Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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«Proyecto Homero» de #LAJOVENCOMPAÑÍA en el Conde Duque

Es importante poder transmitir a los jóvenes la cultura clásica y sus discursos de alguna manera, ya que son plenamente actuales y nos ayudarán a comprender muchos de los hechos que suceden hoy en día. Hay profesionales que se están encargando de esto a través del teatro, rompiendo moldes y acercando la cultura a los más jóvenes de una manera actual y comprensible.

#PROYECTOHOMERO se compone de dos obras Ilíada y Odisea, adaptadas por Guillem Clua y Alberto Conejero respectivamente, dos dramaturgos contemporáneos que comprenden perfectamente la complejidad que conlleva enfrentarse a los textos de Homero y que han sabido adaptar y transmitir de diferente forma: Clua destripa cada personaje de Ilíada y nos expone de manera esquemática, pero concienzuda, toda la obra a través de las voces de los personajes que van pincelando lo que ha supuesto la guerra para ellos. Con este esfuerzo es fácil atraer a un público acostumbrado a ver Juego de Tronos pero que no conoce el «germen» de su cultura.

Conejero asume el viaje de Ulises y su hijo Telémaco en Odisea de una manera más narrativa, describiendo episodios fundamentales en la mitología y desgranando un recorrido que reflexiona acerca de nuestro propio recorrido vital. Ambas dramaturgias están dirigidas por José Luis Arellano, situándolas en un escenario sencillo, con unas gradas y una plataforma giratoria en medio que provoca la concentración en la actuación y en el entendimiento del mito y ofrece una versatilidad a la hora de enfrentarse a dos obras diferentes sin tener que realizar cambios rotundos.

Es necesario, pues, dar las gracias a #LAJOVENCOMPAÑÍA al tomar este tipo de iniciativas que suple el gran vacío que el sistema educativo no llena con una simple asignatura de cultura clásica y también es necesario recomendar a todos los profesores y educadores que se interesen por el teatro como método de enseñanza y chispa que prenderá la curiosidad por el conocimiento en nuestras futuras generaciones.

Luis Mª García Grande.

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Fernando J. López: Los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres

nando¿Cómo surge la obra que acabas de estrenar en el Teatro Bellas Artes?…
De mutuo desacuerdo surge a partir de dos vías diferentes que coincidieron casualmente en el tiempo. La primera fueron mis charlas en centros escolares como novelista. En ellas comento con mis lectores adolescentes títulos como El reino de las Tres Lunas o La edad de la ira y en esos coloquios salen muchos temas que les inquietan y que abren ante mí posibles historias futuras. En más de una de esas charlas se abordó la inquietud que les provocaba verse desubicados ante sus padres, perdidos en una guerra que no era suya y convertidos en armas arrojadizas entre uno y otro. Ese tema, que me pareció que era necesario abordar en el escenario, coincidió con que acababa de estrenar Cuando fuimos dos, una historia de amor entre dos hombres en la que pretendí captar la cotidianidad de una relación gay. Por ese motivo me apetecía cambiar de registro –pasar del drama a la comedia- y, a la vez, seguir trabajando en el mundo de la pareja, pero abordando en esta ocasión el momento de la ruptura. La suma de ambos factores dio lugar a esta comedia ácida en la que bajo cada risa hay una cicatriz y un poso de amargura.

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Háblanos del texto…Del proceso de escritura…
El proceso de escritura del texto fue especialmente complejo. Tenía claro que quería evitar la moralina, los juicios de valor y, sobre todo, el maniqueísmo. Necesitaba entender bien a los dos personajes y construirlos con idéntica grandeza y ruindad. Ninguno de nosotros somos, en nuestra inmensa mayoría, héroes ni villanos, así que intento que mis personajes reproduzcan esa misma realidad. Además, como el tema afecta a mucha gente –más de un espectador y espectadora suelta alguna lágrima en ciertos momentos de la función- necesitaba encontrar el modo de que la comedia funcionase y, a la vez, permitiese una reflexión a posteriori. Todo ello se materializó cuando di con la estructura que es, siempre, el primer elemento que decido tanto cuando abordo la escritura de una obra teatral como cuando me enfrento a una novela. Tenía claro que mi protagonista debía ser un personaje ausente: Sergio, el niño-mochila. Pues esta obra, en realidad, es la historia de su vida y de cómo los actos de los adultos encuentran su eco –irresponsable y peligroso- en los más menores. Si él era el protagonsita ausente, la obra tenía que estructurarse siguiendo el ritmo de su vida, es decir, como un curso escolar. De ahí que se componga de una sucesión de escenas breves que tratan de retratar, de modo impresionista, la evolución de la relación entre Sandra e Ignacio. Por último, como el curso al que se enfrentan tanto Sandra como Ignacio es el de aprender a comunicarse, la obra debía partir del yo para llegar al nosotros, de ahí que el primer acto –en nombre y en espacio- sea Ella; el segundo, Él; y el tercero, Ellos.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los referentes surgen sin que los controles, solo eres consciente de ellos cuando has acabado el texto y te das cuenta de que hay muchos elementos de obras y autores que te gustan en ellos. En realidad, no hay obra que no sea una construcción de otras tantas anteriores de las que se nutre. En este caso, confieso que resulta evidente mi pasión por autores como Woody Allen –por el tono urbano de la pieza y su búsqueda de la profundidad a partir de la trivialidad- o Neil LaBute, en especial, en una de mis escenas favoritas de la obra, la del restaurante. Una escena que requería un director tan experimentado como Quino Falero y dos actores de la talla de Toni Acosta e Iñaki Miramón. Lo que hacen ambos en escena en esta obra es prodigioso: sin ellos no habría sido posible que De mutuo desacuerdo fuera como es.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
A veces surgen de mis necesidades expresivas: no puedo vivir sin escribir y sin tratar de retratar el mundo en el que vivo. Este es el caso de Cuando fuimos dos, con la que intentaba ejercer el activismo y la defensa de los derechos LGTB desde una propuesta que ahondaba en cómo el amor no admite etiquetas ni estereotipos, o el caso de De mutuo desacuerdo, donde quería ofrecer un retrato de la familia del siglo XXI alejado de ese buenrollismo tradicionalista que no tiene nada que ver con el concepto de familia actual. Ahora, por suerte, hay muchos más modelos –homoparentales, monoparentales…- y todos son válidos y necesarios mientras se respeten los derechos del menor. De eso y de la identidad tras una ruptura (¿quiénes somos cuando ya no somos parte de aquel a quien queríamos?) habla esta obra.
A veces, sin embargo, los proyectos surgen a partir de personas que me proponen aventuras que me apetece compartir, como mi nuevo texto, Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Los amores diversos, que no habría abordado si no fuera por el estímulo de trabajar con una actriz como Rocío Vidal y de repetir con un director al que quiero y admiro tanto como Quino Falero.
Ahora mismo, por ejemplo, ando embarcado en la escritura de nuevos textos e incluso de alguna adaptación que son encargos de gente que me inspira por su implicación y su creatividad. Estar rodeado de personas así es siempre un enorme estímulo.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No sé si desde dentro es posible responder a esa pregunta. Creo que si tuviera que elegir un rasgo diría depuración. Cada vez busco una mayor precisión, una mayor estilización de la realidad que retrato. Prefiero sugerir a partir de situaciones y esbozos de vidas, dejando que sea el espectador quien complete el resto. Además creo que, frente a lo que debería ser más lógico, he ganado en espontaneidad: la experiencia y el rodaje me han permitido liberarme de miedos y abordar géneros y tonos muy diferentes entre sí. Esa diversidad me permite afrontar nuevos retos y, sobre todo, seguir creciendo.

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¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…¿Tienes un método para escribir?…
Creo que se pueden aprender técnicas, sin duda, pero es necesario partir de una voluntad de comunicación dramatúrgica. No es una pulsión tan infrencuente como creemos y sí estoy convencido de que a escribir se aprende escribiendo. Los talleres o incluso los master –y yo soy actualmente profesor de Dramaturgia en el Master de la Universidad de Alcalá de Henares y la AAT- permiten pulir errores, adquirir nuevas estrategias…, pero sobre todo, son un punto de unión con otros dramaturgos y el verdadero aprendizaje sucede al confrontar textos y experiencias.
En cuanto a mi método de escritura, como comentaba antes, suelo partir del tema que me ocupa y de la estructura. Creo que la forma es esencial para contar algo: el qué puede perder o ver tergiversado su sentido sin el cómo.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Sin duda. Alguna vez lo he hecho a la inversa y al final he acabado arrepintiéndome. Los textos varían, evolucionan, crecen, mutan… Y esa vida hace que finalmente sufran modificaciones que los enriquecen y que es una pena que no se vean reflejadas en la obra publicada. En el caso de De mutuo desacuerdo, por ejemplo, hay una escena completa que surgió poco antes de los ensayos gracias a una conversación con Toni Acosta en la que, además de quedarme deslumbrado por el talento de quien iba a ser mi futura Sandra, di con una idea a través de esa charla que me permitía cambiar una escena que no me convencía por otra que, ahora mismo y por lo que vemos en la reacción del público, funciona perfectamente. Por eso en este caso la obra se va a editar justo a finales de este mes en Ediciones Antígona, porque ahora sí que el texto ha alcanzado su forma definitiva.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…Háblanos de ello…
Hace mucho tiempo también actuaba, aunque solo en plan amateur y, por suerte para los amantes del teatro, dejé de hacerlo pronto. Creo que era el peor actor del mundo… Y aún hoy me sigo poniendo nervioso cuando, en los estrenos, me toca salir a escena a saludar.
También he dirigido muchos de mis montajes y, aunque no descarto volver a hacerlo, ahora mismo me aporta mucho más el trabajo con otros directores. Así me ha sucedido con Quino, con quien desde Cuando fuimos dos he formado un tándem que me enriquece enormemente y de quien no dejo de aprender en cada nuevo proyecto que abordamos juntos. Quizá por eso ahora no me veo dirigiendo un texto mío, sino que prefiero verlo en manos de otro para que le aporte su personal punto de vista. Ese rasgo colectivo del teatro es lo que más me gusta de este género.

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¿Por qué escribes teatro?…¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
Porque con quince años me enamoré de una función que vi en la Sala Triángulo gracias a una profesora de mi instituto. Se llamaba Retén y estaba escrita por Ernesto Caballero. Allí me di cuenta por primera vez del poder del teatro para poder alterar conciencias, provocar emociones y, sobre todo, llegar con fuerza a la sensibilidad del público. Por eso en mis obras, ya sean dramas o comedias, abordo temas aparentemente cotidianos que, en realidad, siempre encubren los mismos temas, dos ideas obsesivas que se repiten en todo cuanto escribo: la comunicación (¿realmente el lenguaje nos acerca? ¿y qué lenguaje: el verbal o el físico?) y la identidad (¿quiénes somos ante nosotros mismos? ¿y frente a los demás?).

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Ahora mismo veo un combate que se libra entre la desidia gubernamental –nuestro Ministerio de Educación y Cultura es, posiblemente, el que más ha despreciado la Educación y la Cultura en mucho tiempo- y las ganas y la voluntad de crear de mucha gente que estamos dejándonos la piel en este oficio. Me quedo con los segundos, claro, con toda esa generación de nuevos autores, actores y directores que estamos peleando día a día frente a la mezquindad de quienes prefieren ahogar el teatro con medidas tan inadmisibles como la subida del IVA cultural (no olvidemos que los escenarios pueden crear conciencias críticas y mentes libres).

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
No es fácil elegir un solo montaje que haya visto recientemente, pues –por suerte- hay mucho y buen teatro aquí y ahora. Pero admito que tengo debilidad por la versión de Romeo y Julieta que, bajo el título de Hey boy, hey girl, ha escrito Jordi Casanovas para La Joven Compañía. El proyecto en sí me parece excepcional y muy necesario, pero el trabajo del autor sumado al talento de los actores y a la magistral dirección de José Luis Arellano ha dado como resultado un espectáculo redondo en todos los sentidos.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Proyectos?…
La única sugerencia es la perserverancia. No hay crisis que no se pueda vencer con tenacidad. Aunque a veces la obstinación nos cueste cara y se nos quede media vida en ello…
En cuanto a los proyectos, ando ya trabajando en un monólogo femenino que verá la luz este año y que lleva por título Los amores diversos. Está protagonizado por Rocío Vidal y dirigido por Quino Falero, y se trata de un homenaje a la poesía a través de la historia de una mujer que, tras la muerte de su padre, se ve abocada a afrontar los recuerdos de una vida en la que no acaba de reconocerse a partir de los textos y de los versos que, desde niña, compartieron juntos. Es una obra en la que se habla del amor a la literatura, del amor ante los demás –hay una importante carga de activismo y visibilidad lésbica en el texto- y del amor a uno mismo. De nuevo, el tema que me obsesiona en todos y cada uno de mis textos: la identidad.


José Luis Arellano nos habla de su trabajo escénico con la Joven Compañía

arellano¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección y la escritura?…
Comencé en el teatro, supongo como tantos otros, en los grupos de teatro de barrio y en la escuela municipales de teatro de la ciudad donde me crié cuando era un adolescente. Esta es la respuesta oficial, aunque realmente dentro de mí pienso que inicié este camino la primera vez que siendo un niño me subía a una mesa todas las tardes y les contaba a mis amigos historias inventadas de robots (influencia Mazinger Z).
Y sí, durante los años de profesión, sobre todo al principio me subí alguna vez al escenario e hice de actor. Digo hice porque me di cuenta enseguida que eso no era lo mío, y no tuve mas que hacer. El interprete para mí es un gran héroe y yo no tenía madera de héroe. Así que estudié dirección y viajé cuanto pude (aun lo sigo haciendo claro esta) para entender el secreto de la vida. Iluso de mí. Y es lo que intento hacer cada día que me enfrentó al teatro, descubrir en cada palabra y en cada gesto el secreto de la vida.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me aterra hacer balances… No tengo ni idea, yo voy haciendo sin pararme a pensar en las consecuencias ni en un plan establecido. Hago y ya esta. Eso sí, siempre intento hacer impulsado por una vibra emocional que me empuja a realizar un acto concreto.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Imagino que como cualquier artista las ideas llegan y uno tiene que estar preparado para escucharlas dentro de su alma. Y cuando llegan te susurran cosas y si estas dispuesto a arriesgarte y a darles voz, entonces estas preparado para iniciar el proceso. Personalmente necesito esa implicación personal, pero también social y política. Necesito que de alguna forma, las cosas que uno hace tengan una respuesta social. Quizá suene demasiado vanidosos pero sigo la máxima (espero que no demasiado manida) de que lo que haces ayude a mejorar o a entender la percepción que la sociedad tiene de la realidad. Continuo creyendo en el teatro como elemento de transformación social. Y esto me anima a contar historias.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Al margen de la Joven Compañía, que reconozco me ha ocupado mucho tiempo (algo que me encanta, desde luego) comencé la temporada con la ayudantía de «Maribel y la extraña familia» que dirigió Gerardo Vera al igual que la de «El Cojo de Inishman» para el Teatro Español, dirigí un Cabaret Barroco con textos del siglo de Oro en el teatro GALA en Washington DC (teatro que adoro y con el que colaboro desde hace mas de 6 años, algún día tendríamos que hablar de ellos y de su labor por el teatro en castellano en los Estados Unidos, ahí te dejo la propuesta…) y ahora estamos inmersos en los nuevos proyectos que haré junto con Gerardo Vera la temporada que viene y como no, los de la Joven Compañía en el Teatro Conde Duque. Estamos a punto de presentar la nueva temporada y los talleres para nuevos participantes.

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Háblanos de El señor de las moscas …¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
El señor de las Moscas… Pues este proyecto surgió hace ya muchos años, cuando yo era un adolescente y leí la novela por primera vez. Me golpeó tanto la cabeza, me enloqueció la sencilla poética del mal, el dolor de la perdida de la inocencia de una forma tan brutal, que a lo largo de mi vida siempre he tenido la deuda moral de compartir esa sencilla transformación del alma que a mí, personalmente me produjo la lectura de la obra de William Golding. Y eso he hecho en cuanto he tenido oportunidad. Un tarde salía de un ensayo en el Teatro Español, hacía mucho frío, y sin venir a cuento pensé, ahora es el momento. Y lo hice. Sin mas. Era el momento de contarles a los jóvenes la visión que de una sociedad distópica nos plantea el autor. Quizá también, porque en estos tiempos parece que nos han abandonado las utopías y no estaría mal volverlas a recuperar.
En cuanto al proceso, ha sido maravilloso y doloroso, como mucha veces ocurre en la creación cuando pones de ti algo mas que tu propio talento. Y ha sido maravilloso porque durante el trabajo nos encontramos todos con el niño que perdimos hace muchos años (yo mas que el resto de la compañía…) y pudimos mirarlo cara a cara y ver que aquel niño era inocente. Y doloroso por comprobar que aquel niño, ya no está y que mirar el mundo se ha convertido ahora en otra cosa.

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Háblanos de La Joven Compañía…
La Joven Compañía es un proyecto teatral y pedagógico que pretende establecer canales culturales entre los jóvenes que inician su carrera en el teatro, en cualquiera de sus disciplinas, y los nuevos públicos, otros jóvenes cuyo acceso al teatro no es siempre sencillo. Pero además pretendemos mostrar a la comunidad adulta que el teatro hecho por jóvenes no es un categoría menor. Para ello nos hemos agrupado en torno a una asociación un grupo numeroso de profesionales del teatro (desde Gerardo Vera, Josep María Mestres, Ariadna Gil, Juan Cornejo, Mariano Marín… ) y profesores y pedagogos para construir entre todos juntos un tejido social que implique a jóvenes interesados por la cultura, por el teatro o a los que no han podido o no han accedido a ello, abrirles una puerta que les anime a participar ya sea como espectadores o como profesionales.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Te hablaré de La Joven Compañía. Estamos ahora mismo a punto, como te decía antes, de presentar la temporada que viene, 2014-15 en el teatro Conde Duque. La actual termina con este montaje de el Señor de las moscas, con el que participaremos también en los Veranos de la Villa en el mismo teatro Conde Duque durante el mes de Julio los viernes y los sábados, para todo el que quiera enfrentarse cara a cara con el mal. También haremos los nuevos talleres de La Joven Compañía tanto para los actuales integrantes como para los nuevos aspirantes. Los talleres estarán impartidos por grandes maestros del panorama nacional y tendrán una duración de dos semanas intensivas en las aulas del propio Conde Duque. Así que desde aquí animo a los jóvenes de entre 17 a 23 años que quieran participar en los talleres que se apunten. Toda la información en nuestra web: http://www.lajovencompania.com
En cuanto a la nueva temporada hay que estar atentos porque tenemos varias sorpresas importantes.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues lo sabemos todos los que estamos a pie de teatro todos los días. La gente se lo piensa dos veces y es muy selectiva a la hora de elegir un espectáculo porque probablemente solo pueda pagarse uno al mes (y eso con mucha suerte, y hablando de los aficionados al teatro). Lo que hace un tiempo empezaba a ser en Madrid una pequeña costumbre, eso de ir al teatro a dejarse sorprender, ahora creo que regresamos a la tendencia de dejarse llevar por el que mas promoción o famosos tenga. Y volvemos al clientelismo teatral. Solo hay dinero para quien está cerca…
En cuanto a los proyectos, no nos podemos engañar pero aun asumiendo que deberíamos olvidarnos de «papá estado» y levantar los proyectos con la energía demoledora de la creación y con el apoyo del resto de ciudadanos que necesitan la cultura, porque huelga recordar que la cultura es un bien universal, la subida del IVA ha asfixiado o ahogado a pequeñas grupos (pequeñas empresas) culturales que no pueden afrontar el trato impositivo de la administración que nos considera como si fuésemos un bien prescindible.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El Misantropo, en versión de Miguel del Arco, y hay que verlo porque a parte de un puñado de actores excelentes que nos demuestra una vez mas, la calidad de nuestros interpretes, por escuchar con calma, desde la butaca, lo que ahí se dice.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No soy de dar consejos, cada uno es consecuente con sus actos y tiene muy claro que es lo que quiere o desea para sí o para la sociedad en la que habita.
Sin embargo, si que animaría a seguir creando, con fuerza y sin complejos. Demandar lo que es nuestro. Pero no es fácil. Por ello tenemos que dialogar con la administración para que nuestros profesionales puedan crear con dignidad y puedan vivir de su trabajo creativo. Nuestros impuestos necesitan ser devueltos a la sociedad transformados en arte. Exigir espacios para el desarrollo de nuestra profesión. Pero sobre todo, ser honestos con nosotros mismos, escuchar a la sociedad y contarles las cosas que a lo mejor, no quiere oír.

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.