Olga Pericet, Jesús Fernández y «El Muñeco» en Suma Flamenca
El Corral de la Morería acoge en su tablao a dos jóvenes bailaores que ya tienen mucho que enseñarnos: Olga Pericet, Premio Nacional de Flamenco «Pilar López» y Jesús Fernández. Están acompañados por la guitarra de «El Muñeco».
Pericet nos trae a un tablao tradicional su flamenco renovado y contemporáneo, algo que es difícil de ver en los típicos tablaos. Lo que más nos atrae de Olga es su magnetismo reposado. No hacen falta grandes afectaciones para transmitir la tensión y sufrimiento de una soleá y ella lo demuestra constantemente. Aunque está acostumbrada a coreografiar para escenarios más grandes puede recoger su baile en un pequeño tablao y seguir transmitiendo su sentimiento de la misma manera. Una oportunidad para ver a esta bailaora que, entre otras colaboraciones, fue artista invitada del Ballet Nacional de España en la producción de 2012: “Ángeles Caídos”.
Jesús Fernández también está en esta línea de expresividad contenida del quejío flamenco y demuestra que la técnica y la sencillez en la ejecución no restan puntos a la hora de transmitir la esencia del flamenco. Se ha dicho de él que sabe envolver la armadura de su baile con la intención precisa… y yo estoy de acuerdo.
Juntos y con el respaldo del equipo de El Corral nos ofrecen un espectáculo con el tiempo y actuaciones justas para disfrutar de una buena noche flamenca.
Luis Mª García
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- Jesús Fernández
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet y Jesús Fernández
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- «El Muñeco»
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- El Corral de la Morería
ALBERTO IGLESIAS nos habla de su experiencia en el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi oficio, mi pasión, mi vocación y mi vida. Es el lugar donde maduro, evoluciono, me hago persona y me divierto. Hago teatro (y cine y tele) porque actuar me permite ser muchos y esos muchos me ayudan a comprender el mundo y a mí mismo pero, sobre todo, porque me permite contar historias y disfrutar el arte y la poesía y la comunicación y el ritual que supone subirse a un escenario frente a un público.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Un balance muy positivo. Llevo veinte años viviendo de un oficio difícil e inestable. ¿Qué más se puede pedir? Me siento muy afortunado. He participado en espectáculos muy hermosos que han contado con el aplauso del público y me han permitido conocer a compañeros (autores, directores, actores, productores, técnicos…) de gran talento y que rebosan amor por las tablas.
¿Cómo surge el proyecto Serena Apocalipsis?…Háblanos de la obra?
Antonio C.Guijosa me llamó para hacerme una prueba y luego me propuso formar parte del elenco. No conocía el texto, pero había leído Presas, de Ignacio del Moral y Verónica Fernández y hacía poco había asistido a la lectura del Mármol, de Marina Carr, en el CDN – dentro del ciclo de Dramaturgia Irlandesa- que con tan buena mano había dirigido Antonio así que me pareció una propuesta muy atractiva: lanzarse al vacío como uno salta en los sueños. La obra plantea un futuro posible y aterrador, un futuro en el que la supervivencia está teñida de nostalgia, violencia y miedo. Una visión pesimista del presente pero llena de luz en su forma. Un texto, el de Verónica Fernández, que nos enfrenta con nosotros mismos y nos hace reflexionar sobre nuestra situación aquí y ahora, lleno de poesía y de personajes entrañables; supervivientes…
¿Cómo fue el proceso de creación de tu trabajo?…
Ha sido un proceso rápido en que había que asumir muchos riesgos. Por un lado es un personaje de composición (un hombre mayor que yo y bastante tocado del ala) y por otro, al ir cambiando el texto a medida que el espectáculo avanzaba, he tenido que ir adecuándome a las necesidades de la dramaturgia y la dirección.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
No lo sé. Es muy posible, pero no soy consciente. En algún momento, hablando de fisicidad del personaje, he pensado en la comedia del arte, disciplina a la que me aproximé en Italia…pero como un eco nada más. Ni siquiera estoy del todo seguro y espero que nada de eso se vea en Gallego (mi personaje de Serena Apocalipsis).
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
La experiencia, la formación y el encuentro con las formas de trabajo de otros actores me han ido permitiendo ser más libre para crear. He aprendido a estar inseguro, a no buscar el resultado y disfrutar del camino durante el proceso de ensayos. Veo personajes diferentes entre sí y eso me gusta. Hay variedad de registros y eso me llena de orgullo. Aunque igual la imagen que tengo desde dentro es errónea… En todos los casos el público tiene la última palabra.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Yo trabajo con tres herramientas: el texto, los compañeros y la intuición. Luego está el director que me guía y aporta la visión global del espectáculo. Pero yo trato de hacer mis deberes y llevar propuestas. Me gusta saber qué dice cada palabra, el por qué de cada reacción… Primero hay una labor solitaria en la que uno imagina en casa y lee entre líneas tratando de descubrir los rasgos del personaje. Luego, durante los ensayos, trato de estar disponible a lo que ocurra. El reto está en no pensar y hacer, confiando en que la técnica te cuidará de no equivocar demasiado el camino. Es apasionante.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Estoy con Brecht cuando habla en su Organón de Divertir. Este Divertir debe entenderse en un sentido amplio: denunciar, emocionar, empujar a la reflexión… Ésta ha sido la función del teatro siempre, en épocas de bonanza y en tiempos de crisis. Quizás ahora, más que nunca, necesitamos un teatro humanista que nos permita ver los vicios de la sociedad en que vivimos, pero siempre teniendo en cuenta que nuestra lucha se hace desde la inteligencia, el ingenio, el humor y el amor.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Ya están afectando, y mucho. Se está alejando al público de las salas. Estamos sufriendo un proceso de inquisición amparado en la economía. Quieren ponernos en contra del pueblo con ese discurso de vivimos del cuento… Ahora, nosotros, cuando subimos a un escenario, subimos a mentir y esas mentiras tienen un efecto sanador y reconfortante en la mayoría de los casos. El público va al teatro para que le engañen y vota para que le digan la verdad. Es muy injusto lo que nos están haciendo. Veo muchas compañías desapareciendo y otras malviviendo, reinventándose… Artistas con mucho talento a los que no se les da ninguna oportunidad… Saldremos adelante, porque siempre lo hemos hecho, pero no tratar el teatro como un bien cultural me parece un error histórico.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Anne Bogart lo explica muy bien. Trataré de resumir sus palabras: No esperes a tener las mejores condiciones, ni el tiempo, ni el dinero. Trabaja con las personas y con lo que tienes “aquí y ahora”. Y sé paciente. Yo añadiría que vivimos un tiempo para la unión. Somos artistas de la imaginación y lo estamos demostrando: se abren espacios nuevos, lugares donde se hace posible lo difícil. Todo para llegar al público. Y no venirse abajo y no dejarse vencer por el miedo. Trabajar, trabajar y trabajar…
¿Ayudan los premios para seguir peleando por mantener un lugar digno en esta profesión?…
Todo ayuda. Esta es una carrera de fondo y no está mal que alguien, de vez en cuando, te pase una botellita de agua o alguna bebida energética. En este caso, con el premio de la Unión de Actores, la ayuda es el pensamiento de que el trabajo que uno hace va por buen camino y que los compañeros lo reconocen y lo aprecian. Y eso es oro para cualquier profesional.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido disfrutar ha sido “Claudio, tío de Hamlet” dirigida por Antonio C. Guijosa con dramaturgia de Ozkar Galán. Me gustó mucho la idea, el texto y los actores. Un montaje humilde pero ambicioso al mismo tiempo, inteligente, divertido e interesante.
¿Proyectos?…
Muchos siempre. A punto de realizarse uno en el que tengo muchísima ilusión: estrenar en el teatro romano de Mérida. Será de la mano de José Carlos Plaza en un Hécuba cuya dramaturgia ha corrido a cargo de Juan Mayorga. Llevo tiempo estudiando así que igual eso no es un proyecto… Más proyecto es la dirección de mi última obra de teatro. Esperemos que el 2014 me traiga ese regalo. Hay más, pero me los callo. Sueños y proyectos van de la mano. Uno espera poder hacerlos todos y si no…paciencia.
Luma, cirque of light
El principio de todas las cosas, parece ser que fue la luz y el inicio de los organismos vivos…un átomo. Luma, cirque of light tiene una estructura cíclica que empieza con un punto de luz que irá creciendo y formando cuerpos…organismos escénicos que fascinan por su espectacularidad y magia. La música enlazada con la luz nos transporta, gracias a la técnica de luz negra, a paisajes inauditos, a mundo soñados, donde el movimiento en el aire crea un efecto virtual sorprendente en cada pieza del puzle plástico teatral que se dibuja ante nuestros ojos. Un grupo de actores acróbatas se mueven en la escena como sombras que provocan mil y un mundo de ensoñación.
Adolfo Simón
1 beca para la Residencia de Estudiantes
La Residencia de Estudiantes convoca 1 beca de estancia en su centro para el curso 2013/2014, mediante la cual un investigador o creador tendrá la oportunidad de disfrutar de alojamiento desde el 1 de septiembre de 2013 al 31 de agosto de 2014, en régimen de pensión completa y con posibilidad de renovación, en la Residencia, sede de una intensa actividad cultural y lugar de permanente diálogo entre ciencias y artes. La Fundación Botín financiará la totalidad de dicha beca.
Más info en: http://www.residencia.csic.es/bec/botin/index.htm
TNT pone en marcha el primer laboratorio virtual de teatro en España
Con el patrocinio de Dirección General de Industrias Culturales, que ha apostado por este innovador proyecto entre los muchos presentados, el Centro TNT va a abrir una nueva y única línea de pedagogía teatral en nuestro país y posiblemente en el contexto europeo. Coincidiendo con el quinto aniversario del Centro TNT y con el vigésimo de TNT, el laboratorio Internacional del actor, que ha formado parte de programas europeos internacionales como proyectos culturales, da un paso más allá y se convierte en la primera experiencia de pedagogía escénica en la que toman parte alumnos con presencial real y presencia virtual. Bajo el título XVIII Laboratorio Internacional del Actor, “de lo ritual a lo virtual”, se desarrollará este proyecto innovador en el que participarán 18 actores de forma presencial y 36 actores de forma virtual. Hasta ahora se han llevado a cabo XVII ediciones del Laboratorio Internacional del Actor donde los numerosos actores han tomado parte de talleres impartidos de forma presencial por maestros de todas las tradiciones teatrales del mundo. En esta nueva edición, vamos un poco más allá e introducimos las nuevas tecnologías en las artes escénicas: se impartirán los distintos talleres de forma presencial, tal como se ha hecho en anteriores ediciones, pero en esta ocasión habrá 36 alumnos, que a través de internet, podrán seguir de forma on-line los talleres, participando en la última parte. Este nuevo laboratorio lo impartirán el equipo estable de actores de Atalaya, el profesorado internacional y otros pedagogos españoles que han tomado parte en anteriores ediciones del Laboratorio Internacional del Actor. La fecha de realización del XVIII Laboratorio Internacional del Actor será desde principio de diciembre 2013 hasta final de marzo de 2014. Las fechas para la realización de las pruebas de acceso está prevista para la segunda quincena de octubre 2013, por lo que todos aquellos interesados pueden enviar la documentación (ficha de inscripción, cv y grabación) hasta el 15 de octubre a las 15.00 horas. Esta edición se la dedicamos a la nuestro querido maestro vilmente asesinado Augusto Omolú
Para más información programacion@atalaya-tnt.com / http://www.atalaya-tnt.com
Festivales en el País Vasco
Eztenak, ciclo de propuestas escénicas actuales que arranca el 8 de junio en Renteria con una jornada dirigida a los más jóvenes, ofrece del 13 al 16 de junio una selecta programación de propuestas artísticas.
Artekale Eguna, se celebrará entre los días 14 y 15 de junio en la localidad alavesa de Gopegi. Esta cita pretenden celebrar cada año en un sitio distinto dos jornadas que incluyan espectáculos exhibidos por compañías integradas en la asociación.
Nicolas Vaudelet nos habla de la creación del vestuario para «Sorolla» del BNE
El diseñador delante de uno de los cuadros de Sorolla que le han inspirado
No es la primera vez que diseña vestuario para un espectáculo…Joaquín Cortés, The Hole… ¿Cómo surge la propuesta para esta colaboración?
Realmente, del principio hasta el final y para este tamaño de espectáculo que tiene unos 250 trajes es la primera vez. The Hole es más pequeño y para Joaquín Cortés trabajaba a través del equipo de Jean Paul Gaultier y Madonna. Realmente, si lo pienso lo que he hecho con el BNE es más cercano a lo que hice con Madonna en el Confessions Tour.
Vaudelet se curtió en los talleres de Lacroix, Jacobs, McQueen, Galliano y Gaultier, colaboró con este último en el vestuario de una gira de Madonna… dínos qué matiz puede haber aquí de esos grandes modistos…¿ Qué influencias tiene a la hora de diseñar?
Mis escuelas han influido mucho, siempre pienso cómo lo habría hecho éste, cómo lo habría traducido…Los colores de Lacroix, por ejemplo, es difícil de cogerlo pero en este caso tenía otro genio de inspiración con los colores que es Sorolla.
Bocetos para vestuario de «Sorolla» del BNE
También me ha ayudado el trabajo que he hecho con Gaultier en cuanto a la forma. Pero mis maestros son mi inspiración diaria, tanto para mi empresa como para cuando diseño para otros siempre están en mi cabeza.
En este caso había un equipo al lado de Najarro y Dragone que me ha ayudado, los responsables de vestuario y el taller del BNE también me han apoyado para desarrollar el vestuario. Es un trabajo de equipo en este caso.
Cuéntanos cómo surgió tu colaboración con Najarro, quién te llama, cómo le conoces…
Me llamó el mismo. Antonio es muy aficionado a la moda y hemos compartido momentos en eventos, y empezó a hablarme de un proyecto que tení a entre manos. Yo le conocía porque ya había visto Suite Sevilla por ejemplo. Me iba dando informaciones del proyecto y un día le dije que le iba a hacer una propuesta y le mandé una serie de bocetos y se propuso a todo el equipo y conseguí el puesto.
Hemos empezado a hacer las búsquedas, la inspiración, el trabajo con los coreógrafos, con Dragone, que desde el principio ha estado dando su opinión. He seguido dibujando bocetos, buscando texturas, he ido a los fondos de vestuario del ballet, para inspirarnos en trajes de los años 50 y 60 y también ha habido recuperación de trajes, modificando las siluetas.
Bocetos para vestuario de «Sorolla» del BNE
TRADICIÓN Y MODERNIDAD. ESTILO CLÁSICO Y VANGUARDISTA se entremezclan en los diseños, explícanos un poco más cómo se consigue esta mezcla. La impresión digital…
Con la obra de Sorolla lo que queríamos era resaltar la silueta tradicional pero pasada por una textura distinta, con un color distinto y para ello hemos utilizado técnicas nuevas como la serigrafía digital y el empleo de telas más modernas como la licra para hacer más fácil la labor de los bailarines. Es un trabajo de equipo, había que consultar a los bailarines qué les hacía sentir cómodos bailando.
Bocetos para vestuario de «Sorolla» del BNE
Además no quería que todos los personajes fueran iguales, sino que hubiera un traje para cada personaje, así en función de cada bailarín, de cada personalidad hemos sacado un alcalde, un novio, un pescador… personajes reales, del pueblo… ha sido un trabajo coral, con cada uno de los bailarines.
Con el resultado final ¿Qué tanto por ciento hay de tradición y de modernidad?
Bueno, realmente es 100% tradición traducida con técnicas nuevas. La inspiración se ha buscado en las siluetas, en los detalles de los trajes,… pero hay innovación, por ejemplo en el traje Charro el collar no es real, es serigrafiado, así se permite que el bailarín tenga menos peso pero además se puede dar al collar la luz y trazos de pincel que asemejan a la obra de Sorolla. Los toques de luces y sombras de Sorolla tenían que quedar reflejados en el traje, ese impresionismo, pintar lo material.
Todos los trajes son distintos en cuanto al color, hay muchos matices. Los negros cogen la luz y se vuelven verdes, marrones, burdeos,… El blanco en Sorolla no es blanco, es una mezcla de azules, rosas, beiges…
Diseñas siempre sobre papel de acuarela o utilizas otras técnicas?
Bueno, hay de todo, a veces utilizo cualquier papel,…Los estampados los he hecho sobre papel más común para que no aparezca la textura del papel…
¿Ha habido muchos cambios desde que se diseña el vestuario hasta que se acaba?
Bueno, hemos matizado cosas, por ejemplo el esparto de los Nazarenos, para que se vea mejor el volumen, dándole tonos de terciopelo,… el trabajo se ha ido haciendo en común y la verdad es que si desde el principio van dando su opinión al final es más fácil trabajar y llegar a un acuerdo común.
Bocetos para vestuario de «Sorolla» del BNE
Ha creado su propia empresa en tiempos de crisis… ¿Cómo se plantea navegar en este marco?
Llevo 6 años viviendo en España y la verdad es que soy superpositivo y eso que me acabo de “independizar” y poner mi propia empresa de moda. Cuando te lanzas vas encontrando soluciones…De repente te viene esto y tienes que hacer 250 trajes y te apañas, buscas trucos, y al final del truco aparecen cosas más interesantes… lo de la impresión digital es un truco realmente…me encantaría haber bordado todo pero al final surge lo de hacer la tela así y le da otro toque más sutil, personal, interesante y moderno.
¿Tienes otros proyectos de futuro?
Sí, ahora estoy trabajando para otra obra de formato más intimista con Ana Milán y Fernando Guillén Cuervo, pero no puedo contar más…Aparte de seguir con mis colecciones
Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet
Usted ha dicho “Cuando llegué a España pensaba que todo el mundo llevaba volantes” Me ha hecho mucha gracia…¿Sigue pensando lo mismo? ¿Y los franceses?
Bueno…ya no…,(risas). Es un poco la imagen con la que llegas a España, es una broma que hago al decir esto pero no es la verdad, ya había estudiado español y hacía quince años que estudiaba español, pero bueno, es normal que vengas de fuera y tengas la imagen de los toreros y las flamencas en la cabeza, pero con este proyecto ha cambiado totalmente mi concepción ya que he conocido toda la variedad y riqueza de los trajes regionales de España. Por ejemplo Salamanca, Galicia… es un trabajo que me ha enriquecido culturalmente mucho. Ya puedo decir dónde se coloca cada región de España y cómo se visten. Además, aparte del trabajo con el traje folclórico se ha hecho un trabajo con vestuario más de día: un traje de pescador, mercados, labradores,…
Fotografía del suplememto S moda
Al final, ¿Ha quedado satisfecho con su trabajo?
Para mí ha sido un proyecto muy importante haber podido colaborar con el BNE y ahora tengo un bajón porque ha sido un trabajo de muchos meses y me ha cambiado la mente. El resultado, desde mi punto de vista, es fantástico y estoy muy contento de haber trabajado con los bailarines y con todo el equipo que compone el BNE.
El Ballet Nacional de España presenta «Sorolla»
Antonio Najarro, el actual director del BNE, ha presentado, rodeado de un amplio equipo, su nueva propuesta artística «Sorolla», inspirada en la colección «Visión de España» del pintor Joaquín Sorolla. Esta colección en la que Sorolla plamó su visión personal de España, sus costumbres y sus bailes en catorce grandes cuadros, fue creada por encargo de la Hispanic Society de Nueva York en el año 1911 para decorar su biblioteca. El director ha contado con la colaboración de los descendientes del pintor y del Museo Sorolla, lugar donde se ha presentado esta mañana el espectáculo.
Antonio Najarro, Director del BNE
Najarro afronta un nuevo reto para celebrar el 150 aniversario del nacimiento de Sorolla y el 35 aniversario del BNE y pretende con este estreno mostrar un viaje por varias zonas geográficas de nuestra península a través de las danzas más significativas del folclore junto a otras creaciones de danza clásico española, escuela bolera y flamenco. Así, regiones, provincias y ciudades como Castilla, Aragón, Navarra, Gipuzkoa, Sevilla, Galicia, Cataluña, Valencia, Extremadura, Elche y Ayamonte, quedarán representadas a través de las coreografías diseñadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Najarro.Para la creación musical ha contado con el compositor Juan José Colomer que ha compuesto bandas sonoras para más de una treintena de películas que han obtenido premios internacionales y ha colaborado con artistas como Plácido Domingo, Christian Lindberg, Vjekoslav Sutej y José Carreras.
Najarro ha declarado que la riqueza del folclore español no es muy conocida aunque en las escuelas se enseña y hay un nivel muy alto y que merecía la pena profundizar y mostrar al público todo el abanico de danzas regionales españolas, que han estado denostadas y que se desconocen por el público en general.
La obra se inspira en la luz, la frescura y el movimiento de la pintura de Sorolla para lo cual ha contribuido el director de escena Franco Dragone, reconocido por ser director del Cirque du Soleil. Dragone ha declarado que no conocía la obra de Sorolla hasta que Najarro le hizo la propuesta y que aceptó embarcarse en el proyecto por la generosidad y los deseos manifestados por Antonio de abrir la tradición del flamenco a una perspectiva tan lejana como la suya. Entusiasmado por la idea que le proponían y porque comprobó que en el BNE hay una mezcla asombrosa y conmovedora entre la modernidad y el deseo de preservar la tradición decidió lanzarse a la aventura de dirigir a los bailarines, que ha definido como magníficos, abiertos, curiosos, dinámicos. En palabras de Dragone lo importante es que la mezcla de los talentos que ha juntado Najarro ha producido algo nuevo nunca antes visto y esta nueva creación es impactante y especial.
Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet
Al acto de presentación han asistido además los coreógrafos que han participado en la obra y que han manifestado la enorme complicación en la ejecución técnica de las diferentes danzas que componen la obra, el enorme peligro de lesión que supone para los bailarines afrontar tales coreografías y el enorme esfuerzo físico que han realizado: «les dolían músculos que no sabían que existían. Aún así, Miguel Fuente ha afirmado que los bailarines del BNE están más que preparados para afrontar las coreografías y que lo único que ha tenido que hacer es enseñarles ciertos movimientos y técnicas de danza tradicional y hacerles ver de dónde venían poniéndoles ejemplos: «cuando alguien baila sobre el barro en unas fiestas tradicionales tiene que hacer unos movimientos para mantenerse bailando que luego es muy difícil demostrarlos sobre un escenario, hay que explicar al bailarín de dónde viene el moviento para ponerse en situación».
Hay que destacar también el vestuario diseñado por Nicolas Vaudelet, famoso por haber trabajado para Jean Paul Gaultier, la firma sevillana «El Caballo» o Lacroix. Vaudelet se ha inspirado en la luz de los lienzos, «en esos blancos que no son blancos» y ha tenido como muestra todo el fondo de vestuario que guarda el BNE. No es la primera experiencia de Vaudelet en los escenarios puesto que ha colaborado con Joaquín Cortés, el cabaret «The Hole» y en el «Confessions Tour» de la mismísima Madonna. Pero sí que quiere destacar que es la primera vez que lo hace de forma tan amplia y con un vestuario tan difícil de matizar.
Parte de la compañia en la presentación.
Como pueden ver toda una mezcla de genios se han reunido para crear un nuevo espectáculo que se estrenará el 12 de junio en las Naves del Español -Matadero Madrid- y que supone un paso adelante en la creación española y en la fidelización de la «Marca España».
Texto y Fotografía: Luis Mª García
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- Antonio Najarro, Director del BNE
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- Presentación de «Sorolla» por Antonio Najarro
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- Presentación de «Sorolla». Ballet Nacional de España
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- Franco Dragone, Director de Escena
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- Nicolas Vaudelet, Franco Dragone y Antonio Najarro durante la presentación
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- Franco Dragone y Antonio Najarro
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- Presentación de «Sorolla» por el Ballet Nacional de España
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- Antonio Najarro, Blanca Pons Sorolla y Natalio Grueso
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- Parte de la compañia en la presentación.
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- Los coreógrafos Arantxa Carmona y Miguel Fuente durante la rueda de prensa
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- Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet
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- Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet
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- Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet
A-GITA 2013
Oberta la convocatòria de les Beques Agita 2013
L’Ajuntament de Figueres convoca la sisena edició de les Beques Agita a la creació i ajuts a la producció, exhibició i difusió de les arts / 2013
L’objectiu de la convocatòria és fomentar la creativitat facilitant l’aparició, el desenvolupament i la consolidació de projectes artístics contemporanis a la ciutat de Figueres. S’hi poden presentar els artistes i creadors dels àmbits plàstic i visual, escènic, literari, audiovisual, musical i, en general, totes aquelles persones i col·lectius amb un projecte creatiu, amb especial interès pels que mostrin vocació de professionalització i voluntat de projecció exterior (itinerància d’exposicions, divulgació, edició i gires d’espectacles).
La dotació màxima de la convocatòria per a cada projecte és de 10.000 euros, en funció de l’interès i el pressupost presentat. El termini de presentació finalitza el dia 10 de juliol de 2013.
Clica i consulta les bases de la convocatòria.
Per a qualsevol dubte o consulta us podeu adreçar a l’àrea de Serveis a les Persones de l’Ajuntament de Figueres, al telèfon 972 032333 o al correu electrònic sasp-g@figueres.org.
Nuevo espacio en Madrid: EsTudio2
Un nuevo espacio abre sus puertas en la cartelera de Madrid: EsTudio2 – Calle Moratines, 11-Madrid, dirigido por Manuel Galiana.
Más info en: https://www.facebook.com/pages/Manuel-Galiana/112538572095748?fref=ts
Tristán Ulloa nos habla de la experiencia de dirigir en la obra: En construcción
¿Cómo surge el proyecto de EN CONSTRUCCIÓN?…
Esta obra se gestó en la milonga que regentaban Carolina Román y Nelson Dante, los dos autores del texto y actores. Se propusieron escribir algo para que yo les dirigiera, para montar algo de teatro entre un número y otro de baile. Se plantearon escribir sobre algo que conociesen bien, ficcionándolo: la llegada a España de una pareja de argentinos, con una niña, huyendo del corralito, y cómo, con el paso del tiempo, no encuentran aquí lo que ellos esperaban sino todo lo contrario, incluso algo parecido a lo que provocó su huida. Y se plantean, al menos ella, volver a su país, a su cultura, con sus seres queridos, a sus raíces. Primero era solo una escena de 20 minutos, pero invité a amigos y compañeros de la profesión a un pase, y nos dimos cuenta de que era una historia que conseguía emocionar. La hicimos en Microteatro, en la cárcel de Segovia, con una ONG, el CEAR, el Comité Español de Ayuda al Refugiado, y vimos que teníamos un material delicado, bonito, importante, que emocionaba, y ya nos planteamos montar una obra larga. Nos juntamos a escribirla y ensayarla. El texto era una especie de arcilla que se iba amoldando a los actores. Mi intención era que no se apreciase interpretación, que fuera muy natural. Es un texto que hemos ido adaptando según iba pasando el tiempo. Presenté el proyecto a teatros públicos, lo desestimaron. Y al final hemos venido a esta maravillosa sala en Lavapiés.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en El Teatro del Arte ya que tuvo funciones anteriores en Microteatro?…
Por supuesto. El texto ha estado en continuo cambio incluso hasta el día antes del estreno.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Muy orgánico y colectivo. Muchos ensayos y conversaciones. Algo muy parecido a un laboratorio. Hay muchas cosas que aunque finalmente hayan sido descartadas del montaje final no dejan de estar ahí porque han servido para encontrar otras que sí mostramos.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Los tres formatos lo son, pero el teatro requiere de una entrega que absorbe mucha energía y al mismo tiempo te la devuelve multiplicada. Es un salto al vacío en tiempo real.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Estoy satisfecho pero soy consciente de lo mucho que me queda por aprender.
¿Cómo ha sido la experiencia de dirigir?…
Muy fácil con este equipo. El truco está en rodearse de una tripulación que sepa más que uno y en escuchar. Luego el barco lo llevas hacia un lado u otro.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Además de entretenimiento tendría que ser una invitación a la reflexión sobre determinados temas. A plantear más preguntas que respuestas para posibilitar cambios.
¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Creo que se está causando un daño irreversible por un buen tiempo a la cultura y la educación en este país. Tardaremos más de una generación en superarlo. Ya lo hemos visto en otros países y así ha sido.
¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
En esencia no. En todo caso cambia la energía: no es lo mismo hablar para una platea de 900 espectadores que hacer un primer plano con una cámara a un metro de ti.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Te ha servido ser actor para dirigir?…
Depende del personaje. Lo más difícil es encontrar el cabo del que tirar. Tiene que ver con muchas variables: imaginación, texto, documentación…
Escribir dirigir e interpretar son tres disciplinas que se retroalimentan. Tres lugares distintos que deben interactuar.
¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Leo en el Circo Price. Fantástico. Arrasó en el Festival de Edimburgo. Me parece algo muy complejo a pesar de su aparente sencillez. Una belleza.
¿Proyectos?…
Girar con «En construcción» y con «Julio César» donde interpreto a Bruto. En agosto una peli en Francia.
Broche de oro para cerrar el Festival de Otoño a Primavera
Tras visitar hace apenas dos años España con La comedia de los errores y Ricardo III, metiéndose en el bolsillo a espectadores y críticos, la formación británica Propeller, especializada como nadie en la interpretación de las obras de Shakespeare, regresa de nuevo a los escenarios madrileños con dos nuevas producciones: Twelfth Night (Noche de reyes) y The Taming of the Shrew (La fierecilla domada). Una de las mejores comedias de amor y enredo de Shakespeare, Twelfth Night (Noche de reyes), narra una enrevesada historia de confusión de identidad, transformación y decepción. Con un hombre interpretando a una mujer disfrazada de niño, ilusión y realidad son casi indistinguibles en la isla de Ilyria ideada por Propeller. Oscura y encantadora, la obra se pregunta sobre lo que ocurre cuando te enamoras de la persona equivocada, y la respuesta es al mismo tiempo hermosa y agridulce.
El estreno absoluto de Twelfth Night (Noche de reyes) tuvo lugar en el Belgrade Theatre de Coventry el 8 de noviembre de 2012. Habitualmente, esta obra se representa con aire de vodevil, de líos entre unos que van y otros que vienen, entre los intereses de los que mandan y la aceptación del juego por parte de los que obedecen, sin embargo, en esta propuesta de Propeller aparece un inquietante atmósfera en la que el juego de travestismos y máscaras, agudiza la sensación de confusión sobre lo que se desea realmente.
En The Taming of the Shrew (La fierecilla domada), dos clamorosos pretendientes disfrazados compiten por la mano de la hermosa Bianca, mientras Petruchio, en busca de la fortuna de su progenitor, accede a contraer matrimonio con su malhumorada hermana Catalina. Una historia insolente, brutal y oscuramente cómica, en la cual la diferencia entre casarse por amor y casarse por dinero parece cada vez más difícil de juzgar. Shakespeare escribió probablemente The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) entre 1590 y 1591, casi al principio de su carrera, y Twelfth Night (Noche de reyes) en 1601, en su época de mayor apogeo, más o menos al mismo tiempo que Hamlet. Sin embargo, ambas comedias abordan temas comunes como el amor, el matrimonio, la transformación y las decepciones que la verdad revela. Ambas obras exploran de forma hermosa cómo el estar enamorado de la persona equivocada hace que afloren los verdaderos sentimientos, al tiempo que nos incitan a examinar qué es lo que realmente nos hace alcanzar la felicidad. El estreno absoluto de The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) tuvo lugar en el Teatro Real de Norwich el 24 de enero de 2013. En cada adaptación que se ha hecho de esta obra, aparece el pulso divertido entre la fierecilla y el domador, aquí, en cambio, dan un giro a ritmo de musical de jazz para mostrarnos la dureza que los hombres ponen en juego cuando su deseo se cuestiona.
Ha sido un broche perfecto para cerrar este Festival que ha ido apareciendo y desapareciendo de la cartelera, dándonos pequeños placeres puntuales.
Adolfo Simón
Por tres en Microteatro por dinero
Este mes, en Microteatro, la cosa va de Por tres que no necesariamente han de ser tríos. Tanto en las sesiones golfas como en las de tarde, hay un denominador común, este mes no hay nombres famosos como reclamo, hay propuestas diferentes y provocadoras de las que tal vez surja la cantera futura del proyecto de Loreto y Chicote. A destacar…Princesas de cartón, Esto es ser padre, ¿Quién mató a mi cuñado? y 80 metros cúbicos, esta última, con una sorprendente utilización del espacio de la sala 5. Acudiendo a Microteatro, se comprueba que la creatividad sigue viva.
Adolfo Simón
La noche toledana de Lope de Vega en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
No hay nada más placentero para los que nos dedicamos a las artes escénicas y para el público en general que salir de un teatro donde hemos asistido a un espectáculo lleno de ingenio y belleza, de suerte dramática y aciertos escénicos. Sin duda, la gestión de la nueva dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico está midiendo cada paso que da para que sume y no reste. La presentación de la Joven Compañía no podía ser más acertada…Un grupo de actores entregados, disfrutando de lo que hacen, llenando de vida cada momento y verso. Y un equipo artístico, liderado por el director de escena Carlos Marchena que con un montaje sencillo y moderno, nos deleitó durante casi dos horas. ¡Larga vida a la joven Compañía!.
Adolfo Simón
Atlas en operadhoy 2013
Atlas-Islas de utopía/Inseln der Utopie(2011-2013). Ópera -Instalación de José M. Sánchez-Verdú para cinco solistas vocales y doce instrumentistas…
Bosque de sonidos…
Paisaje de voces…
Mapa de cuerpos y ecos…
Un trabajo inquietante y sugerente que envolvió al público y al tiempo le proponía surcar entre las notas musicales y las voces. Sin duda, un cruce de creación contemporánea.
Simón Ribes
SEXPEAREMENTE en el Teatro Alfil
SeXpeare, una compañía teatral con más de dieciocho años de trayectoria, se ve obligada a actuar en un pequeño escenario de apenas un metro cuadrado, tamaño que evidencia los actuales recortes económicos y artísticos a los que ha sido reducida la cultura. Sus dos miembros, los actores Santi y Rulo, se transforman en los personajes “Santi y Rulo” y representan todo su periplo teatral hasta llegar a esta situación. Y así, nos llevan desde sus comienzos cabareteros pasando por su etapa en los grandes teatros hasta llegar al “cataclismo actual” en un viaje que mezcla ficción y realidad, verdades y mentiras, y en la que personajes, autores y actores dialogan sobre teatro, y se preguntan: ¿Es la calavera de Lorca la que sostiene el joven Hamlet? Todo esto y mucho más… con mucho humor evidentemente, o mejor dicho: SEXPEAREMENTE. He visto casi todos los trabajos de la Compañía SeXpeare y algunos de los trabajos que cada uno de sus integrantes han hecho en otras producciones y siempre aparece una peculiar manera de interpretar, de estar en el escenario, a medio camino entre la gamberrada y el compromiso. En cada uno de sus trabajos anteriores había mucho disparate y juego, algo esencial en el teatro. Aquí, dan un salto cuantitativamente para construir un espectáculo que viaja por la experiencia escénica de la Compañía para situarnos en la realidad terrible que todos estamos viviendo, el arte incluido. Provocan risa pero también reflexión, con grandes toques poéticos. Han prorrogado en el Teatro Alfil hasta finales de julio, no se lo pierdan, no les defraudarán.
Simón Ribes
Nuestras primeras cien entrevistas…
Daniel Abreu
Asier Aetxendía
Juan José Afonso
Antonio Álamo
Jesús Almendro
Festival La Alternativa
Luis Araujo
Ernesto Arias
Javier Artiñano
Llum Barrera
Carlos Be
Paco Becerra
Esther Bellver
Yaroslaw Bielski-Réplika Teatro
Salva Bolta-Escena Contemporánea
Lucía Bouzas-Teatro del Arte
Antonia Bueno
Ernesto Caballero
Críspulo Cabezas
Ana Cabo-Festival Madrid en Danza
Enrique Cabrera
Eusebio Calonge-La Zaranda
Ángel Calvente-El Espejo Negro
José Pedro Carrión
María Casal
Nico Casal
Igancio Calvache
Marco Calvani
Jorge Calvo
Rocío Calvo
Mónica Cano
Manuel Canseco
Fernando Cayo
Compañía Claroscuro
Rodolfo Cortizo-La Puerta Estrecha
Pepe Corzo
Marc Crehuet
Mariano Cruceta
Compañía Chévere
Denise Despeyroux
Juan Díaz
Dt
Alicia de Blas
Mariano de Paco
Miguel del Arco
Benja de la Rosa
Israel Elejalde
Ángel Fernández Montesinos
Chiqui Fernández
José Ramón Fernández
Marta Fernández Muro
Daniel Freire
Julián Fuentes
Ignacio García
Núria Gallardo
Eduardo Gilio-Teatro Acción
Pilar Gómez
Núria González
Emilio Goyanes
Javier Gutiérrez
Guillermo Heras
Shintaro Hirahara
Pablo Huetos
Alberto Iglesias
Mirko Jumilla
David Larible
Verónica Larios-Microteatro por dinero
Angélica Liddell
Carmen Losa
Luis Luque
Juanjo Llorens
Paco Maciá
Juan Mairena
Silvia Marsó
José Martret
Carmen Mayordomo
Juan Mayorga
Pablo Messiez
Jordi Milán
Natalia Millán
Domingo Miras
Santiago Molero-Sexpeare
Vanessa Monfort
José Manuel Mora-Draft-inn
Gracia Morales
Antonio Muños de Mesa
Chevi Muraday
Antonio Najarro
Ángel Negro
Jesús Nieto-Onírica Mecánica
Teresa Nieto
Tomi Ojeda
Gabriel Olivares
Isabel Ordaz
Borja Ortíz de Gondra
Javier Ortíz – El Sol de York
José Padilla
Dani Panullo
Paloma Parra
Juan Pastor
Paloma Pedrero
Natalie Pinot
Carme Portacelli
Compañía Rice Forte
Rojas & Rodríguez
Marc Rosich
Ángel Ruíz
Emilio Sagi
Fernando Sánchez-Cabezudo-Kubik Fabrik
Margarita Sánchez
Teatro SanPol
Fernando Sansegundo
Paz Santa Cecilia
Elisa Sanz
Carlos Sarrió-Cambaleo Teatro
Sonia Sebastián
Fernando Soto
RaúlTejón
Compañía Ternura Suite-Edgar Chías
Tristán Ulloa
Mónica Valenciano
Marta Valverde
Eduardo Vasco
Alberto Vázquez
Nicolas Vaudelet
Javier Veiga
María Velasco
Pedro Víllora
Pepe Viyuela
Compañía Ultramarinos de Lucas
Carmen Werner
Sugerente exposición
LA FRESH GALLERY presenta su próxima exposición: “Yosoytuereselesella», de Juan Pablo Echeverri
Inauguración: Jueves 13 de Junio de 19:00h a 22:00h – Del 13 de Junio al 20 de Julio de 2013
LA FRESH GALLERY – C/Conde de Aranda, 5 – MADRID – Tel: 91 431 5151
(los que estéis interesados en una visita previa contactar en: info@lafreshgallery.com)
«El Varietón» de Los Quintana en el Teatro Alfil
De nuevo nos visitan Los Quintana para presentarnos su última producción con la que han conseguido ser la compañía de variedades más aclamada del momento en el sur del continente americano.
En el espectáculo recuperan los personajes que han estado representando durante más de 20 años en un mix que tiene ese olor a culebrón sudamericano y karaoke de lujo. Nos encontraremos con escenas delirantes de personajes de cine, telenovelas y televisión que se persiguen y se mezclan creando un hilo conductor que nos hará disfrutar de una noche llena de carcajadas.
Su depurada técnica teatral para hacer que un playback, que otros llaman finamente técnica fonomímica, parezca real mediante el expresionismo, el transformismo y el esperpento unido a un maquillaje y vestuario perfectos, hacen que el público suelte risas hilarantes durante toda la representación.
Los Quintana estarán en el Teatro Alfil tres jueves más, y es muy recomendable para su salud que asistan a verlos.
Luis Mª García
Cine de Shakespeare en el Festival Clásicos en Alcalá
Anonymus, Julio César, Coriolano y Bright Star conforman un ciclo de películas sobre Shakespeare en el Festival Clásicos en Alcalá.
Más info en: http://www.clasicosenalcala.net
Viajes y gastronomía
Gastromusiquería
En el Mercado de San Antón, cada segundo miércoles de mes, a las 20 horas…Delicatessen y canciones.
Más info en: http://www.mercadosananton.com
Lavapiés «Made in India»
VI Edición del Festival BollyMadrid
Del 7 al 9 de junio en la Plaza Agustín Lara
Más info en: http://www.madridiario.es/…/festival-bollymadrid-lavapies.
Concierto: Un sol y sombra
Entre La Casa Encendida y el Centro Arte Dos de Mayo de Móstoles
colabora RENFE
Sábado 8 de 19 a 23 horas
Casa Encendida
Más info en: http://www.lacasaencendida.es/en
«Romeo y Julieta» en los Teatros del Canal
Enfrentarse a la partitura de Prokofiev y transformar un ballet para explicar la historia de Romeo y Julieta en la Revolución rusa es una tarea ardua de la que se puede salir no tan bien parado como se quisiera.
La coreografía de Bertrand D’At para la música de Prokofiev es arriesgada e intenta conjugar elementos estéticos de la época a la que nos quiere trasladar con el espíritu del Romeo y Julieta renacentista. Además, una potente escenografía basada en plataformas móviles que asemejan edificios de estilo constructivista y que llenan el escenario ayuda a situarnos en la acción de la Revolución rusa y acompaña perfectamente a la partitura.
El Ballet e l’Opéra National du Rhin, fundado en 1972, es una de las pocas compañías francesas que se desplaza sin problemas del barroco a lo moderno y de lo clásico a lo contemporáneo, y su ejecución coreográfica está a la altura de las circunstancias.
Esta coreografía no es nueva y ya ha obtenido muy buenas críticas pero, a pesar de esto, creemos que muchas veces faltan elementos de unión entre las diferentes partes de manera que se producen lapsos en escena que hacen que se pierda la atención por lo que se está viendo. Por otro lado destaca la frialdad de los movimientos coreográficos nos aleja de lo que realmente se está contando, entre una guerra, sí pero al fin y al cabo es una historia de amor.
Luis Mª García
Que Revienten los Artistas 
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