Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Entusiasmo en La Abadía

En la recta final de la primera fase de exposición de los trabajos realizados por el Teatro de la Ciudad, he podido acudir a una de las sesiones de Entusiasmo; un espacio para relajarse tras las tragedias diarias, oyendo música, charlando o viendo una pieza breve de teatro… Ayer se representó Aracnos, escrita y dirigida por José Padilla, interpretada por Cristóbal Suárez y Juan Antonio Lumbreras que hicieron las delicias de los asistentes con una pieza breve sobre los delirios amorosos de los héroes de comic y como cierre, las canciones sugerentes de la Banda Embrollo. La gente estaba entusiasmada.
Adolfo Simónentusiasmo1


Oscar de la Fuente: “Me encuentro vivo haciendo teatro.”

fuente¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La verdad que jamás me planteé ser actor, ni por asomo, con 20 años empecé haciendo teatro aficionado en mi pueblo por casualidad, tenía un amigo que estaba en el grupo de teatro y un día me dijo que fuera con él, que me lo pasaría bien, fui un sábado, mi amigo no apareció y … Ahí cambió todo, aquel día descubrí algo dentro de mí que jamás había sentido. Desde entonces actué con mi grupo de teatro aficionado, Teatro Tierra se llamaba, hacíamos muchas funciones, ahora que lo pienso más que algunas compañías profesionales ahora en los tiempos que corren, en fin, al año siguiente entré en la Escuela de Arte dramático de Valladolid y antes de acabar la escuela ya estaba trabajando profesionalmente con la compañía Rayuela Producciones, continué con otras compañías de Valladolid y castilla y león, hasta que en el 2008 me vine a Madrid a formar parte del elenco de la Abadía.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Pues fíjate en las compañías de provincias se hacía de todo, allí decíamos que actuábamos para descansar, porque cargábamos la furgo, conducíamos, descargábamos, montábamos el escenario, pecheábamos, programábamos la mesa de luces, actuábamos, desmontábamos, cargábamos de nuevo la furgo y volvíamos a conducir de vuelta, imagínate si hacíamos otras facetas además de actuar, actuar era lo más fácil.
Pero si te refieres a que en una compañía, Guetto 12/26, hice el espacio sonoro, no se me daba mal, también hice de técnico de luces y diseños de luces para alguna compañía, hasta que un técnico me dijo que lo hacía muy bien, que me planteara que es lo que quería ser si actor o técnico, a la semana siguiente me llamaron para hacer otro diseño de luces, dije que no.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Vaya pregunta, uff, para mí es una forma de vivir, de ver la vida, seguramente suene a tópico pero es así, yo soy con el teatro, me encuentro vivo haciendo teatro.

Alcalá;Corral de Comedias; El coloquio de los perros; adaptaci

…¿Por qué haces teatro?..
Porque no sé hacer otra cosa, porque es una necesidad vital, cuando cierro los ojos antes de entrar a escena algo dentro de mí se coloca en su lugar, siento que me transformo y mi alma comienza a respirar, todo se coloca, todo toma lugar, si pudiera compararlo a algo supongo que sería algo así como entrar en trance, el hecho de enfrentarme a retos cada vez que me proponen un proyecto me hace sentirme vivo.
Creo que si no fuera actor sería cocinero o pondría una ferretería.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No lo sé; gracias a amigos, profesionales y compañeros que han confiado en mí como Fefa Noia, Carlota Ferrer , Ernesto Arias, a los cuales conocí en La Abadía, gracias a ellos estoy donde estoy, y por supuesto a muchos otros, creo que la trayectoria, al menos la mía se ha ido forjando al lado y gracias a grandes profesionales.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
No creo que el teatro deba tener ninguna función, qué función tiene la pintura en la sociedad de hoy, o la música, o la danza, si te soy sincero no se responder a esta pregunta, creo que el teatro tiene una función por sí misma, el teatro crea ya preguntas.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
LOCOS POR EL TE, protagonizado por María Luisa Merlo y Juanan Lumbreras, dirigido por Quino Falero, estuvimos 6 meses en el Alcázar, fue una experiencia maravillosa, nos lo pasábamos como enanos y el público también, teatro comercial que yo no había hecho nunca y me parece que si tengo la oportunidad volveré a repetir.
LA NARCISA para Storywalker, una maravillosa iniciativa de Kubik Fabrik que lleva el teatro a la radio. AYUDA de Maria Goos, dirigido por Fefa Noia. EL FEO esta vez de protagonista, todo un éxito, desde agosto hasta diciembre con público hasta la bandera en el Teatro Lara. AMAME una versión libre de Misery, dirigido por Adriana Roffi y donde comparto escena con Carlota Ferrer, lo creamos para la pensión de las pulgas. LOS NADADORES NOCTURNOS, una joya de texto de JM Mora, dirigido por Carlota Ferrer, en este tipo de trabajo es donde me encuentro como pez en el agua, explorando, trabajando investigando, proponiendo, jugando , me siento muy orgulloso de ser un nadador nocturno , un trabajo en el cual hemos aportado todos los actores , carlota nos ha permitido jugar y crear con ella y con Mora, creo que Carlota esta reinventando el teatro, y lo está haciendo muy bien, atención a Carlota Ferrer, y atención a Los Nadadores Nocturnos.
Ahora están de gira, yo me reincorporaré en cuanto pueda.
50 VOCES PARA DON JUAN dirigido por Mario Gas, un acto en benéfico de FEDER (Federación Española de Enfermedades Raras) donde 50 actores dábamos voz a los personajes de la obra, junto a grandes actores como Asunción Balaguer, Carlos Hipolito, Mauel Galiana, Fernando Cayo…
y LOS CUENTOS DE LA PESTE de Mario Vargas Llosa , dirigido por Joan Ollé, para el Teatro Español…

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Háblanos de ellos…
Todos ellos me han dado muchas alegrías,
En Locos por el Te emprendí mi primer proyecto en un espectáculo “comercial” donde aprendí mucho, nos lo pasábamos muy bien creando con Quino, había momentos de los ensayos que teníamos que parar los ensayos porque nos meabamos literalmente de la risa, si pudiera volvería a repetir
La Narcisa, fue una mañana grabando en el bar barajas cerca de la Kubik un audio para una de las historias creadas para Storywalker junto con Fernando Soto, Ana Cerdeiriña y otros compañeros, con la dirección de Fernando Sánchez Cabezudo, una historia real del barrio de Usera.
Ayuda, fue un montaje que hicimos porque el texto nos gustaba muchísimo, habla sobre un hombre de negocios que tiene que estar postrado en la cama por una hernia y su “ayuda domestica” le atiende en ese tiempo, un texto que habla de cómo nos engañan en los negocios, sobre quien ayuda a quien, muy pronto en la cuarta pared tendréis la oportunidad de verlo, junto con David Luque.
El Feo, que ya lo habíamos hecho lo retomamos para hacerlo en el teatro Lara, habla en forma de comedia sobre la obsesión de la belleza, de las vicisitudes de Lette alguien muy feo que se opera para ser más guapo.
En Ámame, empezamos a trabajar sobre el texto original de Misery, pero nos dimos cuenta que era más interesante darle una vuelta, y es lo que hicimos, junto a Adriana Roffi y Carlota Ferrer que protagoniza esta pieza estupenda.
Con Los Nadadores Nocturnos, tengo que reconocer que tengo especial cariño, aparte de que Carlota Ferrer, la directora, se ha rodeado por un magnifico elenco, Miranda Gas, Esther Ortega, Marcos Marín, Jorge Machín, Joaquín Hinojosa, Paloma Díaz, Ricardo santana, Alberto Velasco; el trabajo y la investigación mano a mano, que en cada función cambia y está vivo, junto a Carlota y JM Mora ha sido el componente más importante de este proyecto, un texto que habla sobre la sociedad actual , con una poesía brutal , nos envuelve en una sociedad en la cual todo se vende y se compra y todo está a punto de estallar. Creo que Carlota esta reinventando el teatro con una nueva forma de trabajo, atención a Carlota Ferrer y a los Nadadores Nocturnos.
50 voces para don Juan… en todos ellos con unos compañeros formidables y es que el teatro una de las cosas más maravillosas que tiene son las familias que creas en cada proyecto.
Y ahora estoy en el Teatro Español representando Los Cuentos de La Peste…

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¿Cómo surgió tu participación en Los cuentos de la peste…?…Háblanos de este trabajo…
Pues surgió porque el director, Joan Ollé vino a ver los nadadores nocturnos, y me dijo después que me quería hacer una prueba, estaban buscando a “Pánfilo”, el personaje que hago en la función, me preguntó si podía hacer mil personajes a la vez, si hacía acrobacia, malabares, yo por supuesto le dije que sí, y a la semana siguiente estaba haciendo la prueba.
El trabajo ha sido todo un lujazo, imagínate, con un premio Nobel como compañero, es todo un acontecimiento, todo el equipo tanto técnico cómo artístico hemos estado trabajando a tope para llevar a escena el texto de Mario.
Empezamos ensayando en la sala de abajo del Teatro Español, esperando a que prepararan el escenario en la sala grande del español, han levantado todo el teatro y dispuesto un escenario a cuatro bandas, nosotros actuamos en el patio de butacas, ahora convertido en una villa de Florencia, creo que hacía mucho tiempo que no se hacía algo así.
Trabajábamos e íbamos montando las escenas con el director y era muy bonito ver como a Mario se le iban iluminando los ojos y la sonrisa a medida que iba viendo como sus personajes y su obra cobraba vida. La verdad que ha sido muy fácil con compañeros como Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Marta Poveda y el propio Mario Vargas Llosa.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Depende de las necesidades del montaje, de su naturaleza, de los compañeros, va surgiendo poco a poco con los ensayos, pruebas muchas cosas y un día…¡¡Zas!! Aparece el personaje.
¿Método?, tengo mi propio método, supongo, fruto de una mezcla de aprendizajes, pero no siempre uso las mismas herramientas, como te he dicho depende de muchos factores.
Para mi crear es como cocinar, la cocina es la sala de ensayos, vas probando, utilizando los ingredientes perfectos hasta que das con la receta perfecta, y le das el perfecto toque de sal, emplatas… y sirves.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están aniquilando el teatro, están acabando con las nuevas propuestas, con los nuevos talentos, sólo las grandes producciones y los viejos barcos subsisten, además nadie se arriesga, y algunos programadores de teatros menos, cuando son los que deberían arriesgarse, pero como la mayoría son funcionarios… bueno esto sería un articulo a parte, en fin… es una vergüenza que la cultura este considerada un lujo.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
¿Proyectos?…Entremeses, y Hacía la alegría, los dos montajes los vi en la Abadía. El primero es una reposición por el 20 aniversario, un acto de precisión actoral, un montaje que tiene 20 años y parece nuevo.
Hacía la alegría es una lección de buen hacer de uno de los mejores actores de España, Pedro Casablanc, impresionante.

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¿Proyectos?…
De momento acabo en el español y me voy al CDN pero ya te iré contando según se vayan haciendo realidad, de momento nada es seguro.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Soñar, Sonreír y Amar, que de momento es gratis.


Hacía la alegría de Olivier Py con Pedro Casablanc en La Abadía

Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Así comienza Hacia la alegría, nuevo texto de Olivier Py, director del Festival d’Avignon, que él mismo ha dirigido. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras y la música en directo de Fernando Velázquez. Hacia la alegría forma parte del proyecto europeo Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad. No vamos a descubrir ahora el nivel actoral que tiene Pedro Casablanc pero en este montaje, se enfrenta a un trabajo complejo del que sale absolutamente airoso. Su entrega física, rayando la animalidad, permite que construya un personaje cercano a nosotros y al tiempo entroncado con el Segismundo de La vida es sueño. Un ser que trata de discernir lo que hay en su imaginación de lo que es la realidad del día a día. Un trabajo excelente.
Adolfo Simóncasablanc


Beatríz Bergamín y Ángeles Martín nos hablan sobre su trayectoria aprovechando el estreno de “No hay papel”

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
beaBeatriz: En el escenario del desaparecido Teatro Martín cumplí 17 años, haciendo La Estanquera de Vallecas de J. L. Alonso de Santos junto a la que luego se convirtió en mi abuela para siempre, la genuina Conchita Montes. Después entré en la RESAD y fui alumna de un gran maestro espléndido ser humano, Pepe Estruch, que me enseñó entre otras muchas cosas, la importancia en escena – y en la vida – del silencio. También recuerdo con inmenso cariño a Marta Schinca. Y allí conocí a muchos de mis amigos del alma, los que me acompañan desde entonces y hasta hoy. A raíz de la Estanquera me independicé de mis padres, así que trabajaba por las noches de camarera, por las mañanas iba a la RESAD y por las tardes posaba como modelo de pintores y escultores. Intenso, duro, feliz.
angel1Ángeles: Empecé en el hostal que regentaban mis padres en la calle Valverde de Madrid, actuando para la gente que pasaba por ahí desde muy pequeña. Me inscribí en la Escuela de Arte Dramático de Madrid tan pronto acabé el bachillerato, determinada a hacer lo que sentía.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Beatriz:El teatro es mi vocación, mi manera de estar en el mundo, de mirar, de respirar, de sentir, de mostrarme y expresarme, de vivir, de bucear en mi misma y de empatizar o no, con los demás, mi lucha, mi sueño en curso, mi responsabilidad.
Ángeles: El teatro para mi es poder vivir lo que sienten los personajes que habito.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Beatríz: Un balance sin balanza, más en el desequilibrio que en la línea continua. He trabajado mucho, es cierto, pero cada día que pasa me siento más transparente, menos sabia, más abierta, más sensible al presente. Todos mis trabajos están en mi, todos han dejado huella, los buenos, los malos, los regulares poca huella han dejado pero también han sido y ahora, menos mal, recuerdo más intensamente a las personas que han estado conmigo en esos procesos, esas funciones, esas giras, que las obras en sí mismas o los personajes que interpretaba en ellas. La suerte, y a veces también lo difícil de “entender” o mirar a vista de pájaro mi carrera, es que he trabajado y trabajo con personas muy diferentes entre sí, en estilos o modos de ver las cosas incluso opuestas, no tengo claramente una “familia” teatral. No tengo sentido de pertenencia y tampoco de permanencia, pero sí de fidelidad y respeto hacia lo que de verdad me atrae, me atrapa, me apasiona o me emociona y me cambia. He hecho cabaret, teatro de calle, recitales, teatro infantil, he sido una salvaje con la Fura dels Baus, he trabajado en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en el Centro Dramático Nacional, he producido mi propio teatro personal, he estado en La Abadía y en el Teatro de la Latina casi a la par, o en series de televisión horteras y en otras muy buenas. Qué más da. Se trata de ser coherente en lo personal y en la aceptación de las diferencias humanas o poéticas que uno percibe en uno mismo y en los otros, creo, pero siempre que en lo que uno hace haya implicación, dignidad, ilusión, entrega y sentido del humor, por supuesto. Siempre ha sido difícil trabajar en lo nuestro, pero es que ahora es un milagro, y además suele pasar que lo que más te gustaría hacer es lo más difícil de conseguir, porque se te ven las ganas, el temblor, la fragilidad.
Ángeles: He tenido el privilegio de trabajar con grandes directores y compañeros que me han enseñado mucho sobre la interpretación, es decir, sobre la vida.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Beatríz: Como mínimo la función de existir o seguir ahí, siendo y estando, porque ya casi ni eso tiene, el pobre. La función de tocar, tocar algo, como cuando un sable toca al adversario y al adversario le duele el pecho, o como un amor que te toca y no sabes si eso te gusta o te da miedo pero sabes que te están tocando y estás vivo. La función de abrir las carnes, de sensibilizar ante situaciones extremas, políticas, indignantes o delicadas, crear una mirada nueva ante lo efímero, frente al hoy, ante lo que no queremos ver o lo que no nos han dejado mirar, lo ya pasado o lo que podría suceder; y servir como reflexión o pausa ante la prisa, la barbarie y como no, la belleza. Y la función por y para la que nació el teatro en Grecia, comunicar, conectar, empatizar a unos seres humanos con otros seres humanos. Mucho, ¿verdad? Pues parece que no lo ven, en España.
Ángeles: La función del teatro es ser testigo del tiempo en que vivimos, o del tiempo en que otros, muy parecidos a nosotros vivieron.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Beatríz: He vivido una experiencia sorprendente, participando como actriz en la ópera Les Contes d´Hoffmann de Offenbach que se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid con dirección de escena de un creador singular, yo diría genial, Christoph Marthaler, generoso, cercano, divertido, un mito del teatro alemán internacionalmente reconocido. Actualmente sigo con la gira de El Lenguaje de tus Ojos de Pierre de Marivaux con dirección de Amelia Ochandiano para la compañía Teatro de la Danza, que se pudo ver en julio de este año en el Festival de Almagro. Nunca antes había trabajado con Amelia y he descubierto con admiración su disciplina, su meticulosidad y su amor incondicional hacia nuestra profesión.
Ángeles: Este último año he trabajado junto a Blanca Portillo y Eva Hache, en la muy personal comedía de Ferrán González, dirigida por Victor Conde. Teniendo el privilegio, con los tiempos que corren, de hacer una gira como las de antes con los teatros llenos hasta la bandera.

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¿Cómo surgió la propuesta de NO HAY PAPEL?…Háblanos de ella…
Beatríz: NO HAY PAPEL es ahora mi hijo y el hijo de Ángeles Martín, es nuestra apuesta, nuestro proyecto, nuestra decisión. Algo pequeñito que hay que proteger con extrema sensibilidad y con muchísima humildad pero con impulso, pulso y confianza. Surgió porque yo estaba, a inicios del 2014, sin papel, sin trabajo, sin dinero, sin sitio, sin alegría, así de crudo, sin confianza en ser capaz de sacar adelante nada o poco. Surgió por la necesidad profunda de escribir, de actuar, de equivocarme, de reírme más, de estar. Y surgió porque Ángeles me insistía: escribe escribe escribe, yo estoy aquí, mírame, hazlo ahora, sal fuera de tí. Ahora es ahora y aquí estamos, juntas. Con la contundente apuesta, desde el inicio y sin reservas hacia nuestro proyecto, del director Víctor Velasco, que sabe, puede y quiere mirar este texto y a nosotras dos, desde sí mismo, repleto de talento, lo cual ha desembocado en una propuesta de montaje personal, desnuda, honesta. Ahora somos un equipo, y estamos despegando gracias a la inestimable ayuda de la sala Off de La Latina, unos valientes que nos apoyan e impulsan porque han apostado por No hay Papel, ferozmente. Gracias.
Ángeles: La propuesta surge cuando nos damos cuenta mi amiga Beatriz Bergamín y yo, de que tenemos todos los elementos para poder realizar nuestro proyecto personal y poder decidir lo que queremos hacer y como queremos hacerlo.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Beatríz: Leo mucho, cosas que tiene que ver con la propuesta o el personaje y otras que no pero que me inspiran. Se da por hecho que mi voz y mi cuerpo ya están ahí disponibles y entrenados, claro. Estudio en voz baja, en voz alta, por la casa, por la calle, mientras corro, mientras nado, mientras duermo. Me impregno de cosas, de gente, de músicas. No cierro ninguna puerta, me dejo, luego tomo decisiones claro, porque hay que tomarlas y porque se toman ellas mismas a sí mismas, y porque escucho, me vuelve loca confiar, confiar en las personas que me acompañan en ese trabajo en concreto. Me encanta jugar jugar jugar…
Ángeles: En cada proyecto que recibo intento adaptarme a lo que el director quiere. Para eso es imprescindible llevar el texto aprendido. Eso es lo que me permite jugar al juego que me proponen.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Beatríz: Están afectando terroríficamente a la cultura en general, no solo al teatro y al cine español, están golpeándonos, maltratándonos, borrándonos, dejando nuestras propuestas creativas y nuestra forma de vida aterida, parca e insostenible económicamente. Estamos en un momento durísimo, de absoluta desventaja frente a otros países de Europa, desangelados, pero no acobardados ni muertos.
Ángeles: No nos queda más remedio que hacer de la necesidad virtud. La subida del IVA ha sido demoledora para la industria teatral, así como la desaparición de las ayudas. Pero,intentando verlo desde el punto de vista positivo, creo que han abierto la caja de Pandora, porque han dejado de controlar lo que se hace.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Beatríz: Este año, que ya está otoñando, he visto montajes que me han emocionado y cambiado, por ejemplo en La Abadía, en Matadero y en los Teatros del Canal y en diversas salas alternativas, donde se están fraguando y estrenando propuestas interesantísimas.
Ángeles: Hay una oferta increíble, llena de creatividad y competencia en la cartelera. Me interesa mucho los trabajos que se están haciendo en las salas alternativas, y todos ellos se merecen una mención por el riesgo que implican y su desbordante creatividad con medios escasos.

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¿Proyectos?…
Beatríz: En Enero del 2015 me espera un texto barroco y revolucionario de un autor español, al que quiero y admiro profundamente, un regalo. Empiezo la gira de El Lenguaje de tus Ojos y estaré entregada cada miércoles de octubre y cada jueves de noviembre y diciembre 2014 a No Hay Papel en Off de La Latina, nuestra apuesta personal.
Ángeles: Ahora mismo apostamos por nuestro proyecto “No hay papel”, con la dirección del enorme Victor Velasco, escrita por mi gran amiga Beatriz Bergamín y con un equipo inmejorable. Y el resultado es consecuencia de lo anterior, aunque esa opinión, como siempre le corresponde a los espectadores.
Tengo el privilegio de hacer la próxima función de mi gran amigo y maestro Paco Nieva, “Salvator Rosa” interpretando el maravilloso mundo de “Floria”, producida por el CDN.


Eduardo Guerrero en La Abadía dentro de Suma Flamenca presenta el espectáculo “Re-torno”

Los recuerdos forman parte de nuestra vida y los que son buenos nos inspiran de una manera determinante cuando queremos crear, diseñar nuestro futuro. Eduardo Guerrero ha reunido los suyos vividos con su abuela Dolores y nos los presenta en forma de espectáculo. Sin un hilo argumental, como han ido surgiendo nos trae, con una originalidad y fuerza únicas, sus palos preferidos, sus recuerdos desenlatados y actualizados a su manera, en un escenario como el de La Abadía, que se presta a ver un flamenco moderno y rompedor. Una mezcla entre lo moderno y lo clásico que muchas veces no gusta a los puristas del flamenco. La versatilidad en el mundo flamenco está mal vista, no se puede salir con pantalón vaquero pitillo a bailar sobre una silla de hierro y despúes con traje corto retro… eso dicen muchos. Sí que es cierto que hay que retocar ciertos aspectos en los cambios de vestuario y lograr crear mejor el hilo argumental. Por otro lado, tengo que decir que ya me he encontrado con dos espectáculos dentro de Suma Flamenca que son “renovaciones” de otros que ya existían, como aquí el anterior de Guerrero llamado “De Dolores” y espero que esto haya supuesto un paso más en la creación y no una adaptación de lo que ya había con el fin de vendérselo al festival. Pero lo importante es que Guerrero se adapta y hace de su capa un sayo demostrando que tiene garra y que sabe bailar lo que le echen.

Luis Mª García Grande.

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l recuerdo del ayer nos hace vivir hoy para triunfar en el mañana…

Y entre mis primeros recuerdos del flamenco es inevitable rememorar los palos con los que comencé a bailar y que por ello, hoy componen mi espectáculo aunque sin hilo argumental porque son recuerdos y en estos más que el argumento es el sentimiento el que nos traslada hasta ellos.

Más inevitable es aún, recordar a la persona que me crió, que me introdujo en el arte, que me regaló mis primeras botas para bailar, que me acompañó allá donde actuaba y que confió en mí.

La suma de todo ello es el recuerdo de mi abuela Dolores, el ‘Re_torno’ a ella…

Programa
      Introducción
Caña ‘Puntales’
Tangos ‘Cábala’
Granaína
Seguirillas ‘D’Dolores’
Fandangos
Alegrías ‘Lele’

Coreografía y baile: Eduardo Guerrero
Cante: Emilio Florido, Miguel Rosendo
Guitarra: Jesús Guerrero, Miguel Pérez
Percusión: Manuel Pájaro
Diseño de iluminación: Fernando Martín
Diseño de sonido: Félix Vázquez
Vestuario: López de Santos


La punta del iceberg de Antonio Tabares en La Abadía

Cuando oigo a alguien decir…”Trabajo en un edificio inteligente” me provoca risa y vértigo. ¿Edificio inteligente?, me recuerda aquella computadora que cobraba vida en una famosa película de ciencia ficción y terminaba devorando mecánicamente a los pasajeros de la nave. ¿Se puede devorar mecánicamente?, si, hoy en día hay más violencia y criminalidad en el mundo virtual, este ya se ha instalado en nuestros espacios de trabajo y personales… ¿Quién no tiene hoy, como una extensión de sí mismo, un móvil o una tableta?. En La punta del iceberg, su autor, Antonio Tabares, plantea una situación cotidiana que de tan normal que es, adquiere tintes terroríficos. Es un texto aparentemente realista que va adquiriendo planos dramáticos conforme avanza la acción y los personajes, sobre todo la protagonista, interpretado fantásticamente por Nieve de Medina, van girando lentamente, como si el propio lugar, donde están tratando de averiguar unos hechos inquietantes que han ocurrido allí, fuese un testigo mudo que va escuchando y modificando sus comportamientos. En teatro, el terror es muy difícil de conseguir y para el público de hoy hay pocas cosas que le remuevan en la butaca pero en esta obra, hay algo sutil y horrible que se va instalando en el escenario, un terror psicológico que todos hemos sentido alguna vez, ese momento en que sabemos que podríamos perder el control de nosotros mismos y caer al vacío. El espacio escénico es muy efectivo gracias a su sencillez, es muy interesante ver como se convierte en un laberinto que no permite ver su fin y un autentico hallazgo que se convierta, con un cambio de plano, en la azotea del edificio. Todavía están a tiempo de vivir una experiencia inquietante que le puede ocurrir a cualquiera en nuestro lugar de trabajo o en nuestro día a día. Un espectáculo dirigido con aplomo por Sergi Belbel, con un reparto que juega al máximo la tensión escénica de la obra.
Adolfo Simón

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La nieta del dictador de David Desola en la Kubik Fabrik

Hace años se presentó un inquietante espectáculo en La Abadía que se llamaba Nacidos culpables, en él, los descendientes de alemanes nazis o judíos expresaban el horror que significaba tener que vivir con el estigma de ser herederos del horror. En La nieta del dictador se trata también este tema, en esta ocasión hacen referencia a la dictadura argentina y sus salvajes crímenes. Siempre es interesante recordar lo que ocurrió en el pasado porque la memoria es frágil y muchas veces olvidamos o vemos los acontecimientos de otro modo por muchas razones o intereses. Hay que recordar el terror que algunos hombres han provocado a lo largo de la historia con la complicidad de mucha gente, para tratar de evitarlo. En la puesta en escena sencilla que plantea Roberto Cerdá, se agudiza la angustia de los personajes y llega al patio de butacas el hedor del miserable personaje y de sus atrocidades gracias a la presencia y respiración de Ramón Pons a quien acorrala y desvela, su nieta, interpretada por Inma Cuevas.
Adolfo Simón

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Avance de programación para el otoño en La Abadía

avanceAbadíaMás info en: www.teatroabadia.com


JESÚS ALMENDRO nos habla de sus trabajos de iluminación en el teatro.

jesusalmendro¿Qué es el teatro para ti?…
Hay dos aspectos que distinguir: el teatro como espectador, y el teatro como actor (creo que también los técnicos somos actores del hecho teatral)…
Como espectador es una forma de cultura, cultura viva.
Como actor, es una forma de vida.

¿Por qué haces teatro?…
Estudié dirección en la ECAM y mi interés era el cine. Conocí a mi mujer, actriz, y me presentó el teatro. Me enamoré del hacer en vivo, cada día, del directo. Luego vinieron las luces. En mi primer bolo el director (que se ocupaba de la iluminación) me dejó con la carga mientras aparcaba. Con dos técnicos, la metimos en el teatro. En el escenario estaban alineados los focos, las varas bajadas. Los técnicos preguntaron: ¿qué hacemos? Sólo puede invitarles a un café mientras esperábamos a que el director volviera. Al acabar el espectáculo me dije: Quiero hacer esto. Quiero hacer la luz.

¿Qué balance haces de tu trayectoria en el teatro?…
Emocionalmente maravillosa. Profesionalmente, buena. Económicamente ruinosa.

¿Cómo surge el proyecto de LOS ILUMINADOS?…
Como el proyecto después de EL PROYECTO LARAMIE. Jorge Muriel, Julián Fuentes Reta, Iñaki Rubio y yo, y también la actriz Mónica Dorta, estuvimos en Laramie.

Háblanos de tu propuesta de iluminación…
En lo conceptual: la acción transcurre en una casa, un piso. Es un ser vivo.
En lo técnico: dos sistemas de iluminación diferentes para las dos partes en que está dividida la función. Uno filtrado muy cálido (para la primera), y otro muy frío (para la segunda). Todo temperatura de color (salvo L156 chocolate, algún neutro y difusores). Quería evitar también los gobos. A punto estuvo dos veces. Finalmente, no hay ninguno.
Algunos hallazgos: el flexo de David y la ventana.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Jorge descubrió el texto, lo tradujo con Julián y nos lo paso cuando le pareció oportuno. Y ya empezamos a trabajar. Tras la selección de actores tuvimos una semana de taller con Julián. Estrujamos el texto, lo sudamos y lo procesamos juntos. Cuando se confirmó la producción del Teatro Español, 45 días de ensayos con una semana de asistencia de Iñaki (sonido) y mía al principio, y otra al final para probar cosas, en la sala de la cuarta planta del teatro.
En medio sugerencias a tutiplén (aceptadas las telas del sofá, las sábanas blancas de la cama redonda, el libro que hay en el atril en escena) y, sobre todo, una sintonización fina con lo que se está contando que es lo que lleva al cómo hacerlo.
Este equipo ya tenemos una gran implicación, confianza, conocimiento unos de otros. Trabajamos bien. Con Iñaki Rubio, diseñador de sonido, lo hacemos el uno CON el otro. Audio-visualmente. Maravilloso.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear la luz de LOS ILUMINADOS?…
Referentes: las matemáticas y la geometría.
Referencias: Van Gogh (los amarillos, las pinturas del manicomio), Gauguin (los tonos de piel de las samoanas del paraíso tahitiano), Lars Von Trier (Dogville, Manderlay), Dreyer (Ordet, fundamental), Tarkovsky, un director de iluminación que trabajó con éste último y Bergman, llamado Sven Nykvist, el ojo de Dios (mira en imágenes de Google, hay una nebulosa fantástica con ese nombre), y los iluminados (idem… el triángulo, la pirámide, de nuevo el ojo de Dios…)

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como ILUMINADOR?…
EL PROYECTO LARAMIE, en la pequeña del Español, MUNDOS POSIBLES en la Abadía, LOS HIJOS DE LAS NUBES en Cuarta Pared, y ahora, LOS ILUMINADOS, de nuevo en la pequeña. Me gustan. Son buenos trabajos. Van haciendo un mundo. Soy pequeño (llevo en esto desde el 2008) y voy creciendo.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Diferente al cine, más íntimo y emocional, el teatro es una experiencia que se vive sí o sí de forma colectiva (al menos un actor y un espectador) y que, en mi caso, propicia más la reflexión que la emoción… siendo poco original pero preciso, diría que un “placer inteligente”.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Al teatro, no. No negativamente. Para “el teatro” las crisis son estadíos habituales, probablemente ideales. A los trabajadores del teatro, por supuesto. Es difícil, casi imposible, mantener la profesionalización necesaria para desarrollar espectáculos de calidad óptima, imprescindible para atraer espectadores.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Diversidad y guerrilla. Y comer cocido, a veces con carne, a veces sólo sopa.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
CONSTELACIONES, de Aracaladanza, en La Abadía. Con iluminación de Pedro Yagüe. Un trabajo sensible y bien hecho. A mí me encantó tanto como a mi hija de año y medio. Ni pestañeamos.

¿Proyectos?…
Abierto a todos. Acá va mi mail: jalmendroc@gmail.com. Estoy deseando volver a iluminar danza.

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“Juicio a una zorra”, con Carmen Machi, vuelve a La Abadía

Tras el éxito cosechado la anterior temporada en La Abadía, en la que muchas personas se quedaron sin verla podremos volver a disfrutar de esta obra que ha creado y dirigido Miguel del Arco hasta el 5 de Mayo.  Una monólogo que acumula 3 nominaciones a los premios Max que se entregarán el 13 de mayo.

Carmen Machi se mete en la piel de Helena de Troya, la primera, considerada, gran puta de la historia y sobre la que se han escrito ríos de tinta. ¿Cómo puede ser la bella Helena a una edad ya madura, en la que ha ya vivido toda clase de tropelías y que ahora las ahoga en alcohol? ¿Qué le reprocha a la vida? ¿Ha sido un error amar a Paris?

Machi encarna perfectamente a esa Helena madura, destrozada, humillada, apasionada, tierna en ocasiones y retorcida de dolor en otras. Una mujer que el único error que cometió fue el de amar y que por eso, “ha sido la mujer más vilipendiada de la historia”. No sabemos si Machi se ha metido en el papel o el papel se ha hecho a medida para ella pero está sencillamente espectacular y no nos extraña esa nominación a mejor actriz.

Le acompaña una escenografía y vestuario a la medida de sus posibilidades y que hacen de este monólogo algo casi perfecto.

Imprescindible.

Luis Mª García.

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Fragmente de Lars Norén en el Teatro de La Abadía

fragmente-2Lars Norén, uno de los dramaturgos contemporáneos más prominentes de Europa, y Sofia Jupither, destacada directora sueca, se unen en esta nueva creación enmarcada en ‘Cities on Stage/Ciudades en Escena’. Este proyecto de cooperación internacional, en el que La Abadía participa como único teatro español, pretende crear propuestas escénicas vivas y conectadas a una sociedad en constante evolución.
Fragmente, escrito expresamente para ‘Cities on Stage’, explora las consecuencias de un entorno urbano donde las diferencias entre los distintos grupos es cada vez mayor, donde el centro y la periferia se alejan cada vez más. Habla de personas que conviven, o simplemente viven sin reparar los unos en los otros. Personas que cargan con historias de traición, de abuso, de mentiras, de brutalidad. Personas que habitan en la misma ciudad, muy cerca unos de otros, pero que en muchas ocasiones son invisibles los unos para los otros. Gente invisible, en permanente espera y tratando de sobrevivir.
Pocas veces se cuela la vida en el teatro, pocas veces tiene uno la ocasión de tener la cruda realidad a un palmo y en carne viva. Fragmente es mucho más que un texto o una propuesta escénica…Es una experiencia que pocas veces se encuentra en nuestros escenarios, es verdad que, ahora, todo el mundo está huyendo de ver las cosas tal como son, todos queremos que nos entretengan y nos distancien del horror en que vivimos…pero…¿Cuál es nuestro cometido como espectadores de la vida?: Mirar para otro lado?. Este texto de Lars Norén nos habla de manera fragmentada de algunos momentos de personajes que se encuentran y desencuentran en el laberinto de la vida y Sofia Jupither lo expone literalmente en un vertedero, allí… se ama, se odia, se mata, se muere… allí, los personajes se convierten en objetos abandonados a la desidia…y como en el tobogán de una lavandería…todos terminan confluyendo en un centrifugado, descubriendo quienes son y cómo somos. El elenco de actores es sencillamente genial y preciso, hacen un trabajo de verdad vertiginosa. No lo duden, si aman el teatro no se pierdan alguna de las dos funciones que quedan de Fragmente.
Adolfo Simón

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Maridos y mujeres de Woody Allen en La Abadía

En las producciones de La Abadía siempre hay rigor y profesionalidad, también lo hay en esta mirada escénica sobre la película de Woody Allen. Maridos y mujeres tiene en las vallas publicitarias el subtítulo de mirada obscena sobre las relaciones de pareja, creo que sería mejor describirla como una radiografía profunda y descarnada sobre el caos en el que viven las relaciones afectivas en estos tiempos convulsos. Los personajes y las escenas son perfectamente reconocibles, en más de una ocasión podemos reconocer a alguien de nuestro entorno o a situaciones propias. Se podría haber caído en la tentación de mostrar secuencia tras secuencia como si fuese la proyección en vivo de la película. Por suerte, hay un salto poético provocado por la propuesta del espacio escénico de Max Glaenzel…la disposición en el centro de la sala de doce sofás creando un cuadrilatero donde se llevarán a cabo los combates emocionales, en los que irán cambiando en cada asalto los contrincantes, para perder finalmente todos por puntos. Àlex Rigola maneja muy bien esta exposición íntima a los espectadores(algunos sentados juntos a los personajes)…Se crean, sin apenas darnos cuenta, esas reuniones privadas en las que se empieza con un chiste y se termina en una batalla campal. Cuando los personajes están en foco, los demás actores pueden observar sus reacciones y las del público, creandose otro nivel dramático muy sugerente. Que el público esté tan cerca de la piel del drama permite ver la mirada furtiva de una actriz, la lágrima huidiza de un actor y una línea emocionante escrita a tiza en la mesa…”Anna Lizarán In memorian”.
Adolfo Simón

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Maridos y mujeres en La Abadía

Encuentro con el público: Miércoles 13 de febrero a las 21:45 aprox. Entrada libre hasta completar aforo.
Más info en: http://www.teatroabadia.com

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Isabel Ordaz nos habla de sus proyectos artísticos.

IsabelOrdaz¿Cómo surge el proyecto de Lúcido?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
La obra me llega a través de Amelia Ochandiano que me propone el personaje de Teté. Cuando la leo quedo fascinada, tanto por la estructura de la que se sirve Rafael Spregelburd para contar esta obra, como de la historia y de los personajes. Lúcido está llena de secretos y no se puede desvelar demasiado la historia, pero diré que se trata de una madre (Teté) que trata de no perder a sus hijos (Lucrecia y Lucas) y también de un amante, un camarero, un riñón trasplantado, risas y lágrimas y una sorpresa final que conmueve enormemente.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con la directora y el resto de actores?…
El proceso de creación ha sido diríamos que intenso, es mi segundo trabajo con Amelia Ochandiano y ella no se conforma nada más que con lo perfecto. En este caso lo más difícil era encontrar el tono de la obra, pues Lúcido podría ser una tragicomedia pero también mucho más, un crisol de géneros. Una vez que dimos con ello, con el tono, nos quedamos más tranquilos. El resto del equipo es estupendo, Tomas, Itziar y Alberto, estupendos. Y por supuesto la escenografía, de Ricardo Sánchez Cuerda, un acierto.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Para no alargarme hablaré de los 3 últimos. Mi apuesta para montar Los Días Felices de Beckett, en la que entré en la co-producción, fue todo un desafío y un empeño, hacía años que quería saber de que estaba compuesta Winnie debajo de su duna, al final creo que lo descubrí y fue hermosísimo. Me parece que debajo de sí Winnie guarda todo el siglo XX, que no es poco, sus dos terribles guerras, el principio del fin del sueño europeo, etc., en fin sería muy largo. Para el Nacional hacer a Madame Collete en el montaje de Lluis Homar de Luces de Bohemia fue un lujo, Lluis es un gran hombre de teatro y siempre se aprende con él. Y Ahora Spregelburd, donde Amelia me ha hecho un extraordinario regalo: a Teté, inmensa, y a la que todavía estoy conociendo.

DOCU_GRUPO TeatroNueva3.jpg Producción ABC360.

¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
El entusiasmo es el mismo, el medio impone sus reglas, eso es todo.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, hoy y siempre, es el espejo donde se mira una sociedad, es el status de civilización de una sociedad. Hoy en día, al competir con tanta oferta en este parque del entretenimiento en el que estamos inmersos, lo que el teatro creo que aportaría es el concepto noble de FICCIÓN, en el sentido de la creación (literaria, dramática, plástica) como instrumento para el conocimiento de nosotros mismos, y no la verdad en sí como parecen querer vendernos los apólogos de las telerealidades, etc.LucesdeHomar

¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Sí, está afectando, como al resto de las áreas, la cultura o el arte no es una marcianada que no se sabe de dónde viene ni a dónde va, sino aquello, junto con la educación, que nos hace ser mejores. El Rey Lear dice: “Quítale al hombre lo superfluo y no le distinguirás de un animal”. Así que, cuidadito con lo superfluo.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido ver ha sido Noche de Reyes de Shakespeare, montada por Eduardo Vasco, en La Abadía. Una delicia.

¿Proyectos?…
Spregelburd, Lúcido, Teté, haremos gira, y espero que dure. También estoy preparando un libro de cuentos. Y por favor que se acaben los privilegios y los desmanes de los bancos.DOSSIER LUCIDO-OK_word


Enrique Cabrera responde a nuestras preguntas, en vísperas del estreno de Constelaciones en La Abadía

enriquecabrera¿Cómo surge el proyecto de Constelaciones?…
En 2006 me plantee hacer una trilogía inspirándome en artistas plásticos, que hemos acabado llamando “Sueños”. Elegí a El Bosco, René Magritte y Joan Miró. Así surgió “Pequeños Paraísos” inspirada en el cuadro El Jardín de las delicias de El Bosco, luego “Nubes” sobre el mundo onírico de René Magritte y ahora “Constelaciones” inspirada en Joan Miró.

 

 

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los bailarines u otros profesionales aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Si por supuesto. Siempre la ha habido y también en esta ocasión. Ésta es mi forma de trabajar. Implicar a todo el equipo artístico y técnico en la idea de la obra desde el principio. Bailarines y bailarinas, diseñador de vestuario y espacio escénico (Elisa Sanz), diseñador de luces (Pedro Yagüe), diseñador de atrezo (Ricardo Vergne), diseñador de video proyecciones (Álvaro Luna) y los compositores de música original (Mariano Lozano y Luis Miguel Cobo) son esenciales para la creación de la obra.

¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta coreografía?… Háblanos de ello…
Al estar inspirada la obra en Joan Miró, evidentemente nuestro referente estético es su obra. Pero en éste caso, para mí fue muy difícil decidir como mostrar a Joan Miró en el escenario en una obra que solo dura 50 minutos. Pensamos con todo el equipo artístico centrarnos en los colores y que el espectáculo sea mucho más conceptual que muchos otros de Aracaladanza.constelaciones

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué te ha inspirado?…
Como te decía antes, nuestra inspiración ha sido puramente Miró. Y el proceso creativo (4 meses de ensayo con los bailarines y casi 1 año previamente de preproducción), ha sido particularmente muy placentero, casi te diría que de las producciones que más y mejor he disfrutado en los ensayos aunque al mismo tiempo ha sido muy complejo, ya que Miró, desde mi punto de vista, es muy difícil llevarlo a un escenario sin caer en lo tópico. Además, es mucho más conceptual y menos figurativo que Magritte y El Bosco.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como creador?…
Estoy feliz, sobre todo de poder trabajar con un equipo artístico y técnico de un gran valor humano y profesional. Eso facilita muchísimo mi trabajo. Además, tenemos la suerte, la inmensa fortuna, de poder mostrar nuestro trabajo.

¿Cuál ha sido la evolución en tus trabajos de danza para niños?…
Creo que la síntesis. Intento en cada nueva obra buscar el movimiento o el elemento justo y necesario para mostrar, contar o decir lo que quiero en ese momento.

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¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La verdad es que he estado tan concentrado en el proceso de creación que no he podido tener ni un momento para ir al teatro.

¿Cómo ves la danza contemporánea en España?¿Crees que están mejor preparadas las nuevas generaciones de bailarines?…
Creo que los bailarines tienen una preparación cada vez más exquisita, pero mi temor es qué puede pasar en unos pocos años.
Por otro lado, creo que en España existen creadores magníficos, pero la situación actual no permite que estos creadores puedan mostrar sus trabajos con calidad. Se necesita tiempo para crear e investigar una obra, y el tiempo es dinero, y en estos momentos parece ser que la cultura no interesa, por lo que me preocupa que se pierda alguna generación de coreógrafos por no tener la infraestructura necesaria para investigar y crear y que dentro de unos pocos años nos encontremos con un vacío generacional de creadores…

¿Qué referentes internacionales tienes en la danza contemporánea?…
Uf, muchísimos! Me puede interesar desde un Philippe Genty, pasando por Pina Bauch, Sidi Larbi Cherkaoui, Hofesch, AlwinNikolais o Anne Teresa De Keersmaeker

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Siiiiii. Muchísimo. No es que vaya a afectar. Es que está afectando. Tan sólo hay que ver las últimas cifras que se han hecho públicas tras la adopción de una medida peligrosa que, además, considera la cultura como artículo de lujo y no como un derecho. Ese desprecio por la creación acabará costando muy cara a la sociedad.

Diego Giner Arciniega

¿Proyectos?…
Después del estreno de “Constelaciones” en el Teatro de La Abadía el día 15 de diciembre la obra permanecerá hasta el 30 de diciembre, aunque yo el 21 me iré a Buenos Aires a descansar, ver a familia y amigos y a recobrar fuerzas para reanudar la gira el año próximo con “Nubes” y por supuesto con “Constelaciones”. En febrero nos vamos a Francia, luego a Australia al Perth International Arts Festival, volvemos para irnos a Gijón, Oviedo y en Marzo al Mercat de les Flors que es uno de los coproductores de “Constelaciones” junto al Teatro de la Abadía. En abril me iré a Irlanda invitado por una compañía para montar una pieza de 20 minutos, siempre para niños, y espero que tanto “Nubes” como “Constelaciones” y “Cu-cuco” (nuestra última producción para bebés) sigan su camino mucho tiempo.


Ataraxia de La Intrusa Danza en La Abadía

Ataraxia de La Intrusa Danza en La Abadía dentro de Madrid en Danza

A favor: Un prólogo y epílogo muy potentes visualmente con el apoyo de proyecciones sugerentes.

En contra: El baile que se realiza en el cuerpo central del espectáculo, antiguo e insípido.


El principito dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía

El principito, a partir del libro de Saint-Exupéry, dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
Esta obra maestra de la literatura no tiene límite de edad para su lectura, aunque parece un cuento infantil, en el fondo, tiene múltiples lecturas, uno lo puede leer en diferentes momentos de sus vida y encontrar nuevas visiones en sus pasajes. En esta versión para adultos que se presenta en el Teatro de La Abadía, digirida por el prestigioso Roberto Ciulli, parte de un supuesto interesante…¿Qué pasaría si ese pequeño principe en vez de ser interpretado por un niño lo hiciese un actor con la edad apropiada para interpretar al Rey Lear?…Como decía antes, el cuento se abre por otras páginas y no deja de sorprender, contiene, entre líneas, poesía y filosofía para que podamos ver el mundo a través de los ojos de un niño o de un anciano. José Luis Gómez se enfrenta a uno de los trabajos más arriesgados y expuestos de su carrera, por la frágilidad y profundidad con las que ha de abordar esos pasajes fragmentados, a medio camino entre el clown y el teatro del absurdo. Inma Nieto le da la réplica oportuna en la escena, juntos nos llevan en su viaje imaginario, sentados en la silla trasera de la bicicleta.
Adolfo Simón


Avance del Festival de Otoño en Primavera

El Festival de Otoño a Primavera traerá a Zimmermann

& de Perrot, Angélica Liddell y Heiner Goebbels

• Del 31 de octubre al 4 de noviembre se podrá ver en los

Teatros del Canal el primer espectáculo: ‘Hans was Heiri’

• En este espacio el público podrá disfrutar de los nuevos

descuentos ‘Somos Tres’ (3×2) y ‘Somos 4’ (4×3)

23.oct.12.- Grandes nombres de la escena europea, como los británicos

Propeller y 1927, los suizos Zimmermann & de Perrot y Heiner Goebbels, la

imprescindible creadora española Angélica Liddell y compañías tan

afamadas y exóticas como el brasileño Grupo Corpo han confirmado ya su

presencia dentro de la XXX edición del Festival de Otoño a Primavera. El

avance de la programación que la Comunidad ha desvelado hoy incluye

también a la francesa Aurélia Thierrée y Fabrice Murgia & Dominique

Pauwels.

A lo largo de esta temporada, nuevas producciones se irán

incorporando al cartel del festival que se desarrollará entre el 31 de octubre

de 2012 y el 9 de junio de 2013. La página web http://www.madrid.org/ fo será el

medio por el que todo aquel que lo desee podrá permanecer informado de

las novedades que vaya experimentando la programación del festival.

La compañía suiza Zimmermann & de Perrot será la encargada de

comenzar la programación del festival, con el estreno en Madrid de su pieza

Hans was Heiri. El teatro sin palabras de Zimmermann & de Perrot está

basado en una precisa observación, la repetición humorística, la distorsión y

la transformación artística de las interacciones cotidianas. Esta compañía

usa cuerpos, objetos y música, y compone divertidas piezas teatrales fuera

de lo convencional, con una escenografía cambiante. Así es Hans was Heiri.

Alabada por la crítica como “una dulce locura”, la obra se construye sobre la

idea de que los seres humanos somos sorprendentemente similares en lo

que respecta a nuestras necesidades básicas y deseos. En compañía de

cinco destacados bailarines y artistas circenses, Zimmermann & de Perrot

se las arreglan para trasportar una vez más al público a lugares más allá de

cualquier expectativa.

Las funciones tendrán lugar en la Sala Roja de los Teatros del Canal

de la Comunidad de Madrid , del 31 de octubre al 3 de noviembre, a las 20

horas, y el día 4 de noviembre, a las 18 horas. Como novedad, para las

entradas de este espectáculo se ofrecen al público dos nuevos descuentos:

‘Somos 3’ (compra 3 y paga 2) y Somos 4 (4 x 3).

Otras novedades

Angélica Liddell y su compañía Atra Bilis Teatro presentarán su nueva

creación de teatro documental, Ping Pang Qiu___, una obra sobre la

escritura china, la disciplina, la pasión y el exceso. Por su parte, el reputado

compositor y director Heiner Goebbels acerca de nuevo a Madrid, de la

mano del ThéâtreVidy-Lausanne, la puesta en escena de la enigmática y

poética Max Black.

Tildada por la crítica internacional como una “absoluta hipnotizadora”,

Aurélia Thierrée regresa a Madrid con Murmurs tras la calurosa acogida que

recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, programada por el Festival

de Otoño en primavera en 2010. Todo un despliegue de ilusionismo

escénicoque podrá verse en losTeatros del Canal.

Desde Brasil llegará la formación de danza Grupo Corpo para

presentar un doble programa dentro del marco del Festival con dos de sus

piezas más aplaudidas, O Corpo y SemMim. Poco después el tándem

formado por la compañía belga LOD y los creadores Fabrice Murgia y

Dominique Pauwels acercará a los escenarios madrileños Ghost Road.

Propeller, una de las compañías británicas más consolidadas y

aplaudidas de las últimas décadas, especializada en la representación de

las obras de Shakespeare, presenta dos nuevos espectáculos, Twelfth Night

(Noche de reyes) y The Taming of theShrew (La fierecilla domada).

Finalmente, una de las compañías emergentes más imprescindibles

de la escena teatral europea, la británica 1927, representará The Animals

and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las

calles), una pieza que, lejos de toda convención, se deja llevar por la

estética del cine mudo, para mezclar el teatro y la música con

impresionantes películas y animaciones.

Un nuevo formato para el festival

El festival ha cambiado su configuración para adaptarse a los nuevos

tiempos y acercar a Madrid lo mejor de la escena nacional e internacional a

lo largo de todo el año. Hace ahora tres décadas, el Festival de Otoño nació

con la finalidad de ofertar una serie de espectáculos de vanguardia

internacional a los que la región no tenía entonces acceso. Hoy, la

Comunidad de Madrid disfruta de una oferta cultural rica, ecléctica y variada,

hecho que posibilita que el Festival de Otoño evolucione y cambie su

formato, para ampliar la posibilidad de mostrar al público los espectáculos

no solo durante un mes concreto, sino en el momento en el que se producen

y siempre que puedan visitar Madrid.

La programación del XXX Festival de Otoño a Primavera se integra en

el cartel regular y continuado de los Teatros del Canal , y también podrá

verse en salas tan señeras como La Abadía, Cuarta Pared o el Teatro

Pradillo. Un año más, los escenarios madrileños brillarán con propuestas

singulares y de calidad para convertir a la región en el epicentro europeo del

teatro, la música y la danza contemporáneos.

Es posible consultar el avance de la programación del XXX

Festival de Otoño a Primavera, así como información de los espectáculos

que se van confirmando, horarios, venta de entradas y descuentos en

http://www.madrid.org/fo.


Teatro de la Abadía presenta la nueva programación para este año

El Teatro de la Abadía ha presentado hoy lo que será su nueva programación anual apostando por el inconformismo y vitalidad. La presentación ha tenido lugar en sus instalaciones con una novedosa y sorprendente puesta en escena a medio camino entre una gala y una representación. A ella han asistido numerosas personalidades y colaboradores y entre ellos su director José Luis Gómez.

José Luis Gómez. Director.

 

Para la misma han utilizado un sistema de audiovisual que se integraba en la original arquitectura de esta sala  que está ubicada dentro dela antigua iglesia de La Sagrada Familia. En ella se nos ha desvelado la historia del edificio y sus anexos y algunos de los secretos que guarda entre sus paredes.

Todo esto lo podrá ver cualquiera que se apunte a sus nuevas “visitas guiadas”. Además se ha invitado a los asistentes a subir a su escenario y a hacer esta visita guiada a través de sus camerinos decorados, en esta ocasión, con vestuario y utensilios utilizados en las obras que han pasado por allí a lo largo de su andadura.

Una puesta en escena muy original que se abre a todo el mundo durante este fin de semana de manera gratuita y que pretende acercar el teatro, y esta sala en concreto, a todos los madrileños.

Entre las novedades de la temporada se encuentran cuatro nuevas producciones propias: “El principito”, “El diccionario”,” Maridos y Mujeres” y “El Café”.

Además vuelven grandes nombres a La Abadía como Eduardo Vasco, Enrique Cabrera, Àlex Rigola, Dan Jemmett o Miguel del Arco y otros grandes que debutan en la sala como Roberto Ciulli, José Carlos Plaza o Sofia Jupither. Todos ellos nos han enviado un mensaje en forma de video-presentación de sus obras.

Completan la programación del año en La Abadía todo el programa de actividades correspondientes a festivales escénicos de la Comunidad de Madrid (Madrid en Danza, Festival de Otoño a Primaver, Teatralia, Suma Flamenca o Clásicos en Verano), a través de las que volverán a albergar interesantes propuestas para públicos muy variados a lo largo de la temporada.

Nos ofrecen además “Abadía Abierta”,un programa que busca la implicación y la experimentación de los amantes del teatro. Nuevos talleres de formación, encuentros y coloquis que irán complementando las exhibiciones.

Una propuesta interesante serán las Visitas Guiadas y un renovado ciclo de “Espectadores en Acción”.

Podéis visitar su página en la que informan de todo esto en www.teatroabadía.com 

Luis María García.