Laberintos mentales en la escena
Todo en la vida son ciclos, hay veces que estamos en la espiral del humor y otras entramos en callejones obsesivos. Lo mismo ocurre en la escena teatral…En ocasiones todo gira alrededor del humor y otras, los temas que se tratan están llenos de sombras extrañas, seres perdidos en laberintos sin salida. En el Teatro Lara hay dos propuestas en programación que tienen cierta conexión. Los lunes se puede asistir a Si los ángeles disparan, una mirada escénica a los terribles asesinatos que hubo en Puerto Urraco. En la pieza, los personajes se pierden en un mundo obsesivo que les llevará directamente a la tragedia. Los martes hay otra obra que trata de esos seres que buscan sobrevivir a su horror dominando y haciendo víctima de él a otras personas. El coleccionista es la versión escénica de la conocida novela de John Fowles que fue adaptada al cine en 1965 y protagonizada por Terence Stamp y Samantha Eggar.
Adolfo Simón
La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada
La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada Teatro de Madrid nos plantea una reflexión sobre el declive de una especie que, a pesar de hacer creer que ha evolucionado, tiene un funcionamiento social mucho más pobre y mediocre que muchas de las especies que realmente han sobrevivido a lo largo del tiempo. Con un juego paralelo en escena donde, en una pantalla observamos pequeñas piezas de documental con animales y animaciones que muestran el sistema tribal de los animales, se completa con un plano actoral delante de estas imágenes que muestran la desigualdad entre especies y como, el ser humano, se extinguirá inevitablemente porque no será capaz de mantener el equilibrio. Un ejercicio sugerente de poética y reflexión.
Adolfo Simón
«El amor está en el aire» en el Teatro Infanta Isabel
El Amor es así…De repente entras en un café y la seducción se te cuela por los poros igual que el humo de un cigarro entra por la nariz aunque no quieras… el humo recorre tu cuerpo, entra en tus pulmones, llega a tu sangre, pasa por tu cerebro, en la mayoría de las ocasiones, vuelve a salir y se queda en el aire de nuevo…y aquí no hay quien respire! Un recorrido que todos adivinamos y, aunque advertidos por la experiencia, inspiramos una y otra vez como si fuese la primera, a pesar de haber pasado por rupturas, olvidos y decepciones.
Félix Sabroso se ha pertrechado de dos estupendos actores para hablarnos del amor en todas sus facetas, entre la comedia y la tragedia, entre lo espiritual y lo carnal. Sin perder un ápice de la ternura,frescura y petardez que emanaban sus guiones se atreve a poner a interpretar y cantar a Bibiana Fernández y Manuel Bandera, dos abanderados en el amor con una larga trayectoria a sus espaldas en estas lides. Bibiana ha ganado hondura, sentimiento, pasión cuando canta… y no ha perdido ese tipazo, sensualidad y esas piernas que harían salivar a cualquier hombre que la vea entrar en un café. Manuel Bandera lleva la seducción en los ojos pícaros y sus movimientos acaramelados a ritmo de salsa, copla y cha-cha-chá. Juntos interpretan a una pareja explosiva por la que fluye el amor a ritmo de música española: de Raphael a Fangoria pasando por bolerazos y canciones que nos hacen elevar nuestro alma o sepultarla entre la tierra.
Es una oportunidad única para disfrutar de dos grandes actores cantando en directo acompañados por el piano de Guillermo González y rodeados de la escenografía de Alberto Puraenvidia. Una escenografía perfecta para el Teatro Infanta Isabel, con un toque modernista pero a la vez contemporáneo y elegante que dota a la actuación de toda una gama de barnices y terciopelos apropiados para vivir una gran pasión o un gran desencuentro…
Luis Mª García Grande
Tres hermanas de A. Chejov por la Compañía Guindalera en los Teatros del Canal
La Compañía Guindalera presenta cada cierto tiempo sus trabajos en los Teatros del Canal, es una oportunidad fantástica para que puedan abordar producciones de mayor formato a las que realizan en su exquisita sala. Creo que esta debiera ser una de las funciones de los teatros públicos…Apoyar con difusión y medios el trabajo constante y arduo que se realiza en las salas más pequeñas. En esta ocasión, la obra elegida ha sido ese gran clásico que es Tres hermanas de Chejov y, a pesar de ser una propuesta de gran formato, mantiene la esencia de las piezas que se montan en la Guindalera Teatro. Juan Pastor apuesta por darle voz al autor, leyendo algunas de las acotaciones que van atravesando el texto, creando, además, una extraña sensación al oírlas…¿Se escribieron hace cien años y podrían servir para el mundo que vivimos hoy?. La propuesta escénica tiene un mapa trazado en el escenario, delimitando lo que es ficción y lo que pertenece a los actores fuera de escena. Y el recorrido de la pieza va transcurriendo como si los personajes hicieran un viaje de la ciudad al desierto, de una habitación llena de vida y esperanza al desván donde se amontonan los muebles y recuerdos. Ese periplo, fiel estéticamente al texto original, van siendo arañado por miradas y actitudes de algunos personajes que nos sitúan en otro contexto dramático, tal vez en la mente del autor que duda o teme lo que pueda ocurrirles al final a sus personajes. La última imagen, más allá de estar llena de esperanza textual, está herida por la presencia de unas hermanas que se vuelven de madera entre los objetos perdidos de un mundo que no ha podido conseguir la huida del desierto al mar.
Adolfo Simón
El niño adefesio de La tarara en Espacio Labruc
Hay muchas maneras de entender el ocio…Se puede salir un sábado a la noche a ver la realidad tal cual es en una película u obra de teatro, es una manera lícita de «entretenerse»…Uno ve una foto del mundo con sonrisa o mueca. Y hay otra forma de paladear el arte que es a través de espejos deformantes, en esos donde la realidad se ve de manera más profunda gracias a la distorsión de las imágenes. La Compañía La tarara ha estado unos pocos días en ese inquieto espacio escénico que es Labruc y allí nos han permitido entrar en los rincones más oscuros de una «deliciosa familia» a través de la mirada de su hijo…»El niño adefesio». El realismo nos permite asomarnos a una ventana cómoda, el teatro de la crueldad y expresionismo que utiliza este grupo como lenguaje escénico nos permite ver más allá, descubrir incluso esos pliegues negros que no queremos reconocer que están alojados en nuestro imaginario. Es una pena que trabajos tan interesantes pasen desapercibidos en la cartelera de nuestra ciudad, ojalá vuelvan pronto y nos sorprendan con sus nuevas propuestas.
Adolfo Simón
Voces en el silencio en Biribó Teatro
La ciudad es un laberinto que no siempre nos permite encontrar aquellos espacios donde respirar libertad. Solo el amor salvará el mundo y solo la poesía y el teatro seguirán denunciando las atrocidades que el ser humano sigue llevando a cabo, aquí o a miles de kilómetros, hoy o hace mil años…Aunque…¿Siempre ha sido ascendente la evolución del ser humano o ha tenido una trayectoria en zig zag?…O mejor…¿Somos hoy más capaces de tolerar la diferencia o cada vez somos más autistas ante la realidad que, aparentemente, no nos afecta?. Hay lugares donde se asesina por «amar» pero aquí callamos y miramos para otra parte, somos cómplices de algún modo. La ciudad está de fiesta los fines de semana y pocos atienden al dolor de los demás…pocos aceptan que un lugar como el teatro puede ser también un espacio de empoderamiento para el ser humano; no solo de risas se ha de alimentar el hombre. Por suerte hay pequeños oasis al volver la esquina como la sala Biribó que ha estado programando una honesta y sencilla propuesta de teatro poético para recordarnos que la libertad es algo por lo que debemos pelear todos y cada día.
Adolfo Simón
«Cervantina» en el Teatro de la Comedia
La Compañía Nacional de Teatro Clásico se ha aliado con Ron Lalá para ofrecernos todo un caramelo acerca de la vida y obra de Cervantes. Los personajes creados por nuestro autor más importante salen a la palestra junto con su creador para darnos una visión panorámica de su obra y vida. Juegan con las palabras de Cervantes, las músicas, se divierten y nos divierten. Todo un juego de malabarismo, poética y armonía que nos transporta a aquellos tiempos sin olvidar los nuestros, ya que muchos de los temas que proponía Cervantes son universales y aún hoy en día sirven para criticar muchas de las situaciones sociales y políticas de hoy en día.
Cervantes fue libre en la cárcel a través de sus personajes y nosotros somos un poco más libres a través de las recreaciones que nos ofrece Ron Lalá, que juegan a ser cervantinos a su manera, con cuatro trapos esquemáticos, de forma espléndida y humorística intentando inocularnos ese pequeño virus que produce las letras escritas por manos ingeniosas y pronunciadas por bocas cantarinas y cerebros bien amueblados.
Luis Mª García Grande
Huevos con amor de Ramón Paso en La Sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez
Paloma Paso Jardiel lleva en su ADN el teatro ya que es una digna heredera de grandes autores de nuestra mejor dramaturgia del siglo XX. En esta pieza se enfrenta sola al patio de butacas, desgranando sus habilidades de composición de personajes de comicidad agria. La historia tiene sus disparates y locuras que ella sabe muy bien como encajar en cada momento. Tener una familia de gente con propensión al suicidio puede ser un horror o una forma divertida de ver la vida…o la muerte. El público disfruta de los excesos escénicos e interpretativos de esta mujer de la escena.
Adolfo Simón
La flaqueza del bolchevique en el Off del Teatro Lara
Adaptación de la novela de Lorenzo Silva que fue finalista del premio Nadal en 1997. El protagonista y narrador de esta historia se empotra contra el descapotable de una irritante ejecutiva. Ciertamente, él se distrajo un poco, pero ella no tenía por qué frenar en seco ni escupirle todos los insultos del diccionario. Por ello, y para hacer soportables las tardes de aquel bochornoso verano, decide dedicarse “al acecho y aniquilación moral de Sonsoles”. Gracias al parte del seguro, consigue su teléfono, y así conoce a su hermana Rosana, una turbadora adolescente. Sería ésta una obra absolutamente cómica si no fuera por el carácter inquietante que adquiere a medida que se complican las argucias del protagonista. Esta obra nos evocada el personaje de Lolita que ha conseguido perturbar a todo tipo de público y estimular a los artistas a crear a partir del ideal que todos los seres humanos tenemos y que cuando alcanzamos, se evapora ante nuestra máscara. Una propuesta sencilla que centra la atención en el viaje emocional del protagonista.
Adolfo Simón
Seres de arcilla en Nave 73
Nave 73 es uno de los espacios escénicos más inquietos de la ciudad de Madrid. Un lugar donde poder ir a tomar algo antes o después de las funciones, visionar las exposiciones que se montan en el hall o disfrutar de la variada programación. Hay otros teatros que a fuerza de especializarse pierden el objetivo de llegar a un público variado algo que no tiene por qué ser negativo ya que en la variedad está el gusto y si se programa con gusto y criterio, pues ganamos todos. Este próximo fin de semana hay un programa intensivo de danza y en el anterior se realizaron las últimas funciones teatrales de enero. Vimos el último Cliff en la reposición de esta obra en la que Carlos Lorenzo hace un alarde interpretativo. Por la noche asistimos a Dextrocardiaco en el que los desamores de un joven por su eterno enamorado le harán crecer de manera divertida hacia la madurez afectiva. Y el sábado, a teatro lleno, descubrimos a una creadora que va a dar mucho que hablar: María Prado. En su pieza «(des)de los escombros» nos sumerge en un mar de recuerdos poéticos que por momentos se asoman al precipicio del presente. Un trabajo dramatúrgico y escénico muy sugerente en el tratamiento de la estructura y el espacio como lugar de poéticas múltiples. A ver qué nos depara Nave 73 en febrero.
Adolfo Simón
«Historia de España en 70 minutos» en Nave73
Los domingos por la mañana podemos hacer un breve repaso de nuestros conocimientos históricos en Nave 73 a través de una comedia que aglutina a los personajes más conocidos de nuestra historia…desde Atapuerca hasta Felipe VI con la compañía Dramákina.
Una idea fresca de Ernesto Filardi que repasa a través de pequeños sketch las anécdotas y personalidad de nuestros habitantes solamente con tres actores que se encargan de transformarse a un ritmo endiablado en personajes tan conocidos como los Reyes Católicos, Fernando VII o Franco… y nos van contando anécdotas y poniéndole su imaginada personalidad, todo muy políticamente correcto, como ellos pretenden, y muy divertido.
Luis Mª García
«Ternura negra» en la Sala Mirador
Si María Estuardo levantara la cabeza y viese a una actriz con un palo de esos del móvil de la mano interpretándola a través de skype seguramente no entendería nada y querría volver a su cautiverio en Tutbury. Si ustedes llegan al teatro y ven esto pueden pensar que Denise Despeyroux se ha pasado de postmoderna. Si luego empiezan a observar elementos paranormales, fantasmas, posesiones corporales inesperadas, apariciones virtuales y otras lindezas puede que incluso se queden pegados al asiento esperando ver qué va a suceder…Todo tiene una explicación y un desarrollo para poder justificar tamañas modernidades.
La obra propone una revisión histórica de la figura de la Estuardo recreando un ficticio montaje teatral en la actualidad sobre su persona y estableciendo paralelismos sobre su pasión amorosa. Una propuesta interesante, bien estructurada y que engancha desde el primer momento que observamos la escenografía y genera curiosidad y tensión dramática a cada instante. La dramaturgia deambula entre la contemporaneidad y el clasicismo permitiendo que los actores demuestren su versatilidad interpretativa y afronten con profundidad cada situación propuesta. Ester Bellver, Joancarles Suau y un virtual Fernando Cayo han sabido sumergirse en la propuesta de Despeyroux y exprimir el texto perfectamente.
Todos estos personajes, actores y fantasmas estarán en la Sala Mirador del 14 de enero al 7 de febrero.
Luis Mª García
Monsieur de Pourceaug de Molière y Lully en los Teatros del Canal
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, raramente representada en fechas modernas, Monsieur de Pourceaugnac resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad…Recién llegado de Limoges para contraer matrimonio, Pourceaugnac es manipulado por doctores, mujeres, autoridades, pícaros, etc., hasta que debe huir de París. Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. Desde que William Christie fundó Les Arts Florissants en 1979, su actividad ha sido incesante. Especializados en música barroca, el ensemble debe su nombre a la ópera homónima de Marc-Antoine Charpentier, que fue su primera representación integral. Una producción firmaba por el Théâtre des Bouffes du Nord es garatía de investigación, rigor y placer, además, para esta ocasión se han aliado con Arts Florissants y el Centre International de Créations Théâtrales consiguiendo una obra total como resultado final. Pocas veces se puede disfrutar de un espectáculo donde el texto nos muestra, de manera critica, la hipocresía de la sociedad a través de una exquisita música en directo y una propuesta escénica inteligente en la que los actores cantan, bailan y actúan con entrega energética y emoción.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/monsieur-de-pourceaugnac/
Adolfo Simón
Pequeño catálogo sobre el fanatismo y la estupidez de Ignasi Vidal en La Pensión de las Pulgas
¿A qué vamos al teatro?¿A escuchar lo que queremos oír o a ver eso que nunca se cuenta, ni entre líneas?…
¿Para qué sirve el teatro?¿Para hacernos más borregos o para tener un pensamiento crítico?…
Voy al teatro a pensar o ver aquello en lo que no caí en cuenta en medio del ruido que se genera en la gran ciudad y que, a menudo, distrae nuestra mirada de lo esencial.
El teatro es un arma cargada de pensamiento cuando se usa para desvelar la verdad entre las mentiras o para poner el dedo en el centro de la herida….Por eso, el teatro se calla en las sociedades tiránicas.
Ahora vivimos un momento en el que parece que los crímenes cotidianos son más importantes que las matanzas en alta mar…Otra vez, la atención distraída.
En Pequeño catálogo sobre el fanatismo y la estupidez de Ignasi Vidal no se habla de buenos y malos, se expone como, la manada, se adentra en la jungla para perder el norte y, entonces, abandona la racionalidad para sacar el animal amordazado. Se habla secuencialmente e in crescenso de esa caída en picado a la irracionalidad bajo las excusas de “mi territorio y mis pertenencias”, como si lo material fuera tan importante, aunque cueste vidas y dolor.
No es una obra para salir pensando lo buenos que somos y que en desacuerdo estamos sobre las ideas torpes de los otros. No, en esta pieza fragmentada se nos invita a mirar el espejo estallado de una sociedad egoísta y narcisa que se mira el ombligo mientras escupe al que tiene delante. Y salimos teniendo que hacernos preguntas y recomponer el puzle incompleto del presente que solo es un hijo torpe del pasado. Y hay tres actores que se transforman con un cambio sutil de vestuario, pasando de una mirada del mundo a otra, sin titubeos.
De nuevo, La pensión de las pulgas ejerce la tarea de mostrar el teatro que no se atreve a exponerse en los templos sagrados, esos que se ponen medallas a diario haciendo ver que salvan al teatro desde sus poltronas, alejados de la realidad.
Adolfo Simón
Ninette y un señor de Murcia de Miguel Mihura
Llevada al teatro y al cine en varias ocasiones, esta obra de Mihura supuso en su estreno 1964 un antes y un después en el sistema de valores de la sociedad española de aquella época. La versión y puesta en escena de César Óliva, ajustada al texto original, ofrece una pincelada de aquella sociedad en pleno Franquismo, poniendo el acento en temas tan abiertos como el amor, la represión y el recuerdo perenne de su tierra por parte del exiliado. En el escenario de la sala grande del Centro de Arte Fernán Gómez aparece la reproducción de aquel mundo de los años sesenta que empezaba a pedir aires de libertad. Tal vez la pregunta ideal habría sido…¿Cómo vería Mihura hoy ese trayecto Murcia-Paris?…No podemos olvidar que, desgraciadamente, no todo lo que se soñaba entonces se ha hecho realidad y que seguimos escapando de este país a la búsqueda de un futuro mejor.
Adolfo Simón
«El grito en el cielo» de La Zaranda
Analizar la realidad y comprometerse con la sociedad a través de un teatro reivindicativo y poético y a la vez atraer al público y ser uno de los grupos de teatro punteros en el panorama nacional no es nada fácil, pero La Zaranda sigue sorprendiéndonos en cada montaje y rascando un poco nuestras almas.
En esta ocasión han llegado al Teatro Español para mostrarnos una metáfora poética y expresionista de nuestra vida a través de cuatro viejitos -y lo digo así, sin políticas correctas- que transitan por sus últimas horas en una especie de geriátrico en el que se les imponen unas normas bastante ridículas para mantener su salud y mejorar su escuálida vida. Terapias, rehabilitación, wellness, fitness, yogas, taichís, musicoterapias y otras rutinas y tonterías varias que nos hacen pasar el tiempo pensando en el reposo y bienestar de nuestro cuerpo a través de normas ridículas y apartándonos de soñar y de la libertad de nuestra alma. El pequeño apunte a Lorca, con su poema El Manantial ,en su programa de mano nos lo resume todo en dos versos y nos anuncia lo que veremos.
La pequeña muestra de La caverna de Venus de Tannhäuser , en la que conviven en armonía y felicidad ninfas, faunos y otros seres, apartados de la realidad y viviendo oníricamente pero siendo representada por cuatro ancianos ridículamente ataviados, nos deja una pequeña muestra de las píldoras que fabrica Paco de la Zaranda para administrarnos una dosis de cruda realidad. La escenografía está montada a través de cuatro elementos muy simples pero a la vez muy potentes que nos hacen imaginar todo lo demás: cuatro jaulas enormes que se irán transformando en objetos cotidianos pero que en el fondo siguen con esa estructura enrejada y opresora.
«De aquí no se sale vivo», dice uno de los residentes protagonistas, porque en este montaje esa residencia de ancianos se convierte en una gran sinécdoque de lo que es nuestra vida y de nuestra vida… tampoco salimos vivos.
En definitiva, ir a ver «El grito en el cielo» es intentar liberar un poco más nuestras almas o al menos rascarlas, a ver qué sale.
Luis Mª García.
Da capo de Vol Ras en el Teatro Bellas Artes
La compañía Vol Ras vuelve a Madrid para seguir con su trabajo gestual.En esta ocasión, el juego está en mostrarnos todas las peripecias que ocurren tras la escena, en ese tiempo donde se prepara lo que el público finalmente verá. Poco a poco van desfilando personajes que realizarán la comedia frente al público y que entretienen al respetable real viendo las dificultades del teatro al revés.
Adolfo Simón
Una pareja cualquiera en el Teatro Figaro
Una Pareja Cualquiera es la última aventura que presenta en Madrid el director de cine y teatro Miguel Ángel Calbo Buttini.
La obra es una pieza que se extiende en el tiempo, un largo flas back que se acerca a la comedia romántica y que se convierte en un drama vital dónde muere hasta el apuntador.
Todo comienza con una pareja cualquiera en una amplia sala minimalista, donde el blanco impoluto invade la escena. Dos enamorados en una situación más que shakesperiana comienzan a retomar su relación mientras esperan en una sala «archinumerica» que como espectadores debemos suponer que se trata del cielo.
La obra la podemos resumir en un conjunto de escenas de pelea de parejas a la americana, donde la trama o conflicto teatral se reduce a reflejar situaciones habituales en el día a día de un matrimonio.
Un texto lleno de frases delirantes dirigidas a un público que entra a jugar en la historia con facilidad, donde se exploran la farsa comedia, los personajes estereotipados, o la imitación. Existen ciertas escenas de lucidez, con ritmo y sorpresa donde se puede apreciar a unos actores más cómodos.
La escenografía que en éste caso viene de la mano de Tomas Muñoz es sutil, original y practicable.
Se puede visitar cómodamente con un refresco todos los lunes y martes de enero en el teatro Fígaro de Madrid.
Pablo Cano
Teatro terminal
La muerte siempre ha sido un tema muy sugerente a la hora de crear ficción, la muerte o sus alrededores. Estos días se han representado dos piezas ácidas y curiosas sobre ese momento previo al camino de luz o cuando ya se habitan las tinieblas.
En «Páncreas» de Patxo Tellería, presentada en el CDN, asistimos a un ritual de aire inglés y en verso en el que tres personajes juegan a una ruleta rusa imaginaria, proponiendo un desenlace terrible en función de quién aprovecha mejor lo que tiene el otro y que no valora en vida, en el fondo hay una crítica desalmada a una sociedad que consume y trafica con todo.
En Lagrada, la Compañía Hongaresa ha presentado “Serenata para un país sin serenos” de Lluisa Cunillé y Paco Zarzoso, un tándem muy fructífero que escribe a cuatro manos que genera textos muy sugerentes en los que mezclan la realidad con la ficción a partes iguales. Aquí nos sumergen en una Fedra contemporánea muy inquietante que dialoga con el sonido de un violonchelo en el tanatorio donde vela la muerte del marido junto a su hijastro…Dramaturgia esencial y transgresora.
Adolfo Simón
Superdotados escénicos
Los súper héroes, los súper dotados ya no son como los veíamos de niños en los comics. Ahora son de carne y hueso…Que tiemblan ante el horror del día a día para sacar fuerzas con las que superar el infortunio.
Súper héroe de la Cia. El perro azul se ha presentado para público familiar en Cuarta Pared. El ejercicio de superación de un niño ante la vida dura que le ha tocado vivir con su abuela y sobre todo, demostración virtuosa de un actor que se transforma en múltiples personajes a vista del público, permitiendo que vivamos la peripecia con él, gracias a la cual se convierte en un súper héroe de andar por casa.
Nobilmente de Ximena Vera se ha presentado en LaZonakubik. Una pieza de teatro inspirada en la vida y superación de la violonchelista Jacqueline du Pre. Ante el espectador, la actriz-bailarina hace uso de sus recursos expresivos para demostrar que, tras el horror de la enfermedad, la superación del día a día puede convertir la fealdad en belleza creativa. De nuevo, una artista portentosa que demuestra en escena su habilidad virtuosa.
Adolfo Simón
Sin anestesia de Mariano Rochman en el Teatro del Arte
Vivimos unos tiempos en los que la testosterona ya no es la reina de la pista. Los machitos de turno creen que pueden seguir manejando los deseos de las mujeres si se ponen en complicidad en el ruedo de la carne. Pero, el cuento ya no es como lo contaban y los cazadores, a menudo se convierten en la presa de la cacería. La pieza tiene su temblor para mostrarnos que, en el fondo, lo que esconden los personajes son sus complejos de inseguridad que resuelven mirando quién la tiene más grande dentro del slip. Que Aitana Galán dirija la pieza da garantías para que no se caiga en el mal gusto de estos travoltas trasnochados.
Adolfo Simón
Amén de Carlos Be en el Café del Kosako
Cerca de la plaza de la Paja de Madrid hay un curioso y emblemático café llamado Kosako por el que han pasado muchos artistas y bohemios de la ciudad. Ahora, además, está programando propuestas de arriesgado teatro para las que todo el café se convierte en un escenario por el que los personajes transitan, haciendo que el público se convierta en el verdadero protagonista de la función. La programación de enero es muy sugerente pero no han de perderse «Amén» de Carlos Be. Una propuesta para aquellos espectadores que no quieren vivir experiencias pasivas. En esta pieza que arranca casi como una letanía susurrada al oído y que termina como una pintura negra de Goya, se constata que el horror es atemporal, que la censura y discriminación no tiene ideología ni país…Y que poco ha cambiado desde la edad de piedra. Ahora somos muy modernos y políticamente correctos respondiendo con un «me gusta» cuando vemos una noticia o imagen sobre un atentado a los principios básicos de los derechos humanos, pero ahí queda todo. Sólo el teatro, sigue metiendo el dedo en la llaga a riesgo de que nos cierren las salas o nos pongan bombas en los camerinos, pero…¿Qué habría sido del ser humano sin tener constantemente, frente a frente, ese espejo deformante que nos muestra la realidad de lo que somos?…Vayan a ver «Amén» y dejen de lado…»Por mi culpa, por mi culpa…»
Adolfo Simón
Música de altura en los Teatros del Canal
Durante las Navidades se ha podido disfrutar en Madrid de un exquisito espectáculo: La viuda alegre, el musical. Esta espectacular producción del Teatro Arriaga, cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinismo a cargo de Renata Schussheim. También ha captado la atención del público, que puede disfrutarla hasta el próximo domingo, por la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. Este espectáculo está basado en la opereta probablemente más famosa de todas, La viuda alegre, un verdadero paradigma del teatro musical, que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto de Víctor Léon y Leo Stein, basado a su vez en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac. Es una obra que desde el primer momento fue recibida con enorme entusiasmo y que ahora, gracias a la espléndida versión escénica que ha hecho Emilio Sagi, se convierte en un verdadero placer para los sentidos de los amantes del musical. Las voces de los principales actores dan carácter y emoción a la pieza.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-viuda-alegre-musical/
Farinelli, el castrato del rey con texto y dirección de Gustavo Tambascio es un preciosista montaje que solo estará unos días en la sala Verde y que pocos espectadores podrán disfrutar porque las entradas están agotadas desde hace tiempo; esperamos que pronto vuelva a la cartelera de Madrid porque es uno de los montajes más bellos vistos últimamente en nuestra ciudad. Tras haber conquistado la gloria en Europa, Farinelli se retiró́ de la escena a los 32 años, para colocarse al servicio del rey Felipe V, quien solo encontraba solaz para su severa melancolía en las arias que le cantaba noche a noche. Farinelli, el castrato del rey Felipe narra, en el lenguaje del teatro musical barroco, los hechos extraordinarios de la vida en España de Carlo Broschi, el cantante más célebre de su tiempo. El legendario castrado logró con su canto sacar de la melancolía al rey Felipe V y hacerle retomar sus deberes como monarca. Al mismo tiempo, la fascinación por su voz y su inteligencia, fuera de lo común, le granjearon la admiración de la familia real, convirtiéndose en el verdadero amo de la actividad musical española tras la muerte del Rey, bajo el reinado de Fernando VI y Bárbara de Braganza. Este montaje mezcla de manera excepcional lo teatral y lo lírico, una suerte para los que lo hemos podido ver.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/farinelli-castrato-rey-felipe/
Los Teatros del Canal se están convirtiendo en un lugar de referencia para los buenos espectáculos musicales.
Adolfo Simón
Seguramente vendrán mañana en el Teatro Alhambra de Granada
El Teatro Alhambra inaugura el 2016 con la programación de un montaje local de calidad, a
cargo de la compañía La Bohemia, dirigida por Carmen Ruiz- Mingorance. El texto de Esther Pérez
Arribas se encuentra inspirado, según reza en el programa, en textos de Samuel Beckett, que la
autora transforma y retuerce hasta centrar un tema de especial relevancia en nuestra historia
reciente: los muertos por los paseíllos de la Guerra Civil. La premisa inicial es tremendamente
sugestiva, pues a lo largo de la puesta en escena el espectador asiste a la recreación de una serie
de diálogos imposibles entre muertos de la contienda que yacen enterrados en fosas comunes sin
que nadie les haya encontrado ni identificado todavía.
Bien asentada en la tradición del absurdo, y apoyándose en la reiteración obsesiva y la
angustia desde la incomunicación, la obra tiene la capacidad de conmover en su profunda tristeza,
y en el carácter tremendamente incomprensible de los diálogos que intentan mantener sus
personajes. La atmósfera creada por los sucesivos parlamentos es un curioso mosaico de dejà vus
que consiguen emocionar al espectador. Con dos personajes sólidamente dibujados (Cipri y Pepa,
de cuyas vidas anteriores a la contienda llegaremos a saber retazos) y otros dos algo más
desenfocados y confusos, el cruce de parlamentos imposibles es exitoso a la hora de mostrar la
tragedia de la imposibilidad de descansar cuando se ha muerto en un conflicto como el de nuestra
Guerra Civil y en las circunstancias de injusticia y agravio en las que tantos lo hicieron.
Hay muchos factores a favor a la hora de disfrutar el montaje: la impresionante
escenografía, llamativa y muy bien pegada al texto (trabajo de Juande Martín) y la interpretación de
las dos protagonistas, Cristina Carrascosa e Inma González. La dirección de Carmen Ruiz-
Mingorance sabe ser sobria en el dolor, y dosifica de una manera muy acertada la tensión de un
texto rotundamente trágico.
Rafael Ruíz Pleguezuelos
Que Revienten los Artistas 
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