Penal de Ocaña en el Teatro de la Abadía
Es difícil escribir sobre un montaje que refiere nuestro pasado de una manera tan intensa. Las palabras no sirven para hacer justicia ante una vida humana cargada de fuerza, de pasión y de dolor apretada contra los ojos del público.
Sobre los elementos que avivan el fuego de este pasado árido y sobrecogedor podemos decir que nada sobra. Que el recorrido es sincero y nos permite con la sencillez de una respiración intuir la inmensa complejidad de una vida. El fantasma de la guerra vive con nosotros y es imposible evitar que se revuelva cuando alguien grita su nombre.
Ver como las ideas son capaces de movilizar lo más profundo de una persona y llevarla hasta el límite de su energía es algo que me produce cierta nostalgia. Creo que el mundo ha cambiado. No hay más que ver el terrible final que tuvo esta guerra (nuestra guerra) de la que nos llegan ecos de angustia y amor.
Puede ser que la formalidad del texto (que aparenta conservar íntegramente su estructura de diario) y la formalidad de la interpretación a veces jueguen en contra del diálogo entre la experiencia de Maria Josefa Canellada y el público que la observa. Pero como decía al principio, cuando algo así es llevado a escena inmediatamente hay un montón de cosas que dejan de ser relevantes. La guerra es un monstruo que acaba con todo, que arrasa hasta con las flores más hermosas. No debemos olvidarlo nunca.
Javier Tirado![penal-4[1]](https://querevientenlosartistas.com/wp-content/uploads/2016/04/penal-41.jpg?w=300&h=109)
RÍO SEGURO de Carolina Román en el Teatro del Barrio
¿Alguna vez habéis visto a un pez congelado bajo una capa de hielo y os habéis preguntado qué será de él cuando pase el invierno? Los animales criotolerantes pueden dejar que la mayor parte de su líquido corporal se congele durante días, semanas o meses sin causar demasiados daños internos. Es como si el animal se quedase en guardia, preparado para salir a la vida en el momento menos pensado. En “Río Seguro”, de Carolina Román, con un interesante trabajo de contención actoral y estructura dramática, genera algo de criotolerancia, para congelar los impulsos vitales y auto protegerse hasta que suban las temperaturas. Y cuando esto sucede, allí queda el animal, expuesto a la vida y sus amenazas…
Marian Patilla
Brundibár en el Teatro Real
Esta partitura es otra de las rescatadas tras el holocausto, ya que su autor, el compositor judío Hans Krása, oriundo de Praga, fue deportado al campo de internamiento de Terezín –creado por el III Reich y presentado por su propaganda como una «ciudad balneario» a la que se podían retirar ancianos y artistas judíos–, para recalar en la estación término de Auschwitz. La obra, compuesta en 1938, se representó clandestinamente cuatro años más tarde en un orfanato para niños judíos en Praga. Posteriormente, Krása, ya internado, tuvo que reconstruirla de memoria, y se interpretó 55 veces en Terezín con la ayuda de los niños que allí habitaban. Esta ópera infantil, redescubierta a finales de los años 70, y símbolo de la resistencia cultural frente a la más feroz represión, llega a nosotros de mano de Susana Gómez con una lectura capaz de extraer la más pura poesía del horror. Desde el programa pedagógico del Teatro Real se está llevando a cabo una labor importante al acercar a los pequeños de la casa el bel canto, pero también, recuperando piezas olvidadas o que no se representan todo lo que debieran, tratando temas importantes que no han de ignorarse porque el pasado siempre es una sombra que amenaza el presente.
En la Séptima planta del Teatro se puede visitar una exposición de dibujos y pinturas realizados en campo de concentración de Terezín
Adolfo Simón
El prisionero en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Dicen que uno es dueño de su silencio y esclavo de sus palabras, que uno siempre puede elegir bajo su condición de ser humano.
“El prisionero” nos muestra que la identidad se ve claramente influenciada por los demás, ya que de haber una única persona en el mundo, esta no existiría por el mero hecho de que nadie lo ve. En esta celda que se nos presenta, se haya una simbiosis metateatral que conjuga la existencia entre el actor y el personaje, dando así lugar a un juego de espejos. Con un ritmo constante se van sucediendo los acontecimientos, pudiendo hablar casi de una carrera a contra-reloj, donde nuestros pies encuentran las arenas movedizas que reflejan un terreno de desiciones.
Siempre se lucha por algo, porque siempre hay algo que perder. Pero puede que en esta ocasión, hundirse sea la única manera de alzarse con la victoria.
https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=PRISIONEROTC2016
África Anamú
Don Perlimplín en el Teatro de la Abadía dentro del Festival de Otoño a Primavera
Por suerte para nosotros, ya no hay obras de Lorca irrepresentables. Quién le iba a decir a él que su teatro encontraría, hoy, los interlocutores idóneos. Lorca sigue subiendo al escenario y conecta de manera profunda con todos nosotros, en su escritura está atrapada la vida y el tiempo. Cuanto menos se enmarañan sus textos, más transparentes y emocionantes son para el público. En la lectura escénica presentada en el Teatro de la Abadía por la Compañía Metatarso hay un tratamiento contemporáneo sutil y se agradece, no hay estridencias ni disparates, juego de guiñol moderno nada más y de ese modo, se establece el vehículo preciso para que nos veamos sumergidos en el imaginario del poeta y en los fantasmas de nuestro presente.
Adolfo Simón
Numancia en el Teatro Español
El tiempo es sumamente relativo, ya que depende de la percepción del objeto que observa. Lo que está claro es que se trata de una herramienta que mide distancias entre los acontecimientos y en este caso, “Numancia” nos invita a recorrerla a través de sus versos.
Estamos ante una versión que nos acerca más a nuestra propia realidad, poniendo sobre la mesa los conflictos que se desarrollaban en lo que consideramos una época arcaica. Con una apuesta en escena arriesgada, las líneas a-temporales son utilizadas como nexos de unión para hacernos entender que los clásicos son clásicos porque nunca pasan de moda.
Con un lenguaje cargado de matices, consigue aunar las diferentes líneas dramatúrgicas que hace de esta obra una autentica máquina del tiempo, que no solo nos deja viajes de ida y vuelta, sino que nos abre una mirada escalofriante hacia el futuro.
Sin duda estamos ante una propuesta que revuelve el estómago, consiguiendo plasmar aquel sentido que tenía el teatro, dónde la realidad del pueblo toma los escenarios y las conciencias de los espectadores.
África Anamú
‘Parsifal’ en el Teatro Real de Madrid
Festival escénico sacro en tres actos con libreto de Richard Wagner, basado en el poema épico medieval Parzival de Wolfram von Eschenbach. Estrenada en el Festspielhaus de Bayreuth, el 26 de julio de 1882 y en España, en el Teatro Real de Madrid, el 1 de enero de 1914. La producción que se presenta ahora en el coliseo madrileño es co-producción de la Ópera de Zúrich y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Con la vista puesta en La Montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras más emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.
Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debuta en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre. Cuando uno asiste a monumentos artísticos de este calibre, se siente muy pequeño en el patio de butacas. Una obra excepcional en todo su conjunto, un delirio emocional y artístico.
Adolfo Simón
Adicto en DT Espacio Escénico
El amor es uno de los impulsos fundamentales del hombre. En esta propuesta tan personal e íntima el amor se entiende como la raíz del sujeto, el núcleo alrededor del cual se construye el yo, su herramienta principal al aproximarse al mundo exterior y la primera causa de derrumbes en el edificio de la personalidad. Sin amor externo, sin la mirada del otro, es imposible que conozcamos nuestras verdades.
Estar sola en escena durante una hora requiere mucha valentía. Hablar de algo que es una parte indiscutible de una misma, también. El montaje es como un despliegue de pequeñas intimidades, ordenadas una detrás de otra y vinculadas a la idea del yo y los otros. Hay espacio para profundizar más, para explotar mejor los recursos escénicos no dejándose llevar tanto por el efecto como por el contenido de lo que se está tratando. Aunque ella comparte sus noches de insomnio y sus momentos de alegría y eso se agradece mucho.
Se agradecen también las torpezas y los temblores. El riesgo de encerrar algo vivo en la cárcel de la forma es omnipresente. Para mí no hay nada más bello que ver a una actriz/actor vulnerable compartiendo su debilidad. A fin de cuentas el sujeto, el “yo” es tan frágil como una torre de gelatina.
Javier Tirado
«Chaplin XXL» en el Teatro Alfil
Dicen que el tamaño gigante lo inventaron los estadounidenses y es muy probable que se trate de una verdad absoluta. Pero cuando hablamos de calidad y no de cantidad, no podemos dejar de ojear aquellos clásicos que marcaron una generación. Charlie Chaplin fue de esos maestros que cautivo el pensamiento y la sensibilidad humana. Fue su humor característico y su genio los que hicieron historia, llegando a ser el gran cómico del cine mudo, bajo el bombín del señor Charlotte. Actualmente podemos ver en el teatro Alfil un extracto de aquellos tesoros que nos regaló Don Chaplin, un repaso por algunos de aquellos grandes éxitos. “Chaplin XXL” no sólo es un collage de historias, sino una visión tridimensional del eco que hoy recogemos de este personaje. Ya que, aquellas cosas que se quedan grabadas en las retinas no hay palabras que las traduzca.
África Anamú
Triunfo de amor en el Teatro de la Abadía
Triunfo de Amor continúa la labor de recuperación literario-teatral, reivindicando la figura de Juan del Enzina, gran autor dramático del Renacimiento español, aquel que marcaría el teatro de su tiempo y condicionaría todo el teatro posterior. Un espectáculo con música de la época en directo, lleno de candor, que de alguna manera refleja el paso del debate amoroso con base en las tradicionales disputas medievales al que será el gran tema de la literatura renacentista: el irresistible poder del Amor. Nao D´Amores sigue, de la mano de Ana Zamora, recuperando para la escena piezas exquisitas que, tratadas con una pizca de locura y juego, se convierten en propuestas que hacen las delicias de todos los asistentes. Una obra que se vuelve actual al incluir en la misma un tratamiento estético que nos la acerca a hoy. El equipo artístico es compacto y todos elaboran una poética personal y accesible.
Adolfo Simón
Sinergia de Nueveuno en el Teatro Circo Price de Madrid
Circo contemporáneo que combina técnicas como las verticales, la manipulación de objetos, malabares y danza, coreografiadas con gran plasticidad geométrica y sensibilidad armónica a lo largo de todo el espectáculo. Desde una mirada conceptual se tratan temas cotidianos como la adaptación y los conflictos personales de una sociedad, en general, individualista. Los malabares suelen ocupar un relleno en los espectáculos circenses, aquí, en cambio, son el centro dramatúrgico del montaje, desarrollando múltiples formas y estéticas gracias a convertir, en juego malabar, cualquier elemento que transita por el escenario. Paso a paso van, los cuatro integrantes, generando momentos sorpresivos con pequeños objetos y materiales con un fin de show fascinante.
Adolfo Simón
Besos y tequila en los Teatros Luchana
The lovers es un espectáculo fresco, pero que muy fresco. En el que la artista comparte con el publico sus experiencias amorosas, sus experiencias sexuales y su voz, a través de Roma, un personaje que durante dos horas y media mantiene el humor, la energía, y se mantiene sobre sus tacones. Creo que lo mas destacable del espectáculo es esto, como la artista mantiene todo la obra con mucha energía, positivismo y fuerza.
The lovers, amantes, besos, te quieros y tequila en los Teatros luchana.
Lucía Martín
Yo, Carmen de María Pagés en los Teatros del Canal
María Pagés explora el deseo como una responsabilidad ética; reivindica la vida, el placer, la autonomía, la libertad y la felicidad como derechos fundamentales del ser humano. El personaje de Bizet es el inicio de un espectáculo que busca desarmar los estereotipos inculcados durante siglos para silenciar la esencia de la mujer real. Una mujer hablando de mujeres, con las aristas que las conforman y sostienen. La reflexión coreográfica de Pagés busca confrontar el mito y despojarlo de la imagen prefabricada que todos tenemos incorporada para mostrar en el escenario una más certera y veraz. Carmen surgió del imaginario de un hombre y otro hombre creó la ópera y la gran mayoría de las versiones que hay de este personaje, están hechas por hombres. Ya era hora de poder ver la visión femenina sobre este mito. María Pagés se arropa de textos de mujeres de primer orden para tejer ese laberinto de escenas y miradas sobre Carmen, creando un caleidoscopio sutil y sugerente, con el objetivo de quitar etiquetas y tópicos sobre el personaje. Una visión diferente y necesaria.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/yo-carmen-maria-pages/
El Jurado en el Matadero
Un político acusado en un gran caso de corrupción. Un largo juicio sometido a una importante presión mediática. Y un jurado popular tendrá que tomar una decisión: ¿culpable o inocente? Dicen que el verdadero poder de un pueblo soberano está en elegir democráticamente en las urnas a los políticos que le gobiernan. ¿Qué ocurrirá cuando sea el pueblo quien tiene que declarar culpable o inocente a la persona que hay tras el político? ¿Dónde acaba lo público y empieza lo privado? Sobre esta obra está la sombra alargada de la famosa película Doce hombres sin piedad de la que también se hizo una versión espléndida en aquellos Estudio 1 que tanto apoyaron al teatro desde la televisión y que tanto añoramos. Aquí se intenta acercar la corrupción actual a un público de hoy, dando casi la oportunidad de emitir un veredicto u otro. La intimidad de los personajes en su debate gira ante los ojos del público en la sala grande del Matadero, creando un mundo en espiral, inaccesible, sobre el que no se tiene oportunidad de interactuar; algo parecido a la impotencia del ciudadano de hoy ante tanto abuso.
Adolfo Simón
María Moliner en el Teatro de la Zarzuela
Anoche se estrenó María Moliner, un espectáculo que hace honor al gran trabajo que realizó en vida esta mujer para que el «español» tuviera el mejor uso comunicativo. Una obra excepcional que no tuvo el eco ni reconocimiento en su momento y que aquí, se dignifica a través del espléndido proyecto realizado. La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín por reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. El libreto es de Lucía Vilanova y la excelente música de Antoni Parera Fons. La dirección de escena, del propio Azorín, está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, teatralidad y, por tanto, está llena de pulso. Un espectáculo sorprendente a cada paso, en cada página de ese libro imaginario que va desplegándose escena a escena, como si de un desplegable poético nos mostrase el día a día de esta creadora que tuvo que lidiar con su vida para encontrar el espacio donde las palabras habitasen en libertad. El personaje principal siempre está rodeado de figuras femeninas convertidas en palabras que deambulan o trepan por el escenario, enfrentadas al mundo oscuro y cerril de la intolerancia. Visualmente es muy hermoso y todo el conjunto genera una sensación profunda de la lucha de esta mujer vivió para conseguir un lugar «entre líneas» es un tiempo dominado por hombres.
Adolfo Simón
Teatralia I: Creación de gran calidad para espectadores pequeños
Un año más, Teatralia trae a los teatros de la Comunidad de Madrid una oferta internacional excelente. No dejaré de repetir que hay, hoy en día, más búsqueda y riesgo en la poética para el público familiar que la que se supone se lleva a cabo para espectadores adultos. Cuando estamos en el ecuador del a Muestra de este año, puedo señalar que todas las obras presentadas han tenido un gran nivel artístico. La inauguración fue en el Teatro de la Abadía con un cuarteto de intérpretes que se movían entre luces y sombras. Una mujer y tres hombres que iban y venían mientras interpretan, danzaban y manipulan objetos y títeres, insuflándoles nueva vida a los famosos personajes de Caperucita Roja. Suites Curieuses no es una versión de uno de los cuentos más queridos del mundo occidental, pero se inspira libremente en él. La siguiente pieza a la que asistimos fue una obra llena de matices y humor, momentos íntimos y caos colectivo que se combinaban de manera natural consiguiendo escenas llenas de magia y onirismo. Utilizando grandes espejos, juegos de sombras y objetos absurdos, F.I.R.A. consiguió crear la estética perfecta para que estos fenómenos inverosímiles se volviesen verosímiles y salieran del anonimato. La tercera obra fue excelente, Piccoli Sentimenti, una exquisita mezcla entre el inclasificable y sensible mundo del teatro de títeres de Tof Théâtre, el art brut del polifacético artista Antonio Catalano y el concepto sonoro único del músico Max Vandervorst. El proyecto surgió gracias a la iniciativa de Flavia Armenzoni, directora del Teatre delle Briciole, quien contactó con Alain Moreau, director artístico de Tof Théâtre, para crear un espectáculo conjunto bajo la premisa de una total y absoluta libertad creativa. El recorrido por la muestra continuó y llegamos a Nest, un viaje musical y poético que nos hablaba de los pequeños instantes de la vida, de los pájaros que nacen, ponen huevos, los empollan, se alzan y vuelven a caer… Una cantante y un violinista buscan con el público la intimidad y el calor del nido de madera, grande y cómodo, que ocupa el centro de la escena. Una obra sin palabras que combina las delicadas armonías de la voz y el violín acentuadas por una iluminación tenue y agradable, con una estética muy cuidada basada en los colores y texturas de la madera, presente en los objetos y personajes e incluso en el vestuario. Todo ello ayudaba a crear una atmósfera hipnótica para los bebés, donde se enlazaba de manera natural lo poético con lo cómico. Nest es una producción de teatro musical poético que surgió de Caban, “espectáculo creativo y activo” de Theater De Spiegel. ¿Cuál es mi nombre? es un espectáculo de danza pensado para los más pequeños en el que se reflexiona acerca del concepto de identidad. En palabras de la compañía: “en la infancia no cuentan las etiquetas, un mundo maravilloso nace ante nuestros ojos cuando lo único que necesitamos es nuestra imaginación y un amigo con el que compartir nuestros sueños. La identidad se fortalece con los años pero tu esencia está en ti desde que naces, amas, ríes y lloras”. Danza, circo, teatro de objetos, música…poesía escénica de altura para todo público inquieto.
Adolfo Simón
Cine en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
La tristura regresa de nuevo a los escenarios madrileños con una pieza donde el teatro se sumerge en el ritmo y atmósfera del cine, de esos recintos de programación doble donde el patio de butacas casi era una prolongación de la pantalla. Ese parece haber sido el objetivo que han perseguido, conseguir que la teatralidad de la escena se diluya ante una pantalla por la que transitan recuerdos y deseos. Mientras, el niño que hay en nosotros escucha las voces en sus oídos y come palomitas a través de los pequeños que pululan por detrás de la proyección…Y mientras, un cantante perdido busca su identidad entre canciones y fogonazos estéticos.
Adolfo Simón
La voz humana de Jean Cocteau en La pensión de las pulgas
La voz humana de Jean Cocteau es un juguete delicioso para cualquier actriz o actor…La he visto hecha de tantas formas y siempre funciona, es uno de esos textos que tienen el engranaje perfecto y la tensión dramática apropiada para mantener la atención del público todo el tiempo y siempre sorprende el final, porque, tal vez, esperamos que el teléfono vuelva a sonar, ese que tantas veces hemos mirado de reojo desde el sofá y que nunca más volvió a sonar. Todos hemos descolgado alguna vez para comprobar que hay tono en el auricular, para cerciorarnos que si no suena no es por error si no por decisión del otro lado…En La pensión de las pulgas hubo hace poco una versión exquisita en clave ópera…Y ahora nos muestran otra perspectiva del texto, ahora se convierte en una polifonía de cuerpos y voces que vagan entre la tiniebla de la soledad de una habitación donde se espera lo imposible. Hay dos cosas muy sugerentes en esta propuesta, la contención en la interpretación; aunque duela, no se grita nunca…y la sincronía entre cuerpos y voces deambulando entre los muebles…Seguro que, con las funciones, todavía crecerá la atmósfera del vacío.
Adolfo Simón
Corta, pica, tritura.. PULVERIZA en Nave 73
Así es como se nos presenta esta sátira del siglo XXI dónde no queda títere con cabeza.
Con un ritmo constante se ponen sobre la mesa temas de actual condolencia para la sociedad, que dandole una vuelta se convierte en un universo de humor negro que caracteriza a los personajes y envuelve el ambiente de la sala. Con una dramaturgia cargada de lenguaje connotativo y elementos con gran memoria social, Abel Zamora conjuga todos estos ingredientes para literalmente cortar, picar y triturar, los conflictos sociales a los que nos enfrentamos en estos tiempos. Es de agradecer poder encontrar algo tan refrescante como la risa, en espacios artísticos dónde no se dejan de encargar de dar un discurso moral.
Estamos ante una propuesta que hace recordarnos aquellos tiempo donde el señor Valle-Inclán despellejaba a la sociedad de la época. Ese esperpento que viaja hasta nuestros tiempos en forma de aborto, dónde encuentra lugar entre los escritos del señor Zamora.
África Anamú
Escribir y versionar hoy
La cartelera actual, por mucho que le moleste a más de uno, está llena de propuestas escritas hoy para un público actual. Es apasionante sumergirse en cualquier guía escénica y descubrir que los grandes clásicos se codean con nombres de jóvenes escritores que también interesan al respetable.
Abel Zamora ha creado una locura deliciosa en Nave 73 con su pieza Pulveriza, todo un ejercicio de estilo estético y dramatúrgico lleno de hallazgos de humor negro que harán las delicias de paladares exquisitos.
Y dos mujeres incansables en la escritura y la escena…
Denise Despeyroux con su última creación…Los dramáticos orígenes de las galaxias espirales…De nuevo un complejo ejercicio de escritura donde la virtualidad, la vida y el tiempo se dan la mano.
Y Paloma Pedrero recupera su texto Ana el Once de Marzo para seguir homenajeando a la ciudad de Madrid que sufrió aquellos terribles acontecimientos.
La Fiesta de Spiro Scimone en versión de Álvaro Vicente se puede disfrutar en la Cineteca donde se podrá conocer la privada relación caótica de una pareja.
Otra buena versión es la que ha realizado Fernando J. López sobre la obra Paniikki de Mika Myllyaho que aquí se titula Pánico y en la que podemos descubrir, en sus funciones en el Teatro Lara, a los hombres de plástico de hoy en día que están aterrados porque no saben qué hacer con sus propias vidas.
Adolfo Simón
Creación para la infancia
Dentro de las múltiples actividades que se programan en Madrid para los pequeños de la casa, este fin de semana hubo una conferencia escénica en Titerescena a cargo de la Compañía Etcétera de Granada. En El alma del pueblo guían a los niños-as por las diferentes fórmulas de manipulación de muñecos. Y en Rompiendo el cascarón, la Compañía Hegan&Dream Espacio Creativo ha desarrollado un concierto creativo titulado Arrugas en la piel a través del cual, conectar a los bebés con la sensorialidad de la palabra y la música.
Adolfo Simón
En el desván de Café Müller
No quiero dejarme llevar por la emoción que me embarga saber que en unos meses se cerrarán las puertas de La pensión de las pulgas como ocurrió con La casa de la portera…no, como en ese momento ocurrió, todos sentimos que allí habíamos vivido unos momentos inolvidables y que cuando una puerta se cierra, otra se abre; estoy seguro que los responsables de estos espacios nos depararán nuevas y hermosas aventuras. De momento, quiero seguir disfrutando de las múltiples y diferentes propuestas con las que van a deleitarnos en estos meses. ¿Estaba todo visto en La pensión de las pulgas?, no…Todavía podían sorprendernos nuevamente, en esta ocasión, con una pieza de danza producida ni más ni menos que por la Compañía Nacional de Danza cuyo responsable, José Carlos Martínez ha tenido la brillante idea de dar espacio de creación a Agnès López y Elisabet Biosca para que llenen las habitaciones de La Pensión con aroma Home. De manera delicada, los personajes que aparecen entre visillos o de debajo de los muebles, nos llevan de un lugar a otro para suspendernos en esa atmósfera que nos recuerda a los personajes perdidos en tiempo y lugar en las piezas de la genial Pina Bausch. Es una propuesta diferente, en la que el público respira el latido de la piel de los bailarines a un centímetro de su mirada. Todo el mes de abril será una fiesta para bailar con los ojos en este particular teatro. Y este fin de semana hemos podido asistir a un evento performático de la mano de la Compañía Nitroglicerina Theatre…en Awakening se nos sumergió en un mundo de seres sin identidad a los que había que reprogramar para que recuperasen la capacidad sensorial.
Adolfo Simón
Curso de deconstrucción del lenguaje castellano por Fran Blanes en la Sala DT
Propuesta arriesgada donde las haya. Juguetona pero un poco torpe a la hora de precisar un discurso que quizá intenta abarcar demasiado para un formato tan reducido. Hace falta un poco más de seducción para entrar a colaborar con un personaje que si bien se hace simpático se queda un poco desmenuzado entre tanto traqueteo.
El conflicto entre palabra e imagen, lenguaje y experiencia sensorial, es eterno e irresoluble. Creo que para conseguir la distancia necesaria para extrañarse de la palabra propia hace falta un pequeño trance que nos abstraiga de lo cotidiano. Este salto es el que uno espera durante todo el espectáculo; y aunque se intuya por momentos, agazapado detrás de la pizarra, puede que necesitara atracciones más sutiles para salir de su escondite.
Da la sensación de ser la entraña de algo que podría concretarse en un montaje muy original y fresco. Muchos de los caminos que se abren llegarían a lugares muy interesantes si no se quedaran inconclusos. De toda la maraña de palabras que se vertieron yo me quedo con deconstrucción y con escritura, porque el curso me enseñó algo sobre la primera y porque la escritura volvió una y otra vez a materializarse frente a nosotros en la sala de teatro.
Javier Tirado
“Anagnórisis” de David Casanova en Nave 73
Dicen que la clave se haya en el equilibrio, en la combinación de los opuestos para conjugar el punto exacto en el que ambos puedan convivir en armonía. Si bien sabemos la vida está llena de extremos, dónde caer en ellos hace crear una conciencia del camino que nos separa de su opuesto. ¿Y que ocurre cuando nos saltamos ese extremo? ¿a dónde llegaríamos si rompiéramos la barrera que lo separa de lo desconocido?. La propuesta que nos presenta David Casanova en “Anagnórisis” nos habré el mundo a la posibilidad de entrelazar la conciencia propia con la esencia más profunda de la identidad. Observando la fusión de la blanquecina dermis humana, con la oscuridad de la atmósfera negra; hayamos un universo narrativo donde vemos a un ser alterado y poseído por el movimiento. Es el punto concreto donde los extremos se unen, regalando una visión simbólica del momento concreto que denominamos auto-conocimiento. Pero quizás lo más interesante que se nos presenta ante los ojos, no sea la posibilidad de ver ese segundo de autentica revelación, sino la forma en la que se encuentra moldeada. Si sobrepasamos el extremo de la visión lógica de los cuerpos sobre fondo, nos encontramos con la sorpresa de la fuerza del movimiento y la esencia más arraigada del tejido sensitivo. Recuerdo una frase del señor Neruda.. “Algún día en cualquier parte, en cualquier lugar indefectiblemente te encontrarás a ti mismo, y ésa, sólo ésa, puede ser la más feliz o la más amarga de tus horas” Casanova nos presenta algo más que la posibilidad de poder disfrutar de la pulsión visual de sus fotografías, sino que nos habré la puerta a la comunicación directa de nuestra resonancia hacía lo bello, lo real y lo humano.. A medida que van pasando las imágenes nos va cargando de movimiento la reflexión y la fuerza motriz, que nos hará salir de allí con un revoltijo de sabores agrios y dulces…Y habrá conseguido su objetivo, pues saldremos de allí con una sensación desconcertante ante el paso por la exposición, que nos hará darnos cuenta de que la pasividad se habrá erradicado para conectarnos directamente con lo que les sucede a sus seres enmarcados.
África Anamú
Que Revienten los Artistas 
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