Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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“Proyecto Homero” de #LAJOVENCOMPAÑÍA en el Conde Duque

Es importante poder transmitir a los jóvenes la cultura clásica y sus discursos de alguna manera, ya que son plenamente actuales y nos ayudarán a comprender muchos de los hechos que suceden hoy en día. Hay profesionales que se están encargando de esto a través del teatro, rompiendo moldes y acercando la cultura a los más jóvenes de una manera actual y comprensible.

#PROYECTOHOMERO se compone de dos obras Ilíada y Odisea, adaptadas por Guillem Clua y Alberto Conejero respectivamente, dos dramaturgos contemporáneos que comprenden perfectamente la complejidad que conlleva enfrentarse a los textos de Homero y que han sabido adaptar y transmitir de diferente forma: Clua destripa cada personaje de Ilíada y nos expone de manera esquemática, pero concienzuda, toda la obra a través de las voces de los personajes que van pincelando lo que ha supuesto la guerra para ellos. Con este esfuerzo es fácil atraer a un público acostumbrado a ver Juego de Tronos pero que no conoce el “germen” de su cultura.

Conejero asume el viaje de Ulises y su hijo Telémaco en Odisea de una manera más narrativa, describiendo episodios fundamentales en la mitología y desgranando un recorrido que reflexiona acerca de nuestro propio recorrido vital. Ambas dramaturgias están dirigidas por José Luis Arellano, situándolas en un escenario sencillo, con unas gradas y una plataforma giratoria en medio que provoca la concentración en la actuación y en el entendimiento del mito y ofrece una versatilidad a la hora de enfrentarse a dos obras diferentes sin tener que realizar cambios rotundos.

Es necesario, pues, dar las gracias a #LAJOVENCOMPAÑÍA al tomar este tipo de iniciativas que suple el gran vacío que el sistema educativo no llena con una simple asignatura de cultura clásica y también es necesario recomendar a todos los profesores y educadores que se interesen por el teatro como método de enseñanza y chispa que prenderá la curiosidad por el conocimiento en nuestras futuras generaciones.

Luis Mª García Grande.

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La Joven Compañía viaja al origen del teatro

La Joven Compañía está creando un precedente del que surgirán, con el tiempo, muy interesantes efectos resultantes de todo lo que se está sembrando ahora. Resulta curioso que, de manera muy humilde, se ha ido construyendo un proyecto tan serio y necesario como este. No solo porque es una plataforma que permite el acceso a la profesionalidad a todo el sector joven de las artes escénicas si no, también, porque lo está haciendo con un rigor y generosidad envidiable. Cuando llevamos décadas intentando crear espacios oficiales que, con el dinero de todos se construyan puentes y tejidos culturales, sin conseguir, a día de hoy, mucho más que el relevo de gestores creativos que han desembarcado en los espacios para realizar su obra magna, olvidando que su tarea es, sobre todo, construir una realidad que aglutine los profesionales y les proteja en la complicada y frágil tarea de la creación. Pero bueno, ese es otro debate sobre el que habría que pedir responsabilidad algún día y que, los gestores en activo hoy, todavía están a tiempo de mirar con lupa el trabajo que se está desarrollando en La joven compañía. Sus primeros trabajos fueron una búsqueda de lenguaje común, de elenco creador y gestor del que han surgido trabajos muy interesantes. Ahora, han dado un giro o una pausa a ese posible repertorio poético y han viajado a los orígenes del teatro: Proyecto Homero. Y ahí, con la misma pasión de equipo, han sumado a dos autores: Alberto Conejero y Guillem Clua a los que han encomendado la tarea de adaptar a hoy La Odisea y La Ilíada. Las comparaciones son odiosas y en este caso más y valorando la idea de buscar un espacio común para las dos propuestas y un equipo artístico que transita también por las dos piezas. Ambos trabajos son muy valiosos y el patio de butacas lo valora como pude comprobar en una sesión doble para Institutos. No obstante, hay algo en La Ilíada que le da contundencia escénica, tal vez tiene que ver con ese lenguaje corporal paralelo que va construyendo un sub-texto escénico de gran poder. La Odisea nos sumerge en un viaje que sobrevuela más por encima de las olas del mar.…en la otra, nos sumergen en las entrañas de una tormenta marina.
Adolfo SimónProyecto-Homero-Marzo_002la-epica-de-los-ulises-del-siglo-xxi


Smiley de Guillem Clua en el Teatro Maravillas

Esta función debe dejar de estar programada en una franja nocturna para pasar a un horario de máxima audiencia. Sencillamente porque es estupenda, sin pretensiones, para todo tipo de público e inteligente. En principio parece que es una obra dirigida al público gay pero ya en la promoción se avisa que es “una historia de amor”. Y ese es su gran acierto, tratar la historia del encuentro de dos chicos en busca o no del amor sin darle importancia ni diferenciando nada por el hecho de que sean de sexo masculino. A estas alturas de la película, es un placer ver que los problemas, miedos o deseos no tienen sexo; ha tardado tiempo nuestra sociedad en aceptar esto pero ya se están consiguiendo frutos de todo el trabajo realizado por dar igualdad a todos los seres humanos, más allá de lo que hacen en la cama. Además, el montaje es ágil, con guiños al público, divertido y lleno de situaciones que reconocemos pero que está muy bien verlas en un escenario, porque se puede reflexionar mejor sobre ello. Y hay dos actores: Ramón Pujol y Aitor Merino que juegan a la ficción como si fuese el juguete que siempre pidieron a los Reyes Magos y que por fin les ha llegado. Y de todo esto tiene la culpa un texto ingenioso y actual de Guillem Clua que también ha dirigido la obra.
Adolfo Simónsmiley


Marta Buchaca: Creo que la obra no está acabada hasta que se prueba con los actores.

buchaca0¿Cómo surge el proyecto de Las niñas no deberían jugar al fútbol?…
Pues fue un encargo del Festival Grec. Lo estrené en 2010 en el Festival y después hizo temporada en Barcelona y una gira por Cataluña.

¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Yo siempre acabo el texto en el escenario. Creo que la obra no está acabada hasta que se prueba con los actores. Cuando la ensayé en Barcelona cambié cosas del texto, y aquí en Madrid también lo he hecho. Es la manera de que la obra esté viva. Además, con cada elenco descubro nuevas cosas del texto.

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¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
Totalmente de acuerdo. De hecho, ahora publicamos el texto en Ediciones Antígona y han esperado hasta la última versión, la de después de los ensayos, para publicarlo. Y eso es fantástico, porqué una vez ensanyada la obra cambia mucho.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autora?…
Pues la verdad es que estoy muy contenta. Litus fue un gran éxito y el proceso fue muy bonito. La ensayé con actores afines, en la Sala Flyhard, sin ningún tipo de presión y fue un lujazo. Además, tuvimos la suerte de que la obra tuvo una fantástica acogida y Lluís Pasqual decidió programarla en el Teatre Lliure. Es sin duda uno de mis mejores textos. Me encantaría que se pudiera ver en Madrid. Mi última obra, Losers, es una comedia que nació en el Torneo de Dramatúrgia de Temporada Alta y que se estrenó en la Sala Villarroel la temporada pasada y también estoy muy contenta del resultado.

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¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues goza de buenísima salud, aunque creo que necesitamos más interés por parte de los teatros públicos. Creo que se sigue teniendo un cierto miedo a estrenar lo de aquí, aunque es cierto que en los últimos años hemos avanzado mucho, todavía queda camino por recorrer.
Ahora mismo los autores de aquí están haciendo trabajos interesantísimos. La dramatúrgia catalana también está dando obras muy interesantes. De hecho, cuando he presentado Las niñas no deberían jugar al fútbol en Europa siempre me han comentado que la dramatúrgia catalana y española es de lo mejor que hay ahora mismo a nivel mundial. Esto pasa a menudo. Se valora más des de fuera que des de dentro.
Ahora, por suerte, sí que veo que empieza a crearse un puente Madrid-BArcelona que era necesario y que es muy interesante. A mí me gustaría estrenar tanto en Madrid como en Barcelona. Supongo que a partir del estreno del Canal se verán más obras mías aquí. De hecho, ya tengo algunos proyectos, de los que, evidentemente, todavía no puedo hablar.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Los recortes han hecho que la gente no deje de hacer teatro, al contrario. Pero tendemos a hacer teatro con una mano delante y otra detrás y esto es desastroso para la cultura. Lo del Iva no tiene nombre.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Crear. Crear y crear. Escribir, hacer, no rendirse nunca.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto En el desierto, un espectáculo de danza precioso con textos de Guillem Clua y Pablo Messiez, que son dos de los dramaturgos más interesantes que hay ahora en España.

LITUS de Marta Buchaca

¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy escribiendo un musical con Jordi Galcerán y nos lo estamos pasando de maravilla.

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“Cenizas”: Relaciones tóxicas en La casa de la Portera

Relaciones tóxicas hay en todas partes… ¿Acaso ustedes no las han sufrido? Imaginen y piensen… Hablar de relaciones tóxicas está de moda, y si no que se lo pregunten a Lucía Etxevarría. Pero es mejor que ustedes experimenten en sus propias carnes la visión externa de una de ellas: Chevi Muraday y Alberto Velasco nos traen una visión muy personal basándose en textos de Pablo Messiez y Guillem Clua. Textos excepcionales que les dejarán huella en cuanto los oigan. Yo todavía estoy pensando en todo lo que implica ponerse a hacer una tortilla de patatas después de haber visto “Cenizas”.

Pero un texto no es nada sin una buena interpretación y una coreografía que intensifica ese sabor agridulce que produce descubrir que la persona que más te ama te puede ir matando poquito a poco mientras se come con un tenedor, afilado y brillante de limpio que está, esa suculenta tortilla que tu has hecho con todo tu “amor” y que todos tus amigos alaban…

Muraday y Velasco ponen poesía y locura a una muerte anunciada desde que entras en el saloncito de La Casa de la Portera.

Luis Mª García Grande.

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Lecturas dramatizadas de autores contemporáneos españoles en Nueva York

El Cuny Graduate Center de Nueva York (365 de la Quinta Avenida) acoge los días 29 y 30 de abril el programa News Plays From Spain en el que se incluyen dos días de lecturas dramatizadas y mesas de debate en torno a la obra de siete dramaturgos contemporáneos españoles: Ernesto Caballero, Guillem Clua, Cristina Colmena, Mar Gómez González, Borja Ortiz de Gondra, Alfredo Sanzol, y Emilio Williams. Además el Martin E. Segal Theatre Center publicará una antología de las obras traducidas que será presentado en el Instituto Cervantes el día 1 de mayo a las 18.30 horas. La cita organizada por el Martin E. Segal Thatre Center en el Graduate Center en colaboración con Spain Culture New York-Consulado General de España, la Fundación Autor de la SGAE y el Festival Internacional de Literatura Pen World Voices anuncia programa de dos días de lecturas dramatizadas y mesas de debate que tendrá lugar los días 29 y 30 de abril. La cita contará con la presencia de los siete autores invitados, Ernesto Caballero, Guillem Clua, Cristina Colmena, Mar Gómez González, Borja Ortiz de Gondra, Alfredo Sanzol, y Emilio Williams, que presidirán las lecturas de sus obras traducidas al inglés por parte de actores y directores americanos bajo la dirección de Julián Mesri. Este evento que se celebra con motivo del Pen Wolrd Voices Festival de Literatura Internacional, se llevan a cabo en el marco de un programa de intercambio del Segal Center con otros países tales como Japón o Corea del Sur, y en el mismo se ofrecerá una visión sobre la evolución de la identidad y la cultura en el contexto de la situación actual del país. Todos estos eventos, a excepción de la citada presentación de la antología, son gratuitos y abiertos al público general. Ya que el espacio es limitado, el programa estará abierto hasta completar el aforo.

 

El programa de los eventos para New Plays From Spain es el siguiente:

 

Lunes 29 de Abril
14.00 horas
‘Smartphone-A Pocket Siz Farce’ (Smartphones, una farsa de bolsillo) de Emilio Williams. Dirigido por Eric Mercado

 

16.00 horas
‘Picasso an his Barber’ (Picasso y su barbero) de Borja Ortiz de Gondra. Dirigido por Debbie Saivetz

 

18.30 horas
‘Promise land’ (La tierra prometida) de Guillem Clua. Dirigido por Melanie Sutherland

 

20.00 horas
‘Typing’ (Tecleando) y ‘Happily ever after (Fueron felices y comieron perdices) de Cristina Colmena. Dirigido Kimberly Faith Hickman

 

21.00 horas
Grupo de debate: La nueva Dramaturgia en la España Contemporánea. Con Guillem Clua, Cristina Colmena, Borja Ortiz de Gondra, y Emilio Williams. Moderado por Ángel Gil Orrios, Director Artístico/Ejecutivo del Teatro Español Thalia en Queens.

 

Martes 30 de Abril
14.00 horas
‘Numbers’ (Números) de Mar Gómez Glez. Dirigido por Tamilla Woodard

 

16.00 horas
‘On the moon’ (En la luna) de Alfredo Sanzol. Dirigido por Oliver Butler

 

18.30 horas
‘Pakita’ (Pakita) de Ernesto Caballero. Dirigido por Shannon Sindelar

 

20.00 horas
Grupo de Debate: Dramaturgia, Globalización e identidades: ¿Existe una identidad nacional en la dramaturgia contemporánea española? Con Ernesto Caballero, Mar Gómez Glez, Alfredo Sanzol, Julian Mesri, Director de teatro, Frank Hentschker, Director Ejecutivo y Director de Programas en el Segal Center, el dramaturgo americano John Guare, y el Director Artístico/Ejecutivo del Teatro Español Thalia en Queens, Ángel Gil Orrios. Moderado por el dramaturgo y guionista español, y presidente de la Fundación Autor de la Sgae, Antonio Onetti.

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Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.

PacoBezerra¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.

¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.

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¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.

Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.

¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.

¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.

¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.

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