Arte emergente italiano y español
Art Situacions II
Arte emergente italiano y español
Ludovica Carbotta, Gabriele de Santis, Miren Doiz, Anna Franceschini, José Guerrero, Rubén Guerrero, Diego Marcon, Alek O. Teresa Solar Abboud, Anna Talens
Matadero Madrid – Nave 16 | De martes a viernes, de 16 a 21 h. Sábados, domingos y festivos, de 11 a 21 h.
*Del 23 al 28 de febrero y con motivo de ARCOMadrid, el horario de la sala será de martes a viernes de 12 a 14 h. y de 16 a 21 h. Sábados, domingos y festivos, de 11 a 21 h.
Entrada gratuita
«Sócrates, juicio y muerte de un ciudadano» en las Naves del Español
Tenía ganas de rememorar de nuevo la vida de Sócrates, además iba entusiasmado porque iba a ver a José María Pou encarnado en su persona, tan venerable, tan consagrado, tan actor. Me encanta ver teatro a modo de tragedia clásica, disfrutar del discurso intelectual, de la oratoria, tal y como lo estudié y mamé en el Bachillerato… y resulta que, de repente se me cuela el siglo XXI de por medio y me encuentro a un Sócrates hablando de móviles y molestias…y, como se dice vulgarmente, se me bajó todo.
Y me pregunto si acaso estas frases tan fuera de lugar, tan displicentes, estaban en el texto original de Mario Gas y Alberto Iglesias o si se han colado por obra y gracia de un actor que no le tiene mucho amor a los pitidos electrónicos ni a las minipantallas brillantes tal y como ha demostrado en varias ocasiones públicamente. Porque si es así, por muy consagrado que estés y por la infinidad de seguidores que te veneren, no se puede saltar a la torera el texto del director, consagrado él también, al revés, habrá que seguirlo al pie de la letra e incluso venerarlo… Y, si fuese al revés, ni siquiera la sapiencia y oratoria de Sócrates sería la excusa para insertar tales disertaciones sobre la vida moderna del espectador de teatro en un texto digno. Sabemos cómo es el público y Sócrates también conocía al suyo…al que le llevó a la condena a través de esa falsa democracia.
Aún así, merece la pena ir, disfrutar del discurso original, de la vida de Sócrates y de la interpretación de los otros actores que intervienen en el montaje, de la escenografía pura y adecuada de Paco Azorín y dar unos cortecitos, editar y pulir ese «texto»-incluso digitalmente con tu móvil- para evitar adoctrinamientos banales ideados por abanderados del purismo, que no deben de darse en el lugar sagrado del teatro, a un público que, comprendiendo a Sócrates, también puede retuitear su sabio discurso y tomar las riendas de un smartphone tal y como Sócrates lo hizo de su vida: con honor, entereza y dignidad.
Espero que estos directores y actores disculpen mi atrevimiento y mi ignorancia supinas, basadas en un discurso pobre, con pocos argumentos, pero claro y humilde al fin y al cabo.
Luis Mª García Grande
«La estupidez» en Matadero Madrid
«La estupidez» es una obra compleja, no apta para espectadores noveles o señores que van dos veces al año al teatro, por muy Teatro Español que sea. Partiendo de este punto de vista, el lector de esta crítica se estará imaginando como espectadores a sesudos catedráticos en Filología Hispánica o similares y puede que se le estén quitando las ganas de asistir a ver este entramado, pero estas no son mis intenciones al hablar sobre el montaje, ya que a veces hay que abrir la cabeza, experimentar, dejarse llevar y meterse en vena tres horas de teatro, pero del bueno, del intenso, del que no te deja respirar para pensar, y caer en la cuenta de que las sensaciones después de haber visto esta obra, afloran, surgen y regurgitan en nuestra cabeza.
Spregelburd ideó una especie de laberinto de veinticuatro registros dramáticos para cinco actores que ubicó en Las Vegas, un lugar donde, dicen, que todo lo que ocurre debe de quedarse allí. Inspirado en el pecado capital de la avaricia desarrolló toda una serie de escenas en donde se desarrolla la estulticia humana en todos sus niveles. Hasta las clases menos pudientes se ven atraídas por el vil metal y pudren su mente y la de los demás moviendo sus vidas alrededor de lo superfluo y de lo ridículo.
Feelgood Teatro demuestra de nuevo su investigación y experiencia, dando un paso más, un paso firme, arriesgado y decidido para crear montajes de calidad y bajo la sapiencia y dirección de Fernando Soto, experimentado ya como director, y conocedor del entramado dramatúrgico que quiere presentar el autor unos actores que aportan toda su experiencia y capacidad para cambiar de registros a un ritmo endemoniado y hacerlo con nota esta es obra que no dejará indiferente a nadie, sepa o no de teatro.
Luis Mª García Grande
Danzad malditos dirigida por Alberto Velasco en Matadero Madrid
Hay una metáfora poderosa suspendida entre el polvo que deja en el aire las zancadas de los caballos humanos que transitan desbocados y perdidos por esa tierra yerma que va engullendo lo que fuera un salón de baile…y en medio de ese lugar de lucha y muerte inútil…una pequeña planta da muestras de vida, de futuro posible. Habría sido fácil reconstruir la película, la desazón de bailar hasta la extenuación para nada, pero el equipo de esta propuesta ha sido más inteligente y se ha quedado con esa pelea animal que habita en el fondo trayéndola a nuestros días…a esta constante lucha por sobrevivir y existir en la nada, por querer acceder al triunfo y al éxito aunque sea pisando al otro o llenándote la boca de tierra…El espacio escénico es de una belleza dolorosa, inquietante, la luz ciega a los personajes para que pierdan aún más la orientación…y el grupo de intérpretes se dejan la biografía personal entre los pliegues de la ropa…Félix Estaire ha ido al corazón de la historia para exprimirla y dejar solo arañazos de palabras en boca de los cuerpos exhaustos…Y Alberto Velasco acompaña sin titubeo este engranaje poético al abismo, esta experiencia salvaje para el imaginario del espectador.
Adolfo Simón
Lucía Miranda: Hago teatro por puro egoísmo: porque me hace feliz.
¿Cómo surge el proyecto que presentas en el CDN?…Háblanos del montaje, de tu versión…
El proyecto surge el día que Fernando Sánchez-Cabezudo me llama y me dice que quiere que participe en un Laboratorio que se está gestando entre La Zona y la Kubik donde cuatro jóvenes creadores vamos a tener 5 meses para desarrollar una propuesta. Llegué a la primera reunión con 5 ideas bajo el brazo, ¡quería hacerlo todo! Después pensando en los tiempos, el presupuesto y los derechos de autor de las distintas propuestas, me incliné por hacer una versión de Casa de Muñecas contextualizada en los años 50 en España. Mi abuela se separó de mi abuelo en 1959, y en aquellos años una mujer todavía podia ser denunciada por abandono del hogar, mientras ellos se podían ir de casa tan campantes, y las mujeres no tenían derecho a tener una cuenta en el banco o a pedir un préstamos como la pasa a la Nora de Ibsen. Hay un montón de cosas de la historia de mi abuela que me quedaron por saber, así que pensé que Nora,1959 sería una manera de conocerla mejor.
La versión tiene una mezcla del texto de Ibsen respetando la trama original; con teatro musical, porque el mundo sonoro de aquellos años está presente con figuras y cantamos y bailamos en directo; el teatro documental, porque hemos entrevistado a mujeres mayores de 75 años sobre aquella época y sus voces aparecen como un documental sonoro; y el radioteatro o la radio performance, porque la recuperación de la radio de aquellos años, con Elena Francis, o el programa de detectives En Busca del Culpable son fundamentales en esta versión.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Sí. Una de las mejores cosas del proyecto de LaZonaKubik es que me han dado plena libertad para elegir el equipo, así que el equipo artístico de Nora, 1959 es la gente del Cross Border Project, mi compañía. Algunas escenas nuevas como en las que aparece el hijo de Nora han surgido de improvisaciones con los actores. También jugamos a ver qué usos diversos podíamos dar a los objetos que tenemos en la escena, y de las propuestas de ellos ha surgido la figura de la maleta Tragaderas. Hay escenas como la del flashback de la vida de Cristina y Nora como amigas donde aparecen una serie de vivencias de ellas que nacen de una improvisación que hicimos una tarde de taller con la compañía filipina PETA Theatre. También están ideas que han surgido de los dos talleres que se hicieron junto con el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional, como el espacio sonoro de la fiesta que los participantes podrán reconocer en la puesta en escena. La selección musical de los temas, aunque está decidida por Nacho Bilbao que es el director musical y por mí, nace de un listado donde todos los actores propusieron temas de aquellos años. Y algunas de las mujeres a las que hemos entrevistado son abuelas o familiares del equipo. Nacho Bilbao, Ángel Perabá y Belén de Santiago que están en el espectáculo como músico, Torvald y Nora respectivamente, también se han encargado de dirigir las propuesta musical (Nacho), coreográfica (Ángel) y textual (Belén) , liderando el taller de Espacio Sonoro o el entrenamiento en Viewpoints. Es un trabajo totalmente hecho desde el equipo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
A nivel técnico hemos trabajado muchísimo con el espacio sonoro y cómo crearlo desde el elenco. Hubo un taller en colaboración con el Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional donde aprendimos de radio teatro, radio performance, un taller de radio en la SER para ver cómo se hace radio ahora… Y también hemos trabajado desde el teatro documental y las entrevistas que hemos hecho a un grupo de mujeres mayores, para dar voz a esas Noras de los 50. Hicimos también un pequeño taller de Viewpoints que dirigió Ángel Perabá.
A nivel estético hemos trabajado con el imaginario de Edward Hopper, vino Germán Huici profesor de Historia del Arte experto en el tema, y sirvió para que escenografía, vestuario y luces caminaran en la misma dirección. Queríamos que hablara de las mujeres de la posguerra, pero que fuera un espectáculo universal, no localista, de ahí Hopper.
¿Por qué haces teatro?… Porque me hace feliz, porque no sé hacer otra cosa, porque me encanta cuando estamos toda la compañía junta riéndonos de lo mal que ha salido algo, porque viajo y conozco a gente de otros lugares. Podría decir algo profundo sobre la importancia del teatro y las artes en la vida de las personas, pero es que yo hago teatro por puro egoísmo: porque me hace feliz.
¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?… Háblanos de los más recientes…
La verdad es que ha sido un año maravilloso. Empecé 2015 haciendo la dramaturgia y la puesta en escena de dos conciertos para la JORCAM en los Teatros del Canal. Uno de música coral y otro de zarzuela. Ambos procesos fueron geniales. Yo nunca había trabajado con un coro, y la música me encanta, además en la JORCAM me dieron plena libertad para articularlos. Después La Cuarta Pared me invitó a dirigir el final de curso de la Escuela, y escribí Las chicas no fuman igual, una pieza de teatro foro sobre la violencia de género en la adolescencia. Fue sorprendente la acogida, y de nuevo tuve libertad y confianza plena por parte de la Cuarta para elegir tema, formato… el equipo estuvo a tope, y me sirvió para reafirmar que tenemos que hacer más teatro foro: escribirlo, montarlo, enseñarlo, ¡todo! ¡Es una herramienta poderosísima! Desde el Cross Border Project adaptamos otra pieza de teatro foro con la que llevamos 3 años ¿Qué hacemos con la abuela? sobre el Alzheimer y el cuidado a los mayores a calle porque la llevamos a la Plaza Mayor de Fira Tárrega, y fue otro momento de reflexión y decisión: tenemos que hacer más trabajo de este tipo, provocar espectáculos más participativos, más dialogantes… En diciembre que medio descansamos, pensaremos cómo hacerlo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?… Creo que el teatro debe tener tantas funciones como tipos de espectadores. Tiene que haber un teatro que entretenga, que evada, porque hay un público que demanda eso, pero también tiene que haber un teatro que provoque, que plantee preguntas, que muchas veces no entiendas. Para mí y el teatro que intento hacer es un teatro de encuentro, de conversación, creo que el teatro tiene que generar una conversación no sobre lo bien o mal que han estado los actores sino sobre el tema qué se ha visto y cuál es la posición del espectador, que descubrió o que reafirmó.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?… Creo que está afectando en dos sentidos. El Gobierno está destrozando un tejido empresarial y la profesionalización de un sector, aumentando la precariedad de todos los que trabajamos en él, al mismo tiempo que se recorta el acceso a la cultura de los espectadores (mayor subida de precios, menos gente que puede acceder a ciertas propuestas) lo que reduce la capacidad crítica y la capacidad de soñar de los espectadores, que son la sociedad entera. Por no hablar del tema de la educación artística en los colegios. Es tremendamente irónico cuando nuestros políticos salen hablando de la marca España como algo positivo, cuando están destrozando el sector que en gran parte crea esa marca.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?… Lo último que he visto ha sido Beautiful Beach de Antonio Ruz, compañero del laboratorio de LaZonaKubik y lo disfruté un montón. Antonio me parece un creador con un universo muy particular, que trabaja muy bien los contrastes, y me encantó como integró a los músicos en la propuesta, como se combinaban los solos con las partes de elenco. Admiro el trabajo de elenco, y el final estaba muy bien construido. Veo menos danza contemporánea de la que me gustaría, y me pareció un espectáculo para todos los públicos. Había varios niños viendo la función y se lo cantaron todo.
¿Proyectos?… Con mi compañía The Cross Border Project participamos en diciembre dentro de la exposición Ni Arte Ni Educación en Matadero Madrid con un taller para adolescentes al que le tenemos muchas ganas. Es de creación colectiva con adolescentes y vamos a usar spoken word, una herramienta que llevamos tiempo probando. En enero me voy a Etiopía a dar un taller de teatro foro y a trabajar con una compañía de allí. Y estoy a la espera de volver a coger la maleta para Ecuador y Nueva York en 2016, estoy esperando cerrar calendario.
¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Creo que el simple hecho de estar haciendo teatro hoy en día, de trabajar en este sector de las artes escénicas que es una industria y al mismo tiempo un servicio público aunque a nuestro Gobierno se le olvide, es totalmente combativo.
«Cuando deje de llover» de Andrew Bovell en Matadero Madrid.
Se dice que la vida son dos días… pero en ese pequeño transcurrir pueden suceder muchas cosas, cosas importantes o simplemente anecdóticas aunque para nosotros pueden tener gran trascendencia. Andrew Bovell nos sitúa en dos espacios temporales diferentes para hablar de cuatro generaciones que han transitado por esas pequeñas anécdotas repitiéndose generación tras generación y que imprimen ritmo a nuestras vidas y a su dramaturgia: pintar una casa, comer esa sopa de pescado deliciosa,… todo un pretexto para hablar de temas trascendentales como la culpa, el arrepentimiento, el amor, el tempus fugit, el cambio climático o las creencias personales que modifican nuestra existencia…
«Cuando deje de llover» ha sido montada, muy acertadamente por Julián Fuentes Reta, en cuatro espacios correspondientes a las esquinas de una disposición «en arena» y que hace rotar a las cuatro generaciones que aparecen en la obra, dando el protagonismo justo a cada personaje para crear una obra coral en la que lo que importa son las ideas que expresan cada uno de ellos a través del pretexto de una creencia en una profecía: el nuevo diluvio que acabará con la especie humana.
Bovell crea una obra maestra en la que va componiendo el cuerpo de un vestido con retales temporales, sin conexión aparente hasta que todos aparecen pespunteados y compuestos en un traje perfectamente confeccionado para que el espectador espere paciente o impacientemente a probárselo. Ésto hace que se mantenga la atención constantemente sobre la escena, tratano de hilar cada retazo del patrón hasta que se consigue entrever la factura final. toda una obra de composición digna del mejor de los sastres y dramaturgos.
Luis Mª García Grande.
Artes plásticas
Leopoldo Pomés: Flashback en la Sala Canal Isabel II (Madrid)
Más info en: http://www.fundacioncanal.com
Alex Katz: Aquí y ahora en Museo Guggenheim Bilbao
Más info en: http://guggenheim-bilbao.es/exposiciones/alex-katz-aqui-y-ahora/
Ni arte ni educación en Matadero Madrid
Más info en: http://www.niartenieducacion. com
Siente el vestuario del BNE – II Edición
El Ballet Nacional de España presentó la II edición de Siente el vestuario del Ballet Nacional de España. Desfile de vestuario histórico que tuvo lugar los días 15 y 16 de octubre de 2015, en la Nave 16 del complejo Matadero Madrid. La II edición del desfile Siente el vestuario del Ballet Nacional de España es una iniciativa propuesta por Antonio Najarro, a través de la cual se pudo conocer la historia del BNE a través de su vestuario.
Un desfile coreografiado, una experiencia única, viendo a todos los bailarines y al propio director del BNE lucir los 200 trajes de los ballets más representativos y emblemáticos de su historia: Aires de Villa y Corte, Seis sonatas para la reina de España, Elegía-Homenaje (A Antonio Ruiz Soler), Carmen, Laberinto, Don Juan, El corazón de piedra verde, Negro-Goya, La gitanilla, Café de Chinitas, Fandango del Padre Soler, Semblanzas, Concierto de Aranjuez, Intermedio de Goyescas, Zarabanda, A mi aire, Zapateado, Puerta de tierra, Con mi soledad, Toreador, Sevilla, Alegrías de la Lola, Chacona y El sombrero de tres picos. Viviendo esta experiencia plástico-coreográfica, uno se pregunta por qué no hay un museo con todos los maravillosos fondos de la historia del vestuario y escenografía de nuestras compañías oficiales que, seguro, serían de interés internacional. Como siempre, hay que caer en el tópico y decir que otra cosa sería si esta riqueza artística la tuvieran otros países. Hay que animar al Ballet Nacional a que repita este espectáculo espléndido para que lo disfrute el gran público.
Adolfo Simón
«El arquitecto y el emperador de Asiria» en Matadero
El Teatro Español ha estrenado en Matadero Madrid una de las obras cumbres de Fernando Arrabal que se presenta como un imprescindible para comenzar esta temporada. Imprescindible por muchos motivos: Primero porque Arrabal es uno de los más importantes autores españoles reconocido internacionalmente y del que se ha dicho que tiene una voz propia y característica, y eso nadie lo duda.
En «El arquitecto y el emperador de Asiria» podemos disfrutar de su dramaturgia en pleno esplendor, con el surrealismo brotando y la filosofía flotando por todas partes. Arrabal tiene afilados sus cuchillos y los va hincando rápidamente en la cabeza del espectador con poesía y humor. Nos hace recapacitar a través de dos personajes estrambóticos y ridículos, sobre la gran metáfora de vivir en sociedad, de ser humano y tener que compartir nuestro espacio con otros humanos,con todo lo que esto conlleva. El autor se ríe en nuestra propia cara del complejo de Edipo, de la justicia, de la monarquía y de la política, del poder, del aprendizaje y de todo lo que nos rodea… sin dejar pie con cabeza. Pero todo esto, que nos parece un tema tan actual… se escribió hace cincuenta años…
Además del talento del autor hay que poner también su medalla a Corina Fiorillo, la directora, que ha sabido llevar por buen camino, con destreza dinamismo, a unos espléndidos Fernando Albizu y Alberto Jiménez, que entran perfectamente en ese juego de burla y sátira que caracteriza al autor y a los que no les duelen prendas en enseñar el culo, sin cabeza ni pies, solo el culo, para poner imagen a ese surrealismo desbordado.
Luis Mª García
IV Edición del Festival RIZOMA
Del 24 -28 junio en Matadero Madrid.
Más info en: http://www.rizomafestival.com
Europa: Pasajes de Invierno de Florentino Díaz en Matadero Madrid y Fotogramas de Gloria Lomas
Europa: Pasajes de Invierno
Florentino Díaz
Abierto x Obras – Matadero Madrid
Inauguración: Jueves 11 de junio, a las 20 h.
Hasta el 30 de agosto de 2015. Martes a viernes de 16 a 22 h. Sábados, domingos y festivos, de 11 a 22 h. Entrada gratuita.
Más info en: http://www.mataderomadrid.org
Fotogramas de Gloria Lomas
«El Señor Ye ama los dragones» en Matadero Madrid
«El Señor Ye ama los Dragones» nos sumerge en una ciudad lúgubre, apestada y que se equipara a una gran colmena, una colmena humana donde conviven las abejas obreras, los zánganos y las abejas reinas. A través de un pequeño cuento sobre un hombre que quería adorar a los dragones, pero no era cierto, ya que por lo que realmente se sentía atraído era por el ser mitológico y no el real, se nos plantea una dramaturgia perfecta, concisa y con la duración necesaria para meternos de lleno en el fenómeno de la inmigración china en las grandes ciudades y el despropósito que ha causado en las clases «acomodadas» representadas por las señoronas de un barrio bien de la ciudad.
Merecen especial mención Gloria Muñoz y Lola Casamayor en su compromiso con la interpretación de sus personajes. Gloria Muñoz, metida en la piel de la abeja reina sigue a la perfección su papel, embuchada en ese abrigazo de señora arreglada, con su cardado que se retoca deliberadamente y cada vez que exige el libreto (porque lo exige literalmente) y Lola Casamayor encarna la vecina que ya ha visto de todo y a la que le da lo mismo ocho que ochenta mientras no le quiten su dulce diario y su televisión a todo volumen. Ellas recrean este thriller cañí como si hubiesen vivido toda la vida en esos pisazos decorados con el gusto más refinado de los sesenta, con su refinado gusto por el encaje. Además, la exigencia de el libreto de incorporar a actrices chinas, ya que el autor partía de la investigación en el teatro entre dos culturas y lenguas diferentes, aporta una nota original en el reparto, incorporando a dos estupendas actrices chinas como son Huichi Chiu y Chen Lu
Muchas veces un «cuento chino» nos ayuda a abrir los ojos y bajar a la tierra para darnos de bruces con la realidad porque detrás de las pequeñas historias hay grandes consejos. Paco Bezerra es especialista en escoger temas sociales actuales y maquillarlos de esperpento valleinclanesco, barnizarlos con toques cañís y rebozarlos con salsa agridulce para que salga una obra luminosa, atrayente e interesante para cualquier persona, como dice él desde un punky hasta una señora del barrio de Salamanca.
Luis Luque le ha dado un acabado final exquisito que coloca a cada personaje en el plano intelectual que merece y además lo enmarca en la escenografía, también plenamente acertada que nos sugiere una mezcla de muralla china a través de unas escaleras que asemejan la muralla por donde transitan los cuatro personajes de panal en panal. Además infunde a cada personaje una extraña mezcla entre la forma de interpretación china y la occidental.
En definitiva, una galleta de la suerte rellena con palabras de sabiduría en forma obra para todo el mundo: actores, directores y público.
Luis Mª García Grande
Exposición: CADA PALABRA ES COMO UNA INNECESARIA MANCHA EN EL SILENCIO Y EN LA NADA de Eugenio Ampudia
En Matadero Madrid.
Más info en: http://www.mataderomadrid.org/ficha/4099/cada-palabra-es-como-una-innecesaria-mancha-en-el-silencio-y-en-la-nada.html
Arte y performance
Guerrilla Girls 1985-2015
Matadero Madrid inaugura el viernes 30 de enero a las 19 h. Guerrilla Girls 1985-2015, una exposición que compila la práctica totalidad del trabajo realizado por el colectivo artístico feminista estadounidense Guerrilla Girls e inaugura una serie de eventos que en 2015 conmemoran los 30 años de la fundación del colectivo. Junto a sus emblemáticos carteles, organizados en una secuencia cronológica, se muestran una serie de documentos que generan un «contexto» que informa sobre la historia y los procesos de producción de Guerrilla Girls. Con las publicaciones, camisetas, correspondencia, documentación de acciones y exposiciones y demás memorabilia del colectivo también se puede ver el documental Guerrillas in Our Midst, realizado por Amy Harrison en 1992, y la entrevista en video con las integrantes del colectivo que realizó el comisario Xabier Arakistain en 2013.
Además, el sábado 31, a las 17 h. varias de las Guerrilla Girls ofrecerán una conferencia performance en Cineteca Madrid
Más info en: http://www.mataderomadrid.org
Clásicos y contemporáneos
Bienal Iberoamericana de Diseño
Matadero Madrid
Más info en: http://www.mataderomadrid.org
Tiziano en el Museo del Prado
Más info en: https://www.museodelprado.es
SI NO TODAS LAS ARMAS, LOS CAÑONES
El Ranchito Brasil. Programa de residencias Matadero Madrid – AECID.
Nave 16 // Matadero Madrid. Del 15 de noviembre de 2014 al 6 de enero de 2015.
Inauguración: viernes 14 de noviembre, 19 horas. Entrada libre
Desde Berlín (Tributo a Lou Reed) de Juan Villoro, Juan Cavestany y Pau Miró en Matadero Madrid
Un espectáculo que va más allá de la biografía de Lou Reed, basado en la obra poética, musical y visual del ya desparecido Lou Reed. Desde Berlín trata sobre la dificultad de vivir la convención de la sociedad, de la búsqueda de un espacio diferente para las pasiones, sobre cómo vivir el lado salvaje de una manera normal y cotidiana. Un canto a una generación que enseñó actitudes desde el recuerdo de Lou Reed, un artista excepcional que, con su obra y actitud vital, mostró diferentes caminos para estar vivos. Andrés Lima firma la dramaturgia y dirección de esta extraña y sugerente pieza de estética potente y de un acompañamiento musical idóneo para crear las atmósferas necesarias que narran este puzle biográfico. Natalie Poza crea un desasosegante personaje que atrapa todo el tiempo desde la escena.
Adolfo Simón
Dos exposiciones comprometidas en Matadero Madrid
MEGAFONE.NET/2004-2014
Desde el 31 de Octubre al 11 de Enero
NAVE 16 Una instalación audiovisual que documenta una década de actividad del proyecto megafone.net creado por Antoni Abad.
MUROS ENTRE HOMBRES
Desde el 31 de Octubre
MATADERO MADRID Celebrando el 25 aniversario de la caída del muro de Berlín, se propone una exposición fotográfica sobre los muros de separación que están aún en pie.
MEGAFONE.NET/2004-2014 de Antoni Abad en Matadero Madrid
MEGAFONE.NET/2004-2014
Antoni Abad
Inauguración: Viernes 31 de octubre, 19 horas.
Nave 16 | Matadero Madrid
Hasta el 11 de enero de 2015
De martes a viernes, de 16 a 22 h.
Sábados, domingos y festivos, de 11 a 22 h.
Entrada gratuita
Más info en:
http://www.mataderomadrid.org
Los justos de Albert Camus en el Matadero Madrid
Albert Camus fue uno de los escritores y filósofos más importantes del siglo pasado, a pesar de su temprana muerte, nos dejó una serie de obras de imprescindible lectura para todo ciudadano que se precie como tal. Los justos se estrenó en Paris en 1949 y más de medio siglo después sigue, desgraciadamente, vigente. El mayor acierto de esta propuesta teatral de la productora 611 Teatro es la ajustada versión que ha hecho José A. Pérez y Javier Hernández-Simón que también firma la puesta en escena. Resulta inquietante que encaje todo el material dramático para hablar de una realidad a la que Camus no hacía referencia directamente en el texto original. Un teatro político no tiene por qué estar exento de una propuesta estética potente y este montaje la tiene y se luce espléndidamente en el escenario del Matadero Madrid. Entre esas paredes donde la muerte habitó, ahora se instala un drama claustrofóbico que genera un pulso constante entre la vida y la muerte. El director ha imaginado una tela de araña que surge de la madre tierra y en la que los personajes están atrapados mientras no sean capaces de huir de ese cordón umbilical infecto. Los actores están medidos y precisos en su trabajo, no hay estridencia en ninguno. Todo el conjunto de efectos escénicos, suma en este trabajo de gran belleza ética.
Adolfo Simón
XV Salón Internacional del Libro Teatral
Del 31 de octubre al 2 de noviembre en Matadero Madrid
Más info en: http://www.aat.es
Vicente Colomar: «El teatro es siempre un gesto político y una forma de conocimiento palpitante, poético, trascendente»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Cuando era pequeño mi pasión era el ballet. Mis hermanas bailaban y a mi me apasionaba pero en los años 80 en una pequeña ciudad de provincias como Oviedo bailar para un chico no era fácil en ningún sentido. Así qué cuando me hice adolescente busque algo parecido y entré en el grupo de teatro del instituto. De ahí a las escuela de teatro de Gijon ITAE y dos años después a la RESAD de Madrid.
En la RESAD te educan para que cuando termines la escuela te sientes en tu casa a esperar que te llamen de un nacional para hacer cuatro frasecitas ( cosa que rara vez pasa) no te dan herramientas para defenderte en la profesión ni te enseñan nada útil. No piensan que el actor sea un creador. Por eso los primeros años estuve un poco paralizado a expensas de los proyectos que me llamaban. Y, como me llamaban con cierta regularidad, me acomode a esa situación y me dedique a gastarme el dinero por las discotecas. Con el paso del tiempo me di cuenta de que mis necesidades eran otras y empezó a dirigir escribir, producir, enseñar, investigar, estudiar….
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Una ensalada muy mal aliñada. Por qué quiero adelgazar
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
No hago balances por qué me mareo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro puede ser útil para muchas cosas: educar, integrar, reivindicar, ganar dinero.. Pero esa no es su auténtica función. Creo que el teatro, como todas las artes, debe proponer disidencias estéticas que nos ayuden a percibir la realidad de una forma diferente y construir así un mundo nuevo. El teatro es siempre un gesto político y una forma de conocimiento palpitante, poético, trascendente.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Llevo dos años trabajando en esta pieza que presento en Kubik Fabrik. También durante el año pasado trabaje como actor en «Algunas especies en vías de extinción» producida por el Centro Dramático Nacional y dirigida por Aitana Galán para el María Guerrero. Colaboré con el Grupo de Teatro Yeses integrado por internas del centro penitenciario Alcalá Meco. Formé parte del cursos de estudios avanzados Teatralidades Expandidas Redes de Afecto dirigido por José Antonio Sánchez en el Centro de Arte Reina Sofía. Y trabaje como cuentacuentos infantil con mi propio espectáculo. También alguna aparición televisiva y esas cosas. Diversificarse o morir.
¿Cómo surgió la propuesta que presentas en KUBIK?…Háblanos de ella…
Esta pieza viene de un proyecto de investigación más amplio con el que he estado en residencia en Matadero Madrid y en L’Estruch en Sabadell entre otros sitios. Es un trabajo sobre lo común y lo colectivo, y propone un cambio ontológico en la idea del individuo .Este es un proyecto largo y complejo en el que intervienen varios performers. Llegado un determinado momento sentí la necesidad de presentar mi trabajo ante los espectadores, ganar visibilidad y hacer algunos bolillos. Así que con los descartes de este proceso de investigación y otros materiales forcé un poco el proceso y saque esta pieza en la que actúo solo aunque he tenido la inestimable ayuda de Raúl Marcos, Ricardo Santana y Jesús Tejido en la parte técnica (no se trabajar sólo).
El trabajo final es una reflexión sobre la construcción de la identidad a través de los códigos sentimentales (sobre el capitalismo sentimental).
¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Para mí la metodología es algo flexible, poroso, amoldable. Por eso en cada trabajo desarrollo dispositivos específicos para cada línea de investigación.
Dentro del proyecto La Casa en el Árbol he trabajado hasta ahora con el video y los lenguajes audiovisuales siempre desde un perspectiva teatral. Me interesa todo lo que ocurre en el fuera de campo. Digamos que trabajo con la disolución del cine en la práctica escénica.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Lo del IVA es terrible pero no creo que sea un problema específico del teatro. Si seguimos protestando por el IVA corremos el riesgo de que lo bajen y seguir igual de mal. Pelear por el IVA es aceptar (aunque sea de manera implícita) las políticas de industria cultural que han destrozado la profesión, es aceptar esa posición. El señor Pedro Sánchez ya ha dicho que nos lo va a bajar si gobierna. ¿Alguien se cree que este señor va a solucionar la problemática del teatro o del arte en este país? .
Nuestra lucha es mucho más profunda, más terrible, más desgarradora. No se puede nadar y guardar la ropa.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
La Opera Orfeo y Euridice de Gluk dirigida por Romeo Castellucci. Una absoluta obra maestra. Lo mejor es que alguien colgó en facebook el link y la vi completamente gratis. Te lo puedes creer?? Es absolutamente maravilloso. Tener acceso a ese material que ha modificado mi perspectiva sobre el teatro de una forma tan sencilla y gratis!. Estas son las maravillas de los tiempos moderno, para mi es algo como el descubrimiento del fuego. Cultura libre! Algo que nos quieren quitar. A eso me refiero cuando digo que nuestra lucha es mucho más profunda, más compleja.
¿Proyectos?…
Ahora mismo estoy dirigiendo el proyecto de teatro comunitario del Corral de Alcalá dependiente de la Abadía que presento los días 9, 10, 11, 12 de octubre “Viejos soldados hidalgos y pobres”. El día 16 de octubre estreno en Cuarta Pared “Las Neurosis Sexuales de Nuestros Padres” de Lukas Bärfuss en la que trabajo como actor y con la que estaremos tres semanas. A principios de 2015 en colaboración con Armadillo realizare el trabajo escénico “Un Alma Buena” inspirado en el “El Alma Buena de Sesuan” de Beltor Brecht producido por Oxfam Intermon. En Noviembre estaré con mis cuentos en Kubik Fabrik. Creo que volveré a colaborar con el grupo Yeses. Me han ofrecido ser el director artístico de toda la animación del parque Tivoli. Y, si nada se tuerce, este año empiezo a escribir mi tesis doctoral que me hace muchísima ilusión. Aaaa y espero hacer algunos bolos con La Invasión de los Ladrones de Cuerpos que presento ahora en Kubik Fabrik. Como comentaba antes diversificarse o morir.
Feria Internacional de Arte SUMMA contemporary
18-21 de septiembre
Matadero Madrid, Nave 16
Más info en: mataderomadrid.org
Exposiciones para abrir temporada…
Fundación Telefónica:
Rafael Lozano
Más info en: http://www.fundacion.telefonica.com
Círculo de Bellas Artes:
José Manuel Navia
Más info en: http://www.circulobellasartes.com
Matadero Madrid:
Artes Visuales
Más info en: http://www.mataderomadrid.org
Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31:
El rostro de las letras
Más info en: http://www.madrid.org
Que Revienten los Artistas 
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