FO-Fuente ovejuna de Lope de Vega/Juan Mayorga por La Joven Compañía
Todavía hay oportunidad para no perderse la primera propuesta escénica de La Joven Compañía que se ha recuperado de nuevo para disfrute de todo el público que no tuvimos ocasión de verla en su presentación original. Un espectáculo contundente y sintético; la versión de Juan Mayorga va al corazón y a la columna de la obra, sin perderse en los detalles anecdóticos del texto. La puesta en escena es bella y cruda, llena de signos y momentos que entran profundamente en las situaciones y psicología de cada momento y de los personajes. Todo aporta y suma…luz, video en directo, música improvisada…Y unos actores potentes y arriesgados, nadie diría que son tan jóvenes…Y además, hacen que el verso llegue natural al patio de butacas. Un juego popular que se convierte en un cuento terrible para volver al reencuentro de la ciudadanía en la plaza del pueblo.
Adolfo Simón
Disparando al público de Surge Madrid
La programación de la muestra madrileña sigue su curso…Los artistas disparan con pistolas cargadas de rabia por las injusticias desde una versión actualizada de Tio Vania-Descansaremos de Apata Teatro o lanzan bolas de papel como balas desde el escenario para que la poesía haga reaccionar al respetable en el Deseo de Elisa de Cia. Omosuno.
Adolfo Simón
¿Eres un delincuente?
¿No eres un delincuente?…¿Estás seguro?…¿Nunca has cometido ni un pequeño delito?…Este es el arranque sugerente que plantearon ayer las performers Rosa Casado y Belén Cueto en Ateneo Mucha Vida. En la programación de este evento que se ha prolongado hasta el mes de abril se ha podido disfrutar de los rincones más peculiares del lugar con propuestas contemporáneas como A party for bad people en el que las creadoras hacen del público el verdadero protagonista de la acción. Lo primero que nos repartieron fue una media para que nos la pusiésemos en la cabeza como cuando se atraca un banco…Después iban lanzando preguntas al aire y cuando alguien sentía que había realizado ese delito específico, se incorporaba a la sala continua donde había música, pizza y bebida….Habías entrado en el exclusivo club de los delincuentes!!!…Una chapita en la solapa daba constancia de ello…»Me he portado mal»…Ese era el lema. Esta performance no podía ser más oportuna ya que ayer, también fue detenido otro de los presuntos delincuentes de nuestra era democrática… ¿Alguien no ha delinquido en este país?…¿Tú eres delincuente?…Pues entra la fiesta!!!…Al final, parece que si no eres un ladrón, no eres nadie.
Adolfo Simón
Trágala, trágala de Íñigo Ramírez de Haro en el Teatro Español
Iracundo y sudoroso, aunque pulcramente uniformado, se levanta Fernando VII (Fernando Albizu) de su tumba destrozando las tablas del Teatro Español en “Trágala, trágala”. Irrumpe así en una paródica performance contemporánea y “gavacha” con la que arranca la función. Herido en su acto de resurrección y en su orgullo absolutista y crónico por la actual realidad política de España, Fernando VII necesita atención médica. Acude a la llamada un espectador y psicoanalista argentino (Luis Mottola) a quien le resulta muy fácil reírse de los disparates de este país, empezando por el absolutismo del monarca. Comienza así esta farsa musical, esculpida con, también absoluta, precisión por Juan Ramos Toro (YLLANA) y RON LALÁ, donde lo histórico y lo actual conviven la mar de bien, tanto que parecen venir las ideas de una misma fuente de sabiduría. Dos horas de función se ven amenizadas, especialmente, gracias a la conexión de una intrépida reportera dicharachera (Ana Cerdeiriña), capaz de viajar entre siglos. O quizás el tiempo es el mismo…
Según el polémico Íñigo Ramírez de Haro, autor del texto, España no es una tragedia, es un sainete. Además de ser una palabra castellana con un sufijo gracioso, sainete deriva de saín. Y saín, según la RAE, es “grasa que con el uso suele mostrarse en los paños, sombreros y otras cosas”. Otras cosas como, por ejemplo, la Constitución. No por casualidad, Ramírez de Haro nos traslada al tiempo en que se gestó y parió ese libro gordo que, supuestamente, protege y preserva la libertad del pueblo y, como en este montaje, ha sido lanzado al suelo polvoriento del sótano ideológico español en repetidas ocasiones. No se le escapa al autor, faltaría más, la ironía histórica y aparece en todo su esplendor Pepa La Malagueña (Paula Iwasaki), una salerosa prostituta andaluza cuyos vientos bebía el monarca que calzó su trono con el homónimo, aunque gaditano, documento.
Más de una década después del escándalo que removió con “Me cago en Dios” desde el escenario del Teatro Bellas Artes de Madrid, el célebre cuñado de Esperanza Aguirre hace ruido de nuevo, esta vez en el antiguo Teatro del Príncipe, por sus dardos envenenados, por no dejar títere con cabeza, por disparar a matar, por ladrador y por mordedor, con el mazo dando en oídos necios, porque para oídos sordos, los de Goya. Y hasta eso cuestiona el XX Marqués de Cazaza que, ríase la gente, siempre anda caliente.
Quique Rojas
Tríptico de grafías en movimiento en Teatro Pradillo
Anoche se inauguró el ciclo Primavera 2015 en Teatro Pradillo con un tríptico en el que se reunió a tres de los creadores escénicos que han desarrollado un lenguaje personal desde sus inicios hasta hoy. Son tres veteranos en el universo de la danza, cada uno con su peculiar manera de entender la escena en movimiento.
Oscar Dasí con Ánima nos mostró unas hojas arrancadas del diario de trabajo sobre la última fase en la que está tratando de indagar sobre el vértigo al cambio, una pieza dialogada con el público.
Ana Buitrago con Boira, niebla en el cuerpo nos sumergió en su espacio atmosférico, cargado de penumbras donde las figuras están desdibujadas y cuesta sujetarlas en el paisaje de un cuerpo. Un trozo íntimo expuesto.
Mónica Valenciano con Impregnaciones en la Srta. Nieve y Guitarra volvió a deleitarnos con ese personal mundo de indiscutible sello donde una silla, un papel o una presencia intangible se convierten en la partitura perfecta para dibujar y escribir en el aire con su cuerpo. Si hay alguien en nuestro panorama de danza contemporánea a quién se le reconoce su lenguaje sin discusión es Mónica Valenciano.
Adolfo Simón
Dignidad de Ignasi Vidal en la sala negra del Teatro del Canal
Un viaje a las entrañas de la política, que traslada a los espectadores a un despacho de cualquier partido político. En él, dos hombres, cerca de alcanzar el poder, tras años de dedicación a la política, ponen al descubierto sus deseos, ambiciones, ilusiones y miedos. Lo que en un primer momento es una distendida reunión improvisada, acaba convirtiéndose en un tenso intercambio de reproches. Ignasi Vidal está escribiendo un teatro accesible y comprometido, tanto en su anterior obra estrenada en Madrid, El plan como en Dignidad, aborda temas candentes que pueden interesar al ciudadano medio. Aquí, la trama es laberíntica y sutil, poco a poco nos va mostrando la cara oculta de aquellos que mueven los hilos de nuestra sociedad. La propuesta de Juan José Afonso es sencilla y se agradece, ha puesto el acento en el trabajo de los actores, el propio autor y Daniel Muriel, de este modo, entramos más a fondo en la psicología de dos personajes aparentemente inofensivos que finalmente muestran lo que verdaderamente les mueve en la vida.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dignidad-teatro-ignasi-vidal/
Adolfo Simón
El extraño caso de la Marquesa de Vadillo de Teatro El Zurdo
El actor, teme siempre, quedarse en blanco en escena y por eso rememora una y otra vez, en su memoria, aquellos pasajes de la obra que ha de representar…¿Qué pasaría si en ese recuento aparecen pasajes de otras obras o momentos vividos en las interminables giras que se realizan para poder sobrevivir?. Esta podría ser la premisa de este montaje en el que a modo de puzle se van intercalando escenas de El extraño caso de la Marquesa de Vadillo con otras situaciones creadas o imaginadas alrededor de esta obra angular que ha deparado muchas satisfacciones a la Compañía a lo largo de su historia. Una pieza emotiva que homenajea a los cómicos de siempre y en este caso a los cómplices que durante años han hecho posible que este grupo fuese un núcleo familiar escénico que acercó el teatro hasta el último rincón de nuestra geografía.
Adolfo Simón
Supervivientes en Surge Madrid II
Liberté de Paco Anaya en el Teatro del Arte y Peces de Miguel Ángel Cárcano en Azarte nos mostraron una galería de personajes instalados en su intimidad como espacio combativo a través del cual intentar sobrevivir a el mundo hostil en el que viven.
Adolfo Simón
La Mirada del Otro en la Sala Cuarta Pared dentro de Surge Madrid II
La mirada del otro es el segundo montaje de la compañía, después del éxito de Proyecto 43-2, una obra que gozó de cierta difusión como muestra de teatro pedagógico. La obra presentada el pasado jueves 9 de abril en la Sala Cuarta Pared, dentro de la segunda edición del Surge madrileño, tiene una conexión temática directa con el primer montaje, y lleva a escena el programa que se realizó a finales de 2010 en la prisión de Nanclares, cuando unos presos de ETA mostraron su deseo de entrevistarse con los familiares de sus víctimas. Las grandes preguntas que plantea al espectador La mirada del otro es si tal diálogo es posible, y si puede llegarse al perdón en una situación así.
La compañía nos presenta tres personajes en escena: un etarra arrepentido, representado por un meritorio Pablo Rodríguez, la mediadora que hace posible tal entrevista entre verdugo y pariente de la víctima, encarnada por Ruth Cabeza, y María San Miguel, en el papel de hija de un concejal asesinado. Si el teatro mantiene ese estrecho vínculo con la realidad que lo convierte en una de las artes más vivas, Marta San Miguel (dramaturgia) y Chani Martín (dramaturgia y dirección), hacen que la realidad lo ocupe todo, ya que han optado por la versión más desnuda del hecho teatral, dejando fuera prácticamente cualquier juego dramatúrgico, sin permitirse más especulación que la simulación escenográfica de los espacios y algún volátil pasaje en el que la hija del concejal asesinado revive su niñez. Esta apuesta por la realidad de magnetófono es acertada la mayor parte del espectáculo, ya que le dota de la frialdad escénica apropiada para un tema tan crudo como el que trata, aunque puede parecer excesiva en momentos determinados de la representación, como si se asistiera a una reconstrucción de los hechos sin mayor aderezo.
La obra es un canto valiente al diálogo como única vía posible de tratamiento del conflicto, y una muestra tan directa como inteligente de cómo se puede tomar un material duro y trabajarlo en escena. La preparación del diálogo entre el arrepentido y la hija del político asesinado que arrastra un dolor sostenido durante catorce años está muy bien conducido, y han sabido distribuir de una manera inteligente el material que remueve las entrañas del espectador, apartando lo sensiblero o lo que conduce negatividad gratuita al espectador.
La Mirada del Otro volverá a la Cuarta Pared los días 7, 8, 9, 14, 15 y 16 de mayo, y es sin duda una recomendación para todo aquel que (como un servidor) guste del teatro que toma su inspiración a ras de tierra.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Carmen de Johan Inger para la Compañía Nacional de Danza
Cuando Johan Inger recibió el encargo de la CND, de montar una nueva versión de Carmen, siendo él sueco y Carmen una obra con un marcado carácter español, se encontró ante un enorme reto, pero también una gran oportunidad. Su aproximación a este mito universal tendría que aportar algo nuevo. Para ello, Inger decidió centrarse en el tema de la violencia, aproximándose a ella a través de una mirada pura y no contaminada… la de un niño. Ante un gran texto clásico o un mito dramático, lo mejor que se puede hacer, lo más inteligente, es no pensar que ya se ha hecho alguna versión de ese material. Es complicado abstraerse de una idea o referencia cuando se ha convertido en parte de la memoria popular de la gente. Pero hay que atreverse a ello o mejor no hacer un intento por releer lo que ya se considera ha sido escrito definitivamente. Para poder hacer esto hay que actuar como un niño, sin prejuicios, con ojos nuevos, aún a riesgo de equivocarse; en la creación hay que equivocarse e indagar, porque para hacer copias de copias, mejor tirar la toalla.
Resulta curioso que Inger haya elegido un niño como interlocutor de su versión de Carmen para con el público, tengo la sensación de que ese niño es también él, que de algún modo, mira al personaje con sorpresa, curiosidad y profundidad. Y al igual que el niño va creciendo durante el desarrollo de la pieza, el propio coreógrafo va siendo más contundente y atrevido en su lectura personal.
Muchas veces se piensa que hay determinados personajes o historias que no se pueden llevar al lenguaje de la danza, se cree complicada la traslación de la palabra al movimiento. En esta ocasión, se puede seguir sutilmente los acontecimientos de la historia de Carmen pero lo más importante es que esta Carmen se abre en canal para mostrarnos lo que está escrito entre líneas, profundizando en la cronología de los sucesos.
La obra empieza luminosa y juguetona para ir entrando en un laberinto oscuro, lleno de espejos que desdoblan las personalidades de los protagonistas, haciendo que tengamos la sensación de presenciar los sueños y pesadillas de estos seres, abocados al abismo del dolor como precio ante la imposibilidad de amar y ser correspondido.
Inger se ha rodeado de un equipo espléndido que le ha apoyado en la dramaturgia, el espacio escénico, la iluminación y el vestuario… Todo son piezas de un puzle imposible que termina encajando perfectamente. Y el elenco de bailarines realiza un trabajo fascinante, llenando cada movimiento de sensaciones que crean imágenes que se instalan en nuestro cerebro para no borrarse nunca más.
José Carlos Martínez está dando pasos cuidados para ir conformando un nuevo repertorio de la Compañía que será, con el tiempo, de los más sólidos de las compañías de danza europeas.
Adolfo Simón
La ópera de cuatro notas de Tom Johnson en los Teatros del Canal
La ópera de cuatro notas-Comedia lírica firmada por Tom Johnson ha sido dirigida por Paco Mir para presentarla en la íntima sala verde de los Teatros del Canal. Compuesta exactamente con cuatro notas, hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas, son interpretadas por un pianista; el libreto, escrito sin acotaciones, con el fin de que cada director de escena juegue con los cinco personajes que parodian las cinco voces de una ópera: Tenor, barítono, soprano, mezzo y bajo…Se convierte en una excusa para llenar de juego y locura el escenario. Paco Mir nos tiene acostumbrados a llenar de gags las propuestas que dirige, aquí, los cantantes y el pianista se vuelcan en un disparatado mecanismo de entradas y salidas donde dan rienda suelta a su jocosidad, haciendo las delicias del respetable. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-opera-de-cuatro-notas/
Adolfo Simón
Mentes alteradas en el Teatro Alfil de Madrid
La vida se puede ver en directo o en play-back. En el Teatro Alfil hay dos propuestas a caballo entre el café teatro y pequeño musical que nos muestra una galería disparatada de personajes llenos de tics y personalidades confusas. En play-back nos hablan de su mundo las Hijas de la gran puta y en directo lo hacen los personajes de mente alterada de Mi, me, conmigo.
Adolfo Simón
Juana, la loca de Histrión Teatro en el OFF del Teatro Lara
Juana, la reina que no quiso reinar, es el imaginado testimonio de Juana I de Castilla, más conocida como Juana la loca. Hija de los Reyes Católicos, fue casada de adolescente contra su voluntad y después encerrada durante 46 años por la única locura de ser mujer antes que reina y defender el amor por encima del poder. Gema Matarranz realiza un ritual íntimo en el que a través de su voz y su cuerpo hace una radiografía sobre los pensamientos y sentimientos que inundan la cabeza de Juana, rebuscando en el recuerdo y la desesperación, intentando entender una vida y encierro absurdos, impuestos por las necesidades de un Estado intolerante. La atmósfera del espacio y la sensibilidad de la actriz, a unos centímetros del público, nos invita a sentir lo que ella vivió en esa cárcel inútil.
Adolfo Simón
Eterno Creón en el Teatro Galileo
Eterno Creón es una adaptación contemporánea del texto del Siglo de Oro Francés La Tebaida (Jean Racine) dirigida por Manuel De. En esta revisión del legado de Edipo a sus hijos, se exponen los engranajes políticos que, a través de los tiempos, han generado y generarán lucha de poder, odio, ambición desmedida y, consecuentemente, terribles vertidos en la naturaleza del ser humano. Cuatro actores desarrollan esta tragedia griega sobre un suelo en espiral en blanco y negro en paralelo con un discurso audiovisual sobre la situación de conflicto global que vivimos.
Por desgracia, el valor humano siempre es el justo que paga por todos. Yocasta como madre por igual de dos hijos enfrentados hasta la muerte y, por su parte, Polínice y Etéocles como hermanos que, confiesan, necesitan sentir el odio del otro para poder odiar también, puesto que pervive en ellos aún un amor fraternal que se escurre entre sus ansias de poder. En la sombra, aguarda expectante Creón, a la espera de que sus sobrinos acaben el uno con el otro y le dejen a él la vía libre…
Como he oído y compartido tantas veces, hacer teatro es hacer política. El otro ingrediente de esta propuesta es el recordarnos con metateatro que la política está premeditada, está estructurada, está ensayada… Es decir, está interpretada. Hacer política se acerca peligrosamente a hacer teatro. El discurso que se usa es uno y no otro por necesidad y la escena que viene a continuación se prevé con todo detalle. O casi todo, puesto que en escena, como en la vida, también surgen cambios inesperados. Quizás es ese “casi” el margen de maniobra y sorpresa que tenemos como pueblo, la bolsa de aire que nos queda cuando estamos de puntillas con el agua al cuello.
Quique Rojas
Dos peor que uno en los Teatros del Canal
Tras el fulgurante éxito en el National Theatre, en el West End de Londres y en Broadway, llega Dos peor que uno (One man, two guvnors) a los Teatros del Canal, ambientada en una ciudad mafiosa, en los años sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el criado de dos amos: un gángster y un supercriminal. Los enredos evolucionan entre la commedia dell’arte, el vodevil, la sátira y la improvisación. Esta comedia, dirigida por Alexander Herold con texto de Paco Mir a partir de Arlequín, servidor de dos patrones de Goldoni es un juguete delicioso y disparatado donde el público es protagonista en muchos momentos. La propuesta bebe de una estética camp que funciona muy bien en nuestro imaginario para aceptar la convención sobre unos personajes y situaciones que están al límite de la realidad, rayando el comic. Hay un acierto en las transiciones de las escenas a cargo de un cuarteto musical lleno de chispa e ingenio. El decorado homenajea a las obras del music-hall donde los telones pintados recrean las diferentes localizaciones y se superponen como en un teatrito de guiñol. Los actores están exquisitos en su melodramática actuación que hace más creíble esta locura de personajes-espejo. Y la adaptación del texto a la actualidad tiene grandes aciertos y guiños a nuestra realidad mafiosa. Quedan pocos días y una larga gira, si pueden, no se la pierda. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dos-peor-que-uno-teatro/
Adolfo Simón
El legado de Don Juan en el Off del Teatro Lara
Don Juan ha existido siempre y existirá mientras haya hombres y mujeres sobre la tierra. A veces ha sido más seductor y otras un fantoche. En El legado de Don Juan nos presentan a los descendientes de un burlador reciente, tal vez vivió hace cincuenta años. A través de unos personajes extremos en sus rasgos de personalidad, vamos descubriendo, en su espera inútil, la peculiar personalidad de este particular Don Juan; más humanizado, menos truhán. Aunque su paso por la vida de una serie de mujeres, ha dejado bastante víctimas, no solo por ellas si no por sus descendientes. Así, descrito, parece una obra de Albert Camus y no, es un divertimento jocoso de Guillermo Amaya en el que los actores están deliciosos en su rol. Al final, se deja una puerta abierta a la esperanza con esta herencia insólita.
Adolfo Simón
Buena gente de David Lindsay-Abaire en el Teatro Rialto de Madrid
Hay una idea equivocada sobre los teatros de nuestro particular Broodway madrileño, parece que en él, en la Gran Vía, solo pueden verse propuestas de musicales y ballets, pues no, también podemos encontrar espectáculos de los mal llamados, comerciales que, pueden ofrecernos una tarde deliciosa riendo y pesando…emocionándonos. ¿Por qué el humor no puede ser un arma contra el aburrimiento que alimente nuestra inteligencia?…No cualquier humor, claro… David Serrano está deparándonos gratamente, en los últimos tiempos, con versiones y dirección de textos muy interesantes como Lluvia constante y esta Buena gente que se está representando en el Teatro Rialto de Madrid. La historia no es de gran complejidad pero si tiene una trama ingeniosa que no voy a desvelar aquí y sobre todo, tiene un elenco elegido con minuciosidad para llevar a cabo la función de forma ingeniosa y emotiva. Parece que David Lindsay-Abaire hubiera escrito el personaje protagonista para Verónica Forqué, la actriz despliega su amplia experiencia y técnica para llenar de vida un personaje de la galería de anti-heroínas que mueven el mundo gracias a un espíritu de lucha por sobrevivir. Junto a ella, un grupo de interpretes entregados con entusiasmo para defender este mundo sin sentido en el que nos ha tocado vivir y del que solo salen triunfando aquellos que hay elegido bien los números de su bingo personal.
Adolfo Simón
Alma de Arturo de Arturo Turón en Nave 73
Tras el éxito de “Confesiones a Alá”, Arturo Turón vuelve a los escenarios con una nueva personal propuesta, una experiencia basada en la película “Persona” de Ingmar Bergman. Una obra de teatro preciosista e íntima, un retrato del Alma, un espejo en el que dos seres se miran constantemente para redescubrirse. Elisabeth es actriz, durante una representación teatral de la obra Electra, pierde el habla y es ingresada en un hospital, ante su nulo avance, será llevada con su enfermera a una casa de verano buscando así una pronta recuperación. Alejadas, apartadas de todo, ambas comienzan una relación en la que la palabra y el silencio son el lenguaje invertido para mostrar los más ocultos secretos de ambas mujeres. Un espectáculo en el que se cruzan la danza, el teatro y el audiovisual armónicamente.
Adolfo Simón
Guissepina y Peppina de El Retablo dentro del Festival Teatralia en La Casa Encendida
Una historia de amor ambientada en el circo, delicada, optimista y llena de ternura, que combina diferentes técnicas escénicas aunque donde más hincapié se hace es en la transformación creativa de objetos desechables encontrados y que son convertidos en simpáticos personajes con los que nos van mostrando los diferentes números circenses y las relaciones que tienen todos los personas que habitan ese divertido lugar. Toda esta ceremonia de canciones y juegos las llevan a cabo Giuseppina y Peppina, los dos intérpretes-manipuladores de la Compañía El Retablo, en una creación de Pablo Vergne. Todavía pueden disfrutar de esta pieza mañana domingo.
Adolfo Simón
La ciudad oscura de Antonio Rojano dentro del ciclo Escritos en la escena del CDN
El suicidio de un jockey, tras vencer en su última carrera, reabre las viejas heridas de una nación. Un escritor en horas bajas, una inspectora de policía y una joven en busca de su origen cuentan esta historia sobre el pasado y el futuro de España. Esta es la breve sinopsis que podemos leer en el programa de mano, unas pistas para entrar en el laberinto de espejos que es esta pieza. Como si atravesáramos las estancias de la memoria, vamos ocupando o abandonando habitaciones en las que el propio autor nos muestra sus dudas sobre como reconstruir unos acontecimientos vividos en su época y al tiempo, revisar como es su propia biografía personal en la actualidad. La obra empieza con unas sugerentes sensaciones paranormales que pronto nos llevarán al meollo de la cuestión, convocando así al pasado y desvelar los enigmas del presente. Algo muy propio del teatro.
Adolfo Simón
Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva en el CDN
No me cansaré de decirlo nunca, si este país fuese un poco menos necio, tendría un teatro dedicado a estrenar y reestrenar las obras de Francisco Nieva. Tenemos la suerte de que todavía esté vivo y siga creando pero no parece que le importe mucho a esta sociedad cateta de este nuevo milenio, preocupado por la vida privada de seres anodinos, vista a través de la televisión. Francisco Nieva es un hombre de teatro total y así concibe cada una de sus obras, sus personajes, los lugares donde los sitúa, las relaciones que teje entre ellos, su perfil dramático y el verbo que borda en los labios para ser dicho por actores y actrices de raza como son todo el reparto de esta función. Hay textos teatrales que los pueden interpretar actores de mayor o menor experiencia escénica pero las obras de Nieva solo pueden ser encarnadas por seres tocados por la barita mágica de Talia. Esta obra mira al pasado para denunciar nuestro presente, así es el autor, parece que hace teatro histórico y escribe el teatro más contemporáneo que se puede ver en nuestros escenarios. Hace un tiempo, un inepto que controlaba bastante los tejemanejes del teatro alternativo, me dijo…»No puedo estrenar a Nieva en mi sala porque no es contemporáneo ni alternativo». Ese señor ya no está en el teatro por suerte y Nieva sigue subiendo sus delirios y locuras a las tablas. Solo queda una semana de funciones, no se la pierdan, es una fiesta para los sentidos y Guillermo Heras ha dirigido la función con mano invisible, para que el autor se instale por derecho propio en el cuerpo de los geniales actores y en el escenario del María Guerrero. No pude celebrar de mejor modo el Día Internacional del Teatro que acudiendo a ver Salvator Rosa.
Adolfo Simón
A-creedores de Claudia Faci dentro del Festival de Otoño a Primavera en el Teatro Pradillo
La autora, actriz, coreógrafa, bailarina y directora de vanguardia Claudia Faci cambia de tercio con su última creación y se atreve a explorar todo un clásico del teatro, Acreedores de August Strindberg. Estructurada en tres cuadros que se suceden sin solución de continuidad, la pieza narra la historia de un ajuste de cuentas entre una mujer, su ex marido y su actual pareja. En el encabezamiento de esta publicación he escrito que A-creedores es de Claudia Faci porque creo que es una creación personal inspirada de lejos en la obra del autor nórdico. Pero, a diferencia de otras adaptaciones que tan solo conservan el título original y la creación se aleja totalmente del contenido o forma de la obra inspiradora, aquí, Claudia ha hecho un trabajo de cirugía preciso, ha cortando en los lugares más sangrantes del texto, sin tenerlo en cuenta en primer plano, pero rasgando por la mitad las palabras, para ver que destilan y después, lo ha llevado a su universo escénico, a su idea de un espacio privado para voyeurs. También habría que nombrar como autores a los dos intérpretes: Pablo Messiez y Fernanda Orazi que se abren en canal para mostrar sus vísceras y fantasmas sin pudor. Si el teatro ha de acercarse a la vida, a veces…la vida se cuela en la escena.
Adolfo Simón
La gran duquesa de Gerolstein en el Teatro de la Zarzuela
Al programar esta opereta de Offenbach con libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, el Teatro de la Zarzuela está recuperando un género que, durante los siglos XIX y XX, se mostró con mucha frecuencia sobre sus tablas. Eso sí, convenientemente «arreglado» (traducido y adaptado al español) para procurar el disfrute del público que acudía al coliseo madrileño. En esta ocasión, la conocida pieza antimilitarista francesa sube a escena traducida al español, como entonces, con dirección musical a cargo de Cristóbal Soler y con una emblemática producción de Pier Luigi Pizzi. Esta puesta en escena, sumamente sencilla, es una muestra del estilo y colorido del regista italiano, capaz de llegar, con los recursos más simples, a la escena misma del teatro lírico francés. Esta opereta, que relata la divertida historia de una extravagante y tiránica aristócrata, resulta una interesante ocasión para corroborar cómo el género aparentemente más despreocupado del momento, también se convirtió en ocasiones en mecanismo de denuncia y crítica social. La propuesta estrenada inclina la balanza sobre los disparatados deseos amorosos de la Duquesa para dejar de fondo toda la temática militar. Un montaje enloquecido y jocoso.
Adolfo Simón
MANTÉNGASE A LA ESPERA en el TEATRO DEL ARTE de MADRID
MANTÉNGASE A LA ESPERA en el TEATRO DEL ARTE de MADRID nos proporciona un rato distendido y jocoso los lunes por la tarde. La Compañía de Los Absurdos ha iniciado una trayectoria que les va a deparar momentos estupendos en los que podrá conectar con un público que necesita sentirse identificado con las situaciones disparatadas que a todos nos ocurren a diario…¿Quién no se ha sentido un tonto esperando que, al otro lado del hilo telefónico, le digan qué tecla ha de presionar?…Pues eso, aquí hay múltiples opciones, incluso la de reírse de ello…que es muy sano.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.