Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Sonia Sebastián

Cervantes en chandall y auriculares

Que gusto da descubrir, en medio de los grandes fastos de la celebración sobre Cervantes, piezas escénicas que se enfrentan al monstruo de la literatura con bisturí y cincel. Desde la dramaturgia de Alberto Conejero con Rinconete y cortadillo que los Sexpeare defienden de manera personal y moderna bajo la dirección de Salva Bolta que se ha presentado en la sala Negra de los Teatros del Canal a la adaptación ingeniosa de María Velasco con la que quita polvo y paja a La gitanilla y que, Sonia Sebastián ha sabido dirigir jugando con los rincones y espacios singulares de la Sociedad Cervantina. No digo que no se tenga que conmemorar de manera respetuosa una figura como Cervantes, pero, el público inquieto de hoy, seguro que agradece el aire fresco que estos equipos atrevidos hacen con la literatura clásica. No podemos quedarnos atascados en el lenguaje de otra época, hay que evolucionar y mezclar estéticas para que surjan nuevos referentes en el arte.
Adolfo SimónRinconete--620x349

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Piezas de otro mundo por ti en Microteatro por dinero

Microteatro por dinero se ha convertido en uno de los formatos más imitados escénicamente en los últimos tiempos. La ciudad de Madrid y otras del país están trufadas de piezas breves que se muestran en recónditos espacios. Este mes, Microteatro por dinero ha tenido el tema de “Por ti” como estímulo para las historias que han representado en su peculiar teatro. Acudir a Microteatro es una experiencia que siempre depara satisfacciones…Se descubre un autor o una directora…Se ve por primera vez una intérprete desconocido que tiene energía y magia…Y sobre todo, se encuentra uno, allí, a profesionales de larga trayectoria que se quieren medir con ese espacio mínimo en el que han de cohabitar con el público. En esta ocasión he transitado por piezas de la sesión de tarde y la golfa…
En la tarde he de destacar los trabajos de Juan Meseguer, Lola Blasco, Nancho Novo, Miquel Mars y en la golfa a Sonia Sebastián, Estefanía de los Santos, Rodrigo Poisón o José Ignacio Tofé…acompañados en todas ellas de un buen grupo de jóvenes promesas escénicas.
Todas las historias tenían algo en común, la necesidad de creer en algo externo que nos hará libres y nos llevará a la felicidad eterna, para ellos, los personajes no escatimarán recursos y locura que, al final, no les sitúa en ese tiempo de calma zen si no en una vida al borde del precipicio y la locura con terribles consecuencias, en algunos casos divertidas.
Adolfo Simón
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Cervantes y Shakespeare en el Día del Libro

Este año, el Día del Libro lo he celebrado de la mano de Shakesperare con una función deliciosa de Hamlet en el Teatro del Canal. Shakespeare’s Globe se embarcó en una gira mundial que durará dos años y los llevará a visitar todos los países del mundo con esta producción. Globe to Globe Hamlet, dirigida por el director artístico de Shakespeare’s Globe, Dominic Dromgoole, es una aventura teatral sin precedentes. Esta producción propone una puesta en escena fresca y jovial de la clásica tragedia shakesperiana, que da cuerpo tanto a sus venganzas como a su comicidad y enardecido uso del humor negro, latente a través de toda su obra; igualmente celebra la exuberancia y la inventiva de su lenguaje. Y lo hace desde una propuesta sin aparatosidad, centrando todo el trabajo en la creatividad de los actores de diferentes procedencias étnicas.
Y la otra celebración la he vivido en la Sociedad Cervantina donde pude disfrutar de un exposición de libros de artista y de un texto exquisitamente adaptado por María Velasco sobre las peripecias de insigne Cervantes en los días previos a la publicación del Quijote, representado con entusiasmo por Estefanía de los Santos y Rodrigo Posión alrededor de la imprenta donde se hicieron los primeros ejemplares de esta obra y que está en los sótanos de esta institución. Pieza dirigida con humor y destreza por Sonia Sebastián.
Adolfo Simón

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Estefanía de los Santos: Una virtud que tiene el Teatro es la multifunción

estefania0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La primera primerísima actuación en el salón de mi casa para familiares y amigos, eso ya era hacer teatro!! y profesionalmente en la Sala Mirador con “Los viernes del Hotel Luna Caribe” obra dirigida por Fermín Cabal y escrita por Alberto de Casso. Fui feliz!!

¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Por supuesto…la profesión que acompaña siempre a la actuación; camarera! Bueno y mil cosas más pero esa la que más.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Algo inevitablemente necesario, me identifico como persona teatral. En muchos sentidos…menos mal que siempre tendré salones donde poder saciarme!!.

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¿Por qué haces teatro?…
Para ser feliz, haciéndolo me aseguro un ratito de felicidad.

¿Qué balance harías sobre tu  trayectoria?…
De montaña rusa.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
Las que ha tenido y tendrá siempre; mostrar realidades, ensoñar, entretener, divertir…Es una virtud que tiene el Teatro; la multifunción.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?Háblanos de ello…
En teatro: ”Las Plantas(la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” , “Las palabras(una historia de amor) ambas de Pablo Messiez, dos maravillas para mi corazón por muchas razones…y “Normal” de Chiqui Carabante para Microteatro un loco divertimento. En cine: ”Hablar” de Joaquín Oristrel un proyecto muy interesante ya que es una película de un sólo plano secuencia y “Chica busca chica” de Sonia Sebastián una divertidísima película de enredo. Se estrenan este año. Y he participado en tres cortos también: ”Quiero conocer a Brad Pitt” de Esteban Garrido y “Más sabe el diablo” de Benja de la Rosa, dos cortos que son dos chaladuras muy locas!. Y ”Hermano” escrito y dirigido por Javier Roldán, una hermosura…

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje Las plantas?…Háblanos de este trabajo
Fue un regalo de Pablo Messiez por Reyes. Siempre lo digo; ¡Yo no creo en los Reyes pero sí en Pablo!!. Es uno de los mejores regalos de mi vida.
De los trabajos más satisfactorios, me está dando muchas alegrías, muchas reflexiones…

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¿Cómo ha sido el trabajo con Pablo Messiez?…
Fácil, fluido, lleno de amor, trabajar con Pablo es una bendición, una suerte caída del cielo. Te hace sentir bien todo el rato. Es pura generosidad.

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Pues yo a mis personajes los pienso mucho; sobre todo, y después los siento y los quiero y como por arte de magia sus expresiones van apareciendo, se van encarnando en mi cuerpo… Y, cosa rara!! el hecho de como van peinados me los termina de colocar!… Ya ves…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Cuál salmones…luchando contra corriente! Los recortes y el 21% i.v.a son actos satánicos. Pero aquí estamos bieeen ricos de espíritu!.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Comento un par, aunque me han interesado más; “La piedra oscura” es una joya! quien la haya visto sabe los tantos porqués y quien no la haya visto que corra, vuele para conseguir entradas para la próxima temporada.
Y “A vueltas con la vida” la gran Beatriz Carvajal está espectacular. Adoro a esta mujer.
Recomiendo “Killing Paquito”, ”A-creedores”, ”Como si pasara un tren”…aaah! ¡tanto buen teatro!…

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¿Proyectos?…
Estoy en pleno rodaje de “La Tama”(título provisional) de Martín Costa. Esta película va a sorprender. En breve empiezo ensayos para un Microteatro dirigido por Sonia Sebastián que me apetece muchísimo entre otras cosas,trabajo por primera vez con mi hermano Guillermo de los Santos y es un sueño cumplido!. Y seguiremos regando “Las plantas(la carne,la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” ¡qué me llena de felicidad!…Bueno y algunas cosas que están por cerrar y ya se sabe…
Y el proyecto de los proyectazos seguir viviendo con alegría y estusiasmo!.


Carlos Lorenzo: Hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

LORENZO¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios en el teatro fueron en Asturias. Estaba estudiando Psicología y me apunté a un curso de teatro con Etelvino Vázquez. Él me animó a matricularme en el Instituto del Teatro de Asturias (ITAE) y así lo hice. Inmediatamente pasé a formar parte de Teatro del Norte, liderado por Etelvino. He realizado casi todos los trabajos realizables en una compañía de teatro: ayudante de dirección, ayudante de producción, regidor, utilero, maquinista, chofer, etc. Pero cuando empezaba, siempre con la actuación, mi cometido era la escenografía y el atrezzo. Estoy muy interesado en las artes plásticas. De hecho, he seguido diseñando algunas escenografías para otras compañías profesionales.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de vida y una necesidad. Prácticamente todo en mi vida gira alrededor del teatro: trabajo en teatro, mi principal ocio es el teatro, la mayor parte de mis amigos los he conocido haciendo teatro…sigo formándome en teatro y cuando paso tiempo sin hacer teatro me invade la tristeza. Es una pregunta que me han hecho varias veces a lo largo de mi carrera y mi respuesta suele ser bastante difusa, creo que va implícita en la respuesta anterior. Pero te diría que hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento un privilegiado por poder vivir de esta profesión. Llevo veinte años trabajando casi exclusivamente de ella y sé que eso no es lo habitual. Siempre he sido lo que se llama un “actor de compañía”, eso no todos los actores lo llevan bien, porque en un montaje tienes un papel protagonista, en otro de reparto y en otro haces la ayudantía de dirección. Yo estuve siete años formando parte del Teatro del Norte y trece años en la compañía L´Om Imprebis que dirige Santiago Sánchez. Esto te da una estabilidad laboral pero tiene una contrapartida y es que tu nombre pasa a un segundo término. En los últimos dos años y tras haber formado parte del reparto de Transición, coproducción con el CDN y en diferentes montajes del Off, en lo que va de año he participado en cinco montajes.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro no debe ser sólo entretenimiento, no es difícil sucumbir a esta función y más en estos tiempos difíciles Creo que el teatro debe ser un lugar para la reflexión y una experiencia poética compartida por un grupo de seres humanos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Como decía antes este año ha sido muy fructífero en proyectos. Empecé el año en la sala Arte&Desmayo con 405 de Marilia Samper, dirigida por Juanma Gómez, un thriller psicológico y no falto de humor que protagonicé junto a Elia Muñoz, una partenaire de lujo. En Marzo retomamos El banquete, noche de borrachera filosófica ,que ya había sido estrenada en el Festival Fringe del año pasado; una adaptación de El Banquete de Platón hecha por María Velasco , Alberto Conejero , Sergio Martinez Vila , Ana G.Costa y Elena Lombao, con la dirección de Sonia Sebastián y acompañado por Miquel Insua , Natalie Pinot , Julio Rojas , Aarón Lobato , Hiuchi Chiu y María Ordoñez. Se reestrenó en el Ateneo de Madrid dentro del Festival Ateneo mucha vida en Marzo y continuamos en la sala Nave 73 en Abril y en junio en” La Pecera “del Círculo de Bellas Artes. Y también en Junio estrenamos Instantes en la Sala Tu, con textos de Paloma Pedrero , Nestor Villazón y Sandro Cordero , dirigida por Roberto Cerdá y acompañado por Mélida Molina , Ana Blanco Y Sergio Otegui . Formada por tres piezas breves con un denominador común encuentros que se tornan excepcionales y desembocan en la unión amorosa .
A principios de Julio participé en el festival Clásicos en Alcalá con Un cuento de invierno de W. Shakespeare , en versión y dirección de Carlos Martínez Abarca para Síosí teatro con uno de los personajes más complejos a los que me he enfrentado en mi carrera : Leontes , junto a Rocío Marín , Zaira Montes, Jimy Castro, Nuria López, David Lázaro, Oscar Ortiz de Zárate y Xoel Yañez . Participando también en los Festivales de Almagro , El Escorial ,etc. Y en Septiembre llegó Cliff / Acantilado sin duda el texto más bonito que me han ofrecido nunca, un reto y una oportunidad de enfrentarme en solitario a la descomposición de un mito. Ha ido muy bien por lo que seguimos programados en La Pensión de las Pulgas.

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¿Cómo surgió tu participación en Cliff?…Háblanos de ella…
Cliff surge del empeño de Alberto Velasco de poner en pie la obra de Conejero, del encuentro de estos dos creadores, y del flechazo que tuvimos el resto del equipo con ella. Hace tres años, cuando la obra ganó el premio LAM ya pudimos comprobar su eficacia en la lectura dramatizada, dirigida por Elisa Marinas en la SGAE y que yo mismo protagonicé. Cuando conocimos La Pensión de las Pulgas nos dimos cuenta de que era el espacio ideal para albergar esta obra . Cliff /Acantilado , recurre al famoso actor Montgómery Clifft para hablar de las zonas oscuras , la cara B de las estrellas , lo que no suele salir en el papel couché , y lo hace desde la poesía del texto y la ausencia de interlocutores y con una puesta en escena que desde la sencillez y la utilización tanto de los objetos como del propio cuerpo del actor dibuja a un personaje a punto de romperse durante una hora y ocho minutos . En esta puesta en escena tiene mucho peso el trabajo de Velasco, que destaca como coreógrafo, bailarín y actor además de como director. Todo esto se apoya y complementa con el trabajo maravilloso de Mariano Marín en el espacio sonoro, quién compone parte de la música para nuestra pieza y las sugerentes imágenes que nos proporciona el videocreador Adriá Giralt.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Lo cierto es que no tengo ningún método concreto, a lo largo de estos veinte años de profesión me he seguido formando ( casi con avidez ) con diferentes profesionales que me parecía podían aportar herramientas a la hora de interpretar y de todos ellos he ido tomando lo que me resultaba útil .
Es difícil explicar como se crea un personaje , creo el personaje va apareciendo capa a capa desde la primera lectura a la última representación , normalmente las claves te las va dando el texto y a medida que vas descubriendo los porqués de su comportamiento va surgiendo el personaje . En el caso de Cliff además del texto dramático existen biografías y una abundante filmografía .

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que se están cargando una profesión que en las últimas décadas había logrado un estatus más o menos aceptable y se está convirtiendo en una actividad amateur . Las compañías consolidadas se ven obligadas a hacer montajes de pequeño formato con uno o dos actores y la falta de incentivos hace que muchos profesionales tengamos que embarcarnos en producciones sin producción moviéndonos de sala en sala y aceptando condiciones en ocasiones miserables . Es verdad que se están creando cosas interesantísimas , pero también hay mucho hacer por no parar , un poco a la desesperada .

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este último año he visto muchos trabajos interesantes y elegir sólo uno es difícil . Me gustó mucho Ahora empiezan las Vacaciones , una estupenda adaptación de El Pelícano de Stringberg hecha por Paco Becerra , con dirección de Luís Luque y cuatro actores fantásticos . Me atrapó . Una buena historia , una dirección impecable y unos actores fantásticos… ¿Qué más se puede pedir?.

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¿Proyectos?
En enero empiezo a ensayar un montaje con el CDN , voy a formar parte del elenco de Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva que dirige Guillermo Heras .

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María Velasco: Detesto el entretenimiento.

maria¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.

¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.

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¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.

¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.

¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.

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¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.

¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).

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¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.

¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.

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¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.

¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.

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¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.

¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.

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¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.


Carlos Tuñón nos habla sobre su trabajo para la escena

tuñon¿Qué es el teatro para ti?… ¿Por qué haces teatro?…
El teatro me ha dado fundamentalmente la posibilidad de encontrar y definir unos principios, una manera de ver el mundo, de confrontar y analizar lo que ocurre. Antes podía posicionarme o no frente a determinados sucesos pero no podía hablar con derecho de casi nada. Eso me lo ha dado el teatro y no es poco. La posibilidad de encontrarme y encontrar a otros, de contactar, reflexionar y descubrir. Sobre todo eso, he descubierto tantas cosas y a tantas personas gracias al teatro que mirando hacia atrás no entendería el mundo del mismo modo. Hago teatro por la capacidad que tiene de redefinición constante. En cada proceso el teatro nos abre puertas para re-pensarnos una y otra vez, para ponernos contra el paredón de nuestras contradicciones, del fracaso, del abismo, de los discursos que enarbolamos como banderas y que no quedan en ningún lugar; es la posibilidad real de mirarnos de otra manera y de mirar el mundo de otro modo, y esto es, para mí, adictivo.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria teatral?… Háblanos de tus últimos trabajos…
Comencé en el mundo del cine y del Periodismo en Sevilla, estudié realización audiovisual, producción, guión, etc…, y cuando cumplí veinte años una amiga me invitó a ver “Santa Juana de los Mataderos” de Brecht dirigido por Álex Rigola. Y aluciné… Sobre todo porque descubrí que “eso se podía hacer en el teatro”, sentí esa conexión brutal con el público, la lectura contemporánea sobre un texto no ilustrándolo sino agregando otro mundo, el compromiso físico, emocional e intelectual de los actores en directo, el humor, la mezcla de lo divertido y lo didáctico (Brecht en estado puro) y ahí entendí que se podía disfrutar al mismo tiempo que se cuestionaba al sistema. En fin, me enamoré del teatro cuando descubrí que no era tan aburrido ni banal como nos querían vender, que había directores jóvenes haciendo nuevas propuestas y que dirigir escénicamente era transportar al espectador a un mundo maravilloso y en directo. Me aboné al Teatro Central de Sevilla (uno de los mejores del mundo, por cierto, donde estrena media Europa) y desde entonces no he dejado de formarme y aprender de cuantos que podido. Gracias al apoyo de mis padres, compañeros y amigos he podido dirigir siete montajes en estos diez años y con cada uno de ellos el cuestionamiento y la incertidumbre han sido los pilares donde sujetarme: lo importante es lo que queremos generar en el espectador y lo que éste nos quiera devolver. El último montaje que he dirigido como proyecto final de estudios en la RESAD ha sido “La evitable ascensión de Arturo Ui” de Brecht y para mí ha sido como cerrar un ciclo que comenzó con “Santa Juana” hace diez años. En este espectáculo, como ocurre en “La cena del rey Baltasar”, hay una preocupación por crear un contexto donde el público pueda arrojar luz sobre el trabajo realizado, donde su impacto sea determinante en la pieza y en el proceso de investigación. De ahí la fundación de [ los números imaginarios ] como proyecto de investigación teatral y de LA MANADA como centro de estudios y formación para actores y directores.

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¿Cómo surge el proyecto de “La cena del rey Baltasar”?… Háblanos del montaje…
El proyecto surge como trabajo de investigación sobre el género del auto sacramental. Queríamos reflexionar sobre el sentido primigenio que tenían estas representaciones en el Siglo de Oro español, su alta codificación y si tiene sentido montarlas hoy, o de qué manera hacerlo. El texto de Calderón es paradigmático en este sentido y a la vez es, rara avis en este tipo de textos, una obra que comienza con conflicto en marcha y que potencia la acción por encima de la descripción. La obra gira en torno al rey Baltasar, descendiente de Nabucodonosor, quien desafió a los dioses con la construcción de la torre de Babel. En el auto, Baltasar se erige como un heredero directo de esta estirpe mítica y no duda en considerarse un Dios en la Tierra. El contrapunto en la pieza lo representa Daniel, el profeta, que no dudará en cuestionar la osadía de Baltasar y para ello invoca a la Muerte, no para que se lleve a Baltasar sino para que le “aterrorice” y se arrepienta de todos sus pecados. Nos parecía muy revelador el uso del “terror” como medio de extorsión en el hombre, ya que Daniel, por sí solo, no dispone de suficientes argumentos para convencer a Baltasar ni al auditorio; de ahí que en la pieza la presencia de ambos (el profeta y la Muerte) sea determinante para el transcurso de la acción.
Otro de los temas ampliamente estudiados en el auto es el desdoblamiento de Baltasar en sus partes simbólicas (Vanidad, Idolatría, Pensamiento) y en nuestra puesta hemos querido ir más allá, de modo que todos los personajes que aparecen son “literalmente” las partes jóvenes y añoradas del rey, representaciones no reales de su mundo interno, incluyendo a la Muerte y a Daniel. Y por ello, el propio Baltasar necesita de ellos para vivir y para actuar, al encontrarse encerrado en un cuerpo enfermo y vencido, en un estado de parálisis que supera gracias a sus alegóricos partenaires.
Como tercera punta de lanza tenemos el dispositivo escénico creado para el público. En lugar de recibir la representación desde lo alto, en carras, sobrevolando al público en el objetivo de edificar y conmemorar el Corpus Christi, en nuestro caso hemos sentado al público alrededor de una mesa, doce comensales como en una “última cena” profana, donde compartirán pan y vino junto a Baltasar y sus alegorías; de pronto, el auto ocurre alrededor nuestra, presenciamos la disolución de la máscara del actor, tomamos partido o no de la acción en favor de Baltasar o de Daniel, contactamos con la celebración, la vida, la enfermedad y la muerte de una manera directa, sin interferencias, viviendo una experiencia donde la inmersión y la relación con el entorno es íntima y personal. Y aún así, después de todo, seguimos estando en el género, ya que se celebra la eucaristía, se sacraliza un lugar profano, se reflexiona sobre los pecados del hombre, se espectaculariza el formato con música en directo, juego de luces, números coreografiados, etc…, es decir, reflexionamos desde el género y el autor pero dándoles actualidad y sentido hoy. O al menos eso es lo que intentamos.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
El proceso que plantemos desde [ los números imaginarios ] y LA MANADA es considerar al actor como un creador más, un artista con voz y criterio para tomar decisiones activas a todos los niveles, no sólo en lo que se refiere a su parcela como intérprete. Hemos puesto en cuestión la propia narrativa del auto, el formato, el género, el dispositivo, la tesis… Todo lo que tiene que ver con un análisis profundo de la obra ha sido consensuado entre todos, no sólo actores, sino con el resto del equipo artístico. Aún hoy seguimos función a función reflexionando sobre las conveniencias y dificultades de la pieza, siempre hay modificaciones, matices, lugares donde arrojar luz, y siempre partimos de la misma premisa: si está vivo, se mueve. Si no se mueve, es que no está vivo. Por eso no compartimos el mecanismo del “bolo”, cuando de pronto se decide que la obra de teatro ya está estrenada y sólo hay que repetirla, una y otra vez, una y otra vez. Lo que intentamos trabajar, semana a semana, es que el público viva una experiencia única, y para eso, el único camino que hemos encontrado es que efectivamente sea único también para nosotros, nuevo y vivo. Y sin reflexión, sin conciencia de lo que estamos haciendo, sin respeto por la vivencia, la experiencia y la re-actualización constante, creemos que es imposible. O al menos muy complicado de conseguir.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para la adaptación y la puesta en escena?…
Tengo debilidad por el trabajo de Thomas Ostermeier que viene desarrollando en Berlín desde hace quince años, por sus lecturas contemporáneas sobre textos clásicos, su conexión con el público y la ruptura de fronteras, la estética dura, la música en directo con referentes pop, la expresividad en la interpretación, etc… A nivel estético hay conexiones con el trabajo de Castelluci, Pandur, Lepage, pero todos satélites lejanos; realmente estamos en la búsqueda de un lenguaje propio que parte fundamentalmente de la experiencia con el espectador y la disolución de la máscara del actor y en este sentido los dos modelos más cercanos son Álex Rigola, como ya comenté al principio, al que he tenido la suerte de acompañar en un proceso creativo para el Teatro de la Abadía, y Andrés Lima, al que acabo de asistir en prácticas de dirección con Los Mácbez y que plantea un proceso de trabajo ejemplar para mí: trabajo conjunto con todos los departamentos desde el día uno, lectura y re-lectura de la fuente original para después estirarla hasta otros mundos, el humor, el disfrute en la puesta en escena, etc…

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
En lugar de generar significados para que el espectador tenga que desentrañarlos (como viene siendo tradición desde el clasicismo ilustrado) creo que la sociedad necesita un teatro que genere contextos donde el público se encuentre y comparta con los creadores mundos posibles, donde la reflexión y el impacto sean reales, donde haya intercambio de ideas y de experiencias, no un teatro escaparate que siempre se desarrolle de la misma manera, que ofrezca el mismo “producto” y el escenario sea un mero contenedor. El teatro nos obliga a repensarnos, a identificarnos y a mirar hacia al lado, hacia dentro, hacia fuera. Sólo este acto, el acto de mirar a otro haciendo o diciendo algo, es tan contundente que tiene sentido por sí mismo.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al
teatro?…
Se habla mucho de este aspecto pero me gustaría desviar la mirada hacia otro lugar. Está claro que el país donde vivimos no cree en la cultura ni en el teatro, o siendo justos, no cree en la cultura y el teatro incómodo para el propio sistema. Se castiga al espectador, se castiga a las salas de exhibición, se castiga a las compañías que vivían de subvenciones y de giras, etc… Nunca tendremos a un dramaturgo o director como presidente, (como sí ocurrió con Vaclav Havel) ni tendremos I+D+I en industria cultural ni estaremos en la vanguardia teatral europea. Ahora bien, el verdadero problema, donde habría que mirar con lupa porque es un teatro irrecuperable es el teatro “en la sombra”: las salas alternativas de nueva creación, las compañías de pequeño formato, las apuestas por el teatro postdramático, discursivo, asociativo, de investigación sin fines comerciales… Ellos tienen el verdadero problema porque nadie habla, porque los empresarios pierden espectadores, ayudas y giras pero los que nunca optaron a ellas, los que jamás existieron oficialmente, pero existen, estos son los que conforman el tejido cultural invisible y donde realmente está el futuro del teatro español, en los “jóvenes locos y raros” que hacen teatro imposible, ahí es donde está la vanguardia y esto es lo que está desapareciendo: la asunción de riesgos reales, la apuesta por el fracaso en pos de una experiencia no oficial ni oficiante, el teatro anti-sistema no porque lo critique sino porque se encuentra en sus límites, en sus fronteras. Ahí está el germen de lo que podría llamarse la “esperanza de las nuevas ideas” que se están extinguiendo, y como seguimos hablando de los que se mueren permitimos, queramos o no, que “los otros” no puedan nacer.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Aunque suene a tópico, realmente no hay recetas ni soluciones inmediatas, el camino seguro es el de la incertidumbre y la asunción del fracaso. Sobrevivir, tener éxito, que te reconozcan…, todo esto no hace más que incrementar la frustración y la parálisis. Hay que crear y seguir creando, investigando, reflexionando, con pocos medios, con los que haya, pero seguir “haciendo”, solo, con gente, con nueva gente, de nuevo solo, pero seguir en este camino si es lo que realmente quieres hacer, si es lo que te hace feliz, no esperando rendimiento, o esperándolo, pero no con hipotecas creativas. Esto de “voy a llamar a este actor o voy a hacer este texto porque así voy a poder moverlo” es algo que lamentablemente hoy ya no es garantía de nada. Puede funcionar o no, pero puestos a arriesgar tiempo, dinero y vida, mejor hacerlo con un barco en el que creas, y si te hundes, te hundes con todo, pero fiel a lo que querías compartir. Ésta es al menos mi manera de verlo, me vaya bien o mal, siempre podré decir que era lo que quería hacer y como lo quería hacer.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“El banquete” dirigido por Sonia Sebastián, un montaje muy interesante y revelador sobre cómo entendemos “el amor” hoy. Me pareció muy elocuente la elección dramatúrgica: un monólogo para cada personaje escrito por un dramaturgo diferente. Traducen escénicamente la heterogeneidad del discurso platónico y me sedujo mucho los momentos patéticos, cómo presentan a Sócrates (viejo, perdido, irónico), su relación con Alcíbiades, el trabajo de Hui Chin, vamos, disfruté mucho de la puesta y creo que es un espectáculo emprendedor que ojalá pueda girar.

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¿Proyectos?…
Actualmente con [ los números imaginarios ] y LA MANADA estamos inmersos en un nuevo proyecto llamado “NO EXIT”, que estrenamos el próximo 30 de mayo: una reflexión sobre nuestra incapacidad para adaptarnos al otro. Partimos de “A puerta cerrada” de Jean Paul Sartre y estamos en co-producción con Atolladeros, compañía que viene trabajando desde hace años con actores con diversidad funcional (motriz, intelectual y sensorial) y con Espacio en Blanco donde residimos desde hace un año. Volvemos a generar un dispositivo especial para treinta personas que vivirán en “el infierno” durante una hora y compartirán qué supone generar espacios de incomunicación o de inaccesibilidad en el otro, en el que es diferente a mí. Será un montaje cien por cien accesible para el espectador sea cual sea su diversidad y esperamos poder moverlo por espacios no convencionales.

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Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos

insua¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.

¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.

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Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.

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¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…

¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.

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¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.

¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.

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La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.

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Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.

Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.

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Nicolás Fischtel nos habla de su trayectoria como iluminador escénico.

nicolas¿Cómo surge tu participación en el proyecto de Carlota?…
Es mi tercera colaboración con Mariano de Paco que me llamó para unirme al equipo creativo de Carlota.

¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Llevo 23 años iluminando espectáculos de forma profesional y cada vez estoy más enamorado de mi profesión. Me apasiona contar cosas a través de la luz.

¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
En danza:
“Adali”, coreografía de Aída Gómez
“Cupaima”, coreografía de Cecilia Gómez y dirección de Luis Olmos
“Sonatas”, coreografía de Jose Carlos Martinez para la CND
“Invisible”, coreografía de Nacho Duato para el Mikhailovsky Ballet de San Petersburgo
En teatro:
“Los Cenci” de Artaud dirigida por Sonia Sebastian
“El caballero de Olmedo” de Lope de Vega dirigida por Mariano de Paco
“Amores de fábula” de Eduardo Galán, dirigida por Alejandro Aristegui
“Good night, Whitney” musical dirigido por Andreu Castro

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¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Ambas cosas. Los directores/corógrafos me piden y sugieren cosas que ellos ven en la luz y a partir de ahí yo les sugiero. Como todo trabajo en equipo la comunicación es muy importante y las ideas fluyen en ambas direcciones.

¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
En danza la música me inspira mucho el tipo de luz y en teatro, aparte del texto, es el espacio escénico el que me suele dar la primera idea.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Mis fuentes de inspiración directa son los pintores (Caravaggio, Vermeer, Hooper, Velázquez, etc) y el cine, en el caso de “Carlota” el cine negro americano. Respecto a compañeros iluminadores todos me parecen interesantes. Siempre aprendo algo de cada espectáculo que veo, la visión de la luz que cada uno tenemos es muy particular. Tengo gran admiración por la que fue mi maestra, Jennifer Tipton, que a sus 76 años aún sigue en activo y con una gran pasión por su trabajo.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Si, aunque las cosas han mejorado en los últimos años, sigue siendo una educación no reglada. Seria necesario que el Diseño de iluminación fuese una carrera universitaria independiente, no incluida dentro de otras materias como escenografia. Es una de las reivindicaciones que hacemos desde la AAI (Asociación de autores de iluminación) (www.adadi.org) , de la cual soy secretario.

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
A finales de los años 80, cuando yo estudié iluminación no había posibilidades de hacerlo en España. Por eso me fui a Londres donde estudie Diseño de iluminación en RADA (Royal Academy of Dramatic Art). Luego hice un posgrado en la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale (USA)

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
La propuesta de Jennifer Tipton para la Opera “Il postino” y la iluminación de mi compañero y amigo Eduardo Bravo para “El barbero de Sevilla”, ambos espectáculos presentados en el Teatro Real de Madrid.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si, aunque aún hay carencias, la dotación de las salas suele estar bien. Otro tema es el del personal cualificado. La crisis ha hecho que cada vez haya menos técnicos en los teatros, y que estos se encuentren bastante desatendidos.

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¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si, ha bajado la demanda y por supuesto los cachés.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Imaginación, mucha imaginación

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¿Qué proyectos tienes entre manos?.
El próximo Enero estreno en la sala Nieva del CDN “Amantes”, la versión teatral de la película homónima de Vicente Aranda, esta vez dirigida por Alvaro del Amo.

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Sergio Martínez Vila nos habla de su trabajo de creación para la escena

sergio¿Cómo surge el proyecto de ‘Perfiles’?…¿De qué va la obra?…
‘Perfiles’ se instala en la rutina de dos solteros de cuarenta y tantos (Fernando y Silvia) que comparten piso y que viven enganchados a las webs de contactos. Su obsesión por encontrar pareja o por tener algo de sexo con el que distraer su soledad es el motor de todos los conflictos emocionales que acaban por gestarse entre los dos.
El proyecto nace no sólo de mi particular relación de amor / odio con Internet sino de unas charlas de trabajo que mantuve con los actores (Miquel Insua y Mercedes Castro) a principios de este año. Escribí ‘Perfiles’ para ellos y gracias a ellos. Llevaba un tiempo trabajando en distopías sociopolíticas y en textos de carácter más poético y ‘Perfiles’, de algún modo, me obligaba a situarme desde un lugar mucho más actual y cotidiano.

¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores?…
Miquel y Mercedes han tenido un papel muy activo en todo el proceso, desde la puesta en escena hasta los diálogos, lo que ha facilitado y enriquecido mucho el trabajo. Por otro lado, dar forma escénica a un texto tan cercano al lenguaje hablado no siempre era fácil; por eso hemos intentado ser muy concretos con lo que queríamos transmitir en cada escena, a fin de darle un sentido a la incomunicación y a la impotencia de la que hablan los diálogos de ‘Perfiles’.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
En ‘Perfiles’ no tenía unos referentes muy claros, al ser un tipo de trabajo y de registro dramático al que no estaba muy acostumbrado. Para la veracidad y la cercanía que buscaba me inspiré mucho (como hago casi siempre que emprendo algo) en el cine y el teatro de John Cassavetes, en concreto ‘Love Streams’.

¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en La casa de la portera?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…¿Y desde el texto?…
‘La casa de la portera’ es un regalo para la puesta en escena, sobre todo si tu texto tiene lugar en un apartamento antiguo, como es el caso de ‘Perfiles’. Se trataba más bien de utilizar los elementos escénicos precisos para apoyar el concepto estético que ya tiene de por sí el espacio y no saturarlo.
Quería que la gente se sintiese desde el principio en la casa de Silvia y que pudiese percibir el día a día en ese lugar, el deambular por los pasillos, el olor de la comida, el tacto de las sábanas… El texto ya apoyaba este tipo de realismo ‘voyeurístico’ desde el coloquialismo y la imprecisión deliberada en los diálogos.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos en teatro?…
Éste ha sido el año más activo que he tenido nunca, en lo que a proyectos teatrales se refiere. Aprendí mucho del trabajo colectivo que hicimos a mediados de año en ‘El banquete’, de Sonia Sebastián (co-escrito con María Velasco, Elena Lombao, Anna R. Costa y Alberto Conejero), y también de ‘La madre tolerante’, un monólogo interpretado por Julio Rojas con el que me puse a dirigir teatro después de un paréntesis de seis años. He recuperado una confianza que hacía tiempo que no tenía y la verdad es que no puedo estar más contento con el diálogo que han ido generando nuestros trabajos. El balance sólo puede ser positivo.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
No voy al teatro tan a menudo como me gustaría, en parte porque vivo y trabajo fundamentalmente en el campo. De lo poco que he podido ver este año tengo que destacar el montaje ‘Leche’, estrenado en la galería de arte Espacio 8 durante el invierno pasado. Las actrices Eva Llorach, Ángela Villar y Ángela Boix y el director Camilo Vásquez me introdujeron en un universo hipnótico sin corsés estructurales o morales. Era un trabajo de investigación libre, arrojado, carnal y de una belleza explosiva. Salí de allí con unas ganas de escribir y de trabajar tremendas. ¿Qué más se le puede pedir a una función?.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Como medida que sólo pretende gravar libertades de expresión y de reunión en espacios de intercambio cultural, las consecuencias son devastadoras y van desde el aislamiento (tanto de creadores como de espectadores) hasta la auto-censura y otras formas tristes de boicot creativo. De todos modos, la medida es tan abiertamente absurda y tan clara en sus objetivos reales que, en sí misma, ya contiene la semilla de su propia destrucción.

¿Proyectos?…
Estoy preparando un díptico teatral sobre el sentido y las formas de una supuesta guerrilla (tanto urbana como rural) fuertemente anclada en este contexto de malestar político. Uno es un texto original, ‘Judit triunfante (o el océano contra las rocas)’, que me gustaría poder hacer en espacios tan poco ‘teatrales’ (a priori) como el campo o las dehesas de la sierra norte. El otro es una adaptación muy libre de ‘El arte de la guerra’ de Sun Tzu.

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Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
De la ausencia de recursos casi siempre surge, paradójicamente, un abanico muy amplio de posibilidades. Cuesta creérselo, en un principio, por el tremendismo de los medios y por el aura general de desánimo que parece impregnarlo todo, pero a poco que se vea todo lo que está surgiendo en los márgenes, uno se va haciendo a la idea de lo liberador que es el vacío cultural, al menos como punto de partida de algo nuevo. Los tiempos exigen unas formas modestas que no hacen sino propiciar contenidos aún más depurados y reveladores. Hay que confiar en el mensaje, trabajar con lo que se tiene para no instalarse para siempre en la espera y adiestrar las expectativas que se tengan sobre el alcance de tu trabajo. Y con eso se va haciendo camino.

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Mucho ruido y pocas nueces de Las Grotesques

grotesques¿Alguien puede dar más?…¿Se puede hacer un Shakespeare como Mucho ruido y pocas nueces con tres actrices?…Pues si, es posible de la mano de Las Grotesques, una compañía que nos ha ofrecido momentos inolvidables de teatro personal a medio camino entre el clown y el absurdo. En esta ocasión, se embarcan en un proyecto más ambicioso, adaptar un Shakespeare a sus códigos y pasan por la obra como un torbellino, jugando todo el tiempo, haciendo del teatro dentro del teatro una delicia para el público y además, han sido dirigidas por Sonia Sebastián que ha sabido conducir por buen camino a este trio indomable.
Adolfo Simón

 


Natalie Pinot nos habla de sus últimos proyectos para la escena

pinot¿Cómo surge el proyecto de Ustedes perdonen?…
Surge de Salva Bolta que es el que nos juntó a todos y nos enamoró.

¿De qué va la obra?…
Son varias obras cortas bastantes cínicas que nos muestran un abanico de personajes totalmente desquiciados y bastante patéticos, pero no muy alejados de nuestra realidad todo ello aderezado con una buena dosis de humor negro.

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¿Y tu personaje?…
Son tres: una viuda inhibida, una hermana ultra perversa y una mujer torturada por su suegra.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director/autor?…
Muy divertido y muy placentero.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Muy bueno, estoy muy feliz con mis últimos trabajos que han sido muy enriquecedores: como El banquete dirigido por Sonia Sebastián con textos de 5 dramaturgos (María Velasco, Elena Lombao, Anna Rodríguez, Alberto Conejero y Sergio Martínez Villa)
Y Louella Persons que está siendo una experiencia increíble con dirección de Benja de la Rosa y un texto de Secun de la Rosa (se puede ver todavía en Hall de Lara el lunes 7 de octubre)

¿Cuál es tu método de trabajo?…
Una combinación personal de lo que he aprendido de diferentes maestros (entre ellos Fernando Piernas) y lo que me ha enseñado la experiencia.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que es un ritual mágico necesario para la salud del alma que entre otras cosas tiene que ayudarnos a entendernos y a despertar preguntas en nosotros.

¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Muchíssimo es un horror y una barbaridad. Para los artistas y para el público.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Me conmovió En construcción dirigida por Tristán Ulloa que vi antes del verano y disfruté mucho de Visita a una vedette y mi primer rodaje X de Benja de la Rosa.

¿Proyectos?…
Estrenar Ustedes Perdonen en la casa de la portera, crecer Louella Persons y llevarla de gira.

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Próximos Festivales

Festival Primavera en Danza que tendrá lugar en el Ámbito Histrión de la ciudad de Neuquén los días 27,28 y 29 de septiembre. Esta edición contará con la participación de los grupos locales de danza Contemporánea.
Más info en: https://www.facebook.com/events/1422447841307594/
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FESLIDA, festival de Artes Escénicas en la Sierra de Espadán en Castellón se celebra el 20, 21 y 22 de septiembre…Tres días en los que los espacios más emblemáticos de la localidad de Eslida se convertirán en escenarios donde se representarán espectáculos gratuitos de teatro, danza, música, poesía, cuentacuentos, títeres y circo.
Más info en: https://www.facebook.com/feslida
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La Socidad Cervantina organiza el Festival Gigante, I Festival experimental de clásicos contemporáneos que tendrá lugar los días 4, 5 y 6 en la propia sociedad sita en la calle Atocha de Madrid. Además de los espectáculos el festival ha organizado diversas actividades formativas
Gigante es un Festival en donde, bajo la dirección artística de Sonia Sebastián, se dan cita creadores de distintas disciplinas artísticas como danza, circo, teatro, música, performance y radio-ficción mostrando espectáculos inspirados o que pongan en escena textos y referencias del repertorio universal desde Grecia hasta los años 50 a través de una investigación contemporánea con nuevos lenguajes y propuestas innovadoras de la dirección escénica.
Gigante tiene un carácter plenamente Experimental en sus contenidos y apuesta por la utilización del espacio escénico tal y como esté, sin un gran añadido escenográfico, creando desde el propio espacio. El festival se desarrollará en un espacio cultural no convencional, La Sociedad Cervantina, situada en el Barrio de las Letras de Madrid, en la céntrica calle Atocha. La Sociedad Cervantina nace en 1953 como una institución sin ánimo lucro destinada a la difusión de la vida y obra de Miguel de Cervantes y, también, de otras manifestaciones literarias o artísticas que forman parte del panorama cultural español.

Más info en: www.sociedadcervantina.es

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María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga

MaríaVelasco¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…

¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.

¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.

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¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.

¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…

¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.

¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.

¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.

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Los Cenci de Artaud en el Teatro Español

Artaud es una figura clave para entender la evolución del teatro contemporáneo del siglo pasado. Los Cenci es un texto que fluye de la realidad para instalarse en el universo de las pesadillas, está escrito con sangre de sueño. Sonia Sebastián establece un pulso muy interesante con las palabras e imágenes del autor, lo exprime y comprime en la escena hasta llegar a su esencia. Hay momentos prodigiosos visualmente y un grupo de actores jóvenes que se entregan ceremonialmente a lo que se quiere dibujar con la tinta extraída de las venas de Artaud. Solo hay dos pequeñas objeciones…¿Por qué los actores de otras generaciones no entienden que un personaje puede ser algo más que postura y declamación?…Y la luz…Hay momentos de atmósferas inquietantes…pero en otros, la luz es demasiado plana y abierta. Aún así, Los Cenci es un viaje deliciosamente decadente que debió tener mejor respuesta por el público de nuestra ciudad.
Adolfo Simón

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Sonia Sebastián nos habla de sus proyectos.

soniasebastián¿Cuáles son los proyectos e ideas para el Espacio Cervantino de cara a los próximos meses?…
De momento prorrogaremos “Lorca al vacío” a partir de Marzo-Abril. Nuestra intención es ir combinando arte contemporáneo, encuentros literarios con propuestas teatrales que no puedan verse en otros espacios. Tenemos unas jornadas de teatro y hay un proyecto de hacer en Junio un encuentro de teatro con distintas compañías durante una semana.

¿Cuál es tu función dentro de ese espacio?…
En este momento soy la persona encargada de dirigir el espacio mediante una puesta en común con la Junta Directiva de la Sociedad Cervantina. Junto con este equipo de 14 personas nos dedicamos a programar y ver cómo sacar rendimiento cultural al espacio.

¿Es un lugar con proyectos dirigidos por un colectivo o están abiertos a proyectos externos?…
El espacio está abierto a proyectos externos siempre que se potencie la figura de Cervantes o que los textos sean de nuevos dramaturgos españoles así como que el proyecto esté comprometido de algún modo con la cultura. Valoramos especialmente la implicación de la gente que haga algo en nuestro espacio ya que este año no contamos con subvenciones ni ayudas por el momento por lo tanto necesitamos mano de obra.

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¿Cómo surgió Lorca al vacío?…
Lorca al vacío nació a partir de una conversación entre la dramaturga María Velasco y yo. Después de eso hicimos un exploratorio con los actores durante una semana y empezamos a darle cuerpo al espectáculo. Ha sido un proceso increíblemente enriquecedor para todos con un magnífico resultado. Cada vez creo más en la creación grupal.

¿Cómo fue el proceso de creación con la autora y los actores?…
Ha sido un proceso de mucha escucha y mucha generosidad por parte de todos. Embebidos de la obra de Lorca hemos jugado, hemos buscado y hemos ido creyendo cada día más en el proyecto. Cada uno de nosotros, desde los actores hasta los artistas plásticos pasando por producción, vestuario, maquillaje y demás, ha ido aportando aquello que conocía, sabía o imaginaba.

¿Está previsto que se pueda volver a ver?…
Reestrenaremos a primeros de Abril, dependemos un poco del tiempo ya que tenemos varias escenas en el patio que nos gustaría que se aprovecharan bien.

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¿Tenéis apoyos de algún tipo en estos tiempos de recortes?…
En el 2012 tuvimos apoyo del Ministerio de Cultura, Educación y Deporte para las actividades teatrales, pero el 2013 se presenta más negro. Esperemos que para los nuevos proyectos podamos encontrar financiación pública o privada.

¿Cómo va a afectar la subida del I.V.A. y los recortes para el mundo del teatro?…
La subida del IVA al teatro es una autentica locura. El teatro y el cine son un bien cultural que hay que proteger como se hace en la mayoría de los países europeos. Espero que sea una medida que se recapacite y vuelva a su ser.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
El trabajo en grupo. Unirnos y con la fuerza del conjunto crear nuevos proyectos. Creo que en tiempos de crisis se crea más y mejor.

¿Proyectos artísticos personales para el futuro?…
Ahora estoy en plenos ensayos en el Teatro Español de “Los Cenci” de Artaud que estrenaremos el 17 de Enero en la Sala Grande. Es un texto con tintes clásicos con una puesta en escena vanguardista siguiendo pautas del manifiesto del Teatro de la Crueldad de Artaud en la que entremeclamos texto, danza y acciones performaticas. Estoy viviendo un proceso creativo maravilloso con el elenco de actores y el equipo artístico que me acompaña.

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Pequeñas grandes piezas en Microteatro por dinero

En Microteatro, las obras giran cada mes alrededor de un tema…Este mes de enero, no obstante, han querido hacer balance del año que pasó y han escogido un ramillete de piezas que tuvieron impacto e interés por el público…Es una manera de mostrar un balance del trabajo que vienen desarrollando. Las cinco piezas elegidas son muy diferentes, desde el delirio de la historia de La sorpresa del roscón de Elvira Lindo dirigida por Sonia Sebastián…El juego metafísico de Superdotado escrita por Santiago Molero-Miguel Alcantud y dirigida por este último…La revisión del cuento en el que el espejo nos devuelve la imágen que deseamos ver, cosa que no ocurre en Pin, pan de toda la vida escriba por Enio Mejía y Pablo Bautista, dirigida por el primero…O la mirada a un pasado no tan lejano donde el hambre pone al ser humano al borde del precipicio como nos muestran en El hueso del jamón escrita y dirigida por Ignacio Gabasa…para llegar, con La hipoteca, cuyo texto y dirección son de Jaime Aranzadi a la actualidad dolorosa que vivimos en este tiempo incierto y que nos muestran ante nuestros ojos en la sala 4 de Microteatro. Pequeñas grandes piezas elegidas para dar sentido a Por nuestros clásicos…que no podrían ser realidad, sin la pasión y emoción que ponen en cada micro historia unos espléndidos actores como son…Aixa Villagrán, Salomé Jiménez, Lola Baldrich, Paco Manzanero, Santiago Molero, Camilo Rodríguez, Mª José del Valle, Ángel Savín, Maribel Vilar y David Fernández.
Adolfo Simón

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Lorca al vacío en la Sociedad Cervantina

Lorca al vacío es el hijo imposible que nunca tuvo Federico, es el niño Federico que soñó un futuro en el que los malabaristas lanzan bolas de fuego al aire, las secretarias escriben en teclados inalámbricos y las sillas tienen pies con zapatos…Lorca al vacío es una ceremonia poética para desenterrar los huesos de todos los desaparecidos de la historia y para que Julieta encuentre refugio en los brazos de mármol de un jugador de rugby que se ahogó en una de tantas pateras que a diario llegan a nuestras costas… Asistir a este ritual íntimo provoca un placer extraño, una mezcla sensual e hiriente. Todos estos pasajes, estas hojas sueltas de la obra que nunca escribió Federico son fruto del imaginario de un grupo de creadores… Sonia Sebastián en la dirección, María Velasco en la dramaturgia y los artistas plásticos: Hisae Ikenaga y Juan Zamora creando espacios imposibles…y dan cuerpo y sangre a todas las fantasmagorías imaginadas…Raúl Jiménez, Aarón Lobato, Esosa Ono, Irene Serrano, Jorge Silvestre y dos interpretes de presencia inquietante…Natalie Pinot y Teresa Vallejo.
Adolfo Simón

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