Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Bruno Ciordia nos habla de sus proyectos para la escena

ciordia¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en el grupo amateur de mi pueblo, La Trapera, a los 13 años y actué con ellos hasta los 18, edad en la que decidí venir a Madrid a estudiar interpretación en la RESAD. Después he vuelto a trabajar con el mismo grupo en varias ocasiones pero esta vez como director.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en el teatro?…Uno siempre es inconformista y se fija más en lo que le queda por hacer, que es mucho. Pero si miro hacia atrás y veo todo lo que he hecho desde que empecé, no puedo sino estar agradecido a…no se…la vida, porque he podido trabajar con regularidad y poder vivir de esto hasta ahora. Es verdad que últimamente cuesta bastante más.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?… ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Eso depende de si los proyectos los genero yo o me embarco en proyectos que me proponen otros. En cualquier caso, el germen para empezar cualquier proyecto es siempre el texto. Encontrar algo que te enganche, que te movilice a contar esa historia. Creo que un buen texto siempre es el mejor compañero de viaje.

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¿Cómo surgió Tape?…En el caso de Tape, surgió de la llamada de Yolanda Vega, productora y actriz. Tenemos un amigo común que hizo de celestina y nos lanzamos sin conocernos muy bien a la piscina movidos por el trepidante texto de Stephen Belber, y la verdad es que estoy muy contento de cómo está yendo todo hasta ahora.

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Háblanos de la puesta en escena… He intentado que sea lo más sencilla y directa posible. Sin artificios. La historia cuenta una relación de amistad de larga duración deteriorada por un hecho puntual y por cómo los personajes vivieron y recuerdan aquel acontecimiento con el paso del tiempo. Hemos intentado sumergirnos en los hechos y en todo el dolor que eso provocó en los personajes y lo hemos sacado a jugar a la escena. La mayor dificultad en este caso ha sido contar esa amistad de más de 10 años por actores que se conocieron en la primera lectura pero creo que tanto Fran Calvo y Jano Sanvicente como Yolanda hacen un trabajo espectacular.

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¿En qué proyectos has participado en el último año?…Pues comencé este 2014 en el CDN a las ordenes de Ernesto Caballero en su versión de las Comedias Bárbaras, Montenegro, montaje que retomaremos en septiembre para salir de gira por España, y acabo de estar en El sol de York con el monólogo Un buen día de Dennis Lumborg dirigido por Mariano de Paco y producido por mí, y que espero que pronto pueda volver a verse en Madrid.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…Pues ahora, cuando terminemos Tape en La pensión de la Pulgas volveremos a ensayar para ponerla a punto de nuevo en disposición a la italiana, ya que entramos en el Teatro Lara los jueves de mayo y junio a partir del 22 de mayo. También estoy comenzando a buscar los apoyos para poner en pie un espectáculo sobre la figura de Lorca y sus años como director de La Barraca durante segunda república. Una versión propia que pretendo dirigir. Un texto que habla con distancia histórica de todos los problemas que estamos encontrando actualmente los artistas para hacer nuestro trabajo.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento de el I.V.A. a los proyectos de teatro?…Está siendo una verdadera sangría. El margen que ahora se lleva el I.V.A. es el único beneficio que tenían antes las compañías para seguir produciendo. Si eso lo eliminas y lo pagas en impuestos se agota el negocio. ¡Objetivo conseguido! Esto es una cruzada que ha emprendido el gobierno contra todo aquello que considera innecesario. Y la cultura parece que lo es.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… ¿Por qué?…
En construcción dirigida por Tristán Ulloa, por ejemplo, que ha estado en abril en la sala Mirador, me pareció una historia muy sencilla, contada con extrema sensibilidad y llena de aciertos. Realmente me tocó. También he visto hace poco La cortesía de España de Lope de Vega, donde la joven Compañía Nacional de Teatro Clásico da una lecciones de maestría y virtuosismo bajo la dirección de Josep María Mestres. Verso bien dicho, montaje sencillo y un buen trabajo de elenco que nos demuestra que tenemos unos jóvenes preparadísimos.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Los tiempos de crisis han llegado para quedarse si no lo remediamos. Por tanto, hay que seguir creando y haciendo teatro por la pura necesidad de hacerlo, y sobre todo, hacerlo con el corazón. Como decía Lorca “Hay que dejar el ramo de azucenas y meterse en el fango para ayudar a los que buscan las azucenas».

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Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena

fran¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar «Constelaciones» en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.

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Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… «Constelaciones» es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de «Los cuentos de los Hermanos Grimm».

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
«Constelaciones» es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.

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¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que «oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales». Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y «afinar al personaje» en el proceso.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama «La caja», de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg «La señorita Julia», bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; «El feo», una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama «La casa de huéspedes», escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: «Tape», que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y «Constelaciones», con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado «Secundario», un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza «Un buen día», de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de «El caballero de Olmedo» que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último «Entre Actos», una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.