Jóvenes dramaturgos», en el que intervendrán Sergi Belbel, Antonio Tabares, y Lola Blasco. Tabares es autor de «La punta del iceberg», obra teatral que se representará en el Teatro de La Abadía (Madrid), dirigida por Sergi Belbel. Lola Blasco es investigadora y autora teatral. El acto podrá seguirse en directo a través de esta web y a través de @InstCervantes.
Más info en: http://www.cervantes.es/default.htm
JULIÁN FUENTES nos habla de sus experiencias teatrales
¿Cómo surge el proyecto de Los Iluminados?…¿De qué va la obra?…
Surge a raiz de un viaje de Jorge Muriel a Nueva York, actor e impulsor del proyecto, donde toma contacto con Derek Ahonen y su compañia ‘Los Amoralistas’, que le facilitan el texto. A su regreso, Jorge y yo hablamos y hablamos del texto y finalmente decidimos empezar la larga marcha para montarlo; de esto hace mas de dos años. Puede decirse tambien que el proyecto nace de nuestra necesidad de contar historias aqui y ahora, historias que nos confronten, nos aludan y, en este caso concreto, nos diviertan enormemente. La obra escrita en el 2008, y precursora de lo que sucedió después a nivel global, es una comedia salvaje que narra el comienzo de la larga caída que hemos y estamos sufriendo. Velarde, Amor, Amanecer y David son cuatro activistas políticos que viven y regentan el restaurante vegano “Los iluminados”. Esta particular familia batallará con uñas y dientes para mantener a flote su idea de utopía, frente a las profundas contradicciones internas y externas de vivir en el corazón de un sistema que se hace pedazos. Los iluminados es el retrato de una generación atada a un edificio que se derrumba, y cuyos lastres residen, ante todo, dentro de ellos mismos.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
La obra trata acerca de las incogruencias del sistema en que vivimos, y mas aun, creo yo, de la carencia de fe absoluta de cualquier conjunto de reglas establecidas, ya que todas ellas (religion, civismo, politica) no han evitado que estemos metidos en una crisis etica y economica galopante. A raiz de esto, debimos investigar en el principio del fin, es decir, la configuración del pensamiento contemporaneo, el comienzo del entorno ideologico que ahora está acabando. Esto nos llevo hasta Nietzsche, al que elegimos como ‘bastión’ filosofico del trasfondo de la obra, pero tambien a pensadores contemporaneos como Alan Sokal, Noam Chomsky y Meredith Haaf, entre otros, y a manifiestos ‘subversivos’ como ‘La insurreción que viene’ de ‘El colectivo Invisible’, los manifiestos de UnaBomber, y el movimiento de los ‘Anonymous’. Fuimos leyendo, hilando, entendiendo y manifestando. Otra gran busqueda fue la de el entorno estetico: nos dimos cuenta que las grandes leyendas de nuestro tiempo, los idolos de este mundo que acaba, eran siempre musicos, artistas o creadores que acabaron con su vida antes de tiempo, una suerte de ‘Cristos’ del rock’n’roll y la imagen. A raiz de ello, hicimos una investigación en el entorno de estos ‘salvadores’, tales como Jim Morrison, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Kurt Cobain, Ian Curtis, Bon Scott, Freddie Mercury, Joey Ramone… en fin, los santos martires del rock’n’roll. De ahi que toda la musica que se escucha en primer y segundo acto sea, siempre, de uno de estos ‘santos’ desaparecidos. Esto nos llevo a preguntarnos el porque de ese deseo de trascendencia, manifestado por la admiración a estas figuras. Y nos fue llevando a la conclusion del montaje, tercer acto, del que hablaré poco. Hay que verlo.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Lo esencial era que la obra fuera intensa, casi desquiciadamente vital, fuera de toda regla de decencia o civilidad, y al mismo tiempo careciera de amargura o cinismo. En suma: debia ser potente pero no agresiva (aunque habrá quien encuentre fragmentos sin duda muy ofensivos, pero eso ya responde mas a las creencias y prejuicios de cada espectador). Caminar por este filo ha sido para los actores, los diseñadores, y yo mismo, algo fascinante y arduo. Pero tremendamente gratificante. El trabajo con los actores es la propuesta misma, apuntalada por una propuesta visual basada en elementos de la proporción renacentista, que quise incluir a raiz de la tematica de la obra. Para mi, el teatro necesita y quiere estallar, romper con el post-modernismo, el eclecticismo en el que todo cabe y nada es esencial, y encontrar un forma clara de discurso, una verdad sencilla y que implique, sin embargo, cientos de circunvalaciones del pensamiento. Y esto, curiosamente, identifica lo que tengo en mente con ese periodo de la historia. Pero insisto, la obra son los actores, sin ellos y su viaje nada cobraria sentido.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Han sido un viaje intenso, quiza hacia la conclusion que he citado en la pregunta anterior. De ‘If I drown I can swim’ de Maitland Schanaars, mi ultimo proyecto en Australia antes de regresar a España y montar ‘El proyecto Laramie’, ya con Jorge, desquitarme de una espinita que tenia clavada con ‘Mundos Posibles’ y conocer la potente dramaturgia de Lola Blasco gracias a ‘Los hijos de las nubes’ y ‘El proyecto Milgram’, he sentido andar un camino de busqueda concreta que me está llevando a un lugar de mucha claridad, a un lugar donde sé, al menos por ahora, lo que quiero hacer y como hacerlo. A veces lo pondré al servicio de proyectos que manen de mi, y otras al servicio de hacer una buena artesania teatral, pero siento que la dedicación al trabajo va dando sus frutos, quiza no a nivel de proyección laboral, pero si a nivel de claridad de las propuestas en las que voy trabajando. Y aun me queda mucho, mucho camino que recorrer para llegar a donde quiero llegar…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Hoy mas que nunca, como dijo Javier Albalá, actor de ‘Los iluminados’ para una entrevista, el teatro es un lugar donde se plantan semillas que pueden germinar directamente en la manera en la que la gente puede afrontar los conflictos sociales en los que vivimos inmersos. El teatro es una herremienta de cambio, y durante años nos han intentado convencer de que era solo ocio. Bien, ya es hora de que las cosas vuelvan a su lugar, y aunque nos intenten aplastar con el IVA y con las limitaciones presupuestarias, vivimos una gran oportunidad. Como ya no queda pastel que repartir, espero que todos los creadores hagan por fin lo que deben hacer: lo que les de la real gana, sin preocupacion de quedarse fuera del ‘sistema’. El sistema se está yendo a la mierda, asi que no poco a poco ya no quedará nadie ahi a quien ‘contentar’. Esto puede suponer una revolucion en el medio. Eso espero.
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
La necesidad y la certeza de que tengo que contar esta historia. Y ultimamente tambien la necesidad de mantener a mi familia: acabo de ser padre, y bien cierto es que la vida se ve de otra manera. La necesidad de poder hacer las dos cosas al mismo tiempo se va convirtiendo en un reclamo de dignidad y una batalla aun mas dura.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas para el teatro alternativo?…
Creo que ya he respondido a esto, pero incidiré en el hecho de que nos estan intentando asfixiar. Para que luego digan que el teatro no vale para nada. La cuestion es que debemos mantener nuestra estima alta, pese a que nos repitan y nos repitan que somos el ultimo mono; mas bien al contrario. Habrá que estar, sobre todo unidos. Espero y deseo que esta crisis aplane las desuniones que muchas veces se dan en nuestra profesion donde cada uno trata ‘de encontrar su lenguaje’ muchas veces a costa de no valorar el de los demás. A ver si espabilamos de una puñetera vez, que solo le hacemos el juego, precisamente, a los que nos estan cortando el aire. Espero, insisto, que dejemos de una vez de la lado la idea romantica de ‘mi propuesta’, nos demos cuenta de una puta vez que somos todos compañeros y compañeras y nos dejemos de chorradas burguesas de artistilla de medio pelo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Como he dicho antes, acabo de ser padre de una niña, tiene cinco meses ya, asi que ‘ultimamente’ no he visto nada de nada mas que sala de ensayos de ‘Los iluminados’ y la carita de mi hija. Me gustaria ir a ver ‘Feel Good’ de Alberto Castrillo-Ferrer, pasarme por la Kubik a ver en que anda Fernando Sanchez-Cabezudo, ir a ver ‘Wunderkammer’ al Price y, algun dia, cuando sea rico, pasarme mas menudo por el Real… pero por ahora seguro que lo que mas voy a ver a mi pequeña y biberones. Y encantado. Lo ultimo que vi fue ‘Hans Was Heiri’, cuando aun no habia nacido mi hija, de Zimmermann & Deperrot, y me lo pasé estupendamente
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Lo veo jodido. Pero con fuerza. Y con la necesidad de reinventarse, y no dire ‘y morir’, porque el teatro, como el rock’n’roll, nunca muere.
¿Proyectos?…
Algunos, pero da mal fario hablar de ellos antes de que se concreten. Tengo un poco de todo por delante. Ya veremos.
¿CUÁNTOS POETAS HAN MUERTO EN LOS ANDAMIOS DE LA CARPINTERÍA TEATRAL?
DOS GENERACIONES DE DRAMATURGOS ESPAÑOLES CONVERSAN
Es emocionante escuchar de boca de Ignacio Amestoy que el dramaturgo español tiene algo de Sísifo: consecuciones y logros efímeros salteados de caídas sin arnés; y, asimismo, el titular: “Seguimos con la furgoneta” (para ilustrar nuestra perenne necesidad de auto-producirnos a falta de que otros lo hagan). Amestoy (Ederra, Chocolate para desayunar, Cierra bien la puerta, etc.) Premio Nacional de Literatura Dramática, venía a corroborar que la etiqueta “emergente” no es solo aplicable a los autores menores de treinta años, aún en ese “purgatorio de duración variable, tras el cual se instalan en la gloria de los elegidos o en el infierno del olvido” (Fernando Savater), sino una condición sine qua non.
El lunes 11 de marzo, sobre la escena del teatro María Guerrero, nos sentamos a conversar dos generaciones de dramaturgos españoles nacidos, respectivamente, en derredor de los cuarenta y de los ochenta. Se trataba de una nueva cita de los “Lunes con voz”, punto de encuentro para el gueto teatral madrileño. Aunque el moderador, Ignacio García May (Alesio, El dios tortuga, Los vivos y los muertos, etc.), envalentonado por “el buen momento que vive la dramaturgia”, dictaminó que esta mesa iba a diferenciarse de otras sobre autoría en evitar el llanto y el deporte de la queja, no pudimos menos que sacar el vaso de lágrimas. La situación (recortes, subida del IVA, etc…) no es para menos.
El veterano, Domingo Miras (Una familia normal, Las brujas de Barahona, La Monja Alférez, etc.), asimismo Premio Nacional de Literatura Dramática, comenzó diciendo que los autores de su quinta, la generación realista, ganaban premios, pero no estrenaban sin haber encanecido. Nada ha cambiado, como pronto tuvimos oportunidad de aclarar los noveles (Lola Blasco –Pieza Paisaje, Proyecto Milgram-, Carlos Contreras –Verbatim Drama, La comedia que nunca escribió Mihura-, Verónica Fernández –Presas, Serena Apocalipsis- y yo –Perros en danza, La ceremonia de la confusión-), que concurríamos allí gracias al nuevo programa “Escritos en la escena”. Esta iniciativa, semejante a otras en Europa (el Royal Court) o, sin ir más lejos, el T6 del Teatro Nacional de Cataluña, ni siquiera nos depara la oportunidad de un montaje profesional. El resultado, difícil de categorizar es un semi-montado o muestra. No obstante supone un conato, un primer esfuerzo, por parte de la nueva dirección del Centro Dramático Nacional, de apoyar la creación dramatúrgica contemporánea.
Mal de muchos, consuelo de todos: las distintas generaciones no solo resemblábamos una problemática similar a la hora de ganar cierta visibilidad… También se evidenció que ciertos referentes seguían vivos y el nombre de Federico García Lorca, aquel que anhelaba el momento de “abrir los viejos escotillones del teatro” salió varias veces a colación, al igual que fuentes inspiradoras, sugeridoras de una mayor libertad dramatúrgica, como la Nouvelle Vague. No faltaron las manidas discusiones sobre si, en paralelo al teatro, podemos hablar de una literatura dramática: ¿es la obra un simple pretexto para el hecho escénico? Se trata de una cuestión cáustica, infalible a la hora de agitar una mesa de dramaturgos… Nunca nos pondremos de acuerdo: mi opinión, que el placer de leer Hamlet es distinto al de verlo representado y que ciertas obras, algunas de reciente factura, son mucho más que un cuaderno de dirección, un libro de cabecera: pequeñas biblias dialogadas.
Y mientras los veteranos discutían acerca de los pormenores biobibliográficos de Goethe (con envidia de su erudición), pensé por un momento en el viejo Allen Ginsberg revolviéndose en su tumba (querido, Ginsberg, ya queda menos para la literatura transgénero; pensé en cuántos poetas habían muerto en los andamios de la carpintería teatral; y cuánto tiempo nos lleva (como decía Picasso) llegar a ser jóvenes.
María Velasco
María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga
¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…
¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.
¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.
¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…
¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.
¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.
Que Revienten los Artistas 
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