Rebeca Valls: El teatro alimenta el espíritu
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi familia también se dedica a las artes escénicas. Mi madre dirige una compañía de danza contemporánea y mi padre es escritor. Así que me he criado entre bailarines y libros… Tuve la suerte de que me seleccionaran para Cabaret de Jerôme Savary siendo una niña, y en ese y en los primeros montajes en los que participé pude trabajar con gente a la que ya admiraba muchísimo como Ovidi Montllor, Teresa Lozano, Carmen Benlloch, Nina, Joaquín Climent, Joaquín Hinojosa… Mis inicios los recuerdo como un lanzarse al vacío, un salto, un abandono… como ahora, vamos, jajaja… ¡Pero con menos conocimiento y mucho miedo! En cuanto cumplí los 18 me fui a Barcelona a estudiar arte dramático, porque ya entonces lo tenía clarísimo, y mi familia me apoyaba. Después me llamó Joaquín Hinojosa para hacer El Libertino en el Teatro de la Abadía y ya me trasladé a Madrid. Aunque sin abandonar nunca Valencia.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Inicié estudios de filología francesa, que algún día, cuando tenga tiempo, me gustaría terminar. Además de claqué, danza, patinaje artístico sobre hielo.. Y camarera… ¡cómo no!
¿Qué es el teatro para ti?…
Un modo de vida, una manera de comunicarme, de aprender. Una necesidad.
¿Por qué haces teatro?..
Porque alimenta el espíritu.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positivo. He hecho de todo. He tenido la suerte de trabajar con grandes maestros como Lluís Pascual, Nuria Espert, Carles Alfaro… y un largo etcétera… Y representando grandes autores como Shakespeare, Lorca, Ibsen, Lope de Vega, Marivaux, Moreto… He aprendido todo con ellos… También con Gabriel Olivares en el teatro más comercial. Y aún me queda mucho que aprender. Y eso me alienta. Tengo ganas de seguir aprendiendo, de seguir formándome.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro es un acto social, un acto de participación. Somos nosotros mismos arriba y abajo del escenario. El teatro habla de la relación del ser humano y el mundo que le rodea. Es vida. Nuestra vida actual.. nuestras preguntas y nuestros problemas actuales tanto del alma como los de nuestra sociedad. A veces nos hace reir, a veces llorar, otras veces nos incomoda pero al mismo tiempo, nos hace pensar. Amar. Aprender. Soñar. Sanar. Verse uno mismo reflejado en el espejo de la representación, es algo consustancial al ser humano.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos.
Mis últimos proyectos han sido El Lindo Don Diego, dirigida por Carles Alfaro en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Casa de Muñecas de Teatres de la Generalitat Valenciana, El Feo en el Festival Fringe y Teatro Lara, un proyecto propio, Me esperaràs? de Albena Teatre, El Lenguaje de tus Ojos o El Príncipe Travestido, dirigido por Amelia Ochandiano en el Teatro de la Danza. Proyectos y personajes bien diferentes entre sí, pasando del verso a un lenguaje contemporáneo, y de un personaje como Nora, donde el trabajo es totalmente interno y con una evolución enorme, a una Hortensia, de la obra de Marivaux, donde lo que siente el personaje la desborda y no lo puede controlar. Además, este año, he tenido mi primera experiencia como creadora y productora de un proyecto propio como El Feo y ha sido una gran experiencia, tanto por los compañeros que he tenido como por la responsabilidad que se adquiere.
¿Cómo surgió tu participación en Más apellidos vascos?… Háblanos de este trabajo…
Intervine en este proyecto porque Gabriel Olivares pensó en mí. Hicimos los cuatro actores una prueba, a pesar de que Gabriel había trabajado ya con nosotros, y la verdad encajamos como grupo desde el principio. El proyecto en sí tiene el sello de la película Ocho Apellidos Vascos que ha sido un exitazo de público. Es la misma productora. Se ha querido repetir la misma temática. Pero sin contar la misma historia que la película. En la obra nos reímos de los tópicos sobre andaluces y vascos desde muchos puntos de vista. Pero también hay una historia de amor que vertebra la obra y que une la realidad con la ficción… incluso rompiendo la cuarta pared. La obra es una fiesta, una celebración. Teatro popular. Y como actores es puro juego. Cambiamos constantemente de personaje a ritmo vertiginoso. Es muy divertido.
¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
Depende del tipo de personaje que sea, la verdad. Del texto, del autor, del género… Pero sí que trato de que sean lo más personales posible. De darles mi verdad, mi sensibilidad, profundidad, contradicciones. Primero empiezo con lecturas, trabajo de mesa, imaginario, después ya lo pongo en pie, y lo dejo volar… A veces tarda más… a veces menos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes y el aumento del I.V.A en el teatro muestra claramente la poca consideración que se le da a la educación y a la cultura en este país. Siempre, y más en tiempos de crisis, es necesario alimentar el alma. Estas medidas que se están tomando hacen que volvamos a una precariedad laboral, a taquilla, o proyectos propios sin cobrar, y las compañías poco a poco desaparecen, puesto que les es inaguantable la situación.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Los montajes que más he disfrutado en este último año han sido Un trozo invisible de este mundo… me recuerda por qué me dedico a este oficio… Misántropo por la versión y gran dirección de Miguel Del Arco y por el trabajo de elenco que representa la compañía Kamikaze. The Table de Blind Summit porque amo la relación entre el actor y el bunraku; Los nadadores nocturnos, por el gran trabajo de Carlota Ferrer y su elenco, Lebesraum por el universo onírico, la magia y el trabajo de cuerpo que hace Jakop Ahlbom y Entremeses por el tipo de conexión que establece el elenco con el público. También es verdad que he estado trabajando desde Octubre hasta ahora y me he perdido muchos montajes que me hubiera encantado ver…
¿Proyectos?…
Seguir con Más Apellidos Vascos.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Me parece muy buena iniciativa seguir el modelo de trabajo que está llevando a cabo Lazona, productora de Más Apellidos Vascos, porque está colaborando y estableciendo vínculos con multitud de salas, de creadores jóvenes, de directores interesantes… Y que combina el teatro comercial con otro más de investigación y creación. En definitiva crear vínculos, uniones, que nos den un mínimo apoyo, que nos permitan, a todos, seguir trabajando, creo que es una buena iniciativa.
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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues creo que mi pasión por este oficio me viene de familia. En mi casa el arte siempre ha estado muy presente. Mi madre ha tenido una escuela de música y danza en Bilbao durante 25 años, mi padre es un lector empedernido, escribe poesía ahora que es dueño de todo su tiempo, y mis hermanos se dedican a las música. Tengo recuerdo de hacer teatro en verano, en Murguía, una obra de teatro que escribía mi padre y dirigía mi madre, y participábamos todos los jóvenes de Vitoriano, un pueblito de Alava, y era un gran acontecimiento. Curiosamente me ponía muyyy nerviosa y a veces no salía al escenario, y creo que esa responsabilidad que tenía ya de pequeñita, presagiaba que mi interés por el teatro era muy grande.
Ya con 18 años, mi madre me “empujo” a hacer un taller en Canet de Mar con Comediants, verano del 89, un mes de vivencia y trabajo con Comediants y a partir de ahí decidí ir a la RESAD. Y hasta hoy.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Positivo. A veces pienso que hacer teatro me ha salvado y me ha enseñado a vivir de manera mas consciente. Es una profesión complicada donde te pones a prueba constantemente, y hay que aprender a vivir así. Siento que he trabajado en sitios muy diferentes, personajes muy distintos con gente muy variada y mi crecimiento personal va muy ligado a lo que voy haciendo en un escenario. Hay mucho por hacer y pelear.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Debería ser una brújula, un espejo de lo que es nuestra sociedad. El teatro debe ser un lugar donde se pueda observar los comportamientos humanos de manera libre. El teatro debe tomar el pulso a nuestra sociedad y servir para “vernos” reírnos y tomar nota de cómo estamos. Una especie de terapia colectiva.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muchas maneras diferentes. En ocasiones los proyectos parten de “cerca”. Yo he puesto en marcha algún proyecto propio, como productora y actriz, el último Vitalicios, de Sanchis Sinisterra. Me han llamado para participar en proyectos únicamente como actriz. A veces caes de rebote en algún proyecto, otras por prueba…Muchas maneras, aunque es verdad que cada vez tengo mas impulso para hacer cosas propias, tengo mas claro que es lo que quiero contar y como lo quiero contar.
¿Cómo surgió tu participación en Verónica?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
El proyecto nace de Carlos Molinero, guionista y Ana Villa, actriz. Ellos me llamaron para participar en Verónica. Carlos escribió un texto estupendo de cuatro amigas y a mi me tocó un personaje precioso, una “hermana teresiana” con secretos…Ellos empujaron hacia delante el proyecto. Entro Gabriel Olivares en la dirección junto a Carlos, “El reló” en la producción y todo se puso en marcha. El equipo se completó y nos pusimos a trabajar.
Es una función de teatro de terror. Un genero muy común en el cine pero en teatro…estamos abriendo camino!. Hay alguna obra de terror, pero está es nueva nueva. Estamos investigando mucho sobre las técnicas y recursos para provocar miedo. Es muy parecido a la comedia, es algo muy fino, el terror como el chiste, están en algo muy técnico y en conocer bien cuando y como tienes que actuar para conseguir lo que quieres. Todo un mundo. Estoy aprendiendo mucho.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He puesto en marcha, junto con un gran equipo, una obra de Sanchis Sinisterra que se llama Vitalicios. Dirigida por Yayo Cáceres y con Ricardo Reguera y Candela Fernandez, y yo de actores. Un proyecto propio que espero que nos de muchas alegrías mas. También acabamos de terminar un poema recitado de Sylvia Plath, dirigido por Jesús Cracio en interpretado por Vicenta N´dongo, Violeta Pérez, Celia Laguna en el piano y yo. Un espectáculo muy delicado, emotivo y necesario.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Verónica, Vitalicios y un par de obras de teatro que queremos poner en marcha en breve.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está afectando mucho, sin ninguna duda. En otros países este iva es 0 o es mínimo. Eso facilita mucho las cosas. Facilita las cosas y te das cuenta de que las administraciones “cuidan” a sus actores y sienten que son necesarios. Y que las características de nuestra profesión son muy concretas y específicas.
En nuestro país, siento que hay un descuido y una falta de conocimiento de nuestra profesión por parte de la administración, enorme. Nosotros no trabajamos todos los días, ni todos los meses, a veces estamos años sin trabajar!!! Nuestra profesión es así, y en base a esas características debería configurarse las maneras para poder seguir ejerciendo nuestra profesión con dignidad y con dedicación.
Y no es pedir demasiado, es pedir que nos dejen hacer nuestro trabajo sin ponernos piedras en el camino.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Un trozo invisible de este mundo, con Juan Diego Boto. El está impresionante, y lo que cuenta es muy necesario. La escenografía de Carlos Aparicio y Mencheta es brutal. Está contado con inteligencia, talento, humor y mucho conocimiento de lo que está manejando. Un placer, emocionante. Es de estos espectáculos que te dejan “eco” para siempre.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Unirnos, unirnos y unirnos. Ahora mas que nunca los equipos son necesarios. Dentro de la escena y fuera. Dentro, para desarrollar proyectos interesante y comprometidos, donde haya diversidad de opiniones para llegar a lo bueno. Y fuera de los escenarios, para no dejar que nuestros derechos se vean pisoteados, y hagamos que nuestra profesión sea fuerte y con buena voz.
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¿Cómo surgió el Centro de Nuevos Creadores?…
Nace del sueño de ofrecerle al joven creador un espacio donde hubiese una técnica común discutible día a día y reactualizada permanentemente. Un espacio donde los actores aprendieran a crear movimientos artísticos y a generar pensamiento, concepto. Para ello, tienen que aprender a ser gestores de su trabajo y tomar contacto con la gestión de sus propios espectáculos, con la realidad actor-director-dramaturgo-público. Por eso, la presencia del teatro, tanto para la escuela como para el centro es indispensable, de ese modo, participando en el espectáculo, el alumno adquiere una visión global del fenómeno teatral. Nace también del sueño de generar movimientos artísticos intercambiando con otras disciplinas artísticas para fecundar nuevas ideas, que dinamicen el conocimiento humano a través de la experimentación.
¿Cuál es la línea de formación en estos momentos?…
Es un sistema de trabajo, por lo tanto, siempre es abierto y se reactualiza con cada nueva generación.
¿Qué balance haces…?
Hago un balance positivo y muy estimulante porque tanto el CNC como producciones Cristina Rota ha sido un estímulo y un referente para otras escuelas que se han ido creando en los últimos 30 años. Además de generar muchas generaciones de actores a lo largo de más de 30 años.
¿Es importante tener un profesores habituales…?
Lo importante es la coherencia pedagógica e ideológica de todos los profesores que conforma el Centro. De lo contrario, podríamos caer en uno de los defectos más corrientes en nuestra educación; cada disciplina quedará compartimentada obstaculizando nuestra capacidad de síntesis.
¿Os ayuda tener un espacio propio…?
Es una práctica insuperable para el joven aspirante a actor tener un teatro en su propia escuela donde poner en práctica sus conocimientos y tomar contacto con la realidad. El mundo entra en el ámbito de la escuela y la escuela sale para conocer la realidad y el fenómeno global del teatro.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Así se trabaja con mejor goce en el placer, con más alegría y motivaciones más estimulantes.
¿Qué balance harías de tus trabajos en este campo?…
Comencé a trabajar como actriz y a estudiar interpretación a los 14 años. Me siento privilegiada por haber podido trabajar como actriz y directora en más de 60 montajes.
¿Cómo surgió el proyecto de Rudolf?…
La ambición de cualquier director o actor es que su obra o su actuación lleguen al corazón del espectador. Para que esto ocurra primero tiene que conmovernos a nosotros. Por eso no hago ninguna obra que no me conmueva. Es importante para mí que la obra remueva los conflictos del alma humana y se recoja el latido social y como diría Lorca, el drama de sus gentes.
¿De qué va la obra?…
Un hombre y una mujer.
Él con mutilaciones del cuerpo por la tortura física, y del alma, por la desaparición de sus hermanas y su madre en algún campo de concentración. Realiza una investigación de rutina a una ex amante de un criminal de guerra al que intenta localizar. Durante la obra va descubriendo que los une el amor por la música y la desesperación.
Ella pertenecía a esa clase media que perdió todo en la guerra, hasta su piano, y con ello a su amada música. Por ello vive en silencio.
A los dos los une la pulsión de vida, la necesidad de amor.
Son dos náufragos que se encuentran en una isla rodeada por los sonidos hostiles de una sociedad inmisericorde, demasiado ocupada en el nuevo estado de bienestar.
El contexto de un país devastado por la guerra en plena reconstrucción. La reconstrucción implica olvidar o evitar recordar que por debajo de cada edificio nuevo hay una gota de sangre de los muertos y desaparecidos.
Es una perfecta “unidad de contrarios” pero cabe aún la pregunta; ¿El amor puede triunfar sustentado en los pilares de una indiferencia criminal?
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Intenso. Con los actores hicimos un profundo trabajo de campo. Partimos cada uno de nuestros conocimientos y nuestras vivencias para ahondar en los profundos traumas y heridas que dejaron en las víctimas las desapariciones, las torturas…tanto durante la dictadura militar argentina como durante la época de Franco. Aunque profunda y dura, la historia nos otorgó ciertos respiros gracias a su sentido del humor.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?
En los tiempos de crisis es cuando hay que ser combativo y apoyarnos en la pasión que sentimos por revelar los conflictos humanos. Entonces no hay crisis que nos detenga. Si confiamos en ello tendremos la firme convicción de la imprescindibilidad del arte.
¿Cómo ves el teatro en nuestro país?…
Luchando desesperadamente por resistir y a sus gentes intentando no caer en el desánimo. No cabe duda que cuesta ser creativo con la crisis económica y social que estamos viviendo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Una nueva producción que estrenaremos en mayo interpretada por Nur levi. “Lo que no te digo” es un monólogo donde un personaje paranoico y cómicamente obsesivo tratará de descifrar los constantes mensajes “ocultos” tras las palabras.
Además tenemos en desarrollo también un proyecto audiovisual que pretendemos rodar este mismo año. Y el reestreno en las naves del Matadero el 8 de mayo de “Un trozo invisible de este mundo”.
¿Cómo crees que está afectando el aumento del IVA y los recortes a los proyectos de teatro?…
La subida del I.V.A. ha sido terrible para todo el sector cultural, fundamentalmente para el teatro. Para muchas salas y compañías ese margen era la diferencia entre subsistir o desaparecer .
¿Qué montajes que hayas visto últimamente te han interesado?…
Últimamente me parece muy notable la oferta de calidad que la cartelera de Madrid está ofreciendo. En estos tiempos hay un surgimiento mayor de producciones creativas y arriesgadas. Lamentablemente no tengo tanto tiempo para ver todos los montajes que querría. En la programación de nuestro centro, en el CNC-Sala Mirador he podido disfrutar de producciones que me han interesado muchísimo como “El rey tuerto” de Marc Crehuet, “Perdidos en nunca jamás” dirigido por Lucía Miranda de la Compañía Crossborder, “Fuenteovejuna, Un ensayo desde la violencia” dirigido por César Barló, “Una mujer en la ventana” dirigido por Juan Margallo, “Ejecución Hipotecaria” dirigido por Adolfo Fernández… podría enumerarte muchos…
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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Me inicié trabajando en Andamio 90 en un proyecto que se llamó «Los que vienen» que eran actores y directores consagrados junto a alumnos de la escuela y contaron conmigo. Luego vino Mariana Pineda con Virginia Lago, La borra de la yerba con Mabel Manzotti y asi hasta hoy. Ya había hecho teatro vocacional en mi pueblo (Curuzú Cuatiá) desde los 15 años o asi y había estudiado previamente teatro para niños en la escuela de Hugo Midón. Como músico ya había debutado profesionalmente junto a Teresa Parodi en 1985 y asi junté ambas profesiones, (que siempre van de la mano) hasta que un día vine a hacer Imprebis a España y conocí a los Ronlaleros y nos pusimos a trabajar para hacer teatro con música en directo y humor que es lo que hasta hoy nos mantiene juntos.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Muchas veces si. En vez de trabajar como actor en cosas que no me gustaban, preferí ser taxista o trabajar en el puerto. Di clases también en unos colegios para chicos con problemas de aprendizaje y ahi aprendí cosas de las mas importantes de mi vida. Sin duda la docencia es una de las profesiones mas altas que existen. Creo que, de ser posible solo hay que hacer proyectos que lo llenen a uno para no dejar nunca de amar esta profesión. Una vez en el taxi llevé a una mujer dueña de un teatro donde trabajaba Mabel Manzotti, años despues coincidí con ella en casa de Mabel…cosas de esta vida,
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues creo que soy un tipo afortunado. Creo tambien que nunca coincide lo que has planeado con lo que luego resulta que es, pero si logramos que coincida gran parte de lo planeado con lo vivido, está todo bien. Tengo bienestar espiritual y estoy donde quiero estar y con quienes quiero estar. Que me llama Lluis Homar para que actúe con él? Pues allá iré de cabeza, pero digamos que hago mi vida y mi profesión con respeto y honestidad y creo en el trabajo como punto de partida y de llegada.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Soy bastante hiperactivo con lo cual amo estar metido en cosas que me gusten. Compongo muchas canciones para Ron Lalá y para grabar mis cds de chamamé que es la música de mi tierra. Con Ron Lalá tenemos nuesrtra dinámica de trabajo y acción y nos va bastante bien. Con los demás proyectos que aparecen, aplico la «teoría de las 3 P » y en base a eso decido si embarcarme o no.
¿Cómo surgió Vitalicios?…Háblanos de este proyecto y del proceso de creación…
Esta pregunta creo que te la podría contestar mejor alguno de los chicos, pero surge por iniciativa de los actores que a su vez se ponen en contacto con Sanchis que saca del cajón Vitalicios y bueno…aqui estamos. El proceso de creación creo que ha sido interesante y hemos aprendido mutuamente que en el fondo es de lo que se trata. Trabajamos de manera bastante diferente los actores y yo, con lo cual encontrar esa sintonía del «como» resulta apasionante siempre. Por lo demas creo que para dirigir hay que saber esperar….siempre llega mediante el trabajo aquello que hace falta.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Es fundamental, aunque no ha sido el caso de Vitalicios donde partimos con un equipo que no venía de mi mano. En Ron Lalá si que tenemos un equipo creativo que espero dure muchos años.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He grabado un cd que se llama AGUA (está en las redes), hemos montado En un lugar del Quijote en coproducción con la CNTC, he mantenido mis talleres de interpretación y dirigí Vitalicios.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Muchos…un tío mío decía que el hombre tiene la edad de sus proyectos y me encanta. El movimiento permanente. Por ahora nada de quietud y de gente sin humor.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es obvia la respuesta, pero creo que es bueno decir algo en lo que siempre insisto, La educación y la cultura no son un gasto, son una inversión en la gente que es lo mas importante que tiene un pais. Tambien quiero decir que es un momento ideal para hacer cosas, sacar fuerzas y recursos de donde se pueda, el ser humano no puede vivir sin la magia del arte.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«Un trozo invisible de este mundo». Me ha conmovido y Botto me ha parecido un actor maravilloso. No lo había visto nunca en teatro y debo decir que me ha ganado. Mas allá de mi propio exilio, económico en este caso; creo que es un espectáculo que habla de un tema delicado y sin una visión maniquea del asunto. La inmigración es imposible de detener, es como ponerle muros a un monte, somos hijos de la cruza y bienvenida sea si aprendemos a vivir con el otro, a abrirnos a su cultura y los que venimo, a vivir de lleno en el pais donde comemos y con su gente.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mi verbo preferido es HACER. Encontrar las maneras y no las excusas.
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¿Cómo surge el proyecto de El rey tuerto?…
Jordi Casanovas, director de la Sala Flyhard de Barcelona me llama un día para decirme que es fan de mi serie Pop ràpid (TV3) y que quiere que escriba un texto para su sala. Yo estaba en mitad del rodaje de la segunda temporada de la serie y me atraía la idea de cambiar de registro así que acepté enseguida. Había escrito una obra de teatro anteriormente (Connexions 2007) y me apetecía volver al formato teatral. Además la sala me pareció muy especial.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Me gusta tener los textos cerrados, tanto si se trata de guiones como de obras de teatro (es un trabajo de meses en el caso del teatro) pero siempre escucho las propuestas de los actores. El rey tuerto fue uno de los textos que más me costó escribir: era difícil encontrar el equilibrio entre la comedia y el drama. Pero una vez acabado el proceso de escritura me gusta que los actores puedan proponer ideas, a nivel de frases o gags… He tenido la suerte de trabajar con actores brillantes, apasionados y muy imaginativos. Esto hace que el montaje de la obra sea como un juego y que los actores, una vez se meten en la piel de sus respectivos personajes propongan ideas que les salen casi de forma automática. Yo las escucho y decido si pueden entrar o no, o a veces soy yo mismo quién añade cosas en función de lo que me inspiran los personajes cuando los veo «vivos» en los ensayos. El proceso de escritura es solitario y por eso cuando dirijo me gusta tener siempre en cuenta el componente lúdico que tiene esta profesión y pasarlo lo mejor posible. Aunque lo que se añaden, como he dicho son gags o alguna frase sin que varíe la esencia ni la estructura de las escenas.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Lo que tenía muy claro es que la interpretación debía ser lo más naturalista posible. El punto de partida es muy serio y no quería hacer una comedia frívola. Por eso quise huir de estridencias y buscar un tono interpretativo muy realista. Al principio la obra arranca como una comedia costumbrista, la típica comedia de una cena entre amigos. Después, a partir de que el tuerto y el policía descubren de qué se conocen, el tono se va oscureciendo y empieza a aparecer el humor negro…y el drama.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Como he comentado antes, el proceso de escritura fue más difícil. Los ensayos, en cambio fluyeron muy bien y nos reímos y emocionamos con lo que fuimos descubriendo sobre los personajes por el camino. Respecto a lo que he querido contar…Yo diría que planteo una serie de interrogantes sobre el momento de cambio que estamos viviendo. Cuando escribía me surgían muchas preguntas y quise buscar las respuestas a través de los puntos de vista de los distintos personajes. Y en última instancia, quise plantear esas mismas preguntas también al espectador. Creo que es importante hacerse preguntas, sobretodo en un momento como el que estamos viviendo en el que parece que las antiguas respuestas, que dábamos por sentadas, ya no funcionan.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Estoy muy contento con el resultado de El rey tuerto. A parte de la buena acogida que ha tenido de público y crítica, tengo que confesar que todavía me río cuando la veo (y la he visto centenares de veces). En general, con mi trabajo, siempre me pasa que al cabo del tiempo cambiaría cosas aquí y allá pero de esta obra ahora mismo no tocaría nada. Y ya hace un año que la escribí.
¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
El último que he visto fue Un trozo invisible de este mundo, de Juan Diego Botto y me pareció espectacular. Son cuentos capaces de enternecerte, hacerte reír y helarte la sangre al mismo tiempo. Y el trabajo interpretativo es muy intenso y está lleno de verdad.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Está afectando de manera muy negativa, por supuesto. No se valora suficientemente la cultura pero está claro que vivimos (todavía) en un sistema con un orden de prioridades (y valores) bastante perverso.
¿Proyectos?…
Me han encargado un par de proyectos teatrales que me hacen mucha ilusión. Y, cuando tenga un poco de tiempo, quiero dedicarme a escribir un guión de largometraje que hace mucho tiempo que tengo en la cabeza.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No desanimarse. Las historias son necesarias para vivir y ordenar la realidad. El público va a seguir queriendo escuchar relatos, en el formato que sea. Hay que seguir al pie del cañón.
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¿Cómo surge el proyecto de Hombres de 40?…
El proyecto surge de mi colaboración con el dramaturgo Eduardo Galán. Eduardo tenía en mente escribir una obra actual, que tratase conflictos y temas contemporáneos (suele hacerlo en todo su teatro) y que además entretuviera e hiciese disfrutar al público. Estaba el precedente de “La curva de la felicidad”, pero no quería una segunda parte de la curva sino un nuevo texto que, quizá, si pudiera mantener el estilo del anterior. Luego, como suele pasar en estos casos, “Hombres de 40” tomó carne y vida propia y se convirtió en una comedia autónoma sobre la superación, la esperanza y el espíritu positivo.
¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Tanto Eduardo como autor como yo como director tenemos una forma de trabajo que siempre admite y recibe con interés las ideas de todos los integrantes del equipo. La dirección marca un camino a través del texto que posteriormente los actores engrandecerán con su buen hacer y su talento. Somos creadores extremadamente dialogantes y creo que eso es muy positivo para el resultado final del espectáculo. Eso sí, con las ideas y los criterios claros y definidos. En este caso hemos contado con un excepcional elenco de actores encabezado por Roberto Álvarez que pronto exprimieron hasta la última de las posibilidades del trabajo. Los ensayos con Roberto, Diana Lázaro, Santiago Nogués y Francesc Galcerán han sido en esta puesta en escena una experiencia creativa altamente gratificante.
¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Me ha influido mucho el mundo y la estética del boxeo. La obra se desarrolla en un antiguo gimnasio de barrio. La luz, las texturas, los colores y los ambientes de este tipo de lugares crean un género en sí mismo. Desde un punto de vista más emocional, el afán de superación, la mirada positiva de la vida que supone levantarse tras recibir el golpe, la lucha y el combate como deporte han estado en todo momento en la base referencial que ha conformado la puesta en escena de esta comedia.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Ha sido un proceso intenso, atractivo y divertido en el que he intentado huir de estereotipos y crear personajes de carne y hueso a partir del texto de Eduardo Galán. El objetivo era que el espectador pudiese contemplar con una sonrisa a los personajes, sus aciertos y desmanes, pero también (esto era importante) que pudiera identificarse con determinadas facetas de todos y cada uno de ellos. Todos son reales. Con la dirección intento contar que no hay verdades absolutas, que no todo es negro ni blanco, que de nada sirve tirar la toalla y lamentarse. Y que cuando hay un verdadero problema, los pequeños conflictos con los que vivimos y damos sentido a nuestra vida se desvanecen de inmediato. Hoy más que nunca tenemos que luchar por nuestros objetivos e intentar alcanzarlos. No perdamos los ideales ni los sueños porque también (o quizá sólo) a través de ellos alcanzaremos la felicidad.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Cada trabajo me enfrenta a nuevas dificultades de cuya resolución suelo aprender. Tropiezo mucho, tanto en la vida como en el trabajo, (y quiero seguir haciéndolo porque crezco con ello) pero no suelo tropezar en dos ocasiones con lo mismo. Creo que este es mi mejor trabajo hasta el siguiente y lo creeré del siguiente hasta que llegue el próximo (estoy muy feliz de poder trabajar con pasión en lo que me apasiona).
¿Qué espectáculo has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Me han gustado mucho los dos últimos trabajos de Sergio Péris-Mencheta. “La Tempestad” y “Un trozo invisible de este mundo”.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Creo que están afectando dramáticamente y confío en que pronto se busque una solución a este grave problema para todos los que trabajamos en este sector.
¿Proyectos?…
Muchos. No puedo quejarme. Acabo de estrenar “El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega, con adaptación de Eduardo Galán en Santander. Un espectáculo coproducido por el Teatro Fernán Gómez con la colaboración del Teatro Español y el Palacio de Festivales de Cantabria. Para 2014 voy a seguir colaborando con Eduardo Galán. Si todo va bien dirigiré una Comedia de Lorenzo Píriz-Carbonell y otra de Daniel Pérez. Ernesto Caballero ha tenido la amabilidad de llamarme para dirigir un espectáculo en CDN y voy a codirigir un espectáculo con Albert Boadella en el Canal. Estoy absolutamente encantado.
Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Pues como se dice en “Hombres de 40”: Pelear, pelear y levantarnos cuando nos tiran. Vivir, tirar para adelante… “Ale hop”.
Luis Araujo nos habla del proceso de creación de Kafka enamorado y de su experiencia como autor.
¿Cómo surgió el proyecto de Kafka enamorado?…
Surgió de la coincidencia del interés en Kafka que teníamos José Pascual y yo y que contagiamos inmediatamente a Ernesto Caballero. El me había preguntado sobre qué material no dramático podría escribir una adaptación interesante y yo le hablé de la biografía de Kafka. Ernesto quería que lo dirigiera Pascual y, cuando hablamos con él, resultó que tenía mucho interés en el ensayo de Canetti que relaciona la vida amorosa y la obra de Kafka. Así que la confluencia de interés era evidente.
¿Cómo ha sido elegida para formar parte de la programación del CDN?…
La propuesta partió del propio CDN, si bien el tema lo propusimos nosotros, fue Ernesto Caballero quien nos convocó a José Pascual y amí para que hiciéramos algo juntos.
¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
El texto narra los amores de Kafka con Felice Bauer y su trasunto en la vida del autor y en su obra literaria. Cuenta cómo Kafka llegó a ser quien fue gracias a su relación con esta mujer.
José Pascual me ha pedido que participara activamente a lo largo de todo el montaje y así ha sido. Si bien yo entregué mi texto al CDN en diciembre de 2012, luego me he incorporado al equipode montaje de forma totalmente desinteresada y he participado activamente en todo el proceso.
¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
El texto plantea una serie de desafíos a la puesta convencional que Pascual ha sabido leer con mucha inteligencia. Sin embargo, preferiría no desvelar todo eso a la gente que aún no la ha visto. Creo que va a sorprender y espero que sea positivamente. Sí te puedo decir que no es una dramaturgia al uso, que los conceptos de tiempo, espacio, avance narrativo o tensión dramática juegan desde la bússqueda de nuevos parámetros y puntos de vista.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autor?…
Me siento progresivamente consolidado, no tanto en el terreno del entramado de producción, que me ignora como a casi todos los autores actuales, sino desde el punto de vista creativo y artístico. Siento –y no sé si me estaré equivocando, nunca hay que descartar tal posibilidad- que cada día escribo mejor teatro y con mayor audacia en la forma de hacerlo. Siento que voy despejando el horizonte al que me dirijo como creador. Y lo digo así, porque como profesional vivo al borde de la miseria.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Estás escribiendo algún texto ahora?…
Sería demasiado largo intentar exponer aquí todo el proceso que he seguido a lo largo de mi vida. Sí te diré que creo haber ido despojando mi dramaturgia de materiales adherentes, buscando la esencialidad y al mismo tiempo la investigación formal y estructural. Reivindico la literatura en escena y creo que la consideración generalizada de que la literatura lastra la escena es una antigualla hoy superada. Otra cosas es que hay literatura escénica y litertatura no escénica, pero la fobia generalizada a la literatura en el escenario empobrece nuestro teatro: lo banaliza.
Tengo varios proyectos en mente, pero ahora mismo estoy todavía absorbido por el montaje de “Kafka enamorado”. No me siento demasiado animado a escribir, la verdad. Me gustaría muchísimo hacerlo si fuera posible vivir de mi trabajo sin renunciar a mis criterios de calidad. Esto hoy en España es imposible.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
Pues muy preocupante. Por un lado hay una creatividad enorme que brota por todas partes y, por otro, un intento permanenete de taponar esa creatividad y cegar sus manantiales en pro de una cultura de museo. Parece que las instituciones consideran que solo es cultura lo que tiene más de un siglo. Pero la cultura escapa como el agua, si le cierras el cauce abre otro. Hasta las porterías de las casas se están convirtiendo en teatros cuando la oferta de la cartelera empieza a parecer cada vez más una vulgar parrilla de televisión.
¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Sin ninguna duda: es un auténtico atentado a la razón y a la inteligencia de nuestra sociedad, a la que, por otra parte, perjudica económicamente. Las recaudaciones bajan, los productos se simplifican, los costes se reducen, la calidad desciende… caminamos hacia la zafiedad por la acción de quienes se supone que deberían velar por nuestro bienestar y nuestra expansión espiritual y cultural.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
“Un trozo invisible de este mundo” o “La anarquista”. Son piezas vivas, hablan a la sociedad de hoy, desvelan la costra de falacia de las versiones oficiales de la realidad. El teatro debe manifestar lo invisible.
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
Sinceramente, no. Ya no sé qué más intentar. ¿Me puedes dar alguna idea tú?.
Un trozo invisible de este mundo en el Matadero de Madrid
Un trozo invisible de este mundo en el Matadero de Madrid
Este espectáculo compuesto de cinco monólogos escritos por Juan Diego Botto y dirigido por Sergio Peris-Mencheta llena el patio de butacas de risa nerviosa en muchos momentos…Esa risa que no se sabe nunca si es fruto del relajo o del horror. Se nota que el autor sabe lo que subyace en cada texto, lo que hay en la otra cara de la moneda de los mismos, gracias a ello los interpreta de manera convincente; aunque hubiera sido interesante ver a otros actores dando cuerpo a alguno de los personajes, la presencia de Botto se instala en casi todo el montaje y por momentos se contaminan unos textos de otros…es un respiro que aparezca Astrid Jones en el ecuador de la propuesta. Sergio Peris-Mencheta instala una cinta transportadora de maletas de cualquier aeropuerto para crear una metáfora escénica en la que los cuerpos son maletas y estas cobran vida e identidad. Todo el material junto genera un vértigo teatral interesante y comprometido sobre todas esas dudas que nos asaltan día a día tras leer las noticias sobre «los otros», esos que invaden «nuestro territorio» impunemente. Estas propuestas de teatro de contenido que se instala en un formato espectacular, es útil y necesario para mucho público, que de otro modo, no se acercaría a escuchar las historias de estos emigrantes sin rumbo.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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