L´Isola Disabitata de Manuel García en los Teatros del Canal
Por suerte, la ópera ha dejado de ser ese tipo de espectáculo ampuloso y desmedido en todos los sentidos. En los últimos tiempos, cada vez más a menudo, aparecen en la cartelera una serie de propuestas como la que nos ocupa que, además, es denominada: Ópera de salón. En los Teatros del Canal ya hemos tenido ocasión de ver espectáculos de pequeño formato que, gracias a su exquisitez, fomentan un público y experiencias que en los grandes coliseos no son posibles. Esta semana hay un espectáculo delicioso en la Sala Verde; una producción del Teatro Arriaga dirigida por Emilio Sagi… L´Isola Disabitata está basada en un texto del poeta Pietro Metastasio y como bien reza el título, transcurre en una isla; un espacio que siempre ha deparado buenas situaciones teatrales, sin ir más lejos, Shakespeare hace protagonista este lugar en dos de sus obras: La Tempestad y Noche de Reyes. Y es que las islas son espacios que se prestan al espejismo, a construir situaciones donde los personajes pierden la noción del tiempo y el lugar, consiguiendo de este modo que sus verdaderas emociones afloren. Ya saben, este fin de semana de festejos madrileños, puede ser un buen momento para ir a ver ópera de cerca.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/lisola-disabitata-opera/
Adolfo Simón
Daniel Albaladejo: El teatro forma parte del tejido social y cultural de un país
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?
Mis inicios en el teatro fueron más casuales que vocacionales. Frecuentaba ambientes culturales en el lugar de donde soy, Murcia, me ofrecieron un papelito en una representación de “Lisístrata” en el Festival de Teatro, Música y Danza de San Javier en verano del 90 y tras la experiencia abandoné la carrera de Biología, que era lo que estudiaba y me matriculé en la Esad de Murcia. Me atrapó el “veneno” del Teatro.
¿Por qué haces teatro?
Para volar. Por necesidad de libertad. Para no estar atado. Para soñar y hacer soñar. Para morir y resucitar.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?
Echando la vista atrás y evaluando mi trayectoria, de momento, estoy muy satisfecho, tanto por la cantidad como por la calidad de los trabajos realizados. Esto es una larga carrera de fondo y de aprendizaje tanto personal como profesional.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?
El teatro forma parte del tejido social y cultural de un país. Es una seña de identidad de lo que somos como ciudadanos y como seres humanos. Es un arte donde descubrimos nuestros aciertos y nuestras miserias. Nos hace reflexionar sobre lo que queremos como sociedad, hacia donde vamos y de donde venimos. Es ocio, es cultura y es la identidad de un pueblo.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?
Surge de querer contar un historia. De profundizar en ella y sacar la lectura más comprometida que podamos. Eduardo Vasco y su compañía Noviembre nos ofrece la posibilidad de formar parte de un grupo comprometido con una idea de compañía a la antigua usanza, crear un repertorio donde cada miembro aporta lo mejor a los personajes, independientemente del papel que desempeñe. Esta idea de compañía es la que me anima a participar en los proyectos que surgen y nos propone Eduardo.
¿Cómo surgió tu participación en Otelo?. Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él.
Una vez terminado el proyecto anterior ,“Noche de Reyes”, Eduardo me contó la posibilidad de montar “Otelo”. Disponía del elenco apropiado y capacitado para hacerlo, y no lo dudé mucho. Era una oportunidad única de representar a uno de los grandes personajes del teatro y además con una versión magnífica de Yolanda Pallín. No se podía pedir más.
El trabajo se dividió en dos partes. Una primera durante el verano, donde investigamos sobre el texto, los personajes, sus relaciones y donde bocetamos una primera idea de espectáculo y otra segunda, en otoño, donde se le dio forma a todo ese boceto y se erigió la estructura de espectáculo que se puede ver actualmente. En esta parte se integraron los elementos de vestuario, Lorenzo Caprile, escenografía, Carolina González e iluminación, Miguel Ángel Camacho.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?
En este último año he tenido la suerte de participar en “Ay, Carmela” con dirección de José Bornás y con Elisa Matilla como compañera de reparto y en “La Lengua en Pedazos” con dirección de Juan Mayorga y con Clara Sanchis, con la que actualmente seguimos de gira.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Pues de momento continuo con “Otelo” y “La Lengua en Pedazos” y próximamente iniciaremos los preparativos para ensayar en Diciembre “El Mercader de Venecia” con dirección de Eduardo Vasco en Noviembre Teatro.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Evidentemente se está haciendo muy cuesta arriba poder desarrollar proyectos teatrales en estas condiciones. En ese concepto de compañía que te comentaba anteriormente es muy difícil asumir ciertos costes ya que hablamos de repartos extensos, diez u once actores, más técnicos en gira y unidad de producción. Pero aún así es una idea que tenemos y la llevaremos hasta las últimas consecuencias. Creemos en esta forma de hacer teatro. Sería necesario una reflexión por parte del Gobierno en cuanto a una rectificación del IVA cultural. El 21% de cero es cero. Y podría pasar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?.
Me sorprendió y me encanto “Los 4 de Düsseldorf” de José Padilla y dirigido por él mismo en la tristemente cerrada (hablando de los estragos del IVA cultural) sala “El Sol de York”. Un espectáculo diferente, fresco, brillantemente interpretado y dirigido y con un mensaje clarificador el “sincerismo”. Que pasaría si todos decimos lo que pensamos de verdad. Me encantó.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?.
Paciencia hermano que de todo se sale. Seguir apostando por espectáculos que queremos contar y enamorar al público con ello. Sin público, esto del Teatro, no sería nada.
Broche de oro para cerrar el Festival de Otoño a Primavera
Tras visitar hace apenas dos años España con La comedia de los errores y Ricardo III, metiéndose en el bolsillo a espectadores y críticos, la formación británica Propeller, especializada como nadie en la interpretación de las obras de Shakespeare, regresa de nuevo a los escenarios madrileños con dos nuevas producciones: Twelfth Night (Noche de reyes) y The Taming of the Shrew (La fierecilla domada). Una de las mejores comedias de amor y enredo de Shakespeare, Twelfth Night (Noche de reyes), narra una enrevesada historia de confusión de identidad, transformación y decepción. Con un hombre interpretando a una mujer disfrazada de niño, ilusión y realidad son casi indistinguibles en la isla de Ilyria ideada por Propeller. Oscura y encantadora, la obra se pregunta sobre lo que ocurre cuando te enamoras de la persona equivocada, y la respuesta es al mismo tiempo hermosa y agridulce.
El estreno absoluto de Twelfth Night (Noche de reyes) tuvo lugar en el Belgrade Theatre de Coventry el 8 de noviembre de 2012. Habitualmente, esta obra se representa con aire de vodevil, de líos entre unos que van y otros que vienen, entre los intereses de los que mandan y la aceptación del juego por parte de los que obedecen, sin embargo, en esta propuesta de Propeller aparece un inquietante atmósfera en la que el juego de travestismos y máscaras, agudiza la sensación de confusión sobre lo que se desea realmente.
En The Taming of the Shrew (La fierecilla domada), dos clamorosos pretendientes disfrazados compiten por la mano de la hermosa Bianca, mientras Petruchio, en busca de la fortuna de su progenitor, accede a contraer matrimonio con su malhumorada hermana Catalina. Una historia insolente, brutal y oscuramente cómica, en la cual la diferencia entre casarse por amor y casarse por dinero parece cada vez más difícil de juzgar. Shakespeare escribió probablemente The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) entre 1590 y 1591, casi al principio de su carrera, y Twelfth Night (Noche de reyes) en 1601, en su época de mayor apogeo, más o menos al mismo tiempo que Hamlet. Sin embargo, ambas comedias abordan temas comunes como el amor, el matrimonio, la transformación y las decepciones que la verdad revela. Ambas obras exploran de forma hermosa cómo el estar enamorado de la persona equivocada hace que afloren los verdaderos sentimientos, al tiempo que nos incitan a examinar qué es lo que realmente nos hace alcanzar la felicidad. El estreno absoluto de The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) tuvo lugar en el Teatro Real de Norwich el 24 de enero de 2013. En cada adaptación que se ha hecho de esta obra, aparece el pulso divertido entre la fierecilla y el domador, aquí, en cambio, dan un giro a ritmo de musical de jazz para mostrarnos la dureza que los hombres ponen en juego cuando su deseo se cuestiona.
Ha sido un broche perfecto para cerrar este Festival que ha ido apareciendo y desapareciendo de la cartelera, dándonos pequeños placeres puntuales.
Adolfo Simón
Isabel Ordaz nos habla de sus proyectos artísticos.
¿Cómo surge el proyecto de Lúcido?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
La obra me llega a través de Amelia Ochandiano que me propone el personaje de Teté. Cuando la leo quedo fascinada, tanto por la estructura de la que se sirve Rafael Spregelburd para contar esta obra, como de la historia y de los personajes. Lúcido está llena de secretos y no se puede desvelar demasiado la historia, pero diré que se trata de una madre (Teté) que trata de no perder a sus hijos (Lucrecia y Lucas) y también de un amante, un camarero, un riñón trasplantado, risas y lágrimas y una sorpresa final que conmueve enormemente.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con la directora y el resto de actores?…
El proceso de creación ha sido diríamos que intenso, es mi segundo trabajo con Amelia Ochandiano y ella no se conforma nada más que con lo perfecto. En este caso lo más difícil era encontrar el tono de la obra, pues Lúcido podría ser una tragicomedia pero también mucho más, un crisol de géneros. Una vez que dimos con ello, con el tono, nos quedamos más tranquilos. El resto del equipo es estupendo, Tomas, Itziar y Alberto, estupendos. Y por supuesto la escenografía, de Ricardo Sánchez Cuerda, un acierto.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Para no alargarme hablaré de los 3 últimos. Mi apuesta para montar Los Días Felices de Beckett, en la que entré en la co-producción, fue todo un desafío y un empeño, hacía años que quería saber de que estaba compuesta Winnie debajo de su duna, al final creo que lo descubrí y fue hermosísimo. Me parece que debajo de sí Winnie guarda todo el siglo XX, que no es poco, sus dos terribles guerras, el principio del fin del sueño europeo, etc., en fin sería muy largo. Para el Nacional hacer a Madame Collete en el montaje de Lluis Homar de Luces de Bohemia fue un lujo, Lluis es un gran hombre de teatro y siempre se aprende con él. Y Ahora Spregelburd, donde Amelia me ha hecho un extraordinario regalo: a Teté, inmensa, y a la que todavía estoy conociendo.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
El entusiasmo es el mismo, el medio impone sus reglas, eso es todo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, hoy y siempre, es el espejo donde se mira una sociedad, es el status de civilización de una sociedad. Hoy en día, al competir con tanta oferta en este parque del entretenimiento en el que estamos inmersos, lo que el teatro creo que aportaría es el concepto noble de FICCIÓN, en el sentido de la creación (literaria, dramática, plástica) como instrumento para el conocimiento de nosotros mismos, y no la verdad en sí como parecen querer vendernos los apólogos de las telerealidades, etc.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Sí, está afectando, como al resto de las áreas, la cultura o el arte no es una marcianada que no se sabe de dónde viene ni a dónde va, sino aquello, junto con la educación, que nos hace ser mejores. El Rey Lear dice: “Quítale al hombre lo superfluo y no le distinguirás de un animal”. Así que, cuidadito con lo superfluo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido ver ha sido Noche de Reyes de Shakespeare, montada por Eduardo Vasco, en La Abadía. Una delicia.
¿Proyectos?…
Spregelburd, Lúcido, Teté, haremos gira, y espero que dure. También estoy preparando un libro de cuentos. Y por favor que se acaben los privilegios y los desmanes de los bancos.
Noche de Reyes de William Shakespeare en el Teatro de la Abadía
Noche de Reyes de William Shakespeare dirigida por Eduardo Vasco en el Teatro de la Abadía
A menudo se nos olvida a los espectadores y a los que hacemos teatro que el escenario ha de ser un lugar de juego y placer…A menudo se nos olvida que si no se hace teatro con pasión y entrega, no vale la pena subirse a la escena. William Shakespeare escribió unas tragedias inmortales pero también escribió unas comedias deliciosas y a través de todas sus obras nos hace reflexionar sobre la condición del ser humano…Con lágrimas o risas consigue que entendamos un poco mejor el absurdo de nuestro tránsito por el mundo. En Noche de Reyes, hay mucho enredo y juego de identidades: La esencia del teatro…Esto se puede hacer desde un planteamiento denso o se puede hacer desde el divertimento y no por ello dejar de profundizar en lo que el autor nos plantea. Eduardo Vasco vuelve a ponerse al frente de su Compañía Noviembre Teatro tras la época en que dirigió la Compañía Nacional de Teatro Clásico y lo hace acompañado de un grupo de cómplices…Yolanda Pallín, Miguel Ángel Camacho, Lorenzo Caprile y un grupo de actores de larga trayectoria escénica. Todos juntos han asumido la misma consigna…Vamos a disfrutar al máximo…y se nota, hay una complicidad en escena, una escucha y un respeto profundo por la comedia shakespeariana que la convierte en una delicia para todos los que asistimos a la misma desde el patio de butacas, haciéndonos disfrutar del maravilloso juego del teatro.
Adolfo Simón
Eduardo Vasco nos habla de sus proyectos tras su etapa al frente de la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Eduardo Vasco nos habla de sus proyectos tras su etapa al frente de la Compañía Nacional de Teatro Clásico
¿Qué balance haces de tu etapa como director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico?
Mi balance es positivo. Muy positivo. Cuando llegamos a la Compañía nos propusimos recuperar una serie de cuestiones relativas al funcionamiento interno (la formación de dos elencos que se complementaran, la creación de la Joven Compañía Nacional, los proyectos de medio formato, la formación continua, etc) y otras relativas a su actividad externa (recuperación de las giras, la proyección internacional, ampliación de repertorio, apoyo y difusión por los festivales, etc.) y conseguimos todas, de una u otra manera. Creo que la Compañía es una institución que uno acaba sintiendo cerca y que tiene un objetivo tan concreto que resulta precioso desarrollarlo junto a sus miembros, los festivales, teatros, universidades y el público, que es un valor que acompaña a esa casa maravillosa.
¿Cómo surge el proyecto que vas a estrenar en La Abadía?
Queríamos volver a reunir Noviembre Compañía de Teatro como era en el momento que lo dejamos. Acabamos aquella etapa con Hamlet y queríamos volver con Shakespeare, y esta vez con una comedia. De entre todas las que barajábamos la que más nos interesaba por temática y contenidos, y mejor se ajustaba a nuestro elenco era Noche de reyes. Noviembre funciona con la complicidad de sus miembros como gasolina principal, así que nos juntamos y nos pareció una buena cosa volver a la arena teatral con esa obra tan positiva, ten bella. Teníamos muchas ideas que se fueron concretando según avanzaba el tiempo a partir de estímulos muy variopintos.
¿Cómo ha sido el proceso?…
Lo hemos disfrutado enormemente. Cada ensayo. Tenemos la suerte de conocernos desde hace mucho tiempo y de haber trabajado juntos en tantas ocasiones que nuestro nivel de confianza y de capacidad para probar y equivocarnos es muy alto. Exploramos la vía del music-hall para poder desarrollar todo el ambiente musical que está propuesto en el texto, que es mucho, y decidimos que debía ser un elemento fundamental. A partir de ahí todo apareció de una manera muy natural.
Creo que también estrenas otro montaje en Valencia…Háblanos de él…
Se trata de La gaviota de Chejov, una producción de Teatres de la Generalitat Valenciana que se estrenó en el Teatro Talía de Valencia en castellano el pasado octubre y se ha remontado en esta ocasión en valenciano. Ha sido un encuentro con un grupo extraordinario de actores y me ha dado la oportunidad de conocer parte de la profesión valenciana, que me parece un entorno con un potencial teatral tremendo. Y montar a Chejov es algo que deseaba desde hace mucho tiempo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estreno en el CDN El malentendido de Camus a finales de enero, con un lujo de reparto: Cayetana Guillén Cuervo, Julieta Serrano, Ernesto Arias, Lara Grube… Después me tomaré un tiempo antes de comenzar el siguiente Shakespeare de Noviembre. Mi siguiente proyecto tiene que ver con la música…
¿Han cambiado tus planteamientos de trabajo y tu manera de enfocar los proyectos tras tu paso por la Compañía Nacional de Teatro Clásico?…
Seguro. Me he pasado siete años entre los clásicos, trabajando monográficamente un tipo de dramaturgia muy concreta que constituye la base de casi todo lo que se escribe hoy. Ha sido una experiencia tan enriquecedora que ya no soy la misma persona de teatro que era antes, creo que ha cambiado hasta mi manera de hacer y entender el teatro contemporáneo. Confío más en el actor y en el texto, trabajo de manera más sobria cada vez y, seguramente, de una manera más lúdica; disfruto cada vez más.
¿Has visto algún montaje de teatro últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he visto, hace unos días en Valencia, han sido siete montajes del festival Ruzafa Escénica y me ha parecido fantástico. Una iniciativa de gentes de la profesión hacia su barrio, relacionando artistas plásticos con gentes de teatro y músicos que actuaban en lugares atípicos. Mucha imaginación, calidad y rigor. Y sin ayuda pública. Es como un pulmón cultural para la ciudad. Un acto bello y valioso.
¿Crees que va a afectar la subida del I.V.A. y los recortes en el teatro?…
Sí, definitivamente. Va a cambiar nuestra manera de hacer teatro, ya lo está haciendo. Están desapareciendo compañías, cada vez es más complicado volver a los usos que han sido habituales para producir espectáculos. Hay mucha gente en la profesión que lo está pasando muy mal. Nosotros apostamos por una producción grande (11 actores) y no nos ha ido mal dadas las circunstancias, pero cada vez es más complicado.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Complicidad. Reunir equipos de gente con pasiones e intereses comunes, apostar por proyectos diferentes que merezcan la pena. Hacer teatro contra esta marea de pensamiento conformista amedrentado por la economía.
Noche de Reyes, espectáculo accesible
Llevamos unos meses trabajando en un espectáculo teatral, que será el
primero totalmente accesible para personas con discapacidad auditiva y
visual. Lo novedoso es que no será un espectáculo sólo para ellos,
sino para todos: tú podrás ir con tu amigo sordo o ciego al teatro.
Hemos puesto mucha ilusión, muchas ganas, y sobre todo mucho trabajo,
en este proyecto. Pero nos falta un empujón: el económico, hemos puesto el proyecto en una página de micromecenazgo, este es el enlace: http://www.lanzanos.com/proyectos/noche-de-reyes/
Que Revienten los Artistas 
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