Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Gloria López: Para mí el teatro ha sido una forma de relacionarme con el mundo

gloriaCómo fueron tus inicios en el teatro?…
Comence con 8 años en el colegio… escribia obras que luego dirigia e interpretaba con mis compañeros de clase…donde estudiaba habia dramatizacion, con 14 años descubri una sensacion extraña, unica , que solo me podia brindar la interpretacion.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mi el teatro ha sido una forma de relacionarme con el mundo, con mi entorno, ha sido y es una forma de vida, de descarga, de placer, de comunicacion de mi ser, de tocar un lugar a medio camino entre la conciencia y un lugar que no sabria como llamarlo.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Mi trayectoria me ha dado la oportunidad de trabajar con directores como Miguel Narros, George Tabori, Emilio Hernandez, Juan Pastor, Calixto Bieito, Alvaro Lavin, Daniel Veronese….y de formar mi propia compañia junto a May Pascual hace diez años. Los personajes que he podido interpretar han sido un descubrimiento, una sorpresa un chute de energia de vida, un juego teatral , un reto de creatividad donde he disfrutado muchisimo.

¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Ha cambiado ? El teatro sigue dividido entre el teatro comercial mas parecido a la television, por otro lado el teatro que emociona y el publico se olvida de estar en la butaca y esta tambien el teatro que busca hacer “algo trasgresor, distinto” y muchas veces solo se queda en el camino del narcisismo, otras veces nos deja con la boca abierta. Ese es su riesgo.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
En Barcelona, con la funcion “Cena con amigos” una chica dijo“ es la primera vez que lloro en el teatro”. El teatro para crear vinculo con el espectador necesita de la emocion, tocar , acariciar, golpear, sacudir, el trabajo intelectual no produce ningun movimiento si no va acompañado de la emocion.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
De Gira con “Cena con amigos” por distintos lugares de España, siendo premiada en el Festival Nacional de Haro, junto a May Pascual como mejor actriz, y mejor direccion Daniel Veronese, tambien he participado en una pelicula, “Toro” junto a Luis Tosar y Jose Sacristan que se estrenara proximamente y pequeñas intervenciones en series de Television.

Cómo surgió “Cena con amigos”…?…Háblanos de este trabajo…
Cuando estabamos de gira con “La reina de belleza de leenane” el anterior espectaculo, en Uruguay, conoci a una directora que me hablo de esta funcion, inedita en España. La lei y hable con Veronese con el que llevabamos años hablando de ver si podiamos hacer algo juntos. Dijo que si y la aventura comenzó. La profundidad y la intensidad que Daniel ha dado a la obra ha sido decisivo para el resultado de la funcion. Daniel potencia lo que cada actor da, entra dentro de la persona y consigue que aporte lo mas personal y unico de si mismo.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los huelo, del derecho y del reves por delante y por detras, los huelo y dejo volar la intuicion, dejo que me toquen, el personaje sale de mi, un actor como decia Philippe Gaulier no puede ser mas que su alma. El personaje sale del actor, de lo que es.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…Mal obviamente…

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Un monologo sobre abusos.. impresionante…escrito por la misma actriz…me enamore de ella, llore, no me movi, tenia magia… pocas veces ocurre algo asi. Ojala pueda contar con ella en la siguiente produccion…

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¿Proyectos?… Terminamos “ Cena con amigos” en el 2016 y nos pondremos manos a la obra en la preparacion del siguiente espectaculo para el 2017… Lo siento! No se revela el titulo!.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Daniel Veronese comenzó en una casa abandonada haciendo sus espectaculos de forma gratuita en Buenos Aires, a la tercera semana las colas daban la vuelta a la manzana…NECESIDAD DE CREAR.


Marcial Álvarez: Estoy orgulloso de haber aprendido un oficio

marcial¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Todo comenzó cuando en el instituto de bachillerato un profesor
me convenció para que participara en las obras que se estaban ensayando , y ¡madre mía!!!! aquel mundo de disfraces, maquillajes, decorados, ensayos, literatura, toda esa artesanía me fascinó, me divertía y me ponía en contacto con la cultura, con el arte, con quince añitos, así que hacíamos de todo, todo el día, maravilloso, me puso en un camino que me interesó. Luego he hecho muchas cosas dentro y fuera de esto, pero lo que más, interpretar personajes.

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¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque no se me da mal hacerlo, e incluso diría que bien, eso dicen. Aunque algunas veces me gustaría ganarme la vida con otra cosa, eh. No es fácil, es un oficio precioso pero también angustioso y muy absorvente. Pero así es el amor, si te llama, acude y lucha por él. Y por diversas razones, me gustan las fiestas, me gustan los amigos, me gustan las ganas de vivir, me gustan los viajes, me gusta la pasión y la seducción, no me gusta la comodidad, no me gusta la ignorancia, si la inocencia, me gusta ser otro, me gusta ser yo, vivo en el arte y en la creatividad, todo esto y más conlleva la gran fiesta del teatro. Y no puedo evitarlo.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Me han pasado vital y profesionalmente cosas preciosas, y otras no tanto. De las malas no me acuerdo, pero sí que las he tenido muy en cuenta para provecho de mi oficio. Sobre todo estoy orgulloso de haber aprendido un oficio, como me inculcó mi padre, como me apoyó mi madre. Y ahora poderlo compartir y desarrollarlo.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para la de hoy y para la de siempre, hacer mejores a las personas. Embellecernos el alma. Incomodarnos. Hacernos mas fuertes. Reír más.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Ahora ando con la gira de «Pluto» de Aristófanes que se estrenó el año pasado en el Festival de Mérida y a finales de marzo entraremos en el Teatro de La Latina. Una puesta en escena semi musical del clásico sobre el reparto de la riqueza y la corrupción. El gran Gurruchaga al frente. He grabado en dos series de televisión. He participado en el espectáculo Femenino singular, que anda dando vueltas por España. Va de actrices madres y padres. Un corto con Belén Rueda aún por estrenar. También va de mujeres maltratadas.

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje que se ha estrenado en La Pensión de las pulgas?…Háblanos de este trabajo…
«La balsa de la Medusa», Por Antonio Escribano, autor de la función,y compañero actor en los dos últimos montajes que dirigió Miguel Narros. Me lo ofreció, lo leí y me encantó, me recordó a Becket, y sin prueba ni nada, jeje, me aceptó. Un proyecto humilde, del que estoy muy orgulloso, y en el que he hecho un viaje maravilloso con unos compañeros llenos de sensibilidad e inteligencia.Y como no, nos ha salido muy bien. Cuenta el recorrido emocional y físico de seis personajes que se quedan encerrados en una habitación y que aún con la puerta abierta no pueden salir. Trata sobre el miedo y el rechazo a lo nuevo, a lo distinto, a los cambios, a lo diferente, de la pérdida de la máscara social, de la posición social, del poder, del ego, de la avaricia, de la pereza y la inmovilidad, de la lucha de clases, de lo más primitivo del ser humano, de su vulnerabilidad, de sus pasiones, de la supervivencia, de su deriva en una balsa que hace aguas. Mi personaje es el capitán del barco, el señor de la casa, «burguesito» cirujano plástico, poderoso anfitrión que ante las dificultades y el naufragio se acobarda, cae de su pedestal y surge su animalidad y sus peores vicios. Vamos, unos encantos de personas.
Y todo armado con una dramaturgia, una dirección y unas interpretaciones exquisitas, y a escasos centímetros del público de la Pensión de las Pulgas!!!!!! Que más se puede pedir!!!!! Duro el asunto pero también te ríes, eh.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No, no tengo un método específico. Voy con la historia, con lo queremos contar, asumo el rol que me toca encarnar y con retales de aquí y de allí, con referencias de la vida o elaboradas, pelis, música, pintura. Voy trazando al personaje, su viaje emocional e intelectual, defendiéndole con uñas y dientes, echándole ingredientes y pintándole detalles, integrándole en mi fisicidad y mi voz, y a jugar, lo hago mío, para que sea creíble, para que sea espectáculo. O eso intento. Me aprendo bien el texto y la partitura, y me concentro en no aburrir al personal. Algo así…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues muy mal. Es cuestión de sensibilidades. El que nunca es sensible al teatro y a la cultura, el que no le da importancia como pilar fundamental para la educación y el desarrollo de una sociedad, el que piense que todo tiene que ser rentable, pues nunca lo podrá defender, sea cual sea su cometido. He oido que quieren suprimir en los colegios la asignatura de Naturales y alguna otra, y volver a hacer rezar a los niños, ¿es cierto? ¡Que fuerte!!!!.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lo último que he visto ha sido Las amistades peligrosas en el Matadero de Madrid, dirigido por Darío Facal. Me encantó. Una puesta en escena arriesgada y divertida, unas interpretaciones llenas de arte y un vestuario exquisito. No me acordé de la peli. Y me gustó mucho que se basara totalmente en el formato original epistolar, poniéndolo en boca de los personajes.

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¿Proyectos?…
La reina de la belleza, de Martin McDonagh, dirigida por Gerardo Vera, y con Terele Pávez. ¡Casi na!.
Y un corto con Benito Zambrano.

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Diana Palazón: El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos

palazon¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Con el Burgués Gentilhombre de Moliere, con la compañía Teatre Micalet, en Valencia, cuando tenía 18 años…

¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
No, siempre me he dedicado a esto.

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¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es el espejo donde nos miramos los seres humanos, donde nos reconocemos. Tanto los que estamos en escena como los que vienen a mirar, aunque más bien vienen a compartir…

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¿Por qué haces teatro?…
Me cura, me da felicidad, me hace conocerme, me muestra lo peor y lo mejor de mi. Comparto lo que vivo en cada momento, sin normas sociales, sin límites, sin juicio. Es un acto de amor hacia mi misma. De honestidad.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Aún es pronto para hacer balance.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La que siempre tuvo. La de conectarnos con lo divino, con nuestra alma, con nuestros pensamientos. Masajear las emociones, poner en duda lo establecido, de uno mismo y de sociedad. Comunicarnos. Dar forma a lo abstracto.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Estos últimos 2 años han sido tres montajes teatrales: La Dama Duende, el que fue el último montaje de Miguel Narros. Los Miércoles no Existen, primer montaje teatral de Peris Romano y Héroes, de Antonio Hernandez Centeno, que representamos ahora en La Pensión de las Pulgas. Y varias colaboraciones en televisión: La que se avecina, El Don de Alba, Sin Identidad.

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Héroes?… Antonio y yo somos amigos y nos apetecía volver a trabajar juntos. Esta es nuestra tercera vez. Háblanos de este trabajo…Es un trabajo de mucha intimidad, de mostrar la soledad y el conflicto que no nos deja amarnos a nosotros mismos, a los otros, porque son diferentes, porque pensamos distinto. Por las heréncias. Por las cargas, por los odios antiguos arrastrados durante generaciones.

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¿Cómo creas tus personajes?…
Con análisis profundo del texto, con acercamientos a lo personal para tender un puente hacia el personaje, con referencias, con improvisación, y sobre todo con el otro.

¿Tienes un método?… Utilizo herramientas de método, pero no soy nada ortodoxa. También uso mucho mi instinto.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Completamente. Es abusivo, injusto y sin sentido. No se valora la cultura como tal. No se le da el sitio que merece. La cultura es un derecho, no un lujo.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
El Misántropo, Lluvia Constante, Insolación.

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¿Por qué?…
La magnífica dirección de las tres, el texto, los actores con una verdad y una generosidad abrumadora. Son piezas muy diferentes y con un trabajo lleno de amor, de dedicación, de profesionalidad. De las que remueven los cimientos de la conciencia.

¿Proyectos?…
Haberlos, «haylos». Nada de hablar antes de tiempo.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Solo se puede seguir con amor y paciencia. Y con Valentía de proponer nuevas formas, nuevas estructuras. Hasta que volvamos a encontrar un equilibrio entre lo que se da y lo que se recibe…Y ahora hablo de lo puramente material.


«Siente el vestuario del Ballet Nacional de España»

siente el vestuario 2Celebrar el día Internacional de la Danza a través de un desfile con muestras del vestuario histórico del BNE es una idea brillante. Una idea defendida por Antonio Najarro, su actual director, y una idea que nos demuestra que la «marca España» puede conjugar disciplinas de una manera soberbia.

 

Hemos podido apreciar 130 trajes de una selección de piezas representativas y emblemáticas de coreografías del BNE creadas por Karinsca, Pedro Moreno, José Granero, Miguel Narros, Sonia Grande, Nicolas Vaudelet y el propio Najarro, entre otros.

Disfrutar en primera fila de las creaciones e ballets como «Paso a Cuatro», «Grito», «Bolero», «Ángeles caídos» o «Suite Sevilla» en el entorno de Matadero Madrid es un auténtico lujo. Porque en la danza los volúmenes y texturas del vestuario son importantes para conseguir transmitir el movimiento del bailarín, porque los bailarines se tienen que sentir a gusto con su vestuario y porque el vestuario puede realzar y optimizar completamente una coreografía.

 

«Vestir a mis bailarines es también vestir mi coreografía y conozco perfectamente lo que quiero para el vestuario para que se realce del movimiento. Me introduje en ese mundo y ahora hago los diseños de vestuario en algunas ocasiones», ha afirmado Najarro.

Si al desfile se le añade la maestría de treinta bailarines del BNE que, aparte de modelar, transmitían el espíritu de la Danza española se le pone la guinda al pastel…

Luis Mª García Grande.

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Francisco Vidal nos habla de su larga trayectoria como actor y director

vidal¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el Teatro Universitario a los 17 años. Gané un premio de interpretación y se marcó mi destino. A los 18 comencé a trabajar con Miguel Narros y William Layton como profesores. Y a los 24 estrenamos “El proceso por lasombra de un burro” de Durretmatt, dirigida por José Carlos Plaza. En 1991 abordé también la dirección con “La isla” de Athol Fuggard. Fué motivado por un bache como actor y ya llevo más de 30 obras. Me apasionan las dos cosas por igual. Pero cuando soy actor me olvido por completo que soy director y me mantengo muy disciplinado.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria como actor, director y pedagogo?…
Ha sido un camino largo y bueno. He tenido la suerte de trabajar mucho y casi siempre en cosas interesantes. He estado siempre aprendiendo y oyendo a muchos a los que admiro. Y poniendo en duda muchas cosas para cambiarlas o reafirmarme. Y en el camino estoy, sigo haciéndolo. Tratando tambien de transmitir mis experiencias…y mis dudas a las generaciones más jóvenes.

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¿Qué diferencia hay para tí del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?
Había mucho trabajo. El público estaba preocupado por la cultura. Por la última obra, por el último libro, la última película. Pero a los jóvenes les costaba mucho entrar en la rueda profesional. Sin embargo hoy se encuentran mejor preparados, son más responsables y buscan la excelencia. En cuanto a directores teníamos a José Luis Alonso, Miguel Narros, Adolfo Marsillach… Y productores con ánimo de riesgo. Estábamos al día de las obras más importantes internacionalmente. Y había muchos autores españoles que estrenaban. Lo peor era la censura, pero se intentaba pasar por encima. Hoy los autores estrenan poco, salvo alguna figura, salvo en las salas alternativas, y el riesgo está limitado a ellas que alimentan los deseos de un teatro distinto.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que teembarcas? ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Pueden surgir por muchas razones. Sobre todo por mi creencia de la obra, poque despierte mi emoción o mi humor, o las dos cosas unidas, porque el estilo que más me gusta es la tragicomedia. Porque sea actual, o despierten cosas actuales, pues el teatro como museo no me atrae. Sigo con el equipo posible y la posible financiación. Muy complejo.

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¿Cómo surgió tu participación en Napoles millonaria?…
Siempre he sido un gran admirador de Eduardo de Filippo.Cuando cayó en mis manos la obra me impactó y me divirtió, y desgraciadamente, era muy actual. Había un problema, once actores. Pero no podemos dejar de conocer obras importantes por la extensión de su reparto. Lo más dificil fué conseguir su estilo. Y el trabajo con los actores fué muy gratificante.

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¿En qué proyectos has participado en el último año?…
He participado en TV. Pero en teatro ningún otro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
He acabado de montar una obra sobre la memoria histórica:
“El valle de los cautivos”. Otra vez con el Teatro del Laberinto, que irá a principios de temporada. Es de un autor nuevo, Pedro Martín Cedillo. Magnífico y con mucha magia. Va a sorprender. También preparo “El zoo de Cristal” de Tennesee Williams para el productor Eduardo Galán y “En manos del enemigo” de José Luis Alonso de Santos para Enrique Salaberría. Tambien me interesa una obra de Noel Coward, “La vida manda”.

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¿Qué obra te hubiera gustado hacer y no pudíste?…
Hay muchas: Rey Lear, Los bandidos, los últimos Arniches; aunque hice “El Sr. Badanas” y miles más. Mi ideal sería que me tocase la lotería y producir 10 obras al año, 5 de las grandes obras internacionales y 5 de autores contemporaneos españoles. Pero me temo que me voy a quedar con las ganas.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. A los proyectos del teatro? Sobre todo a que hay que ir sobre seguro. No caben riesgos. Si el teatro es un negocio limitado, a no ser que tengas un enorme éxito, ahora no hay casi salida.

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¿Qué montaje que hayas visto ultimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
“Ahora empiezan las vacaciones” de Strindberg, en La casa de la portera. Por la versión de Paco Bezerra, llena de inteligencia; por su dirección y sus actores. “El duelo” de Chejov, por una compañía procedente de Rusia, por su manejo de la teatralidad y el espacio…Dirección y actores. Y ayer mismo “Dionisio Ridruejo” por la complejidad de la obra de Ignacio Amestoy, que nos habla de una manera adulta, por la dirección de Juan Carlos Perez de la Fuente, su escenografía y expresividad teatralidad y mucho, mucho por los actores. El director de Strindberg es Luis Luque. No nombro a los actores porque son muchos y muy buenos. Todos estan magnificos y se puede ver por Internet.

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¿Alguna sugerencia para seguircreando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hay que seguir haciendo teatro donde sea y como sea. El público se lo merece y nos necesita. Y nosotros no sabemos vivir sin él.

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Víctor Velasco nos habla de su trayectoria como director de escena

victo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Mi afición por el teatro se desarrolló a partir de mi interés por el cine. Yo era un auténtico devorador de películas. De la misma manera que otras generaciones han desarrollado una gran fascinación por el cine, creo que la mía, o al menos yo, ha desarrollado una análoga, por unos locales a pie de calle llenos de estanterías repletas de cintas que conociamos como videoclubs. Benditos videoclubs.Yo, de mayor, quería dedicarme al cine y para conseguirlo, me apunté a un taller de teatro del centro cultural de mi barrio. Benditos centros culturales de barrio. Y desde entonces, mi interés por el cine ha quedado eclipsado por mi pasión por el teatro. Empecé haciendo algún curso y taller de interpretación, hasta que en COU, sin saber qué hacer o qué estudiar, me enteré de la existencia de la escuela de arte dramático. Así que me presenté a las pruebas de acceso de la RESAD para la especialidad de dirección, y me admitieron. A los pocos meses de licenciarme, tuve la gran suerte de entrar a trabajar como segundo ayudante de dirección con Miguel Narros, en la compañía de Andrea D’Odorico. En dicha compañía también trabajé de regidor, de sonidista y como coordinador técnico de la gira. Esos años me permitieron conocer aspectos de la profesión que no había aprendido en la escuela.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí. Por desgracia, en nuestra sociedad ganarse la vida es una tarea muy complicada. Más todavía si se pretende hacer con aquello que a uno le gusta y para lo que has estudiado. Parece hecho aposta. Y conseguirlo se convierte en un auténtico milagro. Pero no me arrepiento. En mi caso, alejarme del ámbito teatral de vez en cuando ha resultado ser un acicate para querer seguir vinculado a él. También dentro de la profesión teatral he trabajado en diferentes puestos. Y estoy orgulloso de todos y cada uno de esos trabajos.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muy distintas maneras. Algunos de proposiciones de conocidos, o incluso de desconocidos. Otras, de mi propia voluntad, de la recurrencia de algún texto, o idea en la cabeza. Me alegro de haberme vinculado a proyectos en los que la ilusión de un grupo determinado fuera el motor principal. Pero hasta el momento, he tenido la suerte de no tener que decir que no a ningún proyecto que me hayan propuesto. Digamos que he alternado mis proyectos personales con otros a los que he sido invitado a participar.

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¿Cómo surgió tu participación en el Laboratorio del CDN?…Háblanos de él…
Como integrante del laboratorio Rivas Cheriff sólo puedo tener palabras de elogio hacia esta valiosa iniciativa. Creo que su objetivo es el de generar un espacio de diálogo y creación para que los profesionales más jóvenes puedan desarrollarse. El laboratorio lo componen creadores de todas las ramas teatrales (dramaturgia, escenografía, vestuario, iluminación, audiovisuales), y es un complemento perfecto a “La vía del actor”. El espectáculo que vamos a estrenar, Las horas contadas y La corrupción al alcance de todos de José Ricardo Morales es un buen ejemplo del funcionamiento del laboratorio: Este espectáculo está integrado en su totalidad por profesionales vinculados a dicho laboratorio y al de La vía del actor. Además, el caracter experimental del mismo nos ha permitido indagar en propuestas y lenguajes teatrales que en otros contextos resultarían difíciles. Así ha sucedido con este proyecto, en el cual hemos tenido la suerte de contar con todos los medios técnicos y humanos del CDN, y estrenar a este no muy conocido, pero no por eso menos valioso autor, inédito en nuestro país, con el propósito de acercar su obra a la sensibilidad del espectador de hoy.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He compatibilizado montajes propios con ayudantías de dirección. Hemos tenido bastantes funciones de El chico de la última fila de Juan Mayorga, creo que llevamos unas 120, lo cual, teniendo en cuenta los tiempos que corren y de que se trata de una compañía novel es poco menos que inaudito. Es un espectáculo que no deja de darnos alegrías. Ahora mismo se está representando en Barcelona, en la sala Muntaner. También he tenido el honor de participar en un laboratorio de investigación del ETC, organizado por la Cuarta Pared, del que surgió el impulso de montar Aqui hay una mano, de Juanma Romero Gárriz, recién estrenada en esa sala.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Por el momento, estoy absolutamente centrado en el estreno y últimos retoques de los textos de José Ricardo Morales. En cuanto se estrene volveré a la dura actividad de intentar vender Aquí hay una mano, espectáculo complejo con el que estoy muy ilusionado. También hay un proyecto sobre un fantástico texto de Lucía Vilanova, para el cual estamos buscando ayuda para sacarlo adelante.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes son nefastos. No entiendo que alguien pueda estar de acuerdo con ellos. Para mí, sin duda, los peores son los relativos a la educación, ya que en el futuro afectarán a todos los aspectos de la realidad, desde la sanidad hasta la cultura. Tampoco entiendo la falta de visión estratégica en el apoyo a nuestra cultura. La cultura, si se sabe gestionar, es una poderosísima y peligrosa arma politica y no la seudo-ocupación de un puñado de desharrapados. Otros paises nos colonizan a través de su cultura y eso no parece importarle a casi nadie. España, pese a ser un país no muy poblado en relación a sus vecinos, siempre ha destacado por su cultura. No puedo entender que nosotros mismos la boicoteemos. Es del género tonto. Debe ser parte de nuestra esencia. Siempre que pienso en este tema me acuerdo del cuadro de Goya duelo a garrotazos. No entiendo por qué hemos desarrollado cierto tipo de complejo que nos impide decir (y pensar) que la cultura es una necesidad social, una necesiad del espíritu, una necesidad irrenunciable para el ser humano.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté mucho de Ensayando Don Juan de Albert Boadella. Soy un gran admirador de su trabajo. Gracias a su ironía y mala leche habitual sales del teatro con alguna interesante reflexión flotando en la cabeza y una gran sonrisa en la boca. De otro formato, vi hace algún tiempo La otra voz, versión de Manuel De sobre La voz humana y me encantó. Me entusiasmó el universo dramático que plantea a partir del famosísimo texto de Cocteau.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aguantar. El teatro ha resistido crisis y multitud de avatares durante más de tres mil años. Será porque resulta necesario para el ser humano.

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José Carlos Plaza nos habla sobre su larga trayectoria en teatro.

plaza¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Quería ser actor y durante seis años estuve estudiando con Miguel Narros y William Layton en el Teatro estudio de Madrid… Finalmente me incliné por la dirección escénica. He hecho de todo escenografías, iluminación, regiduría, ayudantías de dirección, utilería … solo me ha faltado vestuario y maquillaje.

¿Tu trabajo en el teatro y la ópera lo has compatibilizado con otros trabajos?…
No, por norma general… Alguna vez hicimos como TEI un programa de Televisión y anecdóticamente he colaborado en el montaje de conciertos y homenajes diversos.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Pues eso larga… he sido un hombre muy afortunado haciendo siempre lo que quería, en el clima técnico en el que me había formado… Muy satisfactoria.

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Hoy en día hay una vuelta atrás bastante superficial que me recuerda al teatro contra los de mi generación luchábamos: Un teatro basado en la forma exterior, en la farsa mas o menos burda. Veo hoy en día mucha creatividad formal y poca profundidad y poco rigor. El teatro es una profesión muy difícil, muy técnica , muy profunda.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
A veces me llaman , a veces los propongo yo , depende… Lo fundamental es siempre el equipo con el que trabajas… Otra condición sine qua non es la ideología del proyecto. No he trabajado nunca en un espectáculo reaccionario, conservador o católico.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido la esencia de mi trabajo. Durante muchos años William Layton y después Mariano Díaz, Francisco leal , Pedro Moreno son los puntuales de mi trabajo sin ellos yo no existiría profesionalmente.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos del estreno en la Zarzuela y del que presentas ahora en el Teatro Lara …
Ha sido un año muy productivo: Siempre estoy en talleres de entrenamiento con actores, lo que me llena de energía nueva y me tiene en constante alerta. He dirigido “Hécuba”, “El auténtico Oeste”, “Los amores de Inés y La verbena de la paloma”…se ha repuesto “El diccionario” y “El gato Montés”. Los amores y la verbena han sido un regalo, dos juguetes llenos de alegría, juego y una apasionante lucha contra la caspa y el tópico. El auténtico oeste es la culminación de un sueño: trabajar en el mundo “off” a mis años y en cooperativa tal y como yo empecé, sin prácticamente medios accesorios y con enormes actores que conozco hace decenas de años con los que nunca he dejado de trabajar. Han sido ellos los que me han llamado y nunca se lo agradeceré bastante.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Voy a hacer un montaje de “El retablo de la lujuria, la avaricia y la muerte” de Valle Inclán con la asociación de actores de Murcia.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Tantos, tantos… La vida es sueño, El burlador o Don Giovanni, cientos de textos, de óperas, de experimentos posibles…Innumerables.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Lo que está ocurriendo es más importante, se está premeditadamente destruyendo los valores sociales y espirituales de una sociedad que está pagando el inmenso error de haber cerrado los ojos ante la injusticia. Si la barba de tu vecino ves pelar… y no supimos o no quisimos verlo…Lo peor es que seguimos sin reaccionar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
”Recortes” con Nuria Gallardo, Alberto San Juan y Mariano Barroso en la dirección. Es una unidad perfecta entre un texto brutal que te hace avergonzarte por pertenecer a esta sociedad, un alarde interpretativo lleno de organicidad y al mismo tiempo una perfecta teatralidad, una enorme lucidez…¿se puede pedir más?.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Intentar crear tu propio trabajo, no dejar de prepararte para él , olvidar las necesidades impuestas por la sociedad capitalista y dejarlas a un lado para ser dueño de tu vida…Es duro al principio, pero posible…

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Manuel Canseco nos habla de su extensa carrera teatral

Canseco¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Como muchos otros de mi generación comencé con el gusanillo del teatro durante mi tiempo de estudiante en la universidad. El TEU de aeronáuticos y luego el TEU del Distrito Universitario de Madrid fueron mis primeros puntos de enganche. Con este último se puso en marcha mi primera versión de los clásicos: “La Celestina”, que no llegó a ver la luz. Luego me inscribí en el TEM, que entonces estaba en la calle Barquillo. Allí me dieron clases: Maruja López, Ítalo Ricardi, William Layton y Miguel Narros, entre otros. Coincidimos en las clases profesionales Jose Carlos Plaza, Juan Francisco Margallo, Paca Ojea, etc.
Más tarde apareció la oportunidad de ser ayudante de dirección con José Luis Alonso Mañes y eso marcó definitivamente mi carrera. Fue una etapa maravillosa en el Teatro Nacional María Guerrero que duró más de siete años.

¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Me dediqué desde el primer momento a la dirección, aunque participara como actor en diferentes ocasiones e incluso como extra en diferentes películas.

¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Tan sólo al principio, luego, desde que salí del María Guerrero me dediqué exclusivamente a las Artes Escénicas como director y productor, con un dilatado periodo de paso por TVE en las labores de dirección y realización, que dejé para dedicarme únicamente al teatro.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Cuando miro hacia atrás, que lo hago pocas veces, suelo estar satisfecho de la labor realizada. Fueron tiempos difíciles, en los que creamos la primera compañía privada dedicada exclusivamente a los clásicos y en los que la falta de medios originaba tu principal censura artística. Algunos de aquellos montajes, hoy posiblemente caídos en el olvido al que tan proclive es nuestra profesión, tuvieron una gran repercusión y marcaron una línea de la que estoy satisfecho: La Paz, celebración grotesca sobre Aristófanes, de Francisco Nieva; El Cerco de Numancia, de Cervantes; La Orestiada, Medea, Troyanas, Casa con dos puertas mala es de guardar, Miau…

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Una diferencia abismal en cuanto a la forma de producción. Entonces el productor o las compañías privadas eran el sostén del teatro que se veía en el país, nombres propios que de año en año producían y giraban. Los teatros estaban también en manos privadas, habían de ser rentables y eso hacía que si tenías un buen producto te mejoraran fechas para la siguiente temporada. Esa forma de producción ya queda reducida a unos cuantos productores o empresas y gran parte de los empeños teatrales surgen de iniciativas grupales o esfuerzos cooperativos. Pero seguramente la mayor diferencia estribe en la falta de continuidad de esas compañías o grupos, la escasez de representaciones que obtienen la mayoría de los proyectos. Hoy nos conformamos, en el mejor de los casos, con los bolos de fin de semana. Recuerdo haber tenido que preparar maletas para dos meses porque no pasábamos por casa en ese tiempo. Ello también influía en la preparación de los actores. Los jóvenes que entraban en esas compañías tenían la oportunidad de observar día tras día a primeras figuras y de tener la posibilidad de dar el salto a papeles mayores dentro del elenco. El teatro era también escuela de práctica. Eso, desgraciadamente, se nota hoy día. En cuanto a la importancia de los montajes que se hacían creo andamos más o menos, pues si entonces había directores y empresarios con gran ambición artística también éramos sufrientes de los más burdos vodeviles. Hoy es de alabar, sin duda, el esfuerzo de esos pequeños teatros que han dado en proliferar acogiendo compañías jóvenes de gran talento.

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¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno se enamora de un texto que cae en tus manos y que te pide a gritos que lo pongas en pie, que le des vida a tu manera y te empeñas, a veces en el sentido económico de la palabra, hasta que lo sacas adelante. Creo que es una cuestión de amor… de amor y de necesidad de comunicación.
Me han llegado proyectos de otros productores, siempre privados, que eran como un gran descanso pues te permitían olvidar por un tiempo al hombre orquesta que era en mis propias producciones (productor, director, diseñador, iluminador, etc) para concentrarte sólo en el montaje escénico, en la dirección. Emilio Romero, Enrique Cornejo, Pedro Osinaga y Laura Cepeda han sido algunos de ellos. Al margen de mis direcciones en el Centro Dramático de Extremadura.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Nunca pude tener un equipo fijo de trabajo hasta que estuvimos en el teatro Galileo, pero siempre procuré trabajar con un reducido número de actores a los que a fuerza de coincidir ibas conociendo y por tanto formando un amplio equipo. Es verdad que lo echas de menos porque te facilitan las cosas y saben lo que quieres, pero también es verdad que la variedad enriquece. Ahora ya me rodeo de la gente con la que me entiendo bien.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Jubilado ya de la práctica activa me dediqué a escribir. Estrené una versión, por encargo, de la novela de Calvo Poyatos, El manuscrito de Calderón, y estoy embarcado en una pieza original sobre María Estuardo e Isabel de Inglaterra. Pero como la práctica escénica no se puede dejar, me lió mi querido amigo Antonio Serrano para que pusiéramos en pie una dramatización suya sobre el Libro de Buen Amor y, en unión de dos maravillosos actores y dos músicos no menos maravillosos nos embarcamos en esa aventura que ha resultado una joya escénica que está teniendo un gran éxito bajo el nombre de Coplas de Buen Amor.

Háblanos de la experiencia de Fuenteovejuna…
Apenas acabado el trabajo de las Coplas me propuso la alcaldesa de Fuente Obejuna que hiciera el montaje de la Fuenteovejuna de Lope de Vega con gente del pueblo, un montaje que se hace periódicamente con diferentes directores; me ilusionó la idea y he dedicado a ello estos tres últimos meses.
Ha sido una experiencia humana y artística maravillosa y, seguramente, el trabajo más difícil de toda mi carrera, no tanto por no ser profesionales los actores (que algunos de ellos no los cambiaría si tuviera que hacerlo en Madrid) como por las dificultades que planteaba hacerlo en el mismo lugar donde se produjeron los hechos y en una enorme plaza en la que había que ubicar escenarios múltiples y dar continuidad y espectacularidad al importantísimo texto de Lope. La grandiosidad del espectáculo ha colmado con creces las expectativas, y las modificaciones aportadas para conseguir esa plasmación de la herencia que consideran como suya los vecinos dieron un magnífico resultado. Allí quedan un montón de amigos.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Si las cosas no se tuercen tal como están los tiempos, una coproducción con el CDN y el Festival de Mérida para remontar un espectáculo emblemático en mi carrera: La Paz, en homenaje a Francisco Nieva y también, desgraciadamente, a Julia Trujillo, que acaba de abandonarnos y tuvo un gran éxito junto a Carlos Lemos con esa obra.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Siempre los hay, pero de forma especial dos: Electra Jonda, un texto de Juan Guerrero Zamora que está conformado no solo por la palabra sino también por el cante y el baile, es decir, un espectáculo total y para el que estamos buscando patrocinio o financiación, y un texto clásico, La gallega Mari Hernández, de Tirso de Molina, amén de un musical sobre el Tenorio en el que trabajé durante años. Son empeños caros y arriesgados…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. La cultura no ha de ser por necesidad económicamente rentable; ha de serlo socialmente. En una sociedad en la que la preparación cultural se va debilitando y el teatro no ha calado en los hábitos de ocio de los ciudadanos como en otros países, cualquier traba de tipo económico que nos afecte sólo puede empeorar la situación. Es difícil entender que el precio de la butaca se grave mucho más que una localidad de un evento deportivo de masas. Cuando esto sucede algo va mal en los políticos y dice mucho por su falta de interés hacia la cultura.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
No es uno solo, y muchas veces en teatros pequeños, pero tal vez el que recuerdo ahora con más gusto es Follies, el último montaje de Mario Gas en el Teatro Español, por ver ese plantel de actores desenvolverse con soltura en escena cantando y bailando, y como lo consiguió Mario de manera tan “natural”.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Si alguien la tiene, por favor, que nos la diga…

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La dama duende en el Teatro Español

Dicen que con la edad llega el sosiego y la calma…El último trabajo realizado por Miguel Narros nos ofrece una propuesta llena de vitalidad y gracia, como si la hubiera realizado un veinteañero. Creo que nunca he visto un espectáculo dirigido por el maestro recientemente fallecido, que no fuese atrevido y buscase romper con la convención que tal vez se espera sobre los clásicos; en la Yerma que estrenó hace unos meses también estaba esa mirada inquieta. La dama duende que se presenta en el Teatro Español tiene un plantel de actores absolutamente entregados a la idea de acercar un clásico a nuestros días manteniendo el ambiente y lenguaje de la época. La versión de Pedro Villora ayuda a que nos perdamos por los laberintos de este texto que juega al suspense de una manera sorprendente. Sin duda, Miguel Narros ha cerrado su carrera con un broche de oro.
Adolfo Simón

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Rocio Calvo nos habla de su experiencia en el teatro

rociocalvo¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro me da la oportunidad de SER otras personas y de experimentar otras vidas.

¿Por qué haces teatro?…
Precisamente para SER otra y vivir ésa nueva experiencia, porque me apasiona el escenario, porque lo he vivido desde que nací y porque cada vez que me subo a un escenario soy feliz..

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
Dura pero con momentos de grandes satisfacciones. Aunque hay momentos difíciles, como cuando estás parada y no sabes que va a pasar en tu vida, pero cuando llega el trabajo, eso compensa con creces la espera.

¿Cómo surge el proyecto de Sagrado Corazón 45?…
Me llaman Eduardo Mayo y José Padilla y me cuentan el proyecto; me entusiasma inmediatamente. Luego me cuentan cuales son los compañeros con los que voy a trabajar y eso ya me hace meterme de cabeza.

Háblanos de tu personaje…
Remedios, una mujer que pertenece en la clandestinidad al Partido Comunista, tiene una hija Dorita con una minusvalía y un marido postrado en una cama a causa de un atentado. Viven en una casa situada en la calle Sagrado Corazón, ésa casa verdaderamente es la protagonista de la agonía que vive Remedios.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Con Edu y José ha sido un proceso muy especial y maravilloso, el texto estaba escrito, pero el proceso del personaje ha partido de muchas improvisaciones, juegos y me han dejado un campo muy amplio de creación, realmente estoy muy agradecida de cómo ha ido surgiendo todo, las sensaciones, las situaciones y el carácter del personaje.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Me he inspirado en las mujeres luchadoras en la clandestinidad..

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Estoy muy contenta, he estado todo el año pasado 2012 compaginando Yerma dirigido por Miguel Narros y haciendo Ivan-off dirigido por José Martret, creo que no se puede pedir más.

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¿Cómo preparas los personajes?…
Nada más leer el texto, me fío mucho de las primeras intuiciones, de las primeras imágenes, pero cada personaje es un mundo y por supuesto cada director también…

¿Cuál es tu método?…
Ponerme en el lugar del personaje, ir hacia él, intentar salir de mí y ponerme en el lugar del otro, como siente, como anda, como habla…

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que tiene que impulsar a la reflexión. A mi me gusta ir a ver una función y que me toque, que me haga sentir, llorar, reir, emocionarme, y sobre todo que luego me haga pensar.

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Exposición: El autor y su tiempo… homenaje a JAIME SALOM

-La entidad inaugura la exposición ‘El autor y su tiempo’ que muestra el legado que el prolífico dramaturgo cedió a la Sociedad de Autores antes de fallecer.
-Antón Reixa, presidente de la SGAE, firmará un convenio con su viuda, Montserrat Clot, en cumplimiento con la voluntad del creador catalán.
La Fundación Autor homenajea a Jaime Salom el próximo 8 de abril en la Sala Berlanga de Madrid
Un coloquio, con Ricard Reguant y Juan José Alonso Millán, moderado por Antonio Onetti, presidente de la Fundación Autor; y la lectura dramatizada de fragmentos de algunas de sus obras, completan los actos conmemorativos
La Fundación Autor de la SGAE homenajeará a Jaime Salom (Barcelona, 1925-Sitges, 2013) el próximo lunes, 8 de abril en la Sala Berlanga de Madrid (C/Andrés Mellado, 53), a partir de las 19:30 con un conjunto de actos que pretenden recordar al dramaturgo recientemente fallecido a los 87 años de edad ( entrada libre hasta completar aforo).
La exposición permanecerá abierta hasta al 28 de abril
La entidad inaugura la exposición Jaime Salon: el autor y su tiempo, que exhibe el legado que el prolífico autor ha donado a la SGAE. Comisariada por Amaya de Miguel y Tato Cabal incluye libretos, manuscritos, cartas y fotografías, entre otros objetos íntimos que forman parte de la vida de un hombre minucioso y detallista, testigo inconformista de su tiempo. La muestra permanecerá abierta hasta el 28 de abril.
El presidente de la SGAE, Antón Reixa, firmará un convenio con la viuda de Jaime Salom, la actriz Montserrat Clot, en cumplimiento con la voluntad del creador catalán, quien antes de morir cedió su patrimonio teatral a los autores para que lo conserve y custodie el Centro de Documentación y Archivo (CEDOA) de la SGAE.
La apertura de la exposición dará paso a un coloquio sobre Jaime Salom en el que participan Juan José Alonso Millán y Ricard Reguant, moderado por Antonio Onetti, presidente de la Fundación Autor. El homenaje se completa con una lectura dramatizada de fragmentos de algunas de sus obras ( La casa de las Chivas, La playa vacía, El corto vuelo del gallo y El señor de las patrañas), dirigida por Juanjo Granda e interpretada por Amparo Pamplona, Paula Iwasaki, Juan Mesenger y Álex Larumbe.
Acerca de Jaime Salom
Jaime Salom nació en Barcelona (25 de diciembre de 1925), donde estudió la carrera de Medicina especializándose en Oftalmología, profesión que ha alternado durante mucho años con su actividades literarias. A lo largo de su carrera estrenó más de cuarenta obras, entre las que destacan El baúl de los disfraces, La casa de las chivas, que batió todos los records de permanencia en cartel; Los delfines, Tiempo de espadas, El corto vuelo del gallo, El señor de las patrañas, esta última convertida en un musical estrenado con el título La lluna de Valencia (La luna de Valencia); Casi una diosa, Una hoguera al amanecer, que ha sido vertida al cine en México, El otro William, Una hora sin televisión y, últimamente, su gran éxito: Las señoritas de Aviñón, estrenada en España, México y Estados Unidos.
Sus obras se han traducido al francés, inglés, alemán, griego, portugués, italiano, eslovaco, rumano, flamenco y árabe, y se han representado en gran cantidad de países europeos y americanos. De ellas se han hecho también versiones para el cine y la televisión en España, México, Alemania, Bulgaria y Checoslovaquia. Asimismo, ha publicado tres novelas (Editorial Planeta).
Los textos de Jaime Salom han sido dirigidos, entre otros, por José Luis Alonso, Ángel Montesinos, José Mª Loperena, Manuel Manzaneque, Cayetano Luca de Tena, José Tamayo, José Osuna, Ismael Merlo, Alberto González Vergel, Javier Escrivá, Miguel Narros, Alberto Closas, Ricard Reguant, Manuel Galiana, Manuel Canseco…
Ha conseguido numerosos premios, entre ellos, el Nacional de Literatura, el Fastenrath, el Álvarez Quintero, el Espinosa y Cortina (los tres últimos otorgados por la Real Academia Española), el Ciudad de Barcelona y tres veces el de la Crítica de Madrid.
El maestro Salom también ha sido miembro del Consejo de Teatro del Ministerio de Cultura hasta el año 1995 y Presidente de Honor de la Asociación de Médicos Escritores Españoles y académico de la Real Academia de Medicina de Asturias y León y de las Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo.
Jaime Salom fallecía en la madrugada del 25 de enero de 2013, en la localidad de Sitges (Barcelona) a los 87 años. Era el socio número 14.759 de la Sociedad General de Autores y Editores, de la que era Consejero de Honor desde el año 2001. Su obra dramática, adscrita a la Sociedad, supera las 110 piezas.
Fue el pasado mes de diciembre cuando Jaime Salom legó sus obras al Centro de Documentación y Archivo (CEDOA), que la SGAE tiene en Madrid. El autor, sintiéndose mal de salud, decidió trasladar su residencia a Barcelona. Antes de hacerlo, donó su producción teatral a los autores para que sea la SGAE quien conserve y custodie su patrimonio dramático.
El célebre dramaturgo publicó sus últimas obras en la serie Teatro Autor de la Fundación Autor de la SGAE. Concretamente: El señor de las patrañas, 1992; Una hoguera al amanecer, 1994; Casi una diosa, 1994; Mariposas negras /Una noche con Clark Gable, 1995; La trama, 1997; El otro William, 1998; Más o menos amigas/Una hora sin televisión, 2001; Las señoritas de Aviñón, 2002; y Esta noche no hay cine/La pecera y el mar, 2009.

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Yerma de Federico García Lorca en el CDN

Yerma es un arroyo que al principio de la obra baja impetuoso y escarpado por las laderas…Juan como representación de la sociedad, que nunca escucha el latido del agua, va marcando los límites que frenarán el impetú vital de la protagonista. Al final, el agua cristalina y enérgica se estancará y dejará de buscar el camino para huír hacia el mar. La escenografía del montaje nos muestra esta idea que tal vez sugirió Lorca entre líneas…La vida de los personajes transcurre sobre un pedazo de tierra muerta, agrietada, bordeada por un pequeño estanque que solo se nutre de la lluvia. Miguel Narros con su magisterio habitual crea una Yerma sin localismos concretos, la deja suspendida en esa España negra y supersticiosa. Los actores están espléndidos, es una de las primeras Yermas que veo en que hay coralidad en el montaje, huyendo de la idea de que este texto es solo Yerma, aquí queda claro que el poeta escribió la historia de una mujer que evoluciona frente al espejo de los demás. Tal vez, en la recta final del montaje, cuando estalla la tragedia, habría que contener a los personajes.
Adolfo Simón

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Lunes con voz en el CDN: 28 de Enero…Miguel Narros


Silvia Marsó reflexiona su tu trabajo en el teatro.

SilviaMarsó¿Cómo surge el proyecto de Yerma?…
Hace tiempo que Miguel Narros y yo queremos trabajar juntos, las dos veces que me llamó anteriormente no pude hacer el proyecto por estar ocupada en otro trabajo, pero a la tercera va la vencida

¿Cómo ha sido el proceso de creación y montaje?…
Siempre profundizo en el texto, buscando las claves, las pistas que te da el autor, poniéndole toda la verdad posible y buscando cada día, sin cesar, nunca se acaba… Lo importante es evolucionar y no cerrarte a una forma concreta de hacer el personaje, no tener en la mente “la manera”…Dejar que las emociones y la relación con los otros actores en escena te vayan dando las pautas…Es un trabajo de artesanía, que no me gusta preconcebir…

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¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…
Una sorpresa, nunca pensé que Miguel Narros fuera tan aparentemente caótico en los ensayos y digo aparentemente, porque al poco de empezar descubrí que es como un pintor impresionista que va dando pinceladas, mezclando colores, superponiendo trazos, hasta que de la “locura” va saliendo la forma, el color y la expresión, me gusta decirle que es el Van Gogh del teatro y él se ríe mucho…

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
He tenido una suerte inmensa al poder representar personajes tan difíciles e interesantes como La gran Sultana de Cervantes, Doña Rosita la soltera de Lorca, Nora de Casa de muñecas de Ibsen o Antonia de Aquí no paga nadie de Fo…Son personajes que te hacen crecer como actriz, que te ayudan a superarte y que además te enriquecen como ser humano.

¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Cada medio es absolutamente distinto, lo difícil es saber diferenciar lo que debes aportar en cada momento, pero la dificultad mayor, creo que está en el teatro, donde tienes que expresar todo con tu cuerpo, llegar con la voz a la última fila y dar toda la verdad y emoción, como si te pasara en ese mismo instante, lo que has repetido durante meses en cada representación.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La que siempre ha tenido desde hace tres mil años, el debate, la reflexión, la crítica, debería ser un lugar de encuentro para debatir los problemas y conflictos eternos de la sociedad… También puede divertir, la profundidad de contenido no tiene nada que ver con la forma, hasta un clown puede resultar corrosivo si tiene un planteamiento critico.

¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Totalmente, es una medida injusta, absurda y deleznable,…¿Quién puede considerar que el futbol es mas cultura que el teatro?!!!…¿Por qué no han subido su I.V.A.?…

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?…
El Diccionario de Manuel Calzada, con Vicky Peña…
¿Qué te pareció?…
Me maravilló el texto y la interpretación.

¿Proyectos?…
Seguir con la gira de Yerma por toda España y centrarme en elegir bien los siguientes proyectos.


El BNE nos deja buen sabor de boca… y ganas de ver más.

El programa «Clásicos de la Danza Española» apadrinado por Antonio Najarro que hemos podido ver en el Teatro de la Zarzuela nos ha traído un poco de todo y nos ha dejado con ganas de más. De más escuela bolera, de más farruca y de más jota aragonesa. Los bailarines han sabido recuperar, de la mano de su director y de los colaboradores,  una obra que será difícil de ver en el futuro. Las obras rescatadas en esta ocasión han sido «Paso a cuatro» de Antonio Ruiz Soler, representando a la escuela bolera que a mediados de los 50 fue recuperada por el ballet de Antonio y que ha quedado bien desempolvada y brillante. La «Farruca» de Juan Quintero quizás adolecía un poco de anticuada y «ya vista» puesto que es una obra que se adapta al flamenco más puro, más académico y que debería verse más actualizado. Carmen Cubillo recuperó el «Viva Navarra» de Victoria Eugenia con muy buenas intenciones y dando lo mejor de sí misma a pesar de que los años no pasan en balde y le costó recuperar la técnica. Para finalizar la primera parte la «Jota de la Dolores» dejó un buen sabor de boca y algunas lágrimas de emoción entre el público con el ballet a toda mecha.

En la segunda parte se recuperó «Medea», obra dramática y puntera en su época con la música de Manolo Sanlucar y que nos volvió a fascinar por su capacidad para transmitir la narración gracias a la dramaturgia de Miguel Narros.  En esta ocasión ha sido Maribel Gallardo, que ya interpretó a la novia, la que ha dado fin a las representaciones de Madrid y que ha dejado el listón alto a pesar de tener a Lola Greco por delante.

Alguien dijo que es necesario conocer el pasado para enfrentarse al futuro y parecer ser que esta es la premisa de Najarro al querer recuperar, en este programa tan amplio,  estas pequeñas joyas del BNE, así que esperemos que esta labor de recopilación continúe y nos estimule para crear de nuevo grandes obras maestras.

Luis Mª García Grande

Medea- Lola Greco y Lupe Sánchez

 


Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.

Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.

Aunque parezca mentira… ¿Llevas cuántos años trabajando?…

Muchos, afortunadamente… Empecé a los 8 años en TVE haciendo un “Estudio 1” llamado “Almudena o Historia de sus personajes”. Sumando, sumando casi 37 años trabajando. Y espero que sean muchos más.

Me gustaría que hicieras un recorrido por ese tiempo…y cuéntame tu experiencia en alguno de los proyectos, vale?…

Uff… Sería muy largo pero te puedo decir que he trabajado con directores maravillosos. Desde Pedro Amalio López, Alfredo Castellón o Manolo Gutiérrez Aragón en televisión; Fernando Fernán Gómez en cine; o Jesús Cracio, Lluís Pascual, Calixto Bieito, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Amelia Ochandiano, Miguel Narros o José Carlos Plaza en teatro, entre otros.
Mi primer director de teatro fue el maravilloso José Luis Alonso, qué te voy a contar… maestro de maestros… y he trabajado con actores de la talla de José Bódalo, Guillermo Marín, José María Rodero, Carlos Lucena, Manuel Galiana, Carlos Hipólito, Helio Pedregal, Blanca Portillo, Marisa Paredes, Chema Muñoz, Luisa Martín… He tenido y tengo la suerte de trabajar con tres generaciones diferentes: la de mis padres, la mía y la nueva generación.
Siempre que me embarco en un proyecto me entrego con toda el alma. Cada uno de ellos ha tenido su momento, pero lo que sí te puedo decir es que con los años aumenta la responsabilidad y las mariposas en el estómago antes de salir al escenario.
En el periodo de la infancia, el trabajo era para mí algo que se acercaba más al juego; mientras mis amigas jugaban con muñecas yo lo hacía con personajes…; entre los 12 y 14 años esta profesión se definió como lo que más me gustaba hacer en el mundo, mi futuro; fue cuando el teatro entró en mi vida y a partir de entonces empecé a estudiar, a prepararme, a continuar con mi formación hasta ahora….

¿Has tenido la tentación de escribir o dirigir alguna vez?…

Sí, he dirigido en 6 ocasiones y es algo que me apasiona. Y, si tengo la oportunidad, me gustaría seguir haciéndolo.
La última fue “La casa de Bernarda Alba” de F.G.Lorca y antes en Ibiza con producción de Antonio Cantos dirigí “La Ley De La Selva” de Elvira Lindo. Y previamente, “Faustina; Madre De Alejandro Casona” de Pilar Murillo; “Trío De Dos” de Jesús Alonso; “En Todas Las Nubes Hay Un Dragón” de Javier Albalá y “La Soledad Del Actor” de Joaquín Casares.
En cuanto a escribir, ya me gustaría…. Hago mis pinitos con mis niños en el Programa de Voluntariado de Cruz Roja para Centros de Día Infantil escribiendo obritas cortas para fin de curso y Navidad… pero son palabras mayores.

 

¿Qué te hace decidirte a la hora de participar en un proyecto?…

El texto, el personaje, el director, los compañeros… lo que la historia nos quiere contar,… todo un poco. Pero lo más importante es que me enamore del proyecto que se va a crear porque es/será una parte de mi vida durante un tiempo y hay que darlo todo, tengo que estar enamorada… jajaja.
He tenido mucha suerte ya que tanto las obras que me han ofrecido como los directores con los que he trabajado han sido de lujo y con ofertas como éstas es fácil enamorarse…
Además cada una de ellas ha surgido en el momento justo para hacerme seguir creciendo como profesional y como persona.

¿Qué pasa con la televisión y el cine con Núria Gallardo?…

Eso me pregunto yo,….. Y mira que les tiro los tejos… y ellos ni caso!!!
Bromas aparte, supongo que hubo un momento en mi vida en el fui encadenando un montaje tras otro de teatro y cuando me di cuenta ya se habían olvidado de mi. Ya sabes, como decía Fernando Fernán Gómez en “El Viaje a Ninguna Parte”: “¡Si te olvidas de las cosas/gente es fácil que los demás se olviden de ti!” y si yo dejé de aparecer en la pequeña pantalla la gente se olvidó de que seguía estando allí para trabajar…
A pesar de todo, tengo confianza en que reanudemos nuestras relaciones en breve y a algún director se le ocurra salirse de lo habitual y se acuerde de mí.

 

¿En qué medida tiene que ver que tu familia sea de artistas para que te hayas dedicado a este mundo?…

En todas las medidas… Ten en cuenta que, cuando yo era un bebé, los técnicos de las compañías de teatro dónde trabajaban les hacían a mis padres una cunita de madera para que durmiera en el camerino en las giras… Conocía todas las funciones, las veía entre cajas con “Burguitos” el apuntador y, si se descuidaban, me colaba en el escenario para actuar. Con estos antecedentes, creo que estaba abocada a terminar siendo actriz. Lo que sí me remarcaron los dos es que era y es un mundo muy difícil; hay “siempre” poco trabajo, se pasa “hambre”,…. Y todo tipo de cosas para que me desenamorara de mi profesión pero, como ves, aquí estoy.

 

¿Cómo te preparas un personaje?…

Primero empiezo por la obra, qué queremos contar, en qué estilo nos vamos a mover, que significa para nosotros, si es espejo de la realidad de ahora y en qué medida…. Y después abordo el personaje.
Quién es, qué busca, qué quiere, cuáles son sus cualidades, qué le ha llevado a hacer lo que hace… pero desde parámetros simples, fáciles de traducir al entendimiento y de identificar. Después encuentro los puntos comunes desde lo emocional (lo que me acerca y lo que me aleja del personaje) y para todo esto también me dejo llevar por la intuición. Después hay que ir a ensayar el primer día y compartir tu investigación con el equipo de dirección y compañeros y a partir de ahí empezar a crear.
Me gusta la confianza y entrega que hago a la dirección…. Es una pieza clave ya que son mis ojos desde fuera cuando yo estoy sumergida dentro, por eso es muy importante que todos estemos contando la misma historia, el mismo sueño y desde ahí, volar.

¿Qué importancia ha tenido la formación en tu trayectoria?…

Ha sido y es muy importante en mi vida. Desde el año 86/87 que empecé a estudiar en el Laboratorio de William Layton, no he dejado de seguir investigando y formándome…
Creo que es fundamental como profesional y como persona, ya que nosotros creamos a partir de un material sensible como es el “ser humano” que, como la vida misma, está en constante evolución y descubrimiento y cuantas más armas tenga para conocer a mi personaje, más fácil me resultará llegar a su esencia.
Además, es importante que estés en constante estado de actividad porque nunca sabes cuándo te van a llamar para trabajar y como dice mi maestro “Que cuando la inspiración te llegue, te pille trabajando”.

¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país tras los últimos recortes y subida del I.V.A.?…

La subida del I.V.A…. un despropósito, una locura, no creo que se tenga idea de las repercusiones que todo esto va a causar.
La cultura y la educación deberían ser los parámetros con los que se mide la riqueza de un país… y está claro que alguien no estudió esa lección de pequeño.
No sólo va a perjudicar al trabajo del actor, sino al de toda la arquitectura teatral. Ya no se pueden hacer giras/bolos porque los teatros/ayuntamientos no tienen dinero para pagar, no hay apuestas para la formación e investigación (seguro que los recortes acabarán con las pequeñas ayudas a las salas y escuelas), algunos no podrán resistir el envite y tendrán que clausurar sus salas… no me quiero poner catastrófica pero si querían elegir mal de dónde recortar lo han hecho de lujo.
La educación y la cultura son el futuro de un país… ellos mismos deberían saberlo.
Claro que siempre podemos terminar “vendiendo zanahorias”, verdad?
Somos más ingeniosos y seguro que terminaremos saliendo adelante.

¿Qué proyecto tienes entre manos para los próximos meses?…

Pues ahora mismo no tengo nada entre manos. Acabo de participar en un Taller de Investigación teatral con Andrés Lima y salgo con el corazón lleno y el alma inspirada. Y voy a seguir preparándome, evolucionando, creciendo y sorprendiéndome.
Antes del verano realicé un curso de Teatro musical con Carmen Conesa, Concha Milla, Denise Perikidis y Lola Barroso…. Imagínate, ahora estoy descubriendo mi faceta como cantante y, además, continuaré mi formación audiovisual con Macarena Pombo en Central de Cine, investigación teatral con Jose Carlos Plaza,…etc.
Como verás, no me gusta estar quieta… soy hiperactiva,… bueno además de mi voluntariado con mis niños que son mi otra pasión (estoy diplomada en Magisterio Infantil).

 

¿Cuál ha sido la última obra que has visto?¿Qué te pareció?…

He visto “La Vida es Sueño” dirigido por Helena Pimenta e interpretado por Blanca Portillo, Joaquín Notario, Fernando Sansegundo, Marta Poveda, Pepa Pedroche, David Lorente, Rafa Castejón,…etc., y me dejo emocionada.
Yo ya conocía la función (hice Rosaura con Calixto Bieito), pero más allá de la estupenda interpretación y la belleza del montaje, lo que se trasluce es un equipo de gente, unida y de acuerdo en la concepción de una idea y lanzándose al vacío. Las palabras y la acción de Calderón toman forma y llegan al espectador y le tocan con sencillez y profundidad.
Y también he visto a Ana Belén en el Teatro Español haciendo un recital “A los hombres que amé” y estuvo maravillosa, grande, inmensa. De Ana no puedo más que expresar mi admiración ya que soy fan número uno desde que era pequeña. Sería un sueño para mí trabajar algún día con ella.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

No dejar de prepararse y no dejar de hacer. Nosotros estamos en perpetuo estado de crisis. El teatro es un “enfermo moribundo” desde que yo soy consciente de esta profesión pero ahí seguimos.
Si como dice Hamlet “El teatro es espejo de la realidad” la verdad es que ahora tenemos un buen suministro para poder ser su espejo, su crítica, su guía….
El hambre agudiza el ingenio, así que habrá que seguir luchando por lo que creemos, lo que soñamos con ilusión e imaginación y sino…. “venderemos zanahorias”.
Le gusta el teatro? Compre una zanahoria!!
http://www.publico.es/culturas/442245/le-gusta-el-teatro-compre-una-zanahoria