Carles Harillo Magnet: Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas.
¿Cómo surge Los Buitres? Hablanos del proyecto…
Escribí el texto cuando tenía 23 o 24 años en Barcelona (y originariamente en catalán) después de un empacho de lecturas de Strindberg y de Baudelaire (entre otros), autores que plantean situaciones e imágenes desde una cierta decadencia de las relaciones y de la visión del mundo. En ese momento, con todo por hacer, plantee un mundo (el mundo de ahí fuera) desde la incertidumbre y desde el desconocimiento. El texto escrito ha dormido en un cajón desde entonces. En medio terminé mis estudios de interpretación, estudié cine y entre otras cosas, me trasladé a Madrid. Una vez aquí, fue al descubrir espacios como La Casa de la Portera o La Pensión de las Pulgas que el texto dormido en el cajón (junto a otros) empezó a gritarme. Lo revisé, hice la traducción y de pronto me encontré que el texto escrito desde la incertidumbre se había transformado en una certeza. Ponía encima de la mesa unas situaciones en las que me siento extrañamente cómodo y descubrí que la fuerza de Los Buitres ahora reside en ese viaje desde la incertidumbre ante «el mundo de ahí fuera” a una certidumbre. Y desde la fuerza que te da el querer compartir tu punto de vista y arropado por un equipo estupendo, fue el momento de levantar la función. Después de todo, haber sido el último estreno en la ya mítica Casa de la Portera, es uno de esos regalos que te estimulan para seguir adelante. Y seguir en La Pensión de las Pulgas desde septiembre, un lujo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Como ha sido el trabajo con ellos?…
Yo suelo trabajar desde un espacio muy colaborativo. Tener estudios de arte dramático me ayuda para empatizar con los procesos que viven los actores y me gusta ser exigente pero desde un terreno en el que mis actores sientan que ellos están contando la historia en sus parcelas particulares al mismo tiempo que mi labor es contarla en el global. También ayuda trabajar con Actores (en mayúsculas) como Mario Zorrilla que es un actor con la capacidad de hacer Vivir (también en mayúsculas) en cada función su personaje, Carmen Mayordomo, una de las actrices más nítidas, implicadas, juguetonas y generosas con las que he tenido el placer de trabajar (y con la que espero seguir trabajando en el futuro), Xabier Murua, actor de raza que ha hecho suya la premisa de “vivir una experiencia en cada función” con una fuerza, un control y una meticulosidad que facilita muchísimo el trabajo de dirección y Josi Cortés, con un personaje contrapunto, dotado de tal presencia y sensibilidad que se hace imprescindible para entender la función.
Haber estudiado cine y tener experiencia en el ámbito audiovisual, también te permite entender que cualquier colaborador en un proceso creativo es tan importante como el trabajo que tú puedas hacer o el trabajo de los actores. En esta ocasión, Los Buitres no serían los que son sin el apoyo de Zoilo Carrillo (mi ayudante de dirección que se ha ido a hacer las Américas), Gabriel Sánchez (el jefe de producción del proyecto y mi socio en Ojos de Sapo junto a Josi Cortés), Manuel De (producción ejecutiva y técnico de luces), el estupendo espacio sonoro de BobyLauren, la ya imprescindible directora de casting Mariam Grande – La Lunares y el vestuario y la dirección artística del gran Pier Paolo Álvaro con la colaboración de Roger Portal. Todos ellos han puesto su granito de arena para que no solamente hayamos levantado esta función sino que de pronto me haya visto rodeado de un grupo humano que han entendido a la perfección mis premisas (que no siempre son fáciles) y han podido dar lo mejor de sí cada uno en su terreno.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
A parte del empacho de Strindberg a la hora de escribir el texto, la verdad es que no me miro tanto en la obra de los otros sino en las impresiones que me han dejado las cosas que me apasionan de las obras de los otros. Es decir, obviamente hay referentes que me persiguen pero no como referentes directos. Procuro ser muy libre y dejarme llevar por lo que me pide el proyecto a medida que lo desarrollas (siguiendo unas premisas básicas) y supongo que las cosas que me han dejado huella por el camino, marcan el pulso de mi resultado final junto a las aportaciones de los colaboradores y los actores.
¿Por qué haces teatro?…
He nacido con la necesidad de expresarme. De mirar mi entorno siempre con ojos del que no sabe nada y de sacar conclusiones. Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas. Al contrario de lo que sucede con lo audiovisual dónde debes tener una visión global objetiva sobre un trabajo previo subjetivo, el teatro sucede aquí y ahora. Es un acto vivo de relación directa entre lo que tú estás contado y el público. Es un acto que me sigue resultando fascinante. En Los Buitres, cuando alguien se me acerca y me dice que se ha sentido reconocido en esto o en aquello y que le ha hecho reflexionar, me doy cuenta que hago teatro para eso.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro? Hablar de los más recientes.
Mi última experiencia en la dirección de teatro fue el estupendo texto “Smartphones (una farsa de bolsillo)” de Emilio Williams, con dos temporadas en el Teatro Lara. Fue una experiencia muy interesante el tener que asumir la dirección de un texto que reformula el Teatro del Absurdo (un genero que me apasiona) situándolo en el mundo contemporáneo. Fue una experiencia muy enriquecedora de la que aprendí mucho. También participé con un texto mío en “Tres segundos” de Jesús Ortega dónde compartí cartel con autores a los que admiro.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mi, hablar del teatro (como representación cultural) es hablar de la identidad de un país. Cualquier creador es alguien que aquí y ahora dice lo que piensa/siente/entiende de la sociedad que lo rodea. En el momento en que el poder niega esas voces (algo, por otro lado, imposible) va más allá de un iva o de unas trabas administrativas, lo que está haciendo es callar las voces de las personas que utilizan el arte como altavoz. En ese sentido, me parece que el poder peca de iluso al poner el foco en otras prioridades ya que el teatro, les guste o no, va a seguir sirviendo para decir lo que tengan que decir sus ciudadanos. Y que esas voces enriquecen el tejido de la identidad de los países. Y creo que es de países inteligentes crear industrias firmes de todo lo relacionado con la cultura. Con eso queda todo dicho.
¿Como crees que está afectando la subida del iva y los recortes al teatro?…
Creo que a estas alturas no se puede decir nada que no se haya dicho ya. He trabajado en productoras y en una distribuidora y puedo asegurar que, a parte de la huída del público de las salas por el incremento del precio de las entradas, hay una asfixia a TODAS las profesiones relacionadas con la cultura que dice muy poco de las intenciones de los señores y señoras que nos gobiernan. Pero eso también se ha dicho ya muchas veces. Lo único que nos queda es esperar un poco a ver si definitivamente se ponen de acuerdo y alguien valora la cultura por lo que es: un bien común.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
La última obra de teatro que he visto fue el estreno en el Off del Lara de Si los ángeles disparan basada en Garrulos de Jorge Moreno bajo la dirección de Ivan Ugalde. Me pareció un texto fantástico muy bien defendido por los actores, con una puesta en escena muy evocadora y un gran trabajo por parte de Ivan Ugalde a la hora de generar la atmósfera apropiada para esos personajes tan oscuros y contundentes. Y por supuesto es remarcable el trabajo de Manuel De en las luces y de Pier Paolo Álvaro en el vestuario y en la escenografía.
¿Proyectos?
Bajo el sello de OJOS DE SAPO (junto a mis socios Josi Cortés y Gabriel Sánchez) estamos trabajando ya en una pieza de microteatro llamada TIRITAS que se estrena el 24 de Febrero en La Escalera de Jacob (una pieza-juego teatral muy divertido), estamos en plena creación de un espectáculo con música en directo del que no puedo hablar todavía mucho, hemos hecho ya algunas lecturas de un nuevo texto que vamos a intentar levantar este año y estamos buscando financiación para un cortometraje. Paralelamente, ya estamos trabajando en la gira de LOS BUITRES que arranca el 12 de Marzo en el Centro Niemeyer de Avilés. Proyectos no nos faltan, ¡lo que nos falta es que bajen el IVA!
«Tres» en el Teatro Lara
Una simple reunión de ex-compañeras del instituto puede provocar numerosas situaciones y dar lugar a malos entendidos, dramas, comedias y enredos. Este es el punto de arranque de «Tres». Quino Falero y Juan Carlos Rubio han creado una comedia con todas las letras. Perfecta para pasar un rato entretenido, con situaciones divertidas y también con profundidad de pensamiento en algunas materias, con un ritmo rápido, adecuado a la comedia, con varios estereotipos bien llevados a escena y con una chispa de erotismo ¿por qué no?
Las actrices que dan vida a esta reposición en el Lara y el actor-hombre-objeto, están en su salsa interpretando cada una su estereotipo asignado. La inversión de la típica comedia española en la que había tía buena que se deja enredar por señor maduro es una invención criticable, pero que en este caso cumple su función para introducirnos al tema de la maternidad tardía y familia desestructurada.
Aunque no sean mujeres cincuentonas al borde de la menopausia disfrutarán de este ataque al machismo interiorizado, así que pasen y vean.
Luis Mª García Grande
Elepé de Carlos Be en el Teatro Lara
Elepé ha crecido sin necesidad de convertirse en cd. Elepé surgió en las recoletas estancias de La casa de la portera y ahora, después de un largo periplo, ha recalado, para despedirse de los escenarios, en la sala OFF del Teatro Lara. En un país normal, que este no lo es, habría pasado a la Gran Vía y se habría convertido en un éxito, mayor que algunos musicales que solo contenían los grandes hits de ciertos grupos de los ochenta pero que se mostraban como un catalogo de videoclips, sin argumento de peso ni un trabajo comprometido por parte de los actores y el director. En Elepé hay, en apariencia, una historia pequeña que narra algunos de los grandes acontecimientos de aquella prodigiosa y extraña década. Pero Carlos Be no puede escribir una mera comedia, así que truca la estructura para mostrarnos lo que ni siquiera saben los personajes que vivirán en un futuro, un recurso muy bien utilizado en cine y que en teatro no suele funcionar bien. En la sala Off del Lara, la obra cobra otra dimensión, mantiene la intimidad y al tiempo da más perspectiva a los personajes y sus ámbitos personales. Solo quedan dos domingos, yo no me lo perdería, después oirán hablar de esta obra y ya no tendrán ocasión de ver el trabajo de tres deliciosos actores: Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde.
Adolfo Simón
«Banqueros vs. Zombis» en el Teatro Galileo
El teatro interactivo ha llegado al público madrileño con este montaje de La Pitbull. Ustedes pensarán que eso ya existía… que romper la cuarta pared lo han hecho ya muchos artistas… pero romperla a través de una APP en el móvil del público, que es el que decide en parte, cómo va a transcurrir la historia que están viendo en directo y ver los resultados inmediatamente en el escenario… pues es innovador y la experiencia merece la pena experimentarlo en las propias carnes.
Pero les cuento un poco más… imaginen que se encuentra la solución definitiva a la crisis económica que asola al mundo, que en el futuro todos los que adquieren una deuda con el banco y no lo pueden pagar acaban siendo esclavos del mismo a través de una zombificación… Una pequeña inyección y usted se convierte en un trabajador al servicio del banco para pagar su deuda. Esta es la trama principal de la obra que nos llevará a plantearnos muchas reflexiones mientras tecleamos insistentemente en nuestro móvil para intentar cambiar el mundo, para manejar esos hilos invisibles de la economía y de los movimientos sociales.
Esta idea, surgida de esta crisis actual y del movimiento 15M, ha sido elaborada concienzudamente para que todo cuadre dramatúrgicamente a través de las nuevas tecnologías y con la participación «virtual» de muchas caras conocidas que nos van a guiar a través de la historia satírica y demoledora sobre el actual sistema económico y social que vivimos a través de un montaje escénico con un fuerte componente audiovisual.
Luis Mª García Grande
Así que levántense del sofá y dejen de ver ya The Walking Dead para vivir una experiencia estremecedora de verdad… la que podría ocurrir con sus propias vidas en un futuro ¿lejano?
De Madrid al infierno en La casa de la Portera
Hay una frase que se suele decir cuando se ha vivido en Madrid…»De Madrid al cielo»…Como si después de pisar las calles de esta ciudad solo quedase la posibilidad de subirse a las nubes y flotar. Pero todas las ciudades tienen espacios secretos…Cabarets donde acuden seres heridos a transformar sus máscaras, tanatorios donde el amor surge en medio del camino hacia la luz o azoteas a las que nunca se llega a subir porque el juego se queda atrapado en las habitaciones de la infancia.
El deseo…
Extremo de Benja de la Rosa nos muestra a niños que no pudieron crecer a tiempo y que fueron expulsados de la cárcel de los pueblos al asfalto de las ciudades. Allí, transitan como zombis por la sombra eterna que crean los rascacielos. En la jungla de ladrillos y carmín solo se puede atacar o defenderse y ante esto, hay que elegir entre convertirte en un monstruo más o decidir en el último momento, que tu vida puedes reescribirla de otro modo. El reparto es estupendo pero Paco Manzanedo hace una creación fascinante, le acompañan Jaime Reynolds y Pablo Vega en escena.
El amor…
Ojalá te hubiera conocido vivo es una obra escrita y dirigida por Sandra Marchena e interpretada por Carmen Mayordomo, Mercedes Lur y David Ordinas/Juan Dávila. Resulta triste que nos pasemos la vida buscando el amor y lo encontremos en la muerte…Menuda ironía. En esta pieza disparatada que recuerda a A puerta cerrada pero en clave de juego cuántico y enloquecido, somos los espectadores los que vivimos parte de esa ficción, situados en el umbral entre la vida y la muerte.
La amistad…
En la azotea es una obra escrita y dirigida por Marta Aledo, e interpretada por Iñaki Ardanaz, Antonio Galeano y Nacho Redondo. Jon, Xavi y Nacho son tres amigos de toda la vida. Les encanta jugar a juegos de mesa, de roll, de lo que sea. “En la azotea” es una obra que habla sobre los amigos, sus dinámicas, sus miedos, su relación, sus traiciones, sus secretos y sus sueños. Un viaje por ese juego que se empieza en la niñez…la amistad y que se trunca si se rompen las reglas de la partida. Aunque, siempre hay posibilidad de subirse a lo más alto de la casa y desde ahí contemplar la ciudad…El cielo de Madrid.
Adolfo Simón
Locuras cotidianas de Petr Zelenka en el Teatro Lara
Petr está a punto de volverse loco: su novia le ha dejado y va a casarse con un desconocido, su mejor amigo permanece encerrado en casa con sus ingenios y sus padres no hacen más que discutir en torno a enfermedades imaginarias. Con Locuras cotidianas, su autor, Petr Zelenka, debutó en la escena de Praga cosechando un gran éxito de crítica y público, además de ganarse el apelativo del Woody Allen de la comedia checa. Cinismo, disparate, ternura y ritmo trepidante se reparten a partes iguales en esta comedia fresca de humor inteligente del autor checo. The Zombie Company lleva una década provocando en la escena con textos y adaptaciones que nos hacen ven la realidad desde un espejo cóncavo y convexo, dependiendo de la propuesta. Carlos Be ha estrenado textos propios gracias a un equipo cómplice, construyendo una poética personal y arriesgada. Ahora, cuando han demostrado su peculiar mirada sobre el mundo desde el escenario. Se enfrentan a la obra de otro autor, alguien que coincide en huir de la convención y la comodidad escénica. En Locuras cotidianas, se nos muestra una inteligente y enloquecida pieza teatral para hablarnos del mundo que estamos construyendo, un mundo que se parece más al que habitan las ratas entre tuberías, enfermas de delirio. Para llevar a buen puerto esta pieza, el reparto exquisito está protagonizado por Pepa Rus, Carmen Mayordomo, Fran Arráez, Esperanza Elipe, David González, Alfonso Torregrosa y José Ángel Trigo.
Adolfo Simón
Berenice amó a Edgar Allan Poe
¿Por qué los seres humanos nos sentimos tan atraídos por el terror?¿Que nos lleva a acudir a esos espacios donde nos prometen vértigo y pesadillas?.
Hay algo atávico en nosotros que seguramente se remite a un tiempo ancestral donde las historias se transmitían a la luz del fuego en cuevas oscuras.
Edgar Allan Poe fue un maestro del terror, describió, como pocos autores, esos personajes y territorios donde la locura se da la mano con la realidad, causándonos zozobra y desequilibrio. Esa frontera entre lo humano y lo monstruoso es lo que nos atrapa de sus relatos. Con sus cuentos se ha hecho de todo, música, cine, teatro…En esta ocasión, Pilar Massa ha elegido tres narraciones y las ha convertido en un oratorio terrorífico a dos voces. El público es repartido en los dos espacios de La casa de la portera para experimentar las historias contadas al oído mientras a través de las paredes, se oyen susurros lejanos. Al final, una Berenice dual nos cuenta el amor mortal que vivió por el propio autor. Una experiencia intensa que se ve reflejada en los espejos del lugar y en las líneas trazadas en el tablero de la guija. Carmen Mayordomo acompaña a la propia directora en este viaje a los paraísos del miedo.
Adolfo Simón
Noche de los libros en Madrid
NOCHE DE LOS LIBROS¡¡ acción teatral en LA CASA DEL LIBRO de Gran Vía.
Ivan Ugalde y Carmen Mayordomo.
Pases 21h. 21.30h y 22h.¡¡¡¡
PILAR MASSA nos habla de su último proyecto «Yo amé a Edgar Allan Poe»
¿Cómo surge el proyecto de Yo amé a Edgar Allan Poe?…¿De qué va la obra?…
El proyecto surge a partir del propio espacio, al conocer la Casa de la Portera, pensé que era el lugar idóneo para representar los relatos de Poe que desde siempre me habían atrapado….
Como realmente no es un espacio convencional, tampoco es una obra convencional, la verdad es que el punto de partida es un «cuenta cuentos» para adultos y nada mejor que los cuentos macabros de Edgar Allan Poe para iniciar esta aventura.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Me documenté muchísimo, pero fue una tarea casi sin fin, el universo de Poe es realmente inalcanzable y además crea una especie de morbosa adicción, como sus relatos…
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Primero trabajamos en una dramaturgia para poder «contar» los relatos desde un lenguaje teatral, después elegimos los cuentos con un arco dramático idóneo y empezamos a ensayar buscando la implicación de una narradora emocionada, sobrecogida y casi protagonista del propio relato.
Con la otra actriz, Carmen Mayordomo, he trabajado muy a gusto, apostando y creyendo en el proyecto desde el primer momento.
¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como directora?…
Que siempre, siempre estamos aprendiendo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Hoy y siempre el teatro tiene que tener algo de espejo, de reflejo de nuestra sociedad, creo que debemos aprovechar el escenario, nuestra posición como comunicadores para hacer llorar, reír, pensar, denunciar, emocionar…Pero concretamente, en los tiempos que corren, creo que los actores, los creadores, deberíamos expresar contundentemente todas las injusticias, las miserias, los desaciertos, los terribles dramas que surgen cada día como pequeñas historias en cualquier rincón, casa, trabajo, familia… de esta sociedad tan vapuleada y maltratada últimamente. Nosotros tenemos el privilegio de poder contar una historia y conseguir trasmitirla hasta el pensamiento y la conciencia del espectador, yo creo que contar una buena historia siempre sirve para algo (los políticos nos cuentan muchas y mucha gente se las cree).
¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
No se lo que me motiva, pero sí se que no puedo vivir sin hacerlo.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Están afectando dramáticamente, terriblemente: si trabajas «a taquilla», al espectador le supone un esfuerzo que ahora no se puede permitir; a «caché», el I.V.A. actual hace que se incremente tanto que los ayuntamientos o quien te contrata te obliga a que el I.V.A. esté incluido en el precio. Todos los profesionales lo estamos sufriendo, porque es una cadena en detrimento de todos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Antes de ayer fui al Circo Price, tuve la piel de gallina durante una hora y media, me pareció una forma de expresión sublime. Además he visto «La Cortesía de España», con un fantástico reparto de jóvenes actores y «Continuidad de los Parques», con un fantástico reparto de actores consagrados, con lo cual material hay…
¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Veo que hay muchas ganas, mucha calidad, muy buenos profesionales, muchos espacios nuevos y muchas zancadillas por parte del gobierno actual.
¿Proyectos?…
No se cuentan, ya sabes…
Carlos Be nos habla de sus experiencias escénicas como autor y director
¿Cómo surgió The Zombie Company?…
En el año 2003, Fran Arráez me anima a montar “Eloísa y el domador de mariposas”, mi primera obra teatral, y la estrenamos en el Teatre Artenbrut. Vivíamos en la Barcelona más bohemia de inicios de siglo y nos dábamos cita en un ático inmenso en el barrio del Borne, en la calle de Mercaders. De aquella época conozco también a Mentxu Romero, que ahora mismo actúa en “Autostop” junto con Juan Caballero en el Teatro Lara y es que, en torno al año 2010, llegamos los tres a Madrid, sede actual de la compañía, y aquí seguimos.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la compañía?…
La compañía se funda para poner en escena mis textos. En la mayoría de los montajes, la dirección corre por mi cuenta pero hay un par de excepciones maravillosas en las que profesionales muy allegados han tomado las riendas de los montajes: Álex D. Capo, que dirige “Noel Road 25: a genius like us” en 2005, y Fran Arráez, que firma la dirección de “Autostop”.
También existe una excepción en lo que concierne a la autoría: hace dos años presentamos en el Teatro Lara la lectura dramatizada de “Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, un autor contemporáneo checo sin parangón, lo cual nos permitió conocer a actores afincados en Madrid de la talla de Alfonso Torregrosa, Esperanza Elipe, Pepa Rus e Iván Ugalde, entre otros.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la compañía?…
Muy bueno. Después de diez años, hemos tenido el privilegio de trabajar con grandes profesionales de la escena y hemos compartido, aprendido y mejorado en muchos aspectos, ¡y queremos que continúe así!.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Por supuesto, aunque siempre estamos abiertos a nuevos talentos. En principio, el equipo artístico-técnico de un espectáculo se plantea según las necesidades concretas de esa propuesta, independientemente de los equipos de otros espectáculos de la compañía. Es verdad que hay profesionales, como el iluminador Jesús Antón y el escenógrafo Alberto Puraenvidia, por ejemplo, con los cuales es un honor contar entre las filas de los Zombies proyecto tras proyecto.
Has escrito o adaptado textos para The Zombie Company. ¿Se modifican en los ensayos?…
Depende el texto. Hay obras que se han escrito ex profeso para sus actores, como “Peceras” y “Elepé”, protagonizadas por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde. Ello facilita que el texto, en principio, siente como un guante al actor sin olvidar el desafío que siempre debe representar para quienes encarnen esos papeles.
En éste y en otros muchos aspectos, un montaje bastante excepcional fue el de “Peceras” –quienes la vieron recordarán los cerca de veinte minutos de improvisación a los que se enfrentan los actores nada más empezar la obra–. En “Peceras” los actores también generaron fragmentos de texto durante los ensayos como parte de la creación.
En cambio, otras obras como “Exhumación”, “Muere, Numancia, muere” o “Dorian” requieren otro planteamiento desde los ensayos, pues son obras extremadamente frágiles a la hora de soportar modificaciones textuales.
¿Cómo es el diálogo entre el director y el autor en los procesos?…
Ese diálogo se resuelve desde el primer día de ensayo, cuando el director comunica a los actores y el resto del equipo que al autor hay que darle por muerto y cualquier duda se soluciona directamente con dirección. Aunque en realidad siga vivo, dice el autor, vamos a tratarle con la holgura que sólo otorgan los autores muertos.
¿Qué evolución has hecho como dramaturgo a lo largo de tu trayectoria como autor?…
Sobre todo valoro la influencia positiva que el hecho de dirigir ha aportado a la escritura. Se aprende a controlar la organicidad del texto, a dominar la respiración del discurso y también a que los actores que tomen impulso para volar ayudados por la cadencia del texto, entre otros temas.
¿Cómo enfocas la escritura de un texto de encargo?…
Como cualquier obra que escribo motu proprio, la verdad. Tengo que aclarar que he tenido la oportunidad de aceptar sólo encargos que me interesasen. Las propuestas buenas pueden llegarle al escritor de cualquier lado, hay que estar siempre atento a las necesidades de los demás y a las historias que quieren contar.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara? Háblanos del texto y de cómo ha enfocado el director la puesta en escena…
El proyecto surge de la lectura de “Falešný autostop” de Milan Kundera por parte de Fran Arráez, su director. Fran me comenta que encuentra en este relato muchos paralelismos con el imaginario de mi obra y de ahí nace la necesidad de acercarlo a mi mundo. La puesta en escena de Fran propone varios viajes: por un lado con el pensamiento de los personajes, que se recrea en un espacio diferente al del viaje real de Jupe y Dana, y que refleja a veces lo más oculto y a veces lo más externo y estereotipado de la relación; por otra parte, el propio juego en el que se embarcan los protagonistas, que es totalmente emocional y supone un reto para los actores, que han sido muy generosos y valientes dándolo todo y poniéndose en las manos de su director. También Jesús Antón y Alberto Puraenvidia, al cargo de las luces y la escenografía, han logrado recrear esos espacios irreales de pensamiento aportándoles mucha elegancia e ironía.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?…
Los más recientes son bogotanos, del Teatro Varasanta y Proyecto 2046. Al viajar bastante últimamente tengo grandes lagunas y me pierdo muchos espectáculos, pero afortunadamente hay buen teatro en todas partes. A mi regreso a Madrid me gustó mucho “La visita” en La Casa de la Portera, escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa e interpretada por Rosa Mariscal e Iván Villanueva, un espectáculo de pequeño formato que roza la perfección.
Háblanos de las últimas experiencias como director fuera de España…
En otoño del año pasado dirigí en Bogotá “Muere, Numancia, muere” con estudiantes de último curso de interpretación de la Academia Superior de Artes de Bogotá, facultad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. El espíritu teatral existe en todas partes del mundo y eso me permite sentirme como en casa en cualquier teatro, aunque debo confesar que la ciudad me sobrecogió. Recuerdo mi sorpresa inicial al comprobar con qué naturalidad los actores abordaban las escenas más violentas de la obra. No tardé en comprender los motivos. Siempre cuento que en Bogotá me habitué a ver muertos cada día por la calle y, junto a Cecilia García, la directora de Proyecto 2046, guardo una visión sin igual, la de las puertas del infierno, porque esas puertas existen y se encuentran en Bogotá, exactamente enfrente de una colchonería en la zona conocida como la Ele del Bronx. Gracias a estas visiones y más, comprendí que la violencia posee muy diversos y me vi obligado a adaptar la puesta en escena de la obra a una intensidad inédita para mí. Como director supuso un reto que se logró y con creces; pero como persona, fue aceptar algo muy duro.
Manuel De en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
A nivel personal el balance ha sido muy bueno: estrené en enero “La esclava de Andrómaca”, un monólogo muy político (y muy complicado) interpretado por la siempre grande Isabel Sánchez que partía de la pieza que estrenamos en el Festival de Mérida en 2011. Esperamos retomarlo el año que viene. Regresé de Berlín, donde he estado residiendo, viendo muy buen teatro y desarrollando también mi vocación musical con mi grupo Letal Delirios. En julio estrené “La otra voz” un texto inspirado en ”La voz humana” de Jean Cocteau, y las críticas están siendo muy buenas. Va para largo: la función permanecerá todos los viernes de septiembre en la Sala Tú de Madrid. Estoy muy emocionado con este trabajo: Georbis Martínez es un regalo, como también lo es Gabriel Moreno (ya lo fue en “Eduardo II”), y como lo será a juzgar por los ensayos Iván Ugalde, quien sustituirá a Gabriel este viernes 30. En octubre estaremos en el Festival Internacional de La Habana, donde coincidiremos con Teatro del Noctámbulo y su trabajo “La decisión de John”. Creo que será lo más excitante del año.
Si hacemos un balance artístico en general la conclusión es bochornosa: estamos trabajando sin medios, el IVA está vaciando las salas y los recortes están destruyendo empleo y empresas artísticas. Tratamos de llenar el aforo con compañeros, familiares y conocidos. En las salas alternativas hay muy poco público real excepto en las que afortunadamente se han puesto de moda. Las programaciones se han reducido en todos los municipios… Es un desastre apoyado por más de diez millones de votantes, entre los cuales espero que haya muchos arrepentidos.
¿Cómo estás pasando el verano?…
Pues trabajando, como siempre. Sólo he desconectado un par de días con mi pareja y un fin de semana con mi familia. Pero no me quejo. Me gusta lo que hago.
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
“Pepita Jiménez” de Calixto Bieito, director por el que siento especial devoción. “Sexpearemente”, una comedia estupenda para los teatreros y “Ayer”, una pieza corta genialmente interpretada por Carmen Mayordomo e Iván Ugalde, dirigida por Pilar Massa y con un texto muy potente de Helena Tornero, a quien le admiro el compromiso con los temas sobre los que escribe.
¿Qué libro estás leyendo?…
Leo “Goethe se mure” de Bernhard, un libro de relatos que contiene toda la ironía y la profundidad de sus obras teatrales. Terminé “La papisa Juana” de Emmanuel Royidis, sobre la leyenda de una mujer que llegó a ser Papa ocultando su sexo. Leo también poemas de Bergamín, una obra de Koltès que no conocía (“La herencia”) y sigo peleándome con ensayos de Sartre y Bataille.
¿Proyectos para el otoño?…
Seguiré con “La otra voz”, pero ya estoy inmerso en una nueva dramaturgia que comenzaremos a analizar cuando vuelva de Cuba y a montar probablemente en diciembre. Serán cinco actores. Es una obra muy turbia sobre el deseo como motor liberador, para lo bueno y para lo atroz. Habla también sobre la conciencia de clase, sobre su irrealidad cuando la enfrentamos a lo instintivo. En estos mares oscuros en los que me he sumergido escribo escuchando a Daniel Gardner: “Nunca había sido tan sucio. Nunca me había sentido tan limpio”. Te puedes imaginar…
Iván Ugalde en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
Bastante bueno. Con TheZombieCompany(TZC) hemos presentado dos nuevos proyectos: “Muere, Numancia, Muere” en el Festival Fringe del año pasado y “Elepé” en La Casa de la Portera (aparte de continuar con “Peceras” y “Exhumación”) con bastante éxito por parte del público y un puñado de buenas, y algunas excelentes, críticas. También he tenido la oportunidad de participar en el montaje que hizo el Real del “Cosi Fan Tutte” dirigido por Michael Haneke, uno de mis directores fetiche, pudiendo ver cómo trabajaba y participando de su nervio creativo. Otra buena sorpresa fue la emisión de la serie “Mitos y Leyendas” en la2 de RTVE, en la que hice de Ulises, con una muy buena dirección y creativa puesta en escena de Eulogio Romero. Todo esto aderezado el verano pasado con una gira por Colombia con “Familia” de Factoría Teatro (¡inolvidable, Salva y Gonzala!).
¿Cómo estás pasando el verano?…
Trabajando. Durante principios de agosto participé en la producción de “Llueven Vacas” de TZC, una miniserie sobre la obra de Carlos Be dirigida por Fran Arráez, con un reparto de lujo entre las que se encuentran Gemma Charines, Mónica Regueiro y Carmen Mayordomo. Espero que en breve tendremos la oportunidad de verla. Ahora estoy haciendo una pequeña pieza para MicroTeatro llamada “Ayer”, con un texto redondo y necesario de Helena Tornero, una dramaturga catalana que realmente espero comencemos a escuchar por aquí con más asiduidad. La dirección, geométrica y contundente es de Pilar Massa y de nuevo acompañado de la Mayordomo… qué decir, me gustan las mujeres que hay en mi vida! A finales de mes, el día 30, sustituiré en la SalaTú a Gabriel Moreno en “La Otra Voz”, bello y catártico montaje de Manuel De(¡gracias, Gabi!) Ah! y acabo de participar en un videoclip de Biznaga, un grupo punkie con gracia, dirigido por David Iñurrieta (todavía tengo las manos rojas de toda la sangre que hemos utilizado..)
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Si te refieres a este año, te intento hacer un repaso rápido de algunos imprescindibles (y seguro que se me pasan unos cuantos): “Los Iluminados” de Julián Fuentes Reta, “Antonio Remachado” de KolectivoMonstrenko, “Pepita Jiménez” de Calixto Bieito, “Las Huérfanas” de Miguel Albadalejo (de La Casa de la Portera también he oído hablar maravillas de “La Visita” de Antonio Muñoz de Mesa, vuelven en Septiembre), la ópera “Woyzeck“ por Marthaler, y para finalizar, “Sexpeareamente” de Sexpeare. (Uno de los espectáculos que más tristeza me da haberme perdido es “El Régimen del Pienso”, de los imprescindibles y necesarios La Zaranda, pero volverán… )
¿Qué libro estás leyendo?
Acabo de terminar “La Maravillosa Vida Breve de Oscar Wao”, de Junot Díaz. Me ha encantado. Este Junot Díaz es un escritor fantástico. De origen dominicano y residente en EEUU, si no me equivoco ésta es su primera novela. Relata la vida de Oscar, un “nerd” emigrado a EEUU y su complicada relación con el mundo, pasando por su familia y abuelos en la Republica Dominicana durante los años del “Trujillato”. Una prosa ágil y con buen ojo combinada con una terminología freakie de lo más divertida; aparte, una crítica tremenda al reinado de Trujillo y a la política estadounidense. Más que recomendable.(Simplemente comentar que mirando posteriormente información sobre ese bastardo llamado Rafael Leónidas Trujillo, me enteré de que está enterrado nada más y nada menos… que en el Pardo de Madrid! Saquen sus propias conclusiones…).
¿Proyectos para otoño?…
En Septiembre, la TZC se traslada a Barcelona, al TantarantanaTeatre, con “Peceras”, “Elepé” y “Exhumación”. ¡Todo un mes “zombie” en la Ciudad Condal! ¡Gracias, Julio! Durante el resto de temporada estaremos con “Elepé” (en coproducción con la Tantarantana) de gira por España (Valencia, Sevilla, Zaragoza…) y a finales de año recalaremos de nuevo en el Hall del Lara con “Peceras”, Exhumación” y la nueva producción de la Zombie, “Autostop” (esta vez con Mentxu Romero y Juan Caballero en la interpretación). También andamos con un proyecto entre manos, junto con Germán Torres, para llevar “Ayer” de Helena Tornero, a audiovisual… pero de esto, ¡chitón!, que ya sabemos que trae mala suerte hablar de nuestros futuros planes…
Fran Arráez en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
A nivel personal no puede ser mejor: combinando mi trabajo como ayudante de dirección de Jose María Pou con «El tipo de al lado» con la interpretación en nuestra compañía «The Zombie Company» que ha estado muy activa y recibiendo muy buenas críticas, «Peceras» sigue removiendo conciencias y con «Elepé» nos embarcamos en nuestra primera comedia y nuestra primera coproducción, con el teatro Tantarantana de Barcelona, y con muchos otros proyectos nuevos a la vista.
¿Cómo estás pasando el verano?…
Afortunadamente trabajando. Por un lado finalizando el rodaje de la serie «Llueven Vacas» basada en el texto teatral de Carlos Be, que dirijo yo, con un reparto de lujo: Maribel Verdú, Víctor Clavijo, Secun de la Rosa, Laia Marull, Gloria Muñoz, Pedro Miguel Martínez, Carmen Mayordomo, Asier Etxeandía, María Barranco, Mónica Regueiro, Gemma Charines y Eduardo Noriega.
Y a partir de agosto me voy a Barcelona donde dirigiré un musical fascinante que llega del West End de Londres al Teatro del Raval: «Goodbye Barcelona» sobre los brigadistas internacionales. Un orgullo poder hablar de la memoria en estos tiempos en los que se olvida todo tan rápidamente.
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
«La Visita» de Antonio Muñoz de Mesa, en La casa de la Portera. Escalofriante y necesario. «El Intérprete» de Asier Etxeandía, puro arte directo desde el corazón. «Las Huérfanas» casi un melodrama americano de los 50, con unos José Martret y Jorge Calvo inconmensurables.
¿Qué libro estás leyendo?…
«Homenaje a Cataluña» de George Orwell
¿Proyectos para el otoño?…
Dirigiré a Juan Caballero y Mentxu Romero en la nueva producción de la Zombie: «Autostop», el último texto de Carlos Be, en la que será nuestra segunda coproducción, con un importante teatro de Madrid.
Scena Simulacro: nueva sangre en el teatro
A mediados de abril, Scena Simulacro contactó con The Zombie Company para proponernos la dirección de la grand finale del festival de nuevas tendencias teatrales. La programación había iniciado su andadura ese mismo mes y las siete compañías emergentes ya desfilaban por los cuatro espacios escénicos en los que, por primera vez en esta edición, se repartían los espectáculos: el Sol de York, la Sala Tú, el Garaje Lumière y Azarte.
La grand finale de Scena Simulacro se presentó el martes 7 de mayo en El Sol de York. Al escenario subieron las tres compañías finalistas del festival, La Panda de Yolanda, Teatro Colaborativo y Teatro al Punto, y representaron un fragmento a su elección de las obras. Habían llegado hasta ahí gracias al voto propicio de un jurado plural que se presentaba noche tras noche en las diversas salas. No obstante, durante esta velada sería al público asistente a la grand finale a quien le correspondería decidir el ganador de Scena Simulacro de este año.
La presentación del acto corrió a cargo de la Toñi, Lucía y Ángel, trío de personajes rebeldes y alocados con un sentido común tan aplastante que desarma cualquier impostura y dramatis personae de Elepé, obra de The Zombie Company interpretada por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde en La Casa de la Portera.
La primera compañía en presentar su trabajo fue La Panda de Yolanda con Üiqüi’s, una propuesta inicialmente de manipulación de objetos que transporta al público, gracias a su escenografía portátil, a los entresijos que acontecen en los bastidores entre los manipuladores. La compañía procede de Valencia y está constituida por David Durán, Raquel Hernández, Merce Tienda y Josep Maria Zapater.
Le siguió Teatro Colaborativo con Borderline, monólogo postdramático que reproduce sobre el escenario la ilimitada capacidad de la mente humana para estallar como metralla ante una situación extrema. Este espectáculo es una creación del autor y director Rodrigo Hernández y la intérprete Karina Eguia y aúna creadores de España y México.
Los madrileños Teatro al Punto presentaron un fragmento de La Violence variétés, espectáculo con un lenguaje escénico colmado de inquietudes, procaz y cuya mayor violencia radica en desnudar la verdad de las vidas de sus personajes ante el público. Actúan Carmen Barquilla, Laura Moreno, Javier Prieto y Fernando Mercé bajo la dirección de Paloma Rodera.
Llegados al final de la velada, se entregaron los premios. Teatro Colaborativo recibió el Premio del Público La República Cultural, entregado por Julio Castro, director de este medio cultural. Finalmente, el Premio al Mejor Espectáculo lo recibiría La Panda de Yolanda de parte de los organizadores del festival, Rafa Romero de Ávila, Mélanie Pindado, Natalia Ortega y Raúl Baena, consistente en volver a actuar durante la temporada 2013-14 en la sala donde fueron programados durante el festival, en su caso en el Garaje Lumière.
¡El año que viene, más sangre teatral nueva!
* * *
Podéis completar este artículo con:
Más información sobre las compañías finalistas en sus correspondientes páginas en Facebook:
La Panda de Yolanda (http://www.facebook.com/pages/La-Panda-de-Yolanda/295071893930570)
Teatro Colaborativo (http://www.facebook.com/BORDERLINETEATRO)
Teatro al Punto (http://www.facebook.com/teatro.alpunto)
Más información sobre Scena Simulacro: http://mrsimulacro.wix.com/scenasimulacro
Carlos Be
Carmen Mayordomo comparte con nosotros sus últimas experiencias artísticas.
Carmen Mayordomo comparte con nosotros sus últimas experiencias artísticas.
¿Cómo está resultando el encuentro creativo con Zombie Company y Carlos Be?…
Puede parecer una provocación pero estoy feliz, muy feliz con el trabajo de la Zombie Company, el tipo de trabajo que estamos haciendo, los compañeros que nos hemos juntado y con lo que escribe y dirige Carlos Be.
¿Qué balance haces de los últimos trabajos?…
El año no ha podido ser más prolijo. Estrenamos Exhumación en Enero y nos llevamos dos premios en el Indie Festival, así, nada más empezar. Pasamos por el Festival de La Alternativa, temporada en Madrid en la Sala Triángulo, el Festival de Almagro y lo que queda… sin parar con Exhumación, estrenamos Peceras, un trabajo de producción más pequeñito, para La Casa de la Portera, un espacio que también comenzaba su andadura, y que a pesar de lo controvertido del tema que propone, hemos cosechado unas críticas estupendas y lo más estupendo, las reacciones del público… abiertas, intensas como hacía tiempo no sentía.
Con Peceras estamos de gira; ya visitamos Granada, Valencia, Vitoria y nos queda Alicante, Palencia, Santander, Barcelona, Donosti… y volveremos a Madrid.
¿Cómo fue la experiencia en el Fringe de Madrid?…
En el Fringe, the Zombie estrenó Muere, Numancia, muere con la que estamos ahora en la Sala Triángulo los viernes y los sábados…Un acercamiento contemporáneo a la tragedia de El Cerco de Numancia de Cervantes.
¿Cómo estáis pudiendo realizar todas estas producciones?…
Todo esto, como puedes imaginar, con un esfuerzo titánico, sin subvenciones, cuadrando agendas y otros trabajos, con el apoyo de amigos y salas que creen en nuestro proyecto (Triángulo, La Casa de la Portera…) y un público fiel al que queremos cuidar y darle lo mejor. De hecho, pudimos empezar gracias al crowfounding, a la aportación de muchos mecenas, así nació Exhumación.
¿Qué sugerencias haces para seguir creando en tiempo de crisis?…
Hay que buscar nuevas fórmulas, se puede hacer teatro comprometido y bueno, actual, que remueva, que haga pensar, que te replantee tu mundo y sus circunstancias sin gran alarde de producción.
¿Cómo fue el encuentro con Carlos Be?…
A Carlos Be lo conocí en el Teatro de las Aguas. Haciendo Achicorias. Fue amor a primera vista, conecté con lo que escribía y cómo lo escribía. Y lo quiero a mi lado!!!.
¿Cómo fue la experiencia de crear y gestionar un espacio como El Teatro de las Aguas?…
El Teatro de las Aguas nació como necesidad de tener un espacio propio para ensayar y mostrar nuestros trabajos y poco a poco se fue convirtiendo en el Off Off de Madrid. Se ofrecía gente muy buena que hacía un teatro muy inmediato, de pequeño formato pero mucho talento. Conocí a muchos compañeros, actores, productores, escritores, compañeros con los que después he trabajado… Secun de la Rosa, Carlos Be o Manuel De, con él estoy haciendo un Eduardo II desde hace tres años…
¿Qué te anima a implicarte en un proyecto teatral?…
Tengo un espíritu inquieto, para bien y para mal, me encanta todo lo que rodea el hacer teatro, me meto en todo, y tener compañía propia te supone defender un lenguaje teatral personal y eso es genial. Poder decidir. Oye!!!… trabajo también fuera de mi compañía mucho, me lío en proyectos que me interesen o que me den dinero!!!…Disfruto mucho con los procesos, con mi trabajo, he pasado por casi todas las metodologías y creo en el reciclaje, procuro dar a los personajes una verdad mía, muy personal, que cambia, porque yo cambio…
¿Crees que va a afectar la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
A pesar de todo este optimismo, nadie vive ajeno a lo que nos ha tocado vivir. Situaciones tremendas, injustas, recortes durísimos que siempre afectan a los mismos, la subida del IVA en nuestro sector es un despropósito, el desprecio de la cultura y la educación por parte de los que mandan…un suicidio… El otro día me desayuné con el cierre de una sala de Madrid y con las declaraciones de un político del PP insultando a Bardem por sus críticas al gobierno!!! Esto sólo pasa aquí!!!…
Me gustaría vivir en un país donde la cultura fuera un bien patrimonial, a cuidar por todos, a proteger…Que ir al teatro fuese una experiencia vital para la gente… imprescindible!… pero…mañana iremos a la Huelga General convocada!!!.
¿Algo que añadir?…
Me gustaría finalizar diciendo que espero que la Zombie Company tenga una larga vida, tenemos muchos proyectos, un equipazo con Carlos Be escribiendo y dirigiendo, Jesús Antón, un soberbio creador de espacios de luz, los actores ideales… Ivan Ugalde, Fran Arraez, Juan Caballero, Mentxu Romero, Jose Gamo y Gabi Moreno, y la mamá de la Compañía… Sara Luesma, que además de adjunta a la dirección lo hace todo y todo bien!!!.
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.