Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena

fran¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar «Constelaciones» en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.

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Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… «Constelaciones» es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de «Los cuentos de los Hermanos Grimm».

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
«Constelaciones» es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.

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¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que «oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales». Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y «afinar al personaje» en el proceso.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama «La caja», de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg «La señorita Julia», bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; «El feo», una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama «La casa de huéspedes», escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: «Tape», que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y «Constelaciones», con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado «Secundario», un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza «Un buen día», de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de «El caballero de Olmedo» que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último «Entre Actos», una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.


Josep María Mestres nos habla de su trayectoria en el mundo del teatro.

mestres¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Empecé estudiando interpretación en distintas escuelas, de manera más o menos diletante, mientras estudiaba en la universidad. Una vez tuve el título bajo el brazo, para contentar las aspiraciones paternas, decidí que ya era hora de hacer lo que realmente me gustaba y entré en el Institut del Teatre de Barcelona. De entrada, yo quería ser actor. Casí no conozco a nadie que se haya metido en el mundo del teatro con la idea inicial de convertirse en director de escena. Le pedí a Pere Planella, un profesor al que admiraba, si me dejaba asistir a los ensayos de uno de sus espectáculos, y a partir de aquí fuí descubriendo y me fuí introduciendo en el mundo de la dirección. Y hasta aquí… Pero a menudo siento unos deseos irreprimibles de pisar el escenario y, como reprimirse no es nada bueno, siempre que puedo vuelvo a ser actor, aunque sea sólo un ratito.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Pues la verdad es que tengo que considerarme un privilegiado. Desde que empecé a trabajar en el teatro he podido subsistir, mal que bien, en él y de él. Director, actor, profesor… pero siempre en el teatro.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Háblanos de los montajes más significativos…
Me vienen a la mente dos palabras: eclecticismo y free lance. Creo que son las que mejor definirían mi trayectoria. He trabajado tanto en el teatro público como en el privado, he pasado de lo clásico a lo contemporaneo, he hecho comedia (muuucha!), farsa, drama, melodràma, tragedia… Y no ha sido algo buscado, más bien ha ido sucediendo de manera fluida. De mis primeros montajes destacaría Yvonne, princesa de Borgonya de Gombrowicz (éramos muy jóvenes, muy “locos” y muy libres) a la siguió Kràmpack de Jordi Sánchez (un espectáculo que gustó a todo el mundo)… Dakota, que fue el primer estreno de Jordi Galcerán, Klowns, un espectáculo de payasos con el recientemente fallecido Joan Montanyès en el Teatre Lliure, Unas polaroids explícitas de Mark Ravenhill, Un matrimonio de Boston de Mamet, con la Lizarán, la Vilarasau y la Marco también en el Teatro Lliure… Las variaciones Goldberg de Tabori, en Valencia, es un espectáculo que recuerdo muy especialmente. En el Teatre Nacional de Catalunya, en los últimos años, he podido montar espectáculos de grandes autores y de gran formato: Nit de Reis (Noche de Reyes) de Shakespeare, El ventall de Lady Windermere (El abanico de Lady Windermere) de Óscar Wilde, La casa dels cors trencats (La casa de los corazones rotos) de Bernard Shaw, Un mes al camp (Un mes en el campo) de Turguéniev… y tantos otros. Tengo también un especial cariño por el estreno de Purgatorio de Ariel Dorfman en el Matadero, por lo que supuso la relación con el autor, por el trabajo con Viggo Mortensen y Carme Elías… Bufff, me dejo tantas…!

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
La principal es que los profesionales: actores, directores, escenógrafos, figurinistas, iluminadores, técnicos… todos están mejor formados. Somos más y mejores profesionales. Y se ha conseguido “dignificar” cada vez más esta profesión. Desgraciadamente, en los últimos tiempos, y a causa de los recortes, la subida del IVA y la dejación de las instituciones respecto de la cultura, estamos perdiendo logros que nos había costado horrores conseguir… ¡y va a ser muy difícil recuperarlos!.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Se me hace difícil objetivarlo, porque cada caso es especial y único. A veces hay espectáculos muy deseados: por el texto, por el autor, por la gente con la te embarcas para hacerlo, y eres tu quien tira del carro para sacarlos adelante… Y otras veces te llama el director de un teatro público, una empresa privada o el grupo “x” y te propone montar un espectáculo a partir de un texto determinado. Y te puedo asegurar por experiencia que no siempre lo más “deseado” acaba siendo lo más interesante. Pero sí te puedo decir que, no importa de donde provenga la propuesta, lo más “motivador” siempre es el texto.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Absolutamente. Me encanta repetir con los actores, las actrices y los colaboradores con quienes establezco complicidades. Todo resulta mucho más fàcil. Aunque es verdad que siempre se agradece trabajar gente “nueva”. Siempre he intentado encontrar el equilibrio entre lo conocido, lo seguro y lo nuevo, el terreno inexplorado. Y así la “familia” teatral se hace cada vez más numerosa…

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Antes de “La Cortesía de España”, las últimas puestas en escena que he realizado han sido Dispara/Agafa Tresor/Repeteix (Dispara/Coge Tesoro/Repite) de Mark Ravenhill en el Teatre Lliure y Llibertat! de Santiago Rusiñol, para el Teatre Nacional de Catalunya.

Háblanos del estreno con la Compañía Nacional de Teatro Clásico…
¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Con una llamada de Helena Pimenta: “¿Quieres montar una obra de Lope con la Joven Compañía?”, a lo que respondo “¡Sí!” sin chistar. “¿Cual?”, es mi siguiente pregunta; “La Cortesía de España”, me responde Helena, e inmediatamente ambos estallamos en risas. “¡Ya verás como te gusta!” me aseguró Helena. Y efectivamente, me enamoré de la obra a la primera lectura. A partir de ahí todo fue rodado: me fuí familiarizando con la obra, con el verso de lope, con sus formas estróficas (ten en cuenta que se trataba de mi primer montaje a partir de un texto del Siglo de Oro), asistí un tiempo a los talleres de interpretación, verso, canto… que estaba realizando la compañía… A partir de aquí realicé la distribución de los personajes y… empezamos los ensayos. Yo siempre me he sentido muy cómodo con el verso, tengo la sensación de tener el camino trazado, es como circular por las vías del tren: el color, el ritmo, el tono, la respiración… todo está escrito. Sólo hay que descifrar el código y hacerse amigo del texto, aprehenderlo. Lo demás surge sólo. Por otro lado, en La Cortesía de España, Lope despliega todos sus encantos: el verso transita de lo más lírico y espiritual a lo más pragmático e, incluso, grotesco. Hay comicidad, intriga, romance… Todo con una profunda emoción y una descarada sensualidad. ¿Donde estaba escondido? ¡Hay muchos textos de Lope que esperan a ser contrastados con el público de hoy! A mi desde luego me han quedado muchas ganas de repetir.
También he tenido claro desde un principio que el proyecto tenía un componente pedagógico. Con lo cual, el resultado era el objetivo (¡importantísimo!), pero también era importante el proceso, la formación de las actrices y los actores de la compañía.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estoy trabajando en un monólogo con Mónica Glaenzel. Se trata de M.A.R.I.L.U.L.A, un texto de Lena Kitsopopulu, una joven autora griega interesantísima. Una mujer y un país en crisis. Algo muy cercano. Y también tengo algún que otro projecto que siento no poder desvelar hasta que los teatros no hagan pública su programación.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
¡Cómo les va a sentar! Pues muy mal. Y a las pruebas me remito. Por un lado los números cantan: la asistencia del público a los teatros ha descendido peligrosamente, y por otro, aunque todos hacemos esfuerzos para disimularlo o compensarlo, la producción y la factura (el aspecto…) de los espectáculos está empezando a decrecer. Ya hace tiempo que empiezan a proliferar los monólogos, los espectáculos con sólo dos actores, con escenografías sólo “insinuadas” o con cámara negra… Lo positivo es ver como la gente no deja de trabajar, de luchar aunque no sea en las condiciones óptimas…

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¿Cómo es la realidad teatral ahora en Barcelona?…
No muy distinta de la que se vive en Madrid. Por un lado, los que estamos trabajando más o menos regularmente, estamos luchando por hacer el teatro que nos gusta e intentando preservar los derechos y las condiciones de producción adquiridos a base de largo tiempo de esfuerzo y tesón. Y por otro, están surgiendo voces nuevas que luchan por encontrar donde expresarse: nuevos y muy interesantes autores, directores, actores… Hay la sensación de que se está gestando algo nuevo: nuevas formas de expresión, de producción… pese a lo dificultoso del momento.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El caballero de Olmedo de Lluís Pasqual, por la poética de Lluís, por la Machi, por el flamenco, por la persecución de la belleza…; La verdad sospechosa de Helena Pimenta, por su melancólica asertividad, por lo bien que explica la historia Helena, por proporcionar diversión a partes iguales, por mis amigos David Lorente y Marta Poveda…

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Ir a la búsqueda de lo comprometido sin dejar de ser lúdicos.

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CAROL LÓPEZ nos habla sobre su trayectoria como autora y directora

carol-0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Desde que empecé los estudios de Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, tuve la suerte de poder compatibilizarlos con trabajos en el teatro: desde auxiliar de producción, road manager y ayudante de dirección, faceta en la que estuve involucrada hasta mucho tiempo después de haber terminado los estudios.

¿Tu trabajo en el teatro y lo has compatibilizado con otros cometidos?…Háblanos de ello…
La verdad es que desde que empecé a dirigir, he tenido la suerte de poder dedicarme casi exclusivamente al teatro. Lo he compatibilizado con clases y artículos en prensa. También he dirigido una telemovie, basada en un texto mío, Hermanas.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positiva, en el sentido de que he sido muy libre en todo lo que he hecho. La parte negativa es que no se me acumulan los proyectos encima de la mesa. Pero no me quejo. Me dedico a algo que me apasiona y de momento, vamos trabajando…

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Depende. A veces, me nace a mí una idea para una historia, otras, me ofrecen una sala y una fecha de estreno y entonces me pongo a pensar, otras es un encargo que consigo hacerme mío… Me animan siempre el contar una historia y encontrar los cómplices para contarla.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Eso me parece positivo siempre, sin descartar el conocer a nuevos cómplices de viaje. Pero es cierto, que soy de las que repito con los habituales, siempre que nuestras agendas lo permiten.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
A finales de enero del año anterior, estrené Hermanas en el Teatro Maravillas, que ha estado de gira hasta ahora y en diciembre, empecé los ensayos de El viaje.
Además, imparto clases en Escac.
También me he sacado el carnet de conducir, proyecto personal largamente aplazado.

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Háblanos sobre tu puesta en escena de El viaje a ninguna parte…Del proceso…
Probablemente, es la obra más difícil a la que me he enfrentado hasta el momento, por su multiplicidad de espacios, saltos de tiempo, transiciones, diversidad de personajes…
Pero, desde el principio tuve claras dos cosas: encontrar una familia creíble y ser muy teatrales en la puesta en escena. Ha sido un proceso muy placentero, con un equipo tanto actoral como artístico, dispuestos a jugar todos a una. Y eso creo que se refleja en el resultado final.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. Hay mucho temor, menos riesgo…

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El último que he visto es El caballero de Olmedo y me fascinó la dirección. No se me ocurre otra manera mejor de montar esta función.

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¿Cómo es la situación teatral en Cataluña en estos momentos?…
Pues con el miedo del 21%, apostando por obras más claramente comerciales en las salas grandes y con pequeñas joyas que emergen el off más off, algunas de las cuales encuentran el salto a otras plataformas.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Esta es una carrera de fondo y el triunfo está en la capacidad de resistencia. El teatro, como se dice en El viaje, no morirá nunca, pero este gobierno nos está sometiendo a una agonía lenta y dolorosa.

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


Paco Azorín nos habla de sus proyectos como director y escenógrafo.

azorin¿Cómo surge el proyecto de Julio César?…
El proyecto surge hace casi ya diez años, cuando era director del
Festival Shakespeare. Siempre me interesó mucho la simplicidad de esta
obra, razón por la cual, en USA la estudian los alumnos de secundaria:
un asesinato de estado, los adeptos, los detractores y sus razones.
En esa idea de proyecto de hace diez años ya estaba Mario Gas y Sergio
Peris-Mencheta. Ha merecido la pena esperar estos diez años para poder
reunirlos en el escenario, junto con el resto del elenco y equipo
artístico que he tenido la inmensa suerte de tener.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Por supuesto. Como director soy muy permeable y entiendo el teatro
como un auténtico proceso compartido. Lo que es muy importante es que
el director trace una línea de trabajo, unas ideas previas y, como si
se tratara de un juego, marcar ciertas reglas. Una vez empezado el
juego, es decir, los ensayos, cada jugador (actor) deber tener cierta
autonomía para proponer, para jugar y para sentirse parte activa del
montaje.
El trabajo con todos ellos ha sido fácil y natural. A pesar de tener a
tres directores como actores (Gas, Peris-Mencheta y Ulloa), el proceso
ha sido delicioso, puesto que todo el equipo ha sabido entregarse al
límite de sus posibilidades.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear
el montaje?…
He partido de la palabra de Shakespeare y, en todos los momentos
delicados por los que atraviesa un proceso tan complejo como la
creación de un espectáculo, cuando se han producido, he sugerido
volver a confiar en la fuerza sísmica de la palabra en Shakespeare.

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¿Por qué haces teatro?…
Porque el teatro, la ficción teatral, es mucho más interesante que la
vida. Porque no podría vivir si no existiera esta otra dimensión, ese
lugar llamado escenario en donde pueden pasar cosas prodigiosas con
solo emitir un sonido o lanzar una mirada.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para la escena?…
No debo hacer ese balance yo sino el público, que, a fin de cuentas,
son los destinatarios de nuestro trabajo y su razón última. En todo
caso vivo cada uno de mis proyectos con auténtica pasión, entendiendo
que no son más que un paso dentro de un largo camino que nos lleva
hacia no sé bien dónde.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la
que vivimos?…
El mismo que ha tenido en los últimos veinte siglos. Espejo donde
mirarse, con todos nuestros efectos y defectos y, sobre todo,
provocador de ideas y removedor de conciencias.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al
teatro en España?…
Ha sido una medida lamentable que nunca se debió producir. A ningún
sector económico de un país se le puede subir los impuestos un 13% de
golpe. Y menos a la cultura, puesto que la cultura es una inversión,
no un gasto. Un país culto es un país más libre.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Fue una ópera, TRISTAN UND ISOLDE con dirección de Peter Sellars y
proyecciones de Bil Viola. Me pareció muy interesante y muy
arriesgado, en el sentido más positivo del adjetivo, entendiendo que
el riesgo es imprescindible para el hecho artístico.

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¿Proyectos?…
Como director: TOSCA, en el Liceu (marzo ’14), LA VOIX HUMAINE, en el
Teatro del Canal (abril ’14)
Cmo escenógrafo: EL CABALLERO DE OLMEDO, con la CNTC (febrero’14), LAS
DOS BANDOLERAS, con la CNTC (mayo’14).

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El caballero de Olmedo dirigida por Lluís Pascual en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

El genio de Lope de Vega nos legó una de las más hermosas tragedias de nuestro siglo de oro y ahora Lluis Pascual lleva a escena la versión de Francisco Rico dirigiendo a la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico-La Kompanya con la que nos presenta “El Caballero de Olmedo” de forma magistral, una puesta en escena sugerente y atractiva, con una escenografía de Paco Azorín sencilla y aparentemente simple; sillas que van conformando las distintas zonas de la escena, augurando un triste velatorio y una pantalla que muestra el devenir de los días. Los versos deliciosos se desgranan en la voz de tantos personajes; qué placer oír el verso como debe ser, como se llenan el cuerpo y el alma con su cadencia y su armonía, como todo se entiende y todo parece natural. Un elenco encabezado por la siempre brillante Carmen Machi, que está como en su casa y unos actores jóvenes que, si bien deben seguir creciendo por poner un pero, se ganan al público por su entrega y bien hacer, destacar a Pol López, ágil y simpático donde los haya, Javier Beltrán, un apasionado don Alonso, Laura Aubert, hermosa y enamorada y unos músicos Pepe Motos y Antonio Sánchez que enmarcan perfectamente con su música la propia música del texto de Lope, Una representación magnífica, con risas y emociones que me llenaron los ojos de lágrimas. El público abarrotando la sala aplaudió a rabiar y el cartel de no hay localidades para el resto de funciones… y en el oído el quejío de una voz que canta la gala de medina, la flor de Olmedo.
Ángel Savín

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Beatríz Argüello nos habla de sus experiencias para la escena

bea¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es la forma de expresividad más completa que existe. Incorpora la palabra, la música, la danza, arquitectura, escultura…E incluso las nuevas tecnologías. Es totalmente permeable y se adapta a cualquier época, por eso jamás morirá.

¿Por qué haces teatro?…
Porque es mi profesión. Es mi responsabilidad.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi trayectoria como actriz comenzó muy pronto, pues mi primer trabajo profesional fue a los veinte años en la Abadía. Después he tenido la suerte de trabajar con muchos y distintos directores en distintas instituciones y teatros privados o salas alternativas. Y cuando me he separado de mi carrera, ha sido por una elección personal así que estoy relativamente satisfecha.
Mis últimos trabajos han sido » Noche de Reyes» de Shakespeare dirigida por Eduardo Vasco en el que interpretaba a Viola, y el monólogo «4.48 Psicosis» de Sarah Kane dirigido por Carlos Aladro. Este último muy especial, pues creo que conseguimos hacer de un texto absolutamente demoledor, una pieza llena de poesía.

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¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
Eso mismo me pregunto yo.

¿Cómo surge el proyecto de Kafka Enamorado?…Háblanos de tu personaje…
El director José Pascual, (con quien trabajé en «El caballero de Olmedo» en la Compañía Nacional de Teatro Clásico), me ofreció este proyecto el cual me pareció muy interesante desde el primer momento, pues recrear la vida de alguien que ha existido, siempre resulta algo fascinante. Así es como llego a Felice Bauer, mujer de la cual Franz Kafka se enamora y que viven una relación durante cinco años. Felice es una mujer adelantada para su época (principios del siglo XX), independiente, trabajadora, una mujer de negocios que viaja por las ciudades europeas; y que conquista a Kafka por su capacidad de decisión y seguridad. A esto se suma su visión de la pareja como un compromiso, donde casarse y formar una familia es lo más normal y lógico. Y es en este punto donde encuentra la resistencia de Kafka, el cual es incapaz de asumir este tipo de vida.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Por supuesto. Ha sido un trabajo de equipo donde todos han estado muy presentes en el proceso de ensayos aportando ideas y donde los actores hemos estado muy arropados. La historia que contábamos estaba especialmente viva, pues el autor Luis Araújo estaba allí, enriqueciendo y ofreciéndonos mucha información valiosa para el proceso creativo.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Bueno, hablamos mucho sobre el papel de la mujer en aquella época. Para el personaje de Grete ( la amiga de Felice y amante de Kafka), me serví de la idea de la “femme fatale”, la mujer como perversión y devoradora del hombre. Pero en Felice, me centré en el texto y en las distintas situaciones y eso fue creando su carácter y su fisicidad.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No parto de una idea preconcebida del personaje. Llego a los ensayos lo más vacía posible y juego las situaciones a fondo. Poco a poco se irá manifestando un carácter determinado que se comporta y reacciona de una manera concreta.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es fundamental. Tiene una importancia vital en nuestra sociedad, aunque intenten hacernos creer que es prescindible. El ser humano necesita el arte para evolucionar , es el pan para nuestra alma, como decía Isadora Duncan. Una sociedad sin arte, sin teatro, está condenada a la pobreza espiritual y eso es muy peligroso.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es realmente triste que el poder, en vez de proteger su cultura como lo más valioso que tiene un pueblo, ponga dificultades y trabas para que no se desarrolle. Estamos en un momento muy complicado, donde se fomenta la alineación del ser humano, y eso es totalmente contrario a la cultura y a la educación.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues por todo lo anterior, es cuando hay que estar más despiertos y con actitudes de valentía y riesgo. La crisis trae un cambio, y casi todo cambio es bueno, pues eso significa que hay movimiento, transformación.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Ví no hace mucho unas “Bodas de sangre” de Lorca dirigido por Irina Kouberskaya en la sala Tribueñe. El trabajo que hace esta directora es espléndido, su intrepretación del texto da una nueva dimensión al texto de Lorca.

¿Proyectos?…
Estoy en un proyecto de investigación sobre la danza y el teatro. Espero que se pueda concretar en breve.

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Nicolás Fischtel nos habla de su trayectoria como iluminador escénico.

nicolas¿Cómo surge tu participación en el proyecto de Carlota?…
Es mi tercera colaboración con Mariano de Paco que me llamó para unirme al equipo creativo de Carlota.

¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Llevo 23 años iluminando espectáculos de forma profesional y cada vez estoy más enamorado de mi profesión. Me apasiona contar cosas a través de la luz.

¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
En danza:
“Adali”, coreografía de Aída Gómez
“Cupaima”, coreografía de Cecilia Gómez y dirección de Luis Olmos
“Sonatas”, coreografía de Jose Carlos Martinez para la CND
“Invisible”, coreografía de Nacho Duato para el Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo
En teatro:
“Los Cenci” de Artaud dirigida por Sonia Sebastian
“El caballero de Olmedo” de Lope de Vega dirigida por Mariano de Paco
“Amores de fábula” de Eduardo Galán, dirigida por Alejandro Aristegui
“Good night, Whitney” musical dirigido por Andreu Castro

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¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Ambas cosas. Los directores/corógrafos me piden y sugieren cosas que ellos ven en la luz y a partir de ahí yo les sugiero. Como todo trabajo en equipo la comunicación es muy importante y las ideas fluyen en ambas direcciones.

¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
En danza la música me inspira mucho el tipo de luz y en teatro, aparte del texto, es el espacio escénico el que me suele dar la primera idea.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Mis fuentes de inspiración directa son los pintores (Caravaggio, Vermeer, Hooper, Velázquez, etc) y el cine, en el caso de “Carlota” el cine negro americano. Respecto a compañeros iluminadores todos me parecen interesantes. Siempre aprendo algo de cada espectáculo que veo, la visión de la luz que cada uno tenemos es muy particular. Tengo gran admiración por la que fue mi maestra, Jennifer Tipton, que a sus 76 años aún sigue en activo y con una gran pasión por su trabajo.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Si, aunque las cosas han mejorado en los últimos años, sigue siendo una educación no reglada. Seria necesario que el Diseño de iluminación fuese una carrera universitaria independiente, no incluida dentro de otras materias como escenografia. Es una de las reivindicaciones que hacemos desde la AAI (Asociación de autores de iluminación) (www.adadi.org) , de la cual soy secretario.

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
A finales de los años 80, cuando yo estudié iluminación no había posibilidades de hacerlo en España. Por eso me fui a Londres donde estudie Diseño de iluminación en RADA (Royal Academy of Dramatic Art). Luego hice un posgrado en la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale (USA)

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
La propuesta de Jennifer Tipton para la Opera “Il postino” y la iluminación de mi compañero y amigo Eduardo Bravo para “El barbero de Sevilla”, ambos espectáculos presentados en el Teatro Real de Madrid.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si, aunque aún hay carencias, la dotación de las salas suele estar bien. Otro tema es el del personal cualificado. La crisis ha hecho que cada vez haya menos técnicos en los teatros, y que estos se encuentren bastante desatendidos.

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¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si, ha bajado la demanda y por supuesto los cachés.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Imaginación, mucha imaginación

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¿Qué proyectos tienes entre manos?.
El próximo Enero estreno en la sala Nieva del CDN “Amantes”, la versión teatral de la película homónima de Vicente Aranda, esta vez dirigida por Alvaro del Amo.

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Javier Veiga nos habla de sus experiencias en el teatro.

veiga¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es sobre todo el oficio al que decidí dedicarme hace ya más de 20 años (joder, que viejo soy), y hasta el momento lo voy consiguiendo. Hago teatro por muchas razones, pero quizás la principal es porque me hace feliz. No hay nada metafísico en ello. Es una felicidad mundana, me subo a un escenario y me siento bien, feliz, como cuando de chaval me ponían de titular en el equipo de balonmano.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Buf, yo qué sé, depende en cuanto a qué. Creo que lo más positivo es que he tenido la fortuna de trabajar en más de 20 espectáculos teatrales y en un montón de proyectos audiovisuales distintos en cine y televisión. A veces te entran momentos de flojera, de insatisfacción o hasta de ansiedad… pero el principal balance que puedo hacer es que si, cuando estaba en la Escuela de Arte Dramático, alguien me hubiese dicho: «dentro de 20 años vas a haber hecho todo esto», yo hubiese firmado con los ojos cerrados y con el culo apretado.

¿Cómo surge el proyecto de El Caballero de Olmedo?…Háblanos de la obra…

A mí el proyecto me llega directamente desde la productora, Secuencia 3. Yo estaba representando ‘Amigos hasta la Muerte’ en el Teatro Muñoz Seca de Madrid. Y el productor y el director vinieron a ver la función. En realidad venían a ver a Marta Hazas para ofrecerle el papel de Doña Inés. Pero a la salida del teatro nos tomamos un vinito con el productor(Eduardo Galán); y aprovechando el estado de confraternización etílica le dije que yo era un enamorado de esta función. A los pocos días me llamaron para ofrecerme protagonizarla y aquí estoy. Y encima pagó los vinos él!!!

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Pues la verdad es que fueron unos ensayos muy tranquilos. Tuvimos bastante tiempo para trabajar. Empezamos por el verso para intentar dar a todo una coherencia de estilo en la manera de decir. Y a partir de ahí nos pusimos en manos del señor director y a trabajar. Él tenía clara su puesta en escena y a nosotros nos tocó ir a sudar la camiseta.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Mi referente técnico es mi formación. Tuve algunos muy buenos profesores en la RESAD, que creo que es una escuela que te prepara muy bien, sobre todo para proyectos de este tipo. A partir de ahí, he seguido trabajando y, quiero suponer, perfeccionando mis recursos técnicos. Y como referente artístico no creo que haya uno concreto. El actor que soy es la suma de todos los distintos trabajos que he hecho y que he visto; y cada vez que te vuelves a subir a un escenario, te subes con la suma de todo lo anterior.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No sé si se puede llamar método. Me leo el texto 1.500 veces, normalmente nunca tengo que estudiar, me lo acabo aprendiendo de tanto leerlo. Luego pienso en el personaje compulsivamente, en la cama, en el desayuno, en el metro, mientras me habla mi cuñado… y voy apuntando cosas en papelitos que luego suelo perder. Y luego voy al ensayo preguntándome de cuánto habrá servido todo ese trabajo anterior. Y finalmente me limito a un método absolutamente revolucionario: Repetir y repetir hasta que me salga bien.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que los teatreros hemos sido un poco pretenciosos respondiendo a esta pregunta. Hasta el límite en el que hemos perdido cualquier capacidad movilizadora porque nos hemos vuelto endogámicos y autocomplacientes. El resultado es que una gran parte del público nos ha dado la espalda. Y la mayoría de la otra gran parte tienen descuento en taquilla porque hace años que peinan canas. Creo que la primera función del teatro debe ser interesar a su público. Un espectáculo sólo tiene sentido si hay espectadores dispuestos a escuchar. Lo demás es onanismo y vanidad. Y una vez que volvamos a interesar a nuestro público, allá cada uno con las ideas que quiera y tenga talento para transmitir.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que es una canallada impresentable. Es una tomadura de pelo que el estado nos deje de facilitar el acceso a la cultura y a la vez nos suban los impuestos. Si me acribillas con estas tasas, el estado tiene que garantizar el acceso del ciudadano a los productos culturales. Y si quieren un sistema liberal, estupendo, que nos quiten los impuestos, y que dejen la cultura en manos de la sociedad civil, yo encantado. Me fío más, a pesar de todo, de la gestión privada que de la gestión pública. Pero no hacer ni una cosa ni la otra, es una estafa.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Yo lo que creo es que no podemos seguir trabajando en cualquier tipo de condiciones. Creo que no podemos ofrecer al público espectáculos gratuitos o a precios ridículos sólo porque preferimos subirnos a un escenario gratis que quedarnos en casa. Eso sólo conduce al amateurismo de esta profesión. Y por ese camino vamos directos al: -«¿A qué te dedicas» -«soy actor» -«ya, ya, ¿pero a qué te dedicas?»… Pero esto daría para un largo debate, y seguramente muchos de mis compañeros no estarían de acuerdo conmigo.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Este verano estuve en el Festival de Almagro, actuando y como espectador. Y tuve la suerte de ver ‘Siglo de Oro, Siglo de Ahora’ de Ron Lalá. Una auténtica fiesta teatral. Creo que este grupo, con Yayo Cáceres a la cabeza, es uno de los proyectos más interesantes que hay el panorama teatral actual. Una propuesta de teatralidad, lejos del micronaturalismo que se extiende como una peste por los escenarios.

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¿Proyectos?…
Por lo pronto 5 semanas en el Fernán Gómez con El Caballero de Olmedo. A finales de año espero que se estrene en Barcelona la versión catalana de ‘Amigos hasta la Muerte’. Y acabo de terminar de escribir un nuevo texto que espero estrenar a principios del próximo año.

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Entrevista a la dirección del Festival de Olmedo

olmedoBalance de la edición de este año…
Un balance positivo con siete mil espectadores que han pasado por el VIII Festival de Teatro Clásico en la Villa del Caballero, Olmedo Clásico, que se ha desarrollado este año del 19 al 28 julio. En él se acogieron diez espectáculos –a cargo de diez compañías en la sección para adultos, más dos propuestas en Olmedo Clásico en familia, el Congreso Internacional El patrimonio del teatro clásico español: actualidad y perspectivas, el VIII Curso de Análisis e Interpretación para Actores «Fernando Urdiales», así como dos exposiciones fotográficas a cargo de Pío Baruque Fotógrafos y Luis Laforga. Una ocupación media del 80% de los espacios, (349 espectadores en C.A.E. San Pedro y de 860 butacas para la Corrala), y con cuatros días con el aforo casi completo con las obras “Julio César”, “La dama duende”, “El caballero de Olmedo” y “El Lazarillo”.

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Háblanos de la programación…
Olmedo Clásico programa espectáculos de autores del Siglo de Oro español y sus contemporáneos europeos. Las propuestas deben ofrecer calidad, preferiblemente se programan textos que no se han programado en ediciones anteriores, y se muestran compañías de todo el territorio nacional.

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¿Habéis hecho alguna estrategia para acercar público al Festival de Olmedo?…
Olmedo cuenta con 3.897 habitantes. El festival reúne anualmente a 6000 espectadores y una ocupación del 80 %. Público general: Edad recomendad a partir de los 12 años. La procedencia de núcleos urbanos y rurales. Las obras compresibles con diferentes niveles sociales y de estudios. Público familiar en Olmedo Clásico en Familia. El Congreso dirigido a estudiantes de humanidades, arte dramático o gestión cultural.
En cuanto a la captación de públicos existen descuentos y abonos para todos los públicos. El público juvenil, tiene descuento con carné joven. Público familiar con propuestas infantiles a precios reducidos. Las jornadas de teatro funcionan como escuela de espectadores y unen a filólogos, actores y directores con el público. Hay rutas en la provincia para la asistencia a los espectáculos. La venta online permite el fácil acceso a la compra. El impacto son los altos niveles de ocupación y retorno de espectadores cada año.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro en la sociedad en que vivimos?…
Tienen que ser entretenimiento y además debe de funcionar como un transmisor de cultura.

¿Ha afectado mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la edición del este año?…
En nuestro caso no ha sido así, el festival ha recibido una importante ayuda económica del Ministerio de Cultura que le ha permitido realizar una programación con bastante antelación, pues se conocía la ayuda desde finales del 2012, lo que ha permitido conocer el presupuesto y trabajar con bastante facilidad para la programación del año 2013.

Fuera del Festival…¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues acabo de llegar de la Feria de Teatro de Castilla y León, en Ciudad Rodrigo, y he visto bastantes obras, debo reposarlas un poco para poder analizar cuál de ellas pueden ser programadas para el año 2014.

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¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creyendo en el público, y escucharles más, no olvidar que todo se hace por y para ellos, y agradecerles que cada año apuesten por las actividades que se programan en Olmedo Clásico.

¿Proyectos?…
Establecer una red de comunicación entre los diferentes festivales que programan teatro clásico en España, para unir esfuerzos, sobre todo de cara a la contratación de compañías internacionales.

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Consagrados y debutantes en Microteatro Por Dinero

Mientras sigan proponiendo, profesionales de la escena de reconocido prestigio como Eusebio Poncela, Chevi Muraday, Miguel Hermoso o Luis Sánchez-Polack, pellizcos de ficción en el local de Microteatro, no dejará de haber interés por acercarse a su recoleto lugar para seguir sumergiéndonos en las historias que nos hagan volar la imaginación sentados en una banqueta. Este mes tenía como tema: Por los sentidos y la programación general se componía de varias propuestas: Contrarios comunes, Sopa, Romance Bizarro, Como Dios y Azotes. Estas pequeñas joyas se pueden disfrutar de miércoles a domingo hasta el 2 de junio. El equipo de Microteatro es inquieto y además de estar preparando una experiencia de teatro clásico que se podrá ver en el Festival de Almagro de este año sobre El caballero de Olmedo, han dedicado los martes de la semana a presentar propuestas que han llamado DEBÚ…un espacio en el que se vaya creando la cantera de autores, actores y directores que se curtan en el lenguaje del micro teatro, para que sigan surgiendo profesionales que mantengan este espíritu vivo. En la última pieza que vi en los martes debú: Photocall en tu cama, una actriz, integrada en la acción, traducía la representación al lenguaje de signos a un grupo de espectadores sordos; emocionante iniciativa.
Adolfo Simón

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Mariano de Paco nos habla de sus proyectos como director de escena

marianodepaco¿Cómo surge el proyecto de Hombres de 40?…
El proyecto surge de mi colaboración con el dramaturgo Eduardo Galán. Eduardo tenía en mente escribir una obra actual, que tratase conflictos y temas contemporáneos (suele hacerlo en todo su teatro) y que además entretuviera e hiciese disfrutar al público. Estaba el precedente de “La curva de la felicidad”, pero no quería una segunda parte de la curva sino un nuevo texto que, quizá, si pudiera mantener el estilo del anterior. Luego, como suele pasar en estos casos, “Hombres de 40” tomó carne y vida propia y se convirtió en una comedia autónoma sobre la superación, la esperanza y el espíritu positivo.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Tanto Eduardo como autor como yo como director tenemos una forma de trabajo que siempre admite y recibe con interés las ideas de todos los integrantes del equipo. La dirección marca un camino a través del texto que posteriormente los actores engrandecerán con su buen hacer y su talento. Somos creadores extremadamente dialogantes y creo que eso es muy positivo para el resultado final del espectáculo. Eso sí, con las ideas y los criterios claros y definidos. En este caso hemos contado con un excepcional elenco de actores encabezado por Roberto Álvarez que pronto exprimieron hasta la última de las posibilidades del trabajo. Los ensayos con Roberto, Diana Lázaro, Santiago Nogués y Francesc Galcerán han sido en esta puesta en escena una experiencia creativa altamente gratificante.

¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Me ha influido mucho el mundo y la estética del boxeo. La obra se desarrolla en un antiguo gimnasio de barrio. La luz, las texturas, los colores y los ambientes de este tipo de lugares crean un género en sí mismo. Desde un punto de vista más emocional, el afán de superación, la mirada positiva de la vida que supone levantarse tras recibir el golpe, la lucha y el combate como deporte han estado en todo momento en la base referencial que ha conformado la puesta en escena de esta comedia.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Ha sido un proceso intenso, atractivo y divertido en el que he intentado huir de estereotipos y crear personajes de carne y hueso a partir del texto de Eduardo Galán. El objetivo era que el espectador pudiese contemplar con una sonrisa a los personajes, sus aciertos y desmanes, pero también (esto era importante) que pudiera identificarse con determinadas facetas de todos y cada uno de ellos. Todos son reales. Con la dirección intento contar que no hay verdades absolutas, que no todo es negro ni blanco, que de nada sirve tirar la toalla y lamentarse. Y que cuando hay un verdadero problema, los pequeños conflictos con los que vivimos y damos sentido a nuestra vida se desvanecen de inmediato. Hoy más que nunca tenemos que luchar por nuestros objetivos e intentar alcanzarlos. No perdamos los ideales ni los sueños porque también (o quizá sólo) a través de ellos alcanzaremos la felicidad.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Cada trabajo me enfrenta a nuevas dificultades de cuya resolución suelo aprender. Tropiezo mucho, tanto en la vida como en el trabajo, (y quiero seguir haciéndolo porque crezco con ello) pero no suelo tropezar en dos ocasiones con lo mismo. Creo que este es mi mejor trabajo hasta el siguiente y lo creeré del siguiente hasta que llegue el próximo (estoy muy feliz de poder trabajar con pasión en lo que me apasiona).

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¿Qué espectáculo has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Me han gustado mucho los dos últimos trabajos de Sergio Péris-Mencheta. “La Tempestad” y “Un trozo invisible de este mundo”.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Creo que están afectando dramáticamente y confío en que pronto se busque una solución a este grave problema para todos los que trabajamos en este sector.

¿Proyectos?…
Muchos. No puedo quejarme. Acabo de estrenar “El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega, con adaptación de Eduardo Galán en Santander. Un espectáculo coproducido por el Teatro Fernán Gómez con la colaboración del Teatro Español y el Palacio de Festivales de Cantabria. Para 2014 voy a seguir colaborando con Eduardo Galán. Si todo va bien dirigiré una Comedia de Lorenzo Píriz-Carbonell y otra de Daniel Pérez. Ernesto Caballero ha tenido la amabilidad de llamarme para dirigir un espectáculo en CDN y voy a codirigir un espectáculo con Albert Boadella en el Canal. Estoy absolutamente encantado.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Pues como se dice en “Hombres de 40”: Pelear, pelear y levantarnos cuando nos tiran. Vivir, tirar para adelante… “Ale hop”.

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