El juramento en el Teatro de la Zarzuela
Hay obras que deberían reponerse con más asiduidad, es el caso de El Juramento, zarzuela en tres actos de Luis de Olona con música de Joaquín Gaztambide. ¿Razones?… varias…por un lado, un dirección musical impecable, realizada por Miguel Ángel Gómez Martínez…un coro que actúa y se mueve con precisión y preciosismo…Una escenografía de Gerardo Trotti que transita del espacio casi vacio a un universo de recortables muy efectivo y sugerente…el vestuario espectacular de Jesús del Pozo que debería haber tenido más ocasiones de mostrar su genialidad en producciones de zarzuela, teatro y ópera. Y poniendo en sintonía todo esto, Emilio Sagi, un director de escena que tiene la inteligencia de montar zarzuelas como si se tratase de óperas, con el mismo respeto y espectacularidad que lo hace cuando realiza una puesta en escena operística…esto lo agradece nuestra mirada y sensibilidad porque eleva el género chico a obra de arte total.
Adolfo Simón
DOS FESTIVALES: Para todos los públicos.
*FESTIN-Primer Festival de Títeres de la Sierra Norte de Madrid
Entre el 22 y 23 de diciembre se llevará a cabo el Primer Festival de Títeres de la Sierra Norte de Madrid organizado por las compañías de títeres residentes en la zona y con el apoyo de la Mancomunidad de Servicios Culturales y el Ayuntamiento y la Casa de Cultura de Torrelaguna.
La programación que se hará extensiva durante las dos jornadas contempla cuatro espectáculos y dos talleres. La compañía Sol y Tierra con la propuesta para público familiar ‘Historias de un bosque’ será la encargada de iniciar el festival para después dar paso a Periplo Marionetas y el trabajo para adultos ‘Re-Evolución’. El taller del día 22 será de Expresión corporal y la del 23 de Sombras.
El domingo 23 de diciembre Titiriguiri presentará ‘Historias de un bosque’ para niños y niñas y 2Cocos, también dirigido al público infantil, ‘Mariposas y murciélagos’.
Más info en: http://www.culturasierranorte.org
*FEST-Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla, feSt, es una iniciativa de las salas de gestión privada de la ciudad, agrupadas en la Asociación Escenarios de Sevilla. feSt nace en 2006 con el objetivo de fomentar el desarrollo de la creación contemporánea a través de esta muestra, que cada año acoge espectáculos a nivel internacional, complementando así la variada oferta que las salas vienen ofreciendo en sus programaciones regulares, temporada tras temporada, verdaderos motores y mantenedores de una importante actividad cultural, con un peso específico en el desarrollo económico y sociocultural de la ciudad.
Más info en: http://www.sevillafest.com/
Cyrano de Bergerac de Edmond Rostand en el CDN
El problema de Cyrano es que rara vez se recuerda algo más que la interpretación del actor que da vida al personaje protagonista…Son antológicas las creaciones de Flotats, Plácido Domingo en ópera…en esta producción de La Perla 29 que llega a Madrid procedente de Barcelona, lo más destacable, de nuevo, es el trabajo de Pere Arquillué como Cyrano; contundente y emotivo. Poco más hay que destacar, la obra ya la conocemos y es correcta la traducción aunque habría que pulir algún detalle que se ha trasladado literalemte del catalán al castellano. La puesta en escena podría haberla firmado alguno de los directores que estaban muy activos en los años ochenta…tanto me remontaba a aquella época que la propuesta escenográfica me recordaba bastante a la que diseñó el gran Fabia Pugserver para Primera historia de Esther.
Adolfo Simón
Lúcido de Rafael Spregelburd dirigido por Amelia Ochandiano en el Centro Dramático Nacional
Hay montajes teatrales que se salvan gracias a un buen texto, una buena dirección…una escenografía que complete poéticamente la propuesta…pero sobre todo, lo que es esencial para que un barco teatral llegue a buen puerto es…un buen y apropiado reparto. Lúcido es un material dramatúrgico muy potente porque juega a crear efectos reflejo sobre los personajes que el espectador ha de seguir con una atención activa, descubriendo así qué es real y qué soñamos. Amelia Ochandiano ha dirigido con maestría y sutileza esa obra en ese espacio escénico que se pliega y repliega para mostrarnos mundos paralelos…Y sobre todo, saca el máximo de jugo actoral a un reparto exquisito…Alberto Amarilla, Tomás del Estal, Itziar Miranda e Isabel Ordaz, en un momento de madurez y sabiduría escénica como ya veníamos intuyendo desde su trabajo en Días Felices.
Adolfo Simón
Isabel Ordaz nos habla de sus proyectos artísticos.
¿Cómo surge el proyecto de Lúcido?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
La obra me llega a través de Amelia Ochandiano que me propone el personaje de Teté. Cuando la leo quedo fascinada, tanto por la estructura de la que se sirve Rafael Spregelburd para contar esta obra, como de la historia y de los personajes. Lúcido está llena de secretos y no se puede desvelar demasiado la historia, pero diré que se trata de una madre (Teté) que trata de no perder a sus hijos (Lucrecia y Lucas) y también de un amante, un camarero, un riñón trasplantado, risas y lágrimas y una sorpresa final que conmueve enormemente.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con la directora y el resto de actores?…
El proceso de creación ha sido diríamos que intenso, es mi segundo trabajo con Amelia Ochandiano y ella no se conforma nada más que con lo perfecto. En este caso lo más difícil era encontrar el tono de la obra, pues Lúcido podría ser una tragicomedia pero también mucho más, un crisol de géneros. Una vez que dimos con ello, con el tono, nos quedamos más tranquilos. El resto del equipo es estupendo, Tomas, Itziar y Alberto, estupendos. Y por supuesto la escenografía, de Ricardo Sánchez Cuerda, un acierto.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Para no alargarme hablaré de los 3 últimos. Mi apuesta para montar Los Días Felices de Beckett, en la que entré en la co-producción, fue todo un desafío y un empeño, hacía años que quería saber de que estaba compuesta Winnie debajo de su duna, al final creo que lo descubrí y fue hermosísimo. Me parece que debajo de sí Winnie guarda todo el siglo XX, que no es poco, sus dos terribles guerras, el principio del fin del sueño europeo, etc., en fin sería muy largo. Para el Nacional hacer a Madame Collete en el montaje de Lluis Homar de Luces de Bohemia fue un lujo, Lluis es un gran hombre de teatro y siempre se aprende con él. Y Ahora Spregelburd, donde Amelia me ha hecho un extraordinario regalo: a Teté, inmensa, y a la que todavía estoy conociendo.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
El entusiasmo es el mismo, el medio impone sus reglas, eso es todo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, hoy y siempre, es el espejo donde se mira una sociedad, es el status de civilización de una sociedad. Hoy en día, al competir con tanta oferta en este parque del entretenimiento en el que estamos inmersos, lo que el teatro creo que aportaría es el concepto noble de FICCIÓN, en el sentido de la creación (literaria, dramática, plástica) como instrumento para el conocimiento de nosotros mismos, y no la verdad en sí como parecen querer vendernos los apólogos de las telerealidades, etc.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Sí, está afectando, como al resto de las áreas, la cultura o el arte no es una marcianada que no se sabe de dónde viene ni a dónde va, sino aquello, junto con la educación, que nos hace ser mejores. El Rey Lear dice: “Quítale al hombre lo superfluo y no le distinguirás de un animal”. Así que, cuidadito con lo superfluo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido ver ha sido Noche de Reyes de Shakespeare, montada por Eduardo Vasco, en La Abadía. Una delicia.
¿Proyectos?…
Spregelburd, Lúcido, Teté, haremos gira, y espero que dure. También estoy preparando un libro de cuentos. Y por favor que se acaben los privilegios y los desmanes de los bancos.
«Small size», red europea para la difusión de las artes escénicas para edades tempranas
Convocatoria de «Small size», red europea para la difusión de las artes escénicas para edades tempranas, para apoyar la producción de espectáculos para niños de 0-4 años, dirigida a compañías profesionales. Los proyectos pueden ser tanto de teatro, como de danza, movimiento, música, títeres, teatro de objetos etc. y está abierta a compañías profesionales europeas y no europeas. La fecha final para presentar las propuestas es el 31 de diciembre 2012.
Los interesados podéis consultar las bases en su página web: http://www.smallsize.org/
Razas de David Mamet en el Teatro del Arte
En estos tiempos en los que cada día nos desperatamos con una mala noticia referida al teatro y su supervivencia…Que la ciudad de Madrid pueda apuntarse un par de tantos en su cartelera teatral, es una gran alegría. Por un lado, un nuevo espacio abre sus puertas, con paso decidido y valiente: El Teatro del Arte. Donde estuvo el Teatro de Cámara, han desembarcado un grupo de artistas para remozar el lugar y adaptarlo a los tiempos que vivimos…Ha quedado acogedor y bello. La segunda noticia es la posibilidad de disfrutar de otra obra de ese gran autor contemporáneo que es David Mamet; en estos momentos podemos disfrutar de dos piezas de Mamet en Madrid. Aquí vuelven a surgir bajos los focos los personajes de Razas, una pieza-debate que plantea muchas cosas que a menudo se piensan y que no se nombran por quedar políticamente correctos. La obra es una delicia mordaz que transcurre a rítmo vertiginoso, convitiéndonos en espectadores de excepción del espectáculo de la justicia; algo que está en primera línea estos días en los medios de comunicación. Los actores: Toni Cantó, Bernabé Rico, Pedro Gutiérrez y Montse Plá salen al ring imaginario a pelear por su espacio vital…los cuatro funcionan como el mecanismo de un reloj dirigidos con mano firme por Juan Carlos Rubio.
Adolfo Simón
La barraca del zurdo de Laví e Bel en la Cuarta Pared
En un cabaret puede ocurrir de todo…que aparezca un lanzador de cuchillos, una vedette trasnochada y también payasos…estos no son exclusivos del circo…el cabaret es un espacio de libertad, diversión y por qué no…compromiso. Los nietos del zurdo que invocan al pasado y recorren de la mano de su familia la historia de nuestro país, podrían ser también los nietos de Kurt Weil y recorrer con su barraca los pueblos de Alemania allá por la mitad del siglo pasado. Laví e Bel ha ido desarrollando un lenguaje propio que bebe de múltiples lenguajes. En esta propuesta consiguen el más difícil todavía…Crear una obra personal, hermosa y nostálgica…y sobre todo comprometida con el pasado y con nuestro presente que a veces, olvida todas las luchas que se realizaron en otros tiempos para poder tener una sociedad más justa. Y todo esto lo hacen desde el juego, la locura…y la cordura…y sobre todo, lo realizan para el placer del público que se emociona y divierte a partes iguales. A las penas puñalás parece proponernos Laví e Bel de la mano de Emilio Goyanes y su potente equipo artístico.
Adolfo Simón
Wilt de Tom Sharpe en el Teatro Bellas Artes
Wilt, el crimen de la muñeca hinchable es la adaptación teatral de la novela de Tom Sharpe que con gran acierto han traducido, José Antonio Vitoria y Garbi Losada al lenguaje escénico, esta última también ha dirigido la puesta en escena con ritmo vertiginoso, manteniendo el espíritu enloquecido de la historia y transitando por los pasajes más importantes para mostrarnos ese rostro terrible de la sociedad contemporánea en la que vivimos. El espacio escénico es muy efectivo, dos pantallas grandes donde se proyectan pasajes que complementan la acción que se realiza en primer termino sitúan perfectamente al espectador en cada uno de los lugares donde transcurre la acción. Cinco actores, tres conocidos por el gran público…Fernando Guillén Cuervo, Ana Milán y Ángel de Andrés junto a dos actores del teatro independiente…Koldo Losada y Aitziber Garmendia que se desdoblan en múltiples personajes, crean un equipo compacto donde todos se apoyan y complementan en la tarea de jugar al disparate para que el patio de butacas estalle en carcajadas.
Adolfo Simón
Vitriolo de Mónica Cano en la Sala Nudo
Por mucho que los gobiernos acorralen a los cómicos…por mucho que los tiempos no sean propicios para el teatro…Nunca morirá el arte de Talía mientras haya una historia que fluye de la boca de los actores, susurrada a los espectadores en la penumbra de una tarima. Mónica Cano tiene una larga trayectoria, la profesión teatral lo sabe y sin embargo, no duda en seguir arriesgando como si cada vez, fuese la primera al plantearse un proyecto. Sus últimos trabajos están hechos desde la humildad y con la complicidad de otras actrices, en el caso de Vitriolo…Saturna Barrio y Vene Herrero. Y en la intimidad de la Sala Nudo, convocan al respetable para contar de manera fragmentaria, la historia de dos mujeres, madre e hija, que nos irán descubriendo poco a poco…su memoria y los fantasmas que en ella se esconden.
Adolfo Simón
Exposición en la Fundación Joan Miró: Explosión! El legado de Jackson Pollock.
24/10/2012 – 24/02/2013
Explosión! El legado de Jackson Pollock investiga el entramado de influencias y conexiones que se generaron a partir de la action painting o pintura de acción, el principal exponente fue Jackson Pollock (1912-1956). Desde finales de1940, la noción de pintura como acción abrió un inmenso campo de posibilidades que se tradujeron en el arte de la performance y en las innovadoras prácticas artísticas conocidas con el nombre de arte conceptual. Muchos artistas confirieron tanta importancia al acto creativo como la pintura que era el resultado. En esta zona fronteriza entre la pintura y la performance, el azar o el espectador actuaron a menudo como cocreadores de la obra. Esta actitud experimental y conceptual hacia la pintura y el arte inspiró posteriormente muchos otros artistas. La muestra ofrece una visión geográfica y cronológica sobre el alcance del fenómeno e incluye obras realizadas en diversas técnicas de artistas de finales de los años cuarenta hasta ahora, entre los que cabe destacar Jackson Pollock, Yves Klein, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Allan Kaprow, Andy Warhol, Lynda Benglis, Saburo Murakami (en las imágenes), Bruce Nauman, John Baldessari, y Paul McCarthy entre otros. La exposición ha sido organizada por Moderna Museet de Estocolmo y cuenta con el patrocinio de Fundación BBVA.
¿Qué hacemos con la abuela? en la Caja del Arte de Torrejón
Bajo este título se estrena un teatro foro que cuenta sobre el escenario cómo afecta el Alzheimer al día a día de una familia media española, centrándose en los problemas del cuidador.
La compañía The Cross Border Project (El Proyecto que Cruza Fronteras) se atreve a indagar en el Alzheimer y en nuevos lenguajes escénicos en su nuevo montaje teatral ¿Qué hacemos con la abuela? La obra se presentó en septiembre en el encuentro de Teatro Foro de Senegal y tras su estreno en Torrejón girará por diversos teatros.
Es una historia que aborda cómo afecta el Alzheimer a la cotidianeidad de una familia media española, centrándose en llos problemas del cuidador enfermo. La señora Carmen, una anciana de 84 años y con dos hijos que vive con Floren, una rumana que la atiende con la ayuda de Carmencita, una de las hijas de la anciana. Los problemas estallan cuando Carmencita, cansada de ser la encargada de todo y al borde de enfermar, propone a su hermano llevar a su madre a una residencia…
El uso del modelo escénico de Teatro Foro permite a The Cross Border Project introducir al público en la pieza y crear con él un debate: ¿cuál es nuestra relación con los cuidadores, inmigrantes en su mayoría? ¿cómo afecta psicológica y físicamente el cuidado de un anciano al familiar responsable? ¿cómo se deberían repartir las tareas de cuidados entre los familiares? ¿pueden todas las familias llevar a sus abuelos a una residencia? ¿existe desigualdad de género sobre quién debe cuidar a nuestros ancianos?
El Teatro Foro es una técnica que expone un problema que afecta a una comunidad, dándoles la oportunidad de transformarse en «espect-actores». El público contempla un conflicto, pudiendo parar la escena e intercambiarse por uno de los personajes, para teatralmente mostrar qué harían ellos si fueran uno de los personajes. El Teatro Foro permite ponernos en la piel de los demás, y reflexionar sobre la realidad.
Es una pieza divertida y conmovedora que lleva a reflexionar entre todos sobre la otra cara del Alzheimer: la que afecta a las personas que están alrededor del enfermo. Y en cada función, la reflexión es nueva, dependiendo de los espect-actores.
La obra se estrenará en España el próximo 15 de diciembre en La Caja del Arte de Torrejón de Ardoz.
Más info en: http://www.facebook.com/la.caja.del.arte
Mónica Cano nos habla sobre sus experiencias teatrales
¿Cómo surge el proyecto de Vitriolo?…
Unas compañeras y yo hemos creado un grupo de trabajo, con la idea de hacer textos que nos gusten, crear nuestros proyectos. Estoy madura como persona y como actriz tengo la necesidad de expresarme, de dejar testimonio de mis recuerdos, de aportar mi granito de arena a la cultura, al Teatro. Siempre me ha gustado escribir, ahora tengo tiempo y lo estoy haciendo. Estrenamos el año pasado “Historia de la Nati”, gusto, y eso me dio estimulo para estrenar este año “Vitriolo”, en el Nudo, una sala alternativa en la que nos acogen.
¿Cómo ha sido el proceso de creación y montaje?…
Fácil y grato, mis compañeras Saturna Barrio y Vene Herrero son portentosas actrices, con una gran curiosidad, las tres nos hemos zambullido en el argumento de cabeza, hemos desmenuzado la historia, y la hemos recompuesto una vez metabolizada, para mostrarla tal cual es.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…Háblanos también de tus otros trabajos y experiencias en el ámbito del teatro…
El balance es bueno. He tenido la suerte de hacer grandes personajes, “la Pichona” de “Las Comedias Bárbaras” de Valle Inclán o “Yocasta” versionada por Steven Berkoff entre otros muchos, de todo ha habido, siempre he vivido únicamente de mi trabajo en la profesión y ya sabes…no siempre puedes elegir, por hacer he hecho hasta transexuales, uno se de ellos se llamaba Mª Fernanda. ¡Qué gracia¡ ¡Estoy contenta¡ He trabajado con los mejores directores y con autores a los que venero como por ejemplo Lorca.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?
Soy Stanislavskyana. Disfruto mucho componiendo el personaje. En su inicio, es como si lo engendrara, poco a poco va cobrado vida, adquiriendo costumbres, relaciones, facciones, emociones…no lo dejo en ningún momento, duermo con él, sueño con él, lo paseo, lo siento…despacio, lentamente, y al cabo de algún tiempo cuando le parece bien, se materializa y ahí está, listo para exhibirse. Para televisión el proceso por desgracia debe ser más ágil, hay que ser fresca inmediata y tener el texto muy sabido, no hay tiempo, todo es fulminante. En cine intento ser económica de gestos, todo pequeñito, con las emociones en los ojos. Siempre a las órdenes del director. Soy bastante disciplinada.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre, mostrar la tragedias de la vida y de la muerte, que nos veamos en ese espejo, etimológica mente la palabra Teatro significa “Lugar para ver” “Lugar para contemplar”, para ver y contemplar, para aprender a existir, de la forma más bella más elevada, mas apasionada. Transgredir, criticar, reprochar, estremecer, emocionar, mostrar, entretener, activar los cerebros y los corazones son algunos de los condimentos de la “Función Ideal”, intemporal.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?.
Claro. Estamos siendo represaliados por el poder. El Teatro en sus orígenes era un arma de paz, para denunciar a los políticos corruptos, a los personajes celebres, a los malvados. Los cómicos siempre han sido perseguidos por los gobiernos de ciertas filosofías que prefieren otro tipo de ocio. No quieren que la gente se cultive. Afecta de una manera letal a las salas alternativas y por supuesto a las clases con menor poder adquisitivo que no pueden ir al cine, ni al teatro…ni a casi nada…
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“Lúcido”… Me encanto, un texto escrito por un actor argentino, Rafael Spregelburd, nacido en 1970. Dirigida por Amelia Ochandiano, he trabajado con ella y le tengo mucha estima.
¿Proyectos?…
Seguir luchando por hacer mis montajes, y si salen cosas interesantes pues aquí estoy esperándolas. Pero muy feliz de hacer lo que estamos haciendo…Vitriolo.
XIX Congreso de la Red de Teatros Alternativos
Concluye el XIX Congreso de la Red de Teatros Alternativos celebrado en Madrid
Del 10 al 12 de diciembre, representantes de las salas alternativas de España asociadas a la Red, se han reunido en Madrid para tomarle el pulso a la situación escénica.
Una gran preocupación por el momento actual y por consiguiente, la búsqueda de nuevas fórmulas para seguir trabajando y la función social que desempeñan las salas alternativas, han sido los principales ejes tratados en este XIX Congreso.
Tres nuevas salas alternativas se suman a la Red siendo ya un total de 40, los espacios que componen esta institución.
Más info en: http://www.redteatrosalternativos.org
Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España
La Fundación Autor presenta la ‘Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España’, editada por el Instituto Autor de la SGAE
àEl manual tiene como finalidad orientar a los profesionales del sector teatral en la puesta en marcha de sus proyectos
La Fundación Autor de la SGAE ha presentado en el Salón Internacional del Libro Teatral que acoge Mercartes, en Sevilla, la primera Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España. El presidente de la Fundación Autor, Antonio Onetti, el productor teatral Jesús Cimarro y el comisario de Mercartes 2012, Jaume Colomer, han dado a conocer el manual, una práctica herramienta para la puesta en marcha de los proyectos de los profesionales de las Artes Escénicas, que acaba de publicar el Instituto Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La obra ofrece, en un formato muy accesible, información sobre la estructura y las tendencias del sector teatral, el marco jurídico en el que se desarrolla y los modelos de financiación existentes. La vocación del manual es la de convertirse en un instrumento imprescindible de consulta y asesoramiento sobre el marco legal y financiero de las artes escénicas, que oriente a los autores, productores y técnicos sobre los pasos a dar para concretar sus planes. Jesús Cimarro firma el prólogo.
La guía contiene una selección de las normas jurídicas aplicables a las artes escénicas y una recopilación de las ayudas públicas de ámbito autonómico, estatal, europeo e internacional. Asimismo, se ilustran las figuras de financiación utilizadas tradicionalmente, emergentes o desconocidas en nuestro entorno, con una explicación de cada una de ellas y una relación de la normativa que las regula. El recorrido va desde los créditos bancarios hasta el mecenazgo, el patrocinio y la fórmula del crowdfunding, pasando por las redes de business angels, el capital semilla y los préstamos participativos.
Sinopsis
El contenido de la Guía se divide en tres bloques:
1) el análisis de la situación actual y de las tendencias del sector
El primer capítulo comienza con una descripción del sector en la actualidad y sus tendencias tras las recientes décadas y, en particular, tras los últimos años marcados por la crisis económica. Se analiza la evolución hacia un sistema de responsabilidad mixta en el que la iniciativa privada se ha centrado en la creación y producción de contenidos, así como en la gestión de espacios escénicos en las grandes ciudades, mientras que la iniciativa pública ha asumido la gestión y financiación del sistema de exhibición en el resto del territorio. El análisis va acompañado de datos estadísticos, gráficos y tablas, así como de análisis y valoraciones realizados por reconocidos especialistas y entidades representativas de los distintos ámbitos funcionales. A raíz de la evolución de las últimas décadas, se dibujan estrategias para el desarrollo industrial de las artes escénicas, adoptando modelos e instrumentos que se han mostrado efectivos en otros sectores de actividad.
2) el análisis del marco jurídico de las artes escénicas
El segundo capítulo da cuenta de las bases jurídicas y doctrinales de las Artes Escénicas. A continuación, contiene una imprescindible recopilación de las principales normas aplicables a este sector, tanto generales como específicas, estatales y autonómicas. La herramienta es de gran utilidad, ya que da a los lectores una panorámica sistemática de la normativa que es útil conocer, clasificada por disciplinas (normativa mercantil, fiscal, laboral, de la seguridad social, de propiedad intelectual, sobre protección de datos, etc.). Un último apartado se centra en la gestión de licencias sobre derechos de la propiedad intelectual.
3) la exploración de modelos y fuentes de financiación
La segunda parte del manual se centra en la financiación de las artes escénicas y en las ayudas públicas a la producción y a la distribución. El tercer capítulo aporta elementos metodológicos para la planificación financiera de los proyectos escénicos, añadiendo una descripción de los principales tipos de recursos disponibles, tanto los tradicionales como los innovadores. El cuarto y último capítulo contienen una recopilación de las principales ayudas públicas vigentes en España a nivel autonómico o estatal: las subvenciones, las ayudas reintegrables, los premios y las becas. Incluye también una recopilación de los programas europeos e internacionales destinados al fomento de la cultura a los que pueden acceder las organizaciones escénicas. Cada referencia contiene información básica que permite a cada profesional discriminar el potencial interés de la convocatoria y, en caso afirmativo, acceder a ella a través del link que lleva a su portal corporativo o a la página concreta donde está publicada.
Al final se incluye un pequeño glosario de conceptos básicos utilizados de forma recurrente en la guía como matriz conceptual para facilitar una mejor comprensión de los contenidos expuestos, así como una recopilación bibliográfica de las obras citadas a lo largo del texto.
Elaboración de la ‘Guía’
La Guía ha sido elaborada por especialistas conocedores del sector de las artes escénicas, tanto sobre el plano legal como sobre el empresarial. El proyecto ha sido desarrollado por Jaume Colomer Vallicrosa, profesor asociado del Departamento de Teoría e Historia de la Educación de la Universidad de Barcelona, y coordinado por el Instituto Autor. Jaume es autor de diversas publicaciones sobre cultura y educación, y colaborador habitual de la revista Artez.
El manual es el segundo de una serie de textos jurídicos prácticos dedicados a las distintas ramas de la industria cultural que el Instituto Autor ha comenzado a publicar en el 2011 con la Guía legal de la financiación del Cine en España.
Más info en: http://www.institutoautor.org
EXPOSICIÓN: El hilo de Ariadna
El hilo de Ariadna
Sede y fechas
Casa del Lector
18 de octubre de 2012 al 17 de marzo de 2013
La muestra, organizada por Casa del Lector y Acción Cultural Española (AC/E), ofrece un viaje por los saberes a través de la lectura mostrando distintos laberintos y dibujando un recorrido que abarca desde el territorio del mito a las redes de comunicación actuales pasando por otras formas de transmisión del saber como, por ejemplo, las estructuras biológicas creadas por la Naturaleza.
Francisco Jarauta es el comisario de esta exposición que reúne una veintena de obras entre litografías, óleos, dibujos, documentales, proyecciones de vídeo, instalaciones y vinilos de escritores y artistas que permiten al visitante acercarse al mundo de la lectura y el saber en un recorrido singular. Entre las obras que se pueden ver están el laberinto pintado en el peristilo de la Casa de Lucrecio de Pompeya y la planta del palacio de Knosos en Creta (reproducidos en la pared) el Opuscula varia de Llul, Rayuela de Julio Cortázar, el Hipocampo dibujado en 1901 por Ramón y Cajal, litografías y obras de Jaume Plensa (Barcelona, 1955), Robert Morris (Kansas City, 1931), Robert Smithson (Passaic 1938 – Amarillo 1973), Adolph Gottlieb (Nueva York, 1903-1974), Constant (Ámsterdam, 1920 – Utrecht, 2005), Rosó Cusó (Barcelona, 1965) y Charles Sandison (Haltwhistl, Escocia 1969) entre otros.
Organizan
Casa del Lector
Acción Cultural Española (AC/E)
Más información
http://casalector.fundaciongsr.com
http://www.accioncultural.es
Roberto Cimetta Fonds – Convocatorias y sesiones de selección en 2013
Roberto Cimetta Fonds (RCF) ofrece subvenciones individuales para viajar (para viajes de ida y vuelta) a artistas y agentes culturales que vivan o trabajen en la región Euro-Árabe o la zona mediterránea. Pretendemos, a través de estas subvenciones, apoyar el intercambio internacional, la construcción de capacidades y procesos profesionales para las artes y la cultura.
En 2013 habrá cuatro convocatorias y cuatro sesiones de selección que son las siguientes:
Primera convocatoria para solicitudes: del 1 al 31 de enero 2013
Líneas de financiación abiertas: RCF/Regione Puglia y RCF/Marseille-Provence 2013
Tramitación de las solicitudes: del 1 al 15 de febrero 2013
Evaluación de solicitudes por expertos: del 15 de febrero al 15 de marzo 2013
Validación de la selección final por el consejo: del 15 al 31 de marzo 2013
Respuesta a los candidatos: 1 de abril 2013
Segunda convocatoria para solicitudes: del 1 al 31 de marzo 2013
Líneas de financiación abiertas: Todas
Tramitación de las solicitudes: del 1 al 15 de abril 2013
Evaluación de solicitudes por expertos: del 15 de abril al 15 de mayo 2013
Validación de la selección final por el consejo: del 15 al 31 de mayo 2013
Respuesta a los candidatos: 1 de junio 2013
Tercera convocatoria para solicitudes: del 1 al 30 de junio 2013
Líneas de financiación abiertas: todas, si la financiación sigue disponible
Tramitación de las solicitudes: del 1 al 15 de julio 2013
Evaluación de solicitudes por expertos: del 15 de julio al 15 de agosto 2013
Validación de la selección final por el consejo: del 15 al 31 de agosto 2013
Respuesta a los candidatos: 1 de septiembre 2013
Cuarta convocatoria para solicitudes: del 1 al 30 de septiembre 2013
Líneas de financiación abiertas: Todas, si la financiación sigue disponible
Tramitación de las solicitudes: del 1 al 15 de octubre 2013
Evaluación de solicitudes por expertos: del 15 de octubre al 15 de noviembre 2013
Validación de la selección final por el consejo: del 15 al 30 de noviembre 2013
Respuesta a los candidatos: 1 de diciembre 2013
Las fechas de viaje se pueden elegir solo tras el inicio de cada convocatoria. Ten en mente también que el viaje contribuye a procesos a largo plazo que consolidan las artes y cultura de una región. Las subvenciones no se asignarán para trabajos exclusivamente de promoción. Si quieres presentarte a la convocatoria en alguna de estas sesiones, lee la información sobre cada línea de financiación en la página http://www.cimettafund.org
El último jinete en los Teatros del Canal
Nuestra tradición musical tiene que ver con la zarzuela y la revista, dos géneros que todavía no han tenido la ocasión para que un buen productor dedique dinero y entusiasmo por ellas. Cuando nos queramos dar cuenta, aparecerá ese avispado hombre de negocios del espectáculo desde algún país inquieto y nos descubrirá y hará negocio de nuestro potencial musical. Creemos que el teatro musical es aquel inventado en Inglaterra o Estados Unidos pero ese solo es una variación ligera de lo que ya se inventó mucho tiempo atrás: La ópera. En nuestro país hay inquietud en los últimos tiempos por emular esa fórmula venida de fuera en forma de franquicias de grandes títulos estrenados en Broodway. Se han hecho intentos por conseguir un musical personal español…Hoy no me puedo levantar, Más de 100 mentiras…y parece que el público ha respondido bastante bien a este experimento. Ahora, con El último jinete, hay una vuelta de tuerca más, una mixtura de los lenguajes musicales usados hasta hoy aquí…Una historia de aquí con producción de gran musical. Habrá que ver la respuesta que de el público de Madrid y Londres que es donde se va a estrenar casi al tiempo.
Adolfo Simón
Emilio Goyanes reflexiona sobre la trayectoria de Laví e bel en vísperas del estreno de La barraca del zurdo en Cuarta Pared
¿Cómo surgió Laví e bel?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Hace 20 años estaba trabajando en la Expo Sevilla 1992 en la Cabalgata de Comediants, después de diez intensos años en Cambaleo de Madrid. Al acabar la Expo tenía claro que quería montar mi propia compañía y decidí hacerlo en Granada. Madrid y Sevilla me venían grandes. Nunca me he arrepentido de esta decisión.
A lo largo de estos últimos 20 años hemos hecho 22 espectáculos más o menos la mitad para niños y jóvenes y el resto para adultos, muchos de ellos de cabaret. Los criterios para hacer un espectáculo han partido la mayor parte de las veces del deseo de comunicar, es decir del capricho. Eso ha tenido dos consecuencias: la primera: a veces hemos acertado y otras hemos pinchado. La segunda: hemos creado un lenguaje propio, sin concesiones, a nuestro modo y eso nos permite hoy tener un equipo que cree realmente en lo que hace.
¿Qué balance haces de estos diez años de existencia de la Compañía?…
La vida de una compañía no es fácil. Hace… escribiendo la historia de esos 20 años, me di cuenta de la enorme cantidad de historias, personas, lenguajes, espectáculos, viajes… que habíamos hecho: Cuba, Colombia, Méjico, Francia, Portugal y todo el país de cabo a rabo. Es realmente una historia épica llena de encuentros y desencuentros, de dolor y alegría, de fracasos que te hunden y de alegrías que hacen venirte arriba. Vivimos en un país donde no es nada fácil, para una compañía como la nuestra, que basa su trabajo en su propia creatividad, sobrevivir. El balance es un enorme cansancio y unas ganas inexplicables de seguir adelante, cada vez con más fuerza.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Tengo la sensación de que hemos ido aprendiendo unos de otros como trabajar cada vez con más fluidez y alegría. El lenguaje se ha ido consolidando en un lento proceso. Los actores que hoy están en la compañía, llevan en algunos casos 10 años y cada vez nos ponemos en cuestión menos cosas sobre lo que buscamos y hacia dónde vamos. El camino de la compañía se está decantando en los últimos tiempos hacia el cabaret, con la música en directo en primera línea. Con el tiempo nos hemos hecho más radicales, nos importa menos salirnos del molde, no pensamos ya en ello. Hacemos lo que nos canta, pensando principalmente en el placer del público. Quizás ese sea uno de los elementos más importantes en la evolución de la compañía: la presencia del público.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…
Para nosotros es vital tener unos colaboradores habituales: escenógrafo, vestuarista, iluminador, forman parte de la familia de Laviebel. Me conocen perfectamente, saben lo que busco solo con mirarme. Cada espectáculo tiene un sabor muy especial, muy distinto a los anteriores y ellos saben adaptarse y revolucionarse igual que actores, músicos, técnicos. La verdad es que ahora es un placer abordar un proyecto y meterse en la sala de ensayo. Una pena que la situación nos esté llevando a todos a este estado de agotamiento.
Todo el equipo participa en la creación. ¿Se puede hacer de otra manera?. Yo dejo espacios vacíos suficientes como para que cada uno pueda ocuparlos desde su propia manera de ver. Mi trabajo es que todos caminemos por la misma vía. Ya sabemos todos que esto no es fácil, que implica mucha tolerancia y escucha y renuncia. Ese es el juego.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en una ciudad como Granada?…
Tenemos una sala de ensayo bastante agradable en un complejo industrial de principios del XX, en una antigua azucarera donde hay muchos otros artistas. Granada es una ciudad de un tamaño medio con un número de artistas por metro cuadrado bastante grande, la vida es más barata, el ritmo es distinto a una ciudad como Madrid. Por tanto la presión atmosférica, digamos, es menor. En cuanto al apoyo, tenemos tan poco apoyo aquí como en el resto del país. Ya sabíamos que a las instituciones les importamos poco, pero en los últimos años, con la crisis hemos visto que no les importamos lo más mínimo. Todo lo que hemos conseguido y lo que estamos elaborando ahora mismo, es a pesar de las instituciones.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante el proceso?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Somos eclécticos y gamberros. Como decía nos llevamos muy bien, nos respetamos y queremos como artistas y seres humanos. A partir de ahí todo es posible. Yo marco las líneas, invento los proyectos, escribo las ideas de partida. Luego todo fluye en un ambiente muy suelto. Todos pueden opinar porque saben que yo tomo las últimas decisiones. Escucho, valoro y decido y eso alivia mucho la presión. No se puede hablar de creación colectiva, sino de una creación en colectivo sobre la que el director tiene un control absoluto. Soy un líder firme y blando a la vez.
Eso marca la línea ética, se podría decir. La estética la marcan las necesidades que traen las ideas, pero la gente dice que está muy claro cuando ven uno de nuestros espectáculos, que es reconocible. Yo aún no sé dónde está el misterio.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Nuestro trabajo, las ideas para los espectáculos siempre han partido de una lectura de la realidad, hemos hecho lo que hemos hecho por que nos sentíamos inmersos en la sociedad. Ahora mismo la agresión que estamos sufriendo como ciudadanos y gente de la cultura es tan fuerte que dan ganas de tirarse a la calle. Esta situación se cuela en nuestros espectáculos de diferentes maneras. LA BARRACA DEL ZURDO es un canto a la resistencia en el oficio, en la alegría, una manera de ponernos en valor, de levantar la cabeza y decir: nuestro oficio es más viejo que el sistema bancario, que la propia política. Será por algo, será porque somos necesarios.
Por otro lado CABARET POPESCU es un canto a la alegría, busca el placer del espectador, busca recomponerlo, levantar su ánimo, en este momento en que el desánimo parece ser una de las principales armas del sistema.
Claro que se puede y se debe hacer un nuevo teatro político, un teatro político poliédrico y sano, artístico y abierto a los tiempos.
Como la mayor parte de los ciudadanos estamos indignados, muy indignados. Dan ganas de… de todo.
¿Ayudan los premios para poder trabajar con mayor libertad?
Los premios animan, uno se siente reconocido en muchos casos por la propia profesión, que valora quizás este largo trabajo, la constancia en un estilo y una forma de hacer y eso está muy bien, pero la libertad es una sensación, un ejercicio constante de reafirmación. Cada día tenemos que decirnos: ¿Y ahora por donde tiro?, ¿cuál es el camino para seguir vivos?, para sobrevivir y seguir vivos. ¿Dónde está el límite de la corrección?… A veces lo conseguimos y otras nos dejamos llevar por el desánimo, luego nos miramos y decimos: Adelante.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En este momento estamos muy centrados en Granada. Del 6 de junio al 18 de octubre estaremos haciendo varios espectáculos con cena. Cabaret años 30, Cabaret Popescu 2013 y la Barraca del Zurdo, más un concierto para bailar con copas. Todos con el público sentado en mesas y sillas y con una cena espectacular delante. Por otro lado estamos planeando con un esquema parecido varios ciclos cortos en febrero, marzo y abril. En definitiva, estamos generando nuestro propio trabajo y encuentro con el público al margen de la gira.
Por otro lado estamos abriendo una línea de Eventos. Tenemos recursos de sobra para entrar en este ámbito con fuerza y en ello estamos.
Más a largo plazo vamos a montar un cabaret estable, un local elegante y bien armado. Este es el gran sueño. Me temo que quien quiera vernos va a tener que venir a Granada.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Ya están afectando de una manera brutal. Al teatro, la danza, la música, el circo, el cine. Es un atraco a mano armada a la cultura. No es ya que no les importemos, es que no les gustamos, eso es evidente. El 21 % en las entradas afecta de una manera impresionante a cualquier proyecto que se base en la taquilla y los recortes en los ayuntamientos, comunidades, etc, los impagos descarnados, no están dejando otra opción. Para hacerse una idea, el Estado se queda una quinta parte de nuestro trabajo, obliga a subir los precios y deja los márgenes por los suelos. Déjame que lo diga con claridad: los políticos son unos cerdos incultos y torpes, insensibles y egoístas. ¿Para cuándo la famosa ley de mecenazgo que nos permita colaborar con las empresas privadas?. Una de dos o no se enteran o lo tienen muy claro. Portugal tiene un IVA si no me equivoco del 13% para la cultura. Me paso el día enfrentando este problema y es indignante como nos chupan la sangre.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Tengo 2 hijas pequeñas y muchos proyectos como habrás visto que atender y que ahora más que nunca me llevan demasiado tiempo, pero de vez en cuando saco un rato para ir al Teatro Alhambra que sigue teniendo una programación magnífica. Con todo sigo acordándome de un espectáculo que vi hace 20 años: Black Rayder de Wilson, con música de Tom Waits. De mayor quiero hacer algo así.
PROYECTOR 2012. 5º Festival Internacional de Videoarte
PROYECTOR 2012. 5º Festival Internacional de Videoarte, que se celebrará del 14 al 23 de diciembre de 2012 en más de 15 galerías y espacios culturales de la ciudad de Madrid.
Esta edición del evento, que cuenta con la participación de artistas de distintas nacionalidades -España, Marruecos, Portugal, Perú, Italia o Francia, entre otras-, pretende ahondar en su vocación de diálogo internacional (sobre todo entre Portugal y España, que de nuevo parecen confinados al estigma de la periferia) y de experimentación formal. Pero detiene, asimismo, su mirada -una mirada que anhela ser mirada activa, ciudadana, crítica- en la cuestión del emplazamiento. El emplazamiento, eso sí, en torno a dos ejes: el cuerpo y la calle.
PROYECTOR quiere reafirmar la ‘performatividad social’ del arte, así como trabajar por fortalecer, a través del lenguaje visual, su inherente capacidad de agencia y transformación.
La programación del Festival incluye videoinstalaciones (monocanal, multicanal, interactivas), intervenciones, proyecciones en el espacio público y performances. Asimismo, PROYECTOR contará con un cuerpo de conferencias y mesas redondas pensadas como un nicho de generación de masa crítica y de creación de trabajo en red.
Más info en: http://proyectorvideoartfestival.blogspot.com.es
Que Revienten los Artistas 
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