Vania en los Teatros del Canal
La sala verde de los Teatros del Canal está recibiendo muchas propuestas de Chejov en los últimos tiempos, es un espacio acogedor que permite disfrutar de piezas emocionantes e íntimas. En esta ocasión, la obra se acerca a la actualidad para reconocer que el miedo al destino trágico sigue siendo algo atemporal y que, al hombre de hoy, le sitúa en un vertiginoso día a día. Un grupo de actores creando un buen elenco, hacen de la pieza rusa un pedazo de teatro actual.
Adolfo Simón
Some explicit polaroids de Mark Ravenhill en Lagrada
El Teatro Lagrada de Madrid está presentando propuestas arriesgadas y su público se lo agradece. Hasta mediados de abril se puede ver Some explicit polaroids de Mark Ravenhill un texto que no se encuentra habitualmente en nuestras carteleras. Ravenhill genera obras en las que muestra de manera cruda la realidad de nuestra sociedad contemporánea y lo hace sin adornos, entra a golpe de machete en las relaciones de un mundo enfermo donde todo tiene precio económico u emocional. La propuesta escénica de Lidio Sánchez Caro es austera. Todo ocurre alrededor de una cama de hospital; ese espacio a medio camino entre la vida y la muerte. Hay un trabajo de conjunto interesante, poco habitual en el circuito alternativo.
Adolfo Simón
«Juanita Calamidad» de las Chirigóticas en los Teatros Luchana
El nuevo espectáculo de Chirigóticas, Juanita Calamidad, es candidato a los XIX PREMIOS MAX en la modalidad de Mejor Autoría Teatral. Antonio Álamo y Ana López Segovia firman este texto que actualmente se representa en los Teatros Luchana de Madrid, durante los meses de marzo y abril, de viernes a domingo.
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Chirigóticas solo hay unas y, aunque hubiese más, serían copias de esta idea tan original que sigue haciéndonos reír y disfrutar de los ritmos más populares chirigotescos de la geografía española. La técnica para crear un montaje es aparentemente sencilla: a ritmo de copla de chirigota se van entrelazando los diálogos de los personajes mediante soniquetes conocidos e incluso letras prestadas. Y digo aparentemente porque hilar tan fino con el ritmo y la letra para construir una obra de teatro y después saber recoger el texto e interpretarlo con maestría actoral y cantante no es aparentemente tan fácil: es bordar con esmero y amor un juego de sábanas nupciales.
Con Juanita Calamidad montan un personaje digno de cualquier chirigota y lo teatralizan. Juanita es una crápula, una vividora una Peter Pan que no quiere crecer ni aunque su tiempo biológico se le aparezca y le avise de que ya está bien, chata. Juanita quema la noche, cierra los bares y disfruta de la vida como si no hubiera un mañana junto a su amiga y encarnan el típico espíritu chirigotesco de fiesta en dos personalidades que se complementan a la perfección y que representan el espíritu de la libertad e igualdad de las mujeres y también una cierta rebeldía vital. El tercer personaje principal es la naïf «reloj biológico»: Un puntazo y crítica a esas mujeres que se dejan llevar por la vida y que se someten al qué dirán que hará lo imposible por que Juanita entre en razón y se olvide de su ilustre mote. Ya tenemos la bomba que nos hará disfrutar del teatro con la fórmula única de Las Chirigóticas. No se lo pierdan y, como Juanita, vayan a quemar los teatros.
Luis Mª García Grande
«No hay mejor defensa que un buen tinte» en el teatro Lara
La laca ha hecho muchos estragos… y no me refiero a los cardados excesivos de Pitita Ridruejo, a los flequillos dilatados o a los tupés a lo Travolta. Me refiero a las locuras que genera esnifarla. No hay mejor chute que un buen chorro de laca de la mala para cometer locuras, así que imagínense lo que sufren esas peluqueras todo el día haciendo de somelier de tintes amoniacados y fijadores en spray. Y para muestra un botón: la secuela de «Lavar, cortar y enterrar» deja secuelas. Una segunda parte que nada tiene que desmerecer con la primera en carcajadas y sorpresas desorbitadas con un toque sanguinolento.
Mario Alberto Díez, Fran Arráez y Carmen Navarro encarnan a unos Ángeles de Charly a lo chipén, castizos y con desparpajo, chulos y con decisión para conseguir sus metas.
Juanma Pina escribe y dirige, supongo que debajo de un buen secador de la peluquería de su madre, esta segunda parte de locura capilar.Para ello vale todo: las pelucas, las vírgenes, las planchas cerámicas, los moldeadores, los secadores-casco, las trenzas de raíz al estilo infanta, el moño alto a lo Caballé, el postizo a lo Amy, el rodete a lo Leia, los gatos chinos que agitan su brazo, las velas a Santa Bárbara, el pelucón de color inverosímil y el travestismo a la mexicana.
Un ritmo delirante, unas ocurrencias desternillantes, unas torturas bien merecidas y unos pequeños asesinatos de nada, hacen de esta comedia un must los petardos domingos por la mañana antes de un buen vermú de grifo pa bajar el resacón, así que pasen ustedes por el Lara a cardarse la alegría y a decolorarse las penas, que nunca viene mal salir con unas mechas californianas aplicadas a la castiza.
Luis Mª García Grande.
«Salomé» en el Teatro Fernán Gómez
Wilde siempre hablaba de belleza en la vida, se rebelaba contra el puritanismo y la mediocridad que se empeñaban en ocultar lo bello y atentaban contra la libertad. Wilde sabía muy bien lo que era la belleza y la falta de libertad y por eso exorcizó todos sus fantasmas a través de la reinterpretación de esta historia bíblica.
No es habitual ver sobre las tablas ya a Victoria Vera y tampoco ver dirigir teatro a Jaime Chávarri pero la ocasión merece la pena. Primero porque Chavarri ha rescatado y adaptado un texto muy sugerente y bello, lo ha montado a la clásica, nada de modernidades ni segundas lecturas políticas sobre el Poder, dándole su toque de dirección que es marca de la casa y segundo porque Vera encarna perfectamente a la musa en que pensó el escritor y recrea no solamente la belleza sino también la maldad,la ira y el despecho necesarios para creernos el personaje, y que demuestra que está en plena forma mental y física interpretando una danza de los velos que pone los dientes largos a más de un Herodes.La coreografía ideada por Ricardo Cué para la danza de los siete velos con música de Richard Strauss es»uno de los momentos clave» de ‘Salomé’.
De entre los demás actores destacan las actuaciones de Manuel de Blas, en el papel de Herodes y de Inés Morales, Herodías.
Pero el montaje adolece de algunos socavones en la escenografía y la iluminación, que no son sugerentes y adolecen de refinamiento necesario para interpretar un texto tan elocuente y que nos traslada a pasajes bíblicos tan exóticos, esto puede ser debido a que, como han afirmado, la obra no ha contado con el apoyo de ninguna subvención pública.
Luis Mª García Grande
By Heart de Tiago Rodrigues en el Teatro del Barrio dentro del Festival de Otoño a Primavera
En By Heart, el dramaturgo y actor Tiago Rodrigues -actual director artístico del prestigioso Teatro Nacional de D. Maria II y uno de los artistas más aclamados de Portugal- enseña a diez personas un poema que desconocen. Estas diez personas nunca han visto el espectáculo y no tienen ni idea de qué texto tendrán que aprender de memoria frente a la audiencia. Mientras trabaja con ellos, Rodrigues despliega una serie de vivencias de su abuela casi ciega mezcladas con otras historias de escritores y personajes de libros que están, de alguna manera, vinculadas con la anciana mujer y también consigo mismo. Los libros están también ahí, sobre el escenario, dentro de cajas de fruta de madera. Y, mientras cada par de versos es enseñado al grupo de diez espectadores, conexiones improbables emergen entre el Premio Nobel Boris Pasternak, un cocinero del norte de Portugal y un programa televisión holandés llamado Belleza y Consolación, y el misterio detrás de la elección de este poema se va resolviendo lentamente. Esta experiencia escénica porque es más exacto llamarlo así, transita entre el teatro biográfico y el documental, un hibrido curioso que Tiago maneja con fragilidad y humor. Sin estridencias, el director-dramaturgo-intérprete nos conduce por su imaginario personal e intereses culturales, de ese modo, como un director de orquesta modula la memoria de los espectadores convocados al escenario y del resto del patio de butacas. Una sesión sobre la memoria recuperada y la perdida.
Adolfo Simón
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Dios K en el Matadero
Dios K con dramaturgia de Antonio Rojano basada en la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré dirigida por Víctor Velasco e interpretada por Alberto Jiménez y Mona Martínez es un ave raris en la cartelera madrileña. Es ese tipo de propuestas escénicas llena de elementos interesantes para el público que va al teatro en busca de esa otra forma poética que no se centre en la superficialidad. Es una ocasión estupenda para entrenar al espectador inquieto con la posibilidad de afinar el gusto por una teatralidad donde pueda aportar su reflexión a partir de lo que se le propone en el texto y la escena. Es un montaje al que cuesta entrar porque empieza cuesta arriba y si lo que queremos es que nos entretengan adoptando una postura pasiva en la butaca, lo fácil es que desconectemos, pero si uno ejerce el derecho y la ocasión para formar parte del viaje creativo, entrará en una montaña rusa de la que no se bajará hasta el final. Los ídolos de barro que aspiraron a ser mármol son personajes muy sugerentes, tienen los elementos idóneos para crear buena ficción a partir de la realidad. Hay momentos en que uno ha de respirar hondo y otros en los que la respiración se acelera…Eso es teatro; un espacio para la reflexión y la emoción. Y, además, hay dos médiums excelentes llevando a cabo este ritual contemporáneo, ahí, a un metro de nuestro cerebro. Lo que no entiendo es porque se produce y programa un material así para estar en el último rincón del matadero, donde las bestias ya no respiran.
Adolfo Simón
Carne viva en La Pensión de las Pulgas
Carne Viva una historia 3×1 escrita y dirigida por Denise Despeyroux y llevada a cabo por nueve actores que se dejan la piel en cada pase. Una innovadora joya dramaturgia, un juego estructural donde las piezas encajan gracias a la habilidad en la dirección, así como en la interpretación. Un reto que se desenvuelve en los tres espacios acondicionados de la Pensión de las Pulgas, dónde el público tiene que entrar y salir de los espacios para seguir conociendo el enredo, así como los actores interactúan entre ellos en las diferentes salas. Es fresca a la vez que acida, con un ritmo continuo donde el espectador disfruta cómodamente de tramas policiales o conflictos de amor en clave de humor. Una mezcla entre comedia, drama y sobretodo sátira de la crisis actual, donde la realidad llega hasta la lujosa comisaría de huertas 48, habitada por unos peculiares policías que deberán hacer malabares para llegar a fin de mes con los gastos. En éste caso el comisario Torres se ve en la obligación de alquilar dos despachos de su comisaría para conseguir medios y no tener que cerrar. Despachos que se convertirán en una sala de danza contemporánea y en una consulta de hipología. Tres espacios en una misma comisaría. En cada pase los actores tienen el reto de estar siempre en alerta, pues la historia se desarrolla en tres lugares al mismo tiempo, dónde el espectador ira conociendo la evolución de la historia según la sala en la que le hagan entrar.
Pablo Cano
«Muñeca de Porcelana» en las Naves del Español
Un millonario le acaba de comprar un avión a su joven prometida como regalo de bodas. Su intención es jubilarse y dedicarse enteramente a ella. Durante el último día en la oficina, antes de reunirse con ella, instruye a su joven ayudante para poder atender sus negocios desde la distancia. Justo antes de salir recibe una llamada de última hora que deseará no haber aceptado nunca.
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«Muñeca de Porcelana» es la primera producción que se hace en el mundo después de su estreno absoluto en diciembre en Broadway de la mano de Al Pacino. Allí no ha recibido muy buenas críticas, no por el texto, sino por la interpretación. Aquí no podremos decir lo mismo porque José Sacristán ha sabido afrontar con toda su maestría un texto complicado, en el que no existen muchas réplicas y en el que la memoria juega un papel muy importante a la hora de ponerlo en escena. Pero este señor actor tiene su técnica bien estructurada y desarrollada y acaba dejando a Al Pacino a la altura del betún. Soberbio, con la fuerza y tensión actoral que requiere el personaje, Sacristán destripa el texto de Mamet, se mete en su laberíntica estructura y trepidante ritmo y lo hace suyo aparentando una facilidad supina para sumergirse en la piel de un millonario con la mente podrida. No hay otra palabra más adecuada para definir su interpretación que Maestría.
Javier Godino le ayuda en esta tarea, con una correcta interpretación y dejándose guiar por manos expertas.
Mamet es especialista es destripar la condición humana más corrupta, en crear personajes con poder pero que en el fondo son pusilánimes y pobres de espíritu que se dedican a joder a todo el que se atreve a acercarse a ellos. Esta construcción del personaje se va desarrollando a través de una dramaturgia enrevesada, con múltiples aristas que se van soldando sutilmente y van encajando hasta crear un poliedro perfecto y brillante. Pero para encajar todas las piezas es necesario un gran trabajo de dirección y actoral y una conexión entre ambos o se corre el riesgo de que la soldadura se despegue y la crítica se eche encima. No es éste el caso español, en el que el director Juan Carlos Rubio ha sabido templar el soplete y rematar muy bien esas aristas.
Teatro con mayúsculas. Imprescindible. Obligatorio verla.
Luis Mª García Grande.
«Sofocos Plus» en el Teatro La Latina
Cuatro mujeres, cuatro actrices, cuatro menopáusicas reunidas para hacernos reír a carcajadas en La Latina, teatro de la comedia por excelencia. Sofocos Plus es la secuela perfecta para seguir riéndose de nuestra naturaleza, de nuestras desgracias y nuestro hacerse mayor. La vida y los cambios hormonales hay que tomárselos con filosofía y mucho humor y así lo han recreado Juan Luis Iborra, Sonia Gómez y Antonio Albert a través de cuatro personajes interpretados por Ana Obregón, Fabiola Toledo, Elisa Matilla y Teté Delgado. Un espectáculo que no va a dejar indiferente a nadie, sea menopáusica, pitopáusico o páusico en general…con música chochi-petarda hecha a medida para estas actrices, que nos traslada de repente de una vida desesperada al champán y la lentejuela de la Nochevieja, haciendo bailar hasta a los óvulos más vagos.
Y además escenografiado por la colorista Ágata Ruíz de la Prada que hace que las penas sean menos duras a base de diseños optimistas, frescos y regeneradores de la moral femenina, poniendo guapas a todas las mujeres, cualquiera que sea su fisonomía.
¿Por qué he acabado viendo Sofocos Plus, se preguntarán esos lectores tan cultos que me siguen? Pues porque a veces hay que darse un lingotazo de frivolidad y ponerse el mundo por montera antes de que el organismo sólo te pida sofá y caldo.
Acérquense al teatro y exorcicen sus miedos a base de unos sketches llenos de risoterapia, desparpajo y originalidad dirigidos a todo bicho viviente que hacen que salgas del teatro temiendo menos a esa señora que se llama Menopausia.
Luis Mª García Grande.
Pa amb tomàquet & tango en Madrid con Toni Cano
Todos estamos llenos de prejuicios. Nos hablan de monólogos y solo nos viene a la cabeza un señor o señora sentado en una banqueta explicando anécdotas divertidas. Cada vez que nos hablan de un lugar que tiene una línea concreta de programación, lo primero que decimos es que ese sitio no nos interesa. Y de este modo, nos perdemos la oportunidad de descubrir cosas diferentes. La chocita del Loro está especializada en monologuistas, tiene una variedad muy grande, desde rostros conocidos a artista que todavía no son populares… Esta cuestión ha hecho que no fuese un lugar prioritario para mí a la hora de cubrir la cartelera madrileña. Este fin de semana he acudido y me he encontrado un cabaret curioso, con un punto camp de los que ya quedan pocos en Madrid. Y he comprobado que hay un público que disfruta con este tipo de propuestas que les despierta la parte más delirante de su imaginario. Y, sobre todo, he tenido la ocasión de ver en acción a un actor que pronto dará que hablar. Toni Cano es un todoterreno que puede estar en un escenario durante dos horas haciendo disfrutar y reír a carcajada batiente al respetable. Hay varias cosas interesantes en el trabajo de Toni en ese delirante Pa amb tomàquet & tango. Por un lado, el vértigo constante al trabajar con el público que asiste, creando un guion sobre la marcha, elaborado a la medida de los allí presentes y de las noticias que están candentes en la actualidad. Pero esta es una línea en su guion, en paralelo o en zig-zag, vuelve sobre la estructura de sus historias y anécdotas de brutal humor en ocasiones. No hace humor amable, realiza humor kamikaze…El espectáculo tiene dos partes diferenciadas y no, pero no les voy a desvelar lo que ocurre tras el descanso, han de ir para descubrirlo. Intenten cambiar sus costumbres y vayan a otros teatros, incluso a esos que no les apetece de entrada, nunca se sabe…igual descubren algo inesperado.
Adolfo Simón
Historias mentales en la escena
Cenizas en la sala II del Centro de Arte Fernán Gómez
Tres protagonistas, tres almas perdidas, viven de manera distinta una historia muy personal. A veces, un acontecimiento inesperado hará que se desencadenen los deseos oscultos. Una historia de íntimidad y pensamiento.
La secta de las vampiras en LazonaKubik
La secta de las vampiras es el campo de batalla entre una máquina esquizoide productora de lenguaje y una máquina coreográfica de atracción y repulsión. Dos líneas dramatúrgicas paralelas que generan desconcierto dramático
Adolfo Simón
Periodismo y biopic a escena
Ayer asistí a dos curiosas experiencias, por un lado, a la nueva edición de Havana Club que en este caso congregó en el Teatro Principe Pio a escritores de gran prestigio para que hablasen sobre sus formas de afrontrar la entrevista y por otro lado, acudí al estreno de Una corbata para Marilyn en el Teatro Arlequín en la que, a modo de musical teatralizado, se recorría biográficamente la vida de la famosa actriz. Cruce de lenguajes narrativos para dar variedad a la cartelera.
Adolfo Simón
Sufrida Calo en el OFF del Lara
Elena Lombao tiene una vis cómica excepcional, hace que cada gesto o comentario tenga un temblor dramático que desemboca en una carcajada del público. Hay una pirueta dramática sobre el personaje de la fascinante pintora que no voy a desvelar, pero les aseguro que, si van a ver esta propuesta, les sorprenderá…y al tiempo, les hará pensar que tal vez la retranca de Frida pudo tener que ver con esa visión esperpéntica y disparatada de un universo en el que convive la muerte y la vida…lo sentimental con lo paródico. Un ejercicio unipersonal diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en los monólogos que pueblan nuestra cartelera teatral.
Adolfo Simón
Shakespeare, la mujer silenciada en Lagrada
La historia siempre la ha contado los hombres y los vencedores que, casi siempre, suelen ser ellos lo que se alzan con las victorias. Siempre hubo mujeres interesantes y avanzadas a su tiempo y, sin embargo, tuvieron que silenciar su nombre porque un padre, un marido o un hermano las sumió en la oscuridad del tiempo. Shakespeare,la mujer silenciada propone una revisión sobre el más célebre autor de todos los tiempos, mostrando realmente como se comportó en aquella época, de dónde salió su productiva obra y cuál fue su verdadera identidad. Un monólogo en el que la actriz transita por la amargura de una existencia gris a la sombra del gran bardo.
Adolfo Simón
Cervantes en chandall y auriculares
Que gusto da descubrir, en medio de los grandes fastos de la celebración sobre Cervantes, piezas escénicas que se enfrentan al monstruo de la literatura con bisturí y cincel. Desde la dramaturgia de Alberto Conejero con Rinconete y cortadillo que los Sexpeare defienden de manera personal y moderna bajo la dirección de Salva Bolta que se ha presentado en la sala Negra de los Teatros del Canal a la adaptación ingeniosa de María Velasco con la que quita polvo y paja a La gitanilla y que, Sonia Sebastián ha sabido dirigir jugando con los rincones y espacios singulares de la Sociedad Cervantina. No digo que no se tenga que conmemorar de manera respetuosa una figura como Cervantes, pero, el público inquieto de hoy, seguro que agradece el aire fresco que estos equipos atrevidos hacen con la literatura clásica. No podemos quedarnos atascados en el lenguaje de otra época, hay que evolucionar y mezclar estéticas para que surjan nuevos referentes en el arte.
Adolfo Simón
Hermanas en la Sala TU
El terror es muy complicado de conseguir en el teatro, pero, a veces, se consiguen pequeñas piezas que tienen una propuesta sencilla pero armada, en la Sala TU se ha estrenado Hermanas, una psico escena donde dos jóvenes actrices consiguen crear una atmósfera opresora que carga el patio de butacas de fantasmas ausentes. Seguro que con de devenir de las funciones terminará de ajustarse la pieza.
Adolfo Simón
Familia, paraíso perdido en La pensión de las pulgas
Hay dos propuestas que se han estrenado recientemente en La pensión de las pulgas que, siendo una la adaptación de un clásico y la otra, un texto contemporáneo, ambas tienen un denominador común, la radiografía sobre ese ente nuclear llamado familia donde se gesta la belleza y el horror del ser humano. No sabemos qué sería del ser evolucionado si no se hubiese gestado bajo el paraguas de la familia…¿No habría existido la evolución o tal vez habríamos dejado de ser animales con piel de cordero?. En Crónica de una Casa Real, inteligente y sintética adaptación de La Venganza de Tamar de Tirso de Molina y Los cabellos de Absalón de Calderón de la Barca. En esta casa real, encontramos a los personajes sumergidos en la intimidad y precipicio de sus deseos más ocultos y secretos. Por más que la educación el respeto nos sujeten, los caballos de la locura se desbocan y aparece la tragedia. En Veneno para ratones, situada en la actualidad, encontramos una historia con trasfondo de alta traición económica y personal que, además, contiene un final de gran giro dramático donde los personajes descubrirán que no son lo que parecen ni lo que soñaron, que, en su mundo sin reglas, el destino es el que marca las líneas de acción. En ambos equipos seguimos descubriendo interesantes dramaturgos y directores…y actores que no temen al público a un palmo de su respiración.
Adolfo Simón
40 años de paz en el Teatro del Barrio
El pasado y el futuro no existen, solo cuenta el presente y aunque el mundo podría desmoronarse en cualquier momento, si no lo ha hecho ya. A estos personajes nada les pueden hace cambiar pues nada les importa, todo lo que les ocurra es inevitable.
40 años de paz es una historia consecuencia de la propia historia. La crisis de los 40, una familia unida aún con sus diferencias, 4 maneras de contar como cada uno de sus miembros afronta su crisis de la mejor manera que puede.
Esta obra es un rápido parpadeo por las entrañas de la historia de España, la transición política reflejada en el espejo de una familia. Donde se narra la vida de tres hermanos insólitos y una madre en el retiro en una casa decadente. Como punto de partida la muerte del padre. Un militar de alto rango vinculado directamente con el régimen de Franco, que la noche del golpe de estado de Tejero muere de una manera muy peculiar. Fruto de su euforia y su mala suerte.
Una manera distinta de contar el pasado desde el presente. Con actores que se desdoblan y con una limpieza absoluta y un ritmo brutal donde modifican el escenario, su vestuario y son natradores, objetos polisemicos y una escenografía que traslada a la decadencia absoluta a la que puede llegar el ser humano, cuando todo se desmorona.
Los textos son dichos con una verosimilitud y vivencia que deslumbra, durante gran parte de la obra, se recurre a una voz narradora , la voz de la conciencia, que se aprovecha de un micro de mano para contestualizar y ayudar al espectador en su comprensión y asi enfatiza la historia .
El buen ritmo de la obra facilita la comprensión de la historia y ayuda a que el espectador desconecte muy poco. Los momentos sonoros, canciones que en si misma son acciones, que al público le cuenta mucho sobre el personaje.
Un texto humano, cotidiano, verdadero. Con unos actores exigentes y entregados.
Pablo Cano
A media luz los tres en el Teatro Alfil
“A media luz los tres”, de Miguel Mihura, cuenta las aventuras de Alfredo, un ligón cuyo único objetivo en la vida es saciar su sed de conquista. Tres mujeres, Mariví, Elena o Lulú, son objetivo para este “cazador de mujeres”, que solo podremos describir como “elegante-hortera”. Sin embargo, el comienzo de sucesivas catástrofes amorosas, en comparación con las de su buen amigo Sebastián, un pobre diablo sin maldad y de aspecto sumiso, provocan una pequeña crisis de fe en Alfredo, que empieza a cuestionar su más que apreciada seguridad y control sobre el terrible arte de la seducción. Una revisión contemporánea sobre la divertida comedia de Mihura.
Adolfo Simón
Hamlet Kamikace
Hamlet lo escribió Shakespeare y lo reescribe todo artista que encuentra una pista para dar una visión personal del personaje más difícil y complejo de la literatura dramática de todos los tiempos. En esta ocasión, Miguel del Arco se pone frente a la peripecia del personaje y toma decisiones a cada momento de la obra, justo lo que no hace Hamlet que se debate siempre en la duda. Este Hamlet Kamikace es el puzle endiablado que surge a partir de una premisa…Hamlet, en realidad, está muerto…y si los muertos, en vez de ver pasar su vida en el último aliento, se sumergiesen en un sueño del que despiertan para aparecer en otro sueño y así sucesivamente, ir trasladándose de un lugar a otro y de un momento a otro de su existencia reciente, en este caso a partir de la muerte del padre de Hamlet…Esto le situaría en un bucle semejante al que experimenta Segismundo y así, no terminará de saber si lo que le ocurre es la realidad o lo que sueña. Solo, al final, como Edipo, descubrirá que lo que va a cubrir el resto de su no vida, será el silencio. La propuesta escénica está llena de juegos teatrales que transitan por múltiples géneros escénicos, unos encajan mejor con el texto que otros, pero todos nos llevan por esa montaña rusa a la que se ha subido Hamlet hasta parar en seco, suspendido en el aire.
Adolfo Simón
Todo por amor en Microteatro por dinero
¿Qué es amor?¿El momento en que sentimos mariposas en el estómago cuando conocemos a alguien?…¿Ese momento en que nuestro cuerpo muere en un estallido de placer aunque este ocurra en un lugar sórdido?…¿Cuándo mostramos nuestro mejor rostro aunque estemos escondidos tras la máscara del carnaval?…El juego de cambiar de tema cada mes en Microteatro por dinero permite que los artistas indaguen en los lenguajes, temáticas y formas de expresarlas. Este mes toca «Todo por amor»…Y uno podría pensar…»Ya está todo dicho sobre el amor»…Y no, siempre hay una mirada diferente si nos ponemos frente al sentimiento de vergüenza al no expresar lo que realmente deseamos con nuestra pareja como ocurre en la pieza «Todas las noches» de Nacho Faerna o ese miedo que aflora cuando alguien te gusta y no sabes cómo decirle que te gustaría volver a verle otra vez…y te excusas una y otra vez en artificios justificados por el disfraz más disparatado de la noche como ocurre en la propuesta de «En un baño» de Tino Antelo. En esta visita a Microteatro he tenido una sensación nueva…Escuchando la música y las palabras de las salas que había al lado, por un momento, sentí que estaba en el tiempo de Blade Runer y que el teatro era un espacio en extinción que había que experimentar en espacios secretos…Una curiosa sensación!
Adolfo Simón
Mujeres en lucha
La historia está llena de mujeres que han luchado por la dignidad propia y la de su sociedad. Las mujeres siempre quedan en la sombra de los hombres cuando son ellas las que guían y ponen luz en los laberintos sociales donde el ser humano se ha perdido en todas las épocas. Hay muchos frentes donde ellas pelean por no decir que en todas las batallas están en primera línea. En el arte ocurre igual, las mujeres son las más comprometidas, las que tienen mayor curiosidad y presencia. Y no podía ser de otro modo en el teatro. En estos momentos, hay dos propuestas en la cartelera madrileña que nos muestra dos caras de la mujer…La mujer como ser que transita por fronteras en las que busca la dignidad por ella y sus seres queridos, tratando de conseguir respeto y solidaridad como ocurre en «De polvo y agua» en La Puerta Estrecha…O la mujer peleando con el fantasma del desamor como ocurre en la pieza «Amorodio» que se representa en La Cuarta Pared. Empieza el mes de marzo en el que hay celebraciones y actividades alrededor de la mujer, no hay mejor manera de acercarse al universo femenino que a través del teatro.
Adolfo Simón
Farsa escénica
A veces, la realidad, actual o de un tiempo reciente, solo se puede mirar a través del sarcasmo, del humor negro o ácido. Esta semana que está terminando he asistido a varias propuestas de este tipo. Una mirada musical y disparatada de lo que fue el 23-F en el Teatro del Barrio. En la obra se recorren los acontecimientos de aquella situación complicada para la futura democracia de este país y, en el montaje, se dejan preguntas en el aire sobre quién movió los hilos de aquel teatro de guiñol. En el Teatro Alfil, doble pirueta dominguera, la enloquecida The Gag Father donde la mafia y la policía son caricaturizados de manera jocosa consiguiendo un juego cómplice con el público que disfruta de las provocaciones y locuras que les brindan los actores desde el escenario. Tras esta función, Éxtasis, donde la ridiculización de las parejas y sus contradicciones son el eje del montaje.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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