Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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DanzaEñe, muestra de danza contemporánea organizada por Fundación SGAE

El Teatro español acoge la muestra de Danza Contemporánea del 31 de octubre al 2 de noviembre.

La Fundación SGAE, en colaboración con la FECED y el Teatro Español ha organizado la Primera Muestra de Danza Contemporánea Española para Programadores Internacionales DanzaEñe 2017. Esta iniciativa tiene como objetivo la internacionalización de la danza española y propone una serie de espectáculos que tendrán lugar los días 31 de octubre, 1 y 2 de noviembre en el Teatro Español de Madrid.

Un comité artístico seleccionado por la Fundación SGAE se ha encargado de diseñar el programa de compañías participantes entre más de 50 proyectos recibidos. Este jurado ha estado integrado por Carmen Roche, coreógrafa y bailarina, en calidad de presidenta; Eva Yerbabuena, coreógrafa; Francesc Casadesús, director artístico de Grec Festival de Barcelona; Marta Carrasco, coreógrafa y bailarina, y Roberto Torres, en calidad de representante de la FECED.

A lo largo de tres días, doce compañías de danza españolas presentarán, en formato showcase de 45 minutos, sus espectáculos. En concreto: Sara CanoLucía MaroteMarcat danceProvisional DanzaCompañía Carmen Fumero y Miguel BallabrigaArrieritosCompañía Manuela Barrero dlcAosOrganikCompañía Mariantònia OliverErtza y Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal). 

Inaugurarán la muestra el 31 de octubre, a las 19.00 horas, Provisional Danza, compañía de Carmen Werner que presentará Allí, donde las flores se mueren, y Organik que recupera en su propuesta el Irrintzi, un grito tradicional vasco. En la segunda sesión (21.30 horas), la compañía de Asier Zabaleta, Ertza, lleva al Teatro Español su espectáculo callejero Meeting Point, considerado el mejor del País Vasco en esta categoría en 2017, mientras que la costarricense Lucía Marote se encargará de cerrar la muestra este primer día con la danza de cuerpos desnudos Anatomía del sentimiento.

 

Al día siguiente, miércoles 1 de noviembre, Cía. Carmen Fumero y Miguel Ballabriga relatarán, acompañados de una banda electrónica, lo que sucedió cuando …Eran casi las dos. Tras ellos, será el turno de la Compañía Mariantònia Oliver que invitará a hacer un trabajo de desapego con su propuesta Las muchas. A las 21.30 horas, será el turno de la Cía. Manuela Barrero dlcAos que interpretará I’ll be your mirror, un trabajo sobre la resistencia y la fortaleza humana. Por último, Kukai Dantza (Marcos Morau y la Veronal) despedirán DanzaEñe hasta el día siguiente con un fragmento de la alabada producción Oskara, gran triunfadora de la última edición de los Premios Max.

 

El conjunto Taiat Dansa abrirá la última jornada de actuaciones el 2 de noviembre, a las 19.00 horas, con No half measures, una reflexión sobre el movimiento de los bailarines y el significado que adquiere la danza según el lugar donde se representa. A continuación, será el turno de Sara Cano, que interpretará A palo seco, su primer trabajo en solitario y que le ha valido numerosos reconocimientos. Cerrarán la muestra de DanzaEñe la compañía Marcat Dance con su última producción, CodaraArrieritos que recorrerá las emociones que despiertan los objetos del pasado con Naftalina.

DANZA EÑE


Zarzuela en la Villa-Primer Festival de Zarzuela en formato de cámara

Una interesante iniciativa se han planteado en el Fernán Gómez-Centro Cultural de la Villa, la creación de Zarzuela en la Villa-Primer Festival de Zarzuela en formato de cámara. Con dos obras: El barbero de Sevilla y La gallina ciega, además, se ha rodeado a las piezas musicales de Conversaciones con la zarzuela, Encuentros con los artistas, Conciertos instrumentales y una exposición de la SGAE sobre este arte musical.
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ZARZUELA


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Yo soy español de Álvaro García-Capelo en SGAE

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Presentación del libro: ‘¡Haz reír, haz reír! Vida y obra de Enrique Jardiel Poncela’ escrito por el periodista Víctor Olmos

En el se aborda el proceso creativo de este genial escritor, dramaturgo y cineasta del siglo XX.
MIÉRCOLES 11 DE FEBRERO
19 HORAS

SALA MANUEL DE FALLA

SGAE
c/ Fernando VI, 4
28004 – Madrid

Palacio de Longoria
Metro: Alonso Martínez

ENTRADA LIBRE
HASTA COMPLETAR AFORO

HAZME


Carlos Lorenzo: Hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

LORENZO¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios en el teatro fueron en Asturias. Estaba estudiando Psicología y me apunté a un curso de teatro con Etelvino Vázquez. Él me animó a matricularme en el Instituto del Teatro de Asturias (ITAE) y así lo hice. Inmediatamente pasé a formar parte de Teatro del Norte, liderado por Etelvino. He realizado casi todos los trabajos realizables en una compañía de teatro: ayudante de dirección, ayudante de producción, regidor, utilero, maquinista, chofer, etc. Pero cuando empezaba, siempre con la actuación, mi cometido era la escenografía y el atrezzo. Estoy muy interesado en las artes plásticas. De hecho, he seguido diseñando algunas escenografías para otras compañías profesionales.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de vida y una necesidad. Prácticamente todo en mi vida gira alrededor del teatro: trabajo en teatro, mi principal ocio es el teatro, la mayor parte de mis amigos los he conocido haciendo teatro…sigo formándome en teatro y cuando paso tiempo sin hacer teatro me invade la tristeza. Es una pregunta que me han hecho varias veces a lo largo de mi carrera y mi respuesta suele ser bastante difusa, creo que va implícita en la respuesta anterior. Pero te diría que hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento un privilegiado por poder vivir de esta profesión. Llevo veinte años trabajando casi exclusivamente de ella y sé que eso no es lo habitual. Siempre he sido lo que se llama un “actor de compañía”, eso no todos los actores lo llevan bien, porque en un montaje tienes un papel protagonista, en otro de reparto y en otro haces la ayudantía de dirección. Yo estuve siete años formando parte del Teatro del Norte y trece años en la compañía L´Om Imprebis que dirige Santiago Sánchez. Esto te da una estabilidad laboral pero tiene una contrapartida y es que tu nombre pasa a un segundo término. En los últimos dos años y tras haber formado parte del reparto de Transición, coproducción con el CDN y en diferentes montajes del Off, en lo que va de año he participado en cinco montajes.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro no debe ser sólo entretenimiento, no es difícil sucumbir a esta función y más en estos tiempos difíciles Creo que el teatro debe ser un lugar para la reflexión y una experiencia poética compartida por un grupo de seres humanos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Como decía antes este año ha sido muy fructífero en proyectos. Empecé el año en la sala Arte&Desmayo con 405 de Marilia Samper, dirigida por Juanma Gómez, un thriller psicológico y no falto de humor que protagonicé junto a Elia Muñoz, una partenaire de lujo. En Marzo retomamos El banquete, noche de borrachera filosófica ,que ya había sido estrenada en el Festival Fringe del año pasado; una adaptación de El Banquete de Platón hecha por María Velasco , Alberto Conejero , Sergio Martinez Vila , Ana G.Costa y Elena Lombao, con la dirección de Sonia Sebastián y acompañado por Miquel Insua , Natalie Pinot , Julio Rojas , Aarón Lobato , Hiuchi Chiu y María Ordoñez. Se reestrenó en el Ateneo de Madrid dentro del Festival Ateneo mucha vida en Marzo y continuamos en la sala Nave 73 en Abril y en junio en” La Pecera “del Círculo de Bellas Artes. Y también en Junio estrenamos Instantes en la Sala Tu, con textos de Paloma Pedrero , Nestor Villazón y Sandro Cordero , dirigida por Roberto Cerdá y acompañado por Mélida Molina , Ana Blanco Y Sergio Otegui . Formada por tres piezas breves con un denominador común encuentros que se tornan excepcionales y desembocan en la unión amorosa .
A principios de Julio participé en el festival Clásicos en Alcalá con Un cuento de invierno de W. Shakespeare , en versión y dirección de Carlos Martínez Abarca para Síosí teatro con uno de los personajes más complejos a los que me he enfrentado en mi carrera : Leontes , junto a Rocío Marín , Zaira Montes, Jimy Castro, Nuria López, David Lázaro, Oscar Ortiz de Zárate y Xoel Yañez . Participando también en los Festivales de Almagro , El Escorial ,etc. Y en Septiembre llegó Cliff / Acantilado sin duda el texto más bonito que me han ofrecido nunca, un reto y una oportunidad de enfrentarme en solitario a la descomposición de un mito. Ha ido muy bien por lo que seguimos programados en La Pensión de las Pulgas.

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¿Cómo surgió tu participación en Cliff?…Háblanos de ella…
Cliff surge del empeño de Alberto Velasco de poner en pie la obra de Conejero, del encuentro de estos dos creadores, y del flechazo que tuvimos el resto del equipo con ella. Hace tres años, cuando la obra ganó el premio LAM ya pudimos comprobar su eficacia en la lectura dramatizada, dirigida por Elisa Marinas en la SGAE y que yo mismo protagonicé. Cuando conocimos La Pensión de las Pulgas nos dimos cuenta de que era el espacio ideal para albergar esta obra . Cliff /Acantilado , recurre al famoso actor Montgómery Clifft para hablar de las zonas oscuras , la cara B de las estrellas , lo que no suele salir en el papel couché , y lo hace desde la poesía del texto y la ausencia de interlocutores y con una puesta en escena que desde la sencillez y la utilización tanto de los objetos como del propio cuerpo del actor dibuja a un personaje a punto de romperse durante una hora y ocho minutos . En esta puesta en escena tiene mucho peso el trabajo de Velasco, que destaca como coreógrafo, bailarín y actor además de como director. Todo esto se apoya y complementa con el trabajo maravilloso de Mariano Marín en el espacio sonoro, quién compone parte de la música para nuestra pieza y las sugerentes imágenes que nos proporciona el videocreador Adriá Giralt.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Lo cierto es que no tengo ningún método concreto, a lo largo de estos veinte años de profesión me he seguido formando ( casi con avidez ) con diferentes profesionales que me parecía podían aportar herramientas a la hora de interpretar y de todos ellos he ido tomando lo que me resultaba útil .
Es difícil explicar como se crea un personaje , creo el personaje va apareciendo capa a capa desde la primera lectura a la última representación , normalmente las claves te las va dando el texto y a medida que vas descubriendo los porqués de su comportamiento va surgiendo el personaje . En el caso de Cliff además del texto dramático existen biografías y una abundante filmografía .

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que se están cargando una profesión que en las últimas décadas había logrado un estatus más o menos aceptable y se está convirtiendo en una actividad amateur . Las compañías consolidadas se ven obligadas a hacer montajes de pequeño formato con uno o dos actores y la falta de incentivos hace que muchos profesionales tengamos que embarcarnos en producciones sin producción moviéndonos de sala en sala y aceptando condiciones en ocasiones miserables . Es verdad que se están creando cosas interesantísimas , pero también hay mucho hacer por no parar , un poco a la desesperada .

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este último año he visto muchos trabajos interesantes y elegir sólo uno es difícil . Me gustó mucho Ahora empiezan las Vacaciones , una estupenda adaptación de El Pelícano de Stringberg hecha por Paco Becerra , con dirección de Luís Luque y cuatro actores fantásticos . Me atrapó . Una buena historia , una dirección impecable y unos actores fantásticos… ¿Qué más se puede pedir?.

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¿Proyectos?
En enero empiezo a ensayar un montaje con el CDN , voy a formar parte del elenco de Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva que dirige Guillermo Heras .

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MÓNICA RUNDE-10 & 10: Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.

runde¿Cómo llegas a la danza contemporánea?…
Bailando la Bella Durmiente… me dí cuenta que eso era lo que NO quería hacer. Asi que un poco por la necesidad de contar cosas con un lenguaje propio, o al menos que yo sintiera que era más mío que el ballet clásico.

¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Poco a poco, escuchando mi cuerpo y dejándome llevar por el y por lo que quería contar. En el fondo y la forma el lenguaje de un coreógrafo contemporáneo está muy unido a la particular escritura de su cuerpo y como este se mueve.

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¿Cómo surge 10 & 10?…
Éramos un grupo de buenos bailarines trabajando juntos en una compañía en la que no nos era posible desarrollar nuestras inquietudes como creadores y donde estábamos cada uno de nosotros demasiado encasillados en determinados papeles como intérpretes. Necesitábamos crear e interpretar otras cosas. Eso unido a que Pedro Berdäyes decidiera presentarse al Certamen Coreografico de Madrid y ganáramos el primer premio nos dio el impulso para crear nuestra propia compañía. También que en Madrid en aquella época se respiraba creatividad en las artes escénicas en general y desde las instituciones se fomentaba e impulsaba en particular a la danza contemporánea. Apareció el Festival Madrid en Danza, la Sala Olimpia y su Danza en Diciembre, el Certamen Coreográfico por donde pasaron casi todos los coreógrafos del país… era el cultivo perfecto para que naciéramos.

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¿Qué balance haces de los veinticinco años de 10 & 10?…¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
Es muy dificil hacer balance positivo desde una compañía de danza contemporánea española sin hacer comparativas con otros países europeos o americanos (¿y si hubiéramos fundado 10 & 10 en Alemania, o Francia, o Méjico, o Brasil…?) y no caer en la queja, pero siempre intento ser positiva.

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Cronológicamente:
Tuvimos la suerte de triunfar con el primer programa, de formar parte de esa nueva danza de España a la que se apoyaba tanto desde las instituciones de España y en nuestro caso Madrid (*) como desde los festivales internacionales europeos. Apoyos casi desde el inicio a nivel institucional (INAEM y CAM), como particular (Lola de Ávila nos cedió parte de su estudio para ensayar a diario durante años hasta que cerró la escuela María de Ávila en Madrid). Los noventa fueron años de muchísima exhibición en Europa y de abrir camino en España. En el 2000 llegó el Premio Nacional que nos ayudó a seguir adelante gracias a la aportación económica que traía bajo el brazo. Entonces ya teníamos nuestro propio local de ensayo lo que nos dio una gran libertad para concebir escenografías más espectaculares (teníamos donde almacenarlas y al tiempo poder ensayar con ellas), tener un elenco estable y por lo tanto la posibilidad de ”rodar” con muchos programas a la vez.
Pero las ayudas cambiaron con la entrada en la CEE y el tipo de estructura que las compañías teníamos planteado pasó a ser dificil de mantener. La suerte de cruzarse en nuestro camino nuestra otra gran mecenas, Cristina Rota, que nos ofreció residencia en el Centro de Nuevos Creadores – Sala Mirador. La mudanza significó seguir teniendo un lugar donde ensayar a diario, un local donde estrenar y por fin hacer temporada – en lugar de los dos o tres días de cuando te programan en un festival-pero también trajo el deshacernos de una gran cantidad de escenografía (económicamente no nos podíamos permitir pagar un almacén y tampoco nos interesaba sino podíamos utilizarla en el diario). Rota apostó muy fuerte por la danza contemporánea, hicimos temporadas de un mes, creamos festivales y un lugar donde compartir espacio con el teatro, pero a mediados de los 2000 han vuelto a cambiar, bueno en este caso a menguar y algunas desaparecer, las ayudas a la danza y tanto 10 & 10 como la Mirador tenemos que buscar la manera de flotar dentro de este caos. Eso nos ha alejado a nuestro pesar, obviamente las Salas llenan más con temporadas teatrales que con la danza. El público de danza a bajado un 50%, es un hecho.

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25 años de creación, de abrir caminos, de crear lazos con otros creadores aquí y allá, a un tiempo, sentir que estas empezando de nuevo cada año y que cuando entras en ciertas instituciones y círculos te siguen mirando con cierta condescendencia y me encantaría que me miraran como una creadora con 25 años de carrera o una intérprete con 35 y la mirada fuera más respetuosa, creo que me lo he ganado.
Anyway, la danza sigue sin tener su sitio en este país.

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¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Para mi el proceso creativo es lo mejor de una producción, gestar lo que será y las reuniones con el equipo artístico.
El equipo creativo es fundamental y participan al 100% en el proceso de creación. Una idea genial de escenografía o vestuario o luz o música o…puede definir el camino a seguir, incluso el detonante de la coreografía. A mi me gusta trabajar con el equipo antes de encerrarme en la sala de ensayo con los bailarines porque se que me van a regalar un montón de ideas que luego desarrollaré en el estudio.
Me gustan mucho esas reuniones de trabajo de exponer ideas y ver como te las rebotan mejoradas, ampliadas, dadas la vuelta… y esas cenas de después – en las que sigues hablando de la creación – no tienen precio.
También es verdad que en el proceso con los bailarines se siguen gestando cambios, en los que tanto ellos como el equipo artístico participan.

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Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos a colectivos muy distintos eso hace que el enfoque sea distinto en unos u otros. No es lo mismo impartir una clase o un taller a actores, a bailarines o a futuros pedagogos (el caso de los cursos que imparto en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila). Llevo más de 35 años impartiendo clases y con los años he aprendido la importancia de traspasar la experiencia, a veces es más importante eso que enseñar la técnica precisa de un movimiento o teoría de la composición.
Antes preparaba las clases al milímetro, ahora primero tanteo el grupo intuyo sus necesidades y desde ahí desarrollo el curso. Hace años que no preparo un curso y me dejo llevar por las necesidades del grupo.

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¿Qué utilidad han tenido los premios en tu carrera?…
En este país los premios tienen poca utilidad, te dan una gran alegría cuando los recibes y suelen sacarte de atolladeros económicos, como fue el caso del Nacional de Danza que consiguió que no cerráramos la compañía y pudiéramos pagar las deudas que teníamos en ese momento. Al ser casi todos ellos anuales es como ser algo protagonista ese año, al siguiente ya pasó y la banda y la corona pasan a otra cabeza y otro hombro. Me gustaría que esos premios fueran un reconocimiento de verdad a qué has hecho y un respeto a tu obra.
En general creo que en este país te reconocen en un momento dado tu perseverancia, pero esos mismos que te entregan el premio es más que probable que no hayan visto más que uno o dos (con suerte) de tus trabajos. Por supuesto hay excepciones.

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¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
No es el mejor momento, pero tampoco es el peor como le gusta decir a algunos.
Ayer leí en el anuario de la SGAE que las funciones de danza han caído un 50 por ciento, junto con la recaudación y el número de espectadores. Eso si que es preocupante porque toda la labor de conseguir unos espacios de exhibición y un público que hemos hecho las compañías a lo largo de los años ha desaparecido en un plís plás.
Si está peor la implicación de las instituciones, tienen menos presupuesto, pero sobre todo menos interés. Somos en cierto modo el I+D+I de nuestro sector y ahora la prioridad en todos los campos es lo que es económicamente efectivo al instante.
Si no interesa la investigación en ciencia o medicina como va a interesar en artes escénicas.
Nunca hemos tenido los apoyos que otras compañías europeas tienen en sus países ni el mismo respeto como creadores y ahora…menos.
Como te he dicho, siempre han interesado los colectivos que por algo reciben ese adjetivo, colectivos…

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¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Ahora mismo aquellas en las que vaya a disfrutar como creadora o como intérprete. Como creadora he necesitado hablar del ser humano, de la persona como indivíduo y ser social. Eso me llevó a hablar de temas como las drogas (su abuso, adicción y la repercusión en las personas del entorno); el amor homosexual y la no aceptación por la sociedad; el maltrato a la mujer dónde me centre en el maltrato psicológico que no deja huellas en el físico pero destroza la psique de un ser humano; la emigración y el exilio y ese desgarro que crea no pertenecer a ningún país y perderlo todo en el camino… he sido una coreógrafa con un compromiso con el ser humano ”humillado”, compromiso del que me siento muy orgullosa y continuaré creando en ese sentido, aunque no sea “moderno” y no guste al programador de turno. Es mi naturaleza y me puede. Antes de una manera más narrativa, ahora desde las imágenes y la abstracción, pero me doy cuenta que la temática sigue siendo la misma. ¡Que cosas!
He redescubierto el placer de ser dirigida y creo que ese es mi proyecto inmediato. Asi que si alguien necesita una intérprete en la cincuentena…estoy a su disposición.

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¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Basicamente empiezo con mesas de trabajo con el equipo artístico, búsqueda de financiación para ver que se puede hacer de toda esa propuesta creativa, encierro en el estudio con los intérpretes y estreno. Por desgracia en este país vender danza contemporánea sin que esté estrenada y puedan ver un DVD del trabajo es prácticamente imposible, así que las compañías de danza contemporánea no tenemos la posibilidad del teatro de girar inmediatamente después del estreno. Esa parte del proceso me encantaría vivirla.

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Háblanos del proyecto que estrenáis en Madrid en Danza…
EPISODIOS – (Temporada 25).
25 años de compañía y mis 35 años de intérprete encima de los escenarios.
Deseo celebrar estos 25 años de compañía y 35 años de intérprete disfrutando de la creación de otros.
Normalmente las compañías celebran reponiendo pedacitos de obras, o convocando a los intérpretes que han pasado por ella… ¿Y desmarcarse y convocar a creadores para que celebren contigo dos cosas a la vez?
Tengo el lujo de contar para estas celebraciones con creadores que admiro, respeto y si pudiera les pondría la alfombra roja cada día que vienen a trabajar conmigo en un estudio: Pedro Berdäyes mi marido artístico durante 16 años, pareja de baile durante 20 y co-creador de 10 & 10; Carmen Werner compañera en la historia dancistica contemporánea de Madrid y a la que admiro por su capacidad compositiva y su forma de narrar el cotidiano; Luis Luque, director con inquietudes dancísticas con el que he compartido obras a los mandos de otros directores y con el que quería compartir proceso creativo; Daniel Abreu del que admiro su imaginario estético, onírico y del que he aprendido una nueva manera de moverme a mis 52; Claudia Faci, amiga, compañera en Ballets, coreografías y giras y una de las mejores dramaturgas de esta ciudad y sobre todo que me conoce desde el inicio de los tiempos; Elisa Sanz colaboradora y amiga desde… alguien con ese imaginario, esos aportes, esa vitalidad, ese pequeño gran genio creativo; y Juan Gómez Cornejo, quizás el mejor iluminador de este país…
De todos ellos soy fan y que ahora estén aquí conmigo es un lujo de esos que ocurren -o propiciamos – una vez en la vida.

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¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
Creo que te he contestado antes en la cronología del balance de los últimos 25 años. Pues mal, muy mal, el arte no es lo mismo que un ordenador y no podemos tener los mismos impuestos que Apple o IBM ya que no tenemos los mismos beneficios. Y te digo ordenadores porque estoy delante de uno…

¿Cómo surge la idea de apoyar a Compañías jóvenes?…
En este país antes que creador y para poder girar, pedir ayudas o simplemente alquilar un estudio para ensayar tienes que ser EMPRESA. Es decir, que para poder ser coreógrafo lo primero es gastar un montón de dinero, que no tienes… ¿que memos que prestar tu infraestructura para que otra persona se pueda beneficiar?.

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¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Si no pretendes vivir de esto si.
Si quieres vivir de esto mejor monta un clásico español.

¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
Que emigre y aprenda igual que lo hicimos muchos hace 35 años cuando la situación en este país era la que era. Yo, con 30 años menos, ni me lo pensaría.
Entonces no había compañías ni programación, ¿ahora?…

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¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
Que piensen que están haciendo y si sirve para algo.
Que colaboren con el sector que lleva dando señales años.
Que no metan en el mismo saco la danza contemporánea, el flamenco, el ballet clásico… sino meten en el mismo saco la dramaturgia contemporánea y los clásicos porque la danza no tiene también ante sus ojos esa diversidad y diferencias.
Que la danza, como el teatro (Teatro Valle Inclán, María Guerrero, Fernán Gomez,etc….), la música (Auditorio Nacional,etc) y lírica (Teatro Real, de la Zarzuela, etc) también necesita un espacio de creación y exhibición propios, un teatro de la Danza que ayudaría a crear público y a los creadores a tener un espacio escénico en condiciones para presentar sus trabajos.
Que piensen lo que significa una ayuda a gira por el extranjero o ayuda a la producción a una compañía – montones de billetes de avión, salarios de ensayos, seguridad social… – y no nos paguen esas ayudas hasta que la gira y la producción se han terminado… Están dando una ayudas que a corto plazo en vez de ayudar están endeudando a un montón de creadores, estamos representando a la cultura y una supuesta marca España en el mundo en condiciones penosas porque no tenemos medios – a tiempo – y están fomentando que las compañías desaparezcan bajo las deudas.
Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.

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¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Susanne Linke y Pina Bausch son los más fuertes. Debe ser la genética, me gusta el trabajo alemán mucho más que otros. Últimamente mis referentes son más videográficos y pictóricos que dancisticos.

> (*) Quisiera dar las gracias a las personas que desde las instituciones nos apoyaron e impulsaron en nuestros inicios. En el Ministerio de Cultura el entonces asesor de danza Roger Salas y Guillermo Heras director del C.N.N.T.E. – Sala Olimpia (Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas); del Ayuntamiento de Madrid: Eduardo López que entonces trabajaba en el Centro Cultural de la Villa (Teatro Fernando Fernán Gómez ahora, más o menos…) y de la Comunidad de Madrid la que era asesora de danza Laura Kumin. Gracias a todos ellos por impulsar la danza y darle los medios para desarrollarse y tomar presencia en el desierto que entonces era Madrid respecto a la danza contemporánea.

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Ayudas a proyectos de asociaciones profesionales de autores y editores

Hasta el 12 de septiembre estará abierto el plazo de presentación de solicitudes para la convocatoria de la SGAE para Ayudas a proyectos de asociaciones profesionales de autores y editores. Dichas ayudas pretenden contribuir a los proyectos elaborados por las asociaciones y federaciones para 2014 y hasta el 15 de marzo del 2015 y cuentan con una dotación de 200.000 euros.
Más info en: http://www.sgae.es

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Ayudas a la publicación de discos, vídeos y libros – SGAE

Más info en: http://www.fundacionsgae.org/noticias/1249/Ayudas-a-la-publicacion-de-discos-videos-y-libros

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Ayudas a la publicación de discos, vídeos y libros para socios de la SGAE

Ayudas a la publicación de discos, vídeos y libros

Estimado socio:

Presentamos una nueva línea de ayudas que complementa nuestro programa de apoyo a la creación y promoción del repertorio SGAE. Se trata de las ayudas a la publicación de discos, vídeos y libros.

Con la convocatoria que hoy anunciamos, dotada con un importe de 100.000 euros, pretendemos impulsar, aún conscientes de las limitaciones, la publicación de discos, vídeos y libros. El plazo para la recepción de solicitudes permanecerá abierto desde el miércoles 16 de julio hasta el viernes 3 de octubre. Nuestro Plan Director señala como prioridades de actuación de la Fundación SGAE la creación y la promoción, por lo que estas ayudas van destinadas no al proceso de producción sino, exclusivamente, a facilitar la publicación de un fonograma, videograma o libreto ya existentes.

Con esta ayuda, el importe que destina la Fundación SGAE para acciones directas para los socios, su repertorio y proyectos de las asociaciones autorales superará en 2014 los 1.100.000 €.

Confío en que esta nueva iniciativa te resulte interesante y te animo a que estés pendiente de nuevas convocatorias en nuestra página web.

Recibe un fuerte abrazo,

Antonio Onetti
Presidente de la Fundación SGAE

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Lectura dramatizada de ‘Mi relación con la comida’ de Angélica Lidell

La actriz Esperanza Pedreño interpreta Mi relación con la comida, de Angélica Lidell , el próximo 25 de junio en la Sala Berlanga, en formato lectura dramatizada.
Coorganizado por la Fundación SGAE, Teatro Buco y Curtidores de Teatro, la obra, dirigida por Rosario Ruiz Rodgers e interpretada por la actriz Esperanza Pedreño, fue ganadora del Premio SGAE de Teatro en el año 2004.
20.00 HORAS
SALA BERLANGA
c/ Andrés Mellado, 53
Madrid
Metro: Islas Filipinas
PRECIO ENTRADAS: 3 EUROS

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RAKEL CAMACHO nos habla de su proyecto Lucientes

rakel¿Cómo surge el proyecto de Lucientes?…¿De qué va la obra?…
Amo a Goya, como tantos. Cuando descubrí Los Caprichos de Goya, hace años, sin que nadie me los mostrará en escuela alguna, quise estudiarlos, investigarlos; ví en ellos acción, verdad, sátira, humor, dolor de España, esperpento y poesía, pero sobretodo, una sociedad despiadada y deshumanizada. Comparto tanto esta visión del hombre que un día, contemplando la portada de un libro de Susan Sontag titulado “Ante el dolor de los demás” cuya imagen es el grabado de la serie desastres de la guerra titulado por Goya “Tampoco”, nació la idea de crear una obra a partir de los grabados, pero en especial Los Caprichos Goya.
LUCIENTES plantea un recorrido por la idiosincrasia española a partir de una selección de los Caprichos, cuya propósito es:
“Ridiculizar los errores y vicios comunes en toda sociedad y consagrados por la autoridad, la ignorancia y el interés”, expone el propio Goya.
La acción transcurre la última noche de Goya en la Quinta del sordo, antes de exiliarse a Burdeos.
El proyecto no es una biografía del artista, como muchos desearían, sino una creación escénico-poética basada en la fuerza de las imágenes que nos evocan sus Caprichos hoy, en un momento de sinrazón donde los monstruos cobran vida.
La obra no se basa en un argumento al uso, sino en una estructura fragmentada por capítulos independientes, cuyo hilo conductor es la obra de Goya y las reflexiones del artista. Se trata de un esperpento contemporáneo en el que lo que impera es la estimulación del espectador, las sensaciones y las emociones provocadas por lo que ve y escucha.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Partamos de que Goya es infinito y necesitaríamos toda una vida para estuadiarlo al completo.
Nuestro proceso se ha basado fundamentalmente en una exhaustiva documentación de los Caprichos de Goya creando un puente con noticias actuales españolas, unas más reconocibles como es el caso de los dashaucios y los problemas de la educación española (algo que preocupaba bastante a Goya hace doscientos años y que sigue sin resolverse. Caprichos: Trágala Perro y Si sabrá más el discípulo), y otras más desconocidas. La relación de las noticias con los Caprichos fue muy directa y fácil, esto resultaba asombroso. Partiendo de esta simbiosis capricho-noticia, pasamos a trabajar mediante improvisaciones y creaciones a partir de tema e imagen, sin perder de vista lo que Goya denunciaba y ridiculizaba hace 200 años con su obra artístico-satírica.

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¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
En la sala de ensayos se contaba desde el primer día, con elementos que ayudasen a crear los personajes de cada capricho, la esencia española, la tradición, la animalización del hombre, y un largo etc, así como el trabajo con luces y sombras.. siempre se ha tenido en cuenta la idea de ruptura entre una escena y otra, evitando la continuidad también en cuanto a género, pues a una escena cómica le sigue una más dramática, y a esa dramática le sigue una más poética, después una coreografía… en algunos momentos se alcanza el carácter de show cabaretero que tanto me atrae como directora. También es un espectáculo puramente brechtiano, pero esto se fue forjando, pues inicialmente no era la premisa de más valor.
Los actores no podían ser actores al uso, pero tampoco la escenógrafa ni el iluminador, ni la vestuarista ni el músico en escena, pues ha sido una creación colectiva en la que jugaban un papel fundamental la imaginación y la valentía de cada miembro del equipo. En el proceso de creación había una libertad que aterra a muchos actores, pero los actores de Lucientes han creado y luchado como merecía el proyecto. Esto no siempre pasa, los actores necesitan que se les diga qué hacer, y yo como actriz, como huyo de eso, pues no hago a los demás lo que no quiero que me hagan a mí. No ha sido nada fácil porque todo lo que concierne a crear y seleccionar creación, es complejo, pero también hace que la implicación y pasión del equipo por el proyecto sea mayor, pues sus miembros lo sienten suyo. Para llevar a cabo un proceso así, otro de los requisitos fundamentales es la confianza enre actores y dirección y viceversa, pues se trabaja de una manera pura y visceral.

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¿Qué balance haces de tus trabajos como directora?…
Generalmente esto muy orgullosa de mis trabajos, porque son verdad y están en mí. En el caso de Lucientes todavía es mayor la satisfacción(me declaro mitómana de Goya), sobre todo cuando detectas tantos obstáculos y falta de confianza alrededor y luego observas como alucina el espectador, y viaja, y siente. Esto no tiene precio. No hay persona que lo haya visto que no haya vivido la experiencia Lucientes, claro que, queda todavía mucha gente por verlo, y hay de todo en la viña . Eso sí, tras el estreno, puede hablarse de éxito.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mí hacer teatro hoy es una lucha por la cultura, por comunicar. Por acercar la cultura a todos los espectadores, porque todos disfruten y crezcan.
Considero que el teatro que se haga hoy tiene que ser necesario,un medio que eduque y conciencie a la sociedad que no está reñido con que este medio divierta y entretenga (Lucientes es muy divertido a veces). Hasta que no se convierta la cultura en algo imprescindible para una sociedad, el ciudadano no verá lógico emplear 15 euros en una función de teatro. Esto es doloroso, sobre todo cuando una copa que se bebe en media hora, cuesta 7 euros. Pero de esto ya hemos hablado muchas veces.
También en este sentido del teatro como hecho cultural (a veces artístico) y necesario para el desarrollo y la humanización de la sociedad, propongo y ofrezco con LUCIENTES un teatro que une disciplinas artísticas como la danza, el teatro, la música en escena y los audiovisuales, además del supercabeza de cartel: GOYA, un artista imperecedero e infinito, arte y cultura en estado puro. Ni creo ni le veo ningún sentido a los espectáculos caducos y obsoletos en los que se dirige el tráfico de actores y muebles, que a menudo están carentes de contenido. La falta de contenido, de sustancia, no la perdono.
La cultura está por los suelos, y es responsabilidad nuestra resucitarla, llevarla a todos los ciudadanos a través del teatro y resto de disciplinas.

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¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Generalmente me dejo llevar por la poesía de las imágenes y el contenido que evocan. Me ocupo de trabajar la tragicomedia y el estilo expresionista, pero sobretodo decir algo al espectador, directo y sin tapujos, quizá algo que ya sabe, pero que hay que reforzarle para que despierte del letargo social en el que estamos.
Otro gran motivo es el trabajo en equipo, las personas con las que se cuenta en cada proceso es algo fundamental para el director y el proyecto, el equipo hará que todo sea una maravilla… o que se llene de mierda.
Pero lo que más valoro, sin duda, es la libertad creadora que me supone un trabajo, detesto pasar por aros establecidos y la autocensura.Considero que arriesgo con la mente y el alma.

¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Estupendamente. La Intemerata tiene 4 años de vida y nunca ha recibido una ayuda (lo cual comprendo porque en este país hasta que no se cumplen los 50 se sigue siendo director/a novel), y por supuesto ahora menos, pese a estar llevando a cabo un proyecto que tanto interesaría apoyar a España. Pero sólo en Zaragoza nos están apoyando y tratando realmente bien.
En Madrid con tantísima oferta y tan poca demanda de Artes Escénicas es más difícil pero en Teatro del Arte de momento nos va bien.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he visto fue en Valencia, El rayo colgado, de Francisco Nieva, que me apasiona y dirigido por Juan Dolores Caballero. Me pareció un buen montaje y excelente trabajo actoral.

¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Regulero tirando para mediocre. Aunque de repente se ven cosas estupendas como André y Dorine.
Siempre están conviviendo los dos circuitos, el off y el on sin atender a la esencia que define a cada uno, pues el off lo es porque no le queda otra y el on a veces es para mear y no echar gota. En el off se ven cosas más interesantes que en los grandes teatros, a veces hay un riesgo. Por otro lado, El viaje a ninguna parte en CDN me encantó. Hay una buena propuesta por parte de Ernesto Caballero con Festivales como una Mirada al mundo.
Por otro lado, como directora, pediría el mismo apoyo para los jóvenes directores que tienen los jóvenes dramaturgos. Es lo que más echo en falta. A veces creo que no se sabe todo lo que supone dirigir, y me molesta.

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¿Proyectos?…
Uno de los proyectos es 2, 4, 1 que está en proceso embrionario. 2, 4, 1 es teatro documento y trata el movimiento social de la insumisión en España. El título se debe a la condena por insumisión: 2 años, 4 meses y un día.
Otro proyecto es El año que mi corazón se rompió, de Iñigo Guardamino. Premio Leopoldo Alas del Festival Visible de Sgae.
Y muchísimos proyectos más, ¡será por proyectos!. Haría otros 5 o 6 espectáculos sobre Goya… esta es la verdad.


MIGUEL DE MOLINA FRENTE AL ESPEJO

La Sala Berlanga de la SGAE, que no conocía y está francamente bien, presentó ayer lunes 20 de enero la lectura dramatizada de la obra escrita e interpretada por Ángel Ruiz, acompañado al piano por Mariano Marín y bajo la dirección de Juan Carlos Rubio, ” Miguel de Molina frente al espejo”. La memoria de tantos españoles que se vieron obligados al exilio se recuperaba desde la historia de uno de sus artistas más castigados y olvidado por el régimen franquista, Miguel de Molina en una aparente rueda de prensa nos hace un recorrido por su vida desde que nació en 1908 hasta su muerte en Buenos Aires, su patria de acogida, tras muchas amargas peripecias. Un hombre moderno, hoy en día seguiría siéndolo, visto el derrotero conservador que guía a la sociedad del siglo XXI, que desde su humilde origen nota como el arte le sale por los cuatro costados y se ve empujado a dejar a su familia para terminar donde siempre soñó, un escenario donde vaciar sus anhelos y sus pasiones con sus cantes y sus bailes. Amigo, conocido o compañero de Lorca, Rafael de León, la Piquer, la mismísima Evita y toda la tragedia de su vida personal envuelta en la alegría de su persona y su capacidad para entretener al mundo. Su experiencia republicana y la guerra, maldita, que casi le mata y el exilio de esta España, a veces madrastra, a la que querer tanto no cuesta nada y su Málaga natal a la que siempre extrañó hasta su muerte. Mientras esto se cuenta Ángel Ruiz nos canta y nos baila y nos hace reír y llorar y nos conmueve con la luz que sólo los grandes artistas saben proyectar. Espero que el montaje se haga realidad pronto y que triunfe por los escenarios donde se presente. El público respondió enloquecido y agradecido por un rato bien hermoso.
Ángel Savín

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XVII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas

Una nueva etapa
Si quieres que tu espectáculo concurse en la XVII edición de los Premios Max de las Artes Escénicas, te recordamos que el plazo de inscripción expira el próximo 25 de noviembre.

No olvides solicitar tus certificados en SGAE antes de comenzar los trámites de inscripción.

En caso de necesitar más información, no dudes en llamar al 91 503 68 57 o consulta el reglamento en nuestra web http://www.premiosmax.com

MAX


I Laboratorio de Escritura Teatral 2013

La Fundación Autor de la SGAE presenta los resultados del I Laboratorio de Escritura Teatral 2013
Con entrada libre hasta completar aforo, la Sala Berlanga acoge la lectura dramatizada de las obras de Ana Graciani, Paco Romeu, Vanessa Montfort, César López Llera y Pascual Carbonell
La Fundación Autor de la SGAE presentará los resultados del I Laboratorio de Escritura Teatral 2013 el próximo martes, 15 de octubre, a las 19:30, en la Sala Berlanga (C/Andrés Mellado, 53. Metro Islas Filipinas. Madrid). Con entrada libre hasta completar aforo, Paloma Pedrero, directora de la iniciativa, y Antonio Onetti, presidente de la Fundación Autor de la SGAE, darán a conocer los cinco proyectos que se han desarrollado a lo largo del presente año, acompañados por sus autores: La boda, de Ana Graciani; Los panes, de Paco Romeu; El Galgo, de Vanessa Montfort; La sala de Hermafrodita, de César López Llera; y Revisión, de Pascual Carbonell.

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Lectura dramatizada de la obra ‘Feminicidio’ de Juan Benito

LUNES, 7 DE OCTUBRE DE 2013 / 19 HORAS
Sala Manuel de Falla
SGAE: c/ Fernando VI, 4 — 28004 – Madrid
PALACIO DE LONGORIA
ENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR AFORO

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Convocatorias para autores

El próximo 13 de septiembre se cierra el plazo de presentación de solicitudes para la convocatoria de Ayudas a proyectos de asociaciones profesionales de autores.
Abierta desde el pasado 26 de junio, forma parte del programa de ayudas y becas de la Fundación Autor dirigido a los autores y a sus colectivos, y pretende contribuir al desarrollo de la actividad generada por las asociaciones autorales.
Más info en: http://www.sgae.es

 

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Concurso de dramaturgia “Nuestro Teatro”
En homenaje al movimiento “Teatro Abierto”, la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación convoca a guionistas de todo el país a participar del concurso público de dramaturgia “Nuestro Teatro”, destinado a realizar y poner en escena dieciocho obras. Los autores seleccionados recibirán $ 10.000 cada uno.
Del 10 de septiembre al 10 de noviembre, podrán inscribirse escritores mayores de edad, de nacionalidad argentina, nativos o naturalizados, o extranjeros que acrediten residencia mínima de cinco (5) años en el país.
Los proyectos deberán abordar alguno de los siguientes ejes:
1. La vida en democracia y sus pilares.
2. La historia y la obra de personalidades destacadas del ámbito nacional que representen los valores democráticos.
3. Situaciones cotidianas que muestren cómo la democracia permite vivir con dignidad, creatividad y libertad.
El concurso se realiza como parte de una serie de actividades, organizadas por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, el teatro el Picadero y la TV Pública, que incluye un ciclo de teatro, durante octubre y noviembre, y la emisión de programas especiales en la TV, conducidos por Darío Grandinetti, con obras estrenadas en 1981 durante la primera temporada de Teatro Abierto.
A treinta años de la recuperación de la democracia y en homenaje al movimiento de resistencia cultural Teatro Abierto, nacido en 1981 por impulso de Roberto Cossa y Osvaldo Dragún, la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación organiza el concurso como modo de fomentar una identidad teatral argentina popular y federal.
Presentación de proyectos:
Del 10 de septiembre al 10 de noviembre, de 10 a 17, en el Centro de Producción e investigación audiovisual (CePIA), Vera 745, Ciudad de Buenos Aires.


Festivales de creación

COMA´13
La AMCC (Asociación Madrileña de Compositores) acude a nuestra sede en Madrid para presentar la programación del COMA’13 en su XV edición. El objetivo de este festival anual es divulgar la obra de compositores que trabajan en Madrid. Con el objetivo de promover y potenciar la música actual, la Asociación Madrileña de Compositores propone para esta edición un total de 18 conciertos gratuitos, que tendrán lugar entre en 15 de septiembre y el 5 de diciembre en distintos espacios de la ciudad: Teatros del Canal, Auditorio de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, Auditorio Conde Duque, Real Conservatorio de Música de Madrid y la Sala Manuel de Falla de la SGAE. Este año, continuando con la tradición de homenajear a “ilustres compositores”, dedicarán dos conciertos a los compositores Antón García Abril, Jesús Legido y Gabriel Fernández Álvez.

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Ángel Fernández Montesinos nos habla de su larga trayectoria en el teatro.

Montesinos¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Ingresé en la Facultad de derecho de Murcia seguramente para tener derecho a entrar en el TEU. Allí dirigí LA PIEL DE NUESTROS DIENTES de THORTON WILDER consiguiendo los premios a “mejor dirección y mejor montaje” del Certamen Nacional de Teatro Universitario. Uno de los premios consistió en el estreno de la obra en Madrid, esa noche Carmen Troitiño, directora del Teatro de Cámara DIDO, presenció el estreno y me ofreció dirigir en Madrid cuando quisiera. ¡Como en una película!…así fue. Con DIDO monté EL LIBRO DEL BUEN AMOR Y LA VIUDA VALENCIANA en el Teatro María Guerrero de Madrid. Así y allí comenzó todo…1960.

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¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Dada la naturaleza creativa de nuestra profesión, y estando tan acostumbrado a leer y trabajar textos, comencé a escribir por mi cuenta, adapté obras extranjeras…estrené, con éxito tres comedias originales mías (con seudónimo por supuesto, por si las moscas…) escribí y grabé letras de canciones y los guiones de todos mis espectáculos musicales.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con Televisión. El año 1965 hice el curso de realizador, dirigí algunos “Estudios Uno” y “Teatro Breve”. Colaboré en programas de variedades, siempre dirigiendo espacios teatrales…Más tarde, y dentro del programa ENCANTADA DE LA VIDA, dirigí 60 adaptaciones teatrales con 129 actores…Lo último fue la serie VIDA Y SAINETE, una recopilación de los mejores sainetes.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Un buen balance, creo yo. He montado teatro clásico, comedias, dramas, sainetes, zarzuela, opereta…y como autor-director algunos de los más espectaculares éxitos del teatro musical español, como: TIO VIVO MADRILEÑO, POR LA CALLE DE ALCALÁ (2,500 representaciones en España y 500 en México),¡MAMA ,QUIERO SER ARTISTA¡(1.200 representaciones), ESTAMOS EN EL AIRE(880) y ANTOLOGIA DEL BOLERO, entre otros…

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Antes un productor privado, casi siempre dueño de un teatro y en colaboración con primeras figuras montaba la mejor comedia que cayera en sus manos, con el mejor elenco y los mejores colaboradores, con el fin de conseguir, en Madrid, un éxito artístico y económico que permitiera estar meses en la cartelera y después (siempre con permiso de la recaudación de taquilla) hacer gira, comenzando en verano por todo el norte y después gira de un año. Esto era así, dirigí comedias milenarias como LA MAMMA, PATO A LA NARANJA, TRAMPA MORTAL, FILOMENA MATURANO, etc… Ahora dedicamos todo nuestro esfuerzo para hacer 29 bolos…Diferente ¿verdad?. Otra diferencia, en verano, los teatros de Madrid permanecían abiertos, se formaban compañías para realizar temporadas a precios populares con ofertas variadas de todo género y estilo, como comedia, sainetes, variedades, revista y género chico. Las dos compañías de los Teatros Nacionales y la Cia. Lope de Vega hacían gira incluidos en la programación de los Festivales de España, por cierto estos festivales que duraban de Junio hasta Septiembre, llegaban a reunir, entre intérpretes y técnicos, dos mil puestos de trabajo y presenciaban los espectáculos millones de espectadores.

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¿Cómo surgían las ideas de los proyectos que ponías en marcha?…
En principio, los productores privados me llamaban y proponían una obra o una temporada teatral, por ejemplo…Conrado Blanco para el Teatro Lara, Tirso escudero para La Comedia o la SGAE cuando era responsable del Teatro de la Zarzuela para dirigir teatro lírico. Así siempre, hasta que empecé a ser yo el que proponía espectáculos. Todo el repertorio del Teatro Nacional de Juventudes(15 obras)lo propuse yo, desde Peter Pan a Platero y yo, con los mejores colaboradores para realizar estos proyectos, como JOSE HIERTO, LOPEZ ARANDA, CARMELO BERNAOLA etc. Mi imaginación y mis conocimientos musicales eran terreno abonado. Eso se lo debo a mi imaginación.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sin duda alguna, ellos han dado relieve y forma a mis ideas…gratitud eterna para EMILIO BURGO, VICTOR CORTEZO, BURMAN (padre e hijo), ARTIÑANO, PEDRO MORENO… directores musicales…coreógrafos como LORCA y PORTILLO… y por supuesto, mi gran colaborador JUAN JOSE ARTECHE con el que he firmado todos los éxitos musicales.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Una versión de LA VERBENA DE LA PALOMA en los Jardines de Sabatini. Siempre que he montado esta obra maestra(cinco veces)me dolía que nunca acudieran a la famosa verbena, ya que su propósito de acudir se malograba siempre con la gran bronca, por eso, en esta versión, como en una transición cinematográfica nos trasladábamos a la verbena antes que comenzara la bronca, así pudimos ver la verbena con sus concursos, sus chotis, sus rifas, etc., hasta que llegaban los protagonistas, y allí, ahora sí, tenía lugar la gran pelea.

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¿Qué ha supuesto para ti y que has sentido al recibir el premio que te han concedido en Almagro?…
Un homenaje en vida es muy agradable, porque también lo disfruto yo. Ha sido una gran satisfacción, un acto de amistad cariño y miramiento. Estuvo magníficamente organizado por Natalia Menéndez y completado con una exposición de mi labor de 15 años como director del TEATRO NACIONAL DE JUEVENTUDES. Una exposición esplendida que ha servido para que muchos descubran lo que fueron 15 temporadas de una labor de gran calidad y repercusión.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
El impuesto del I.V.A. es absolutamente letal para el teatro, si no lo corrigen será un indicio de lo poco que interesa la actividad teatral.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar mi último musical…¡SALVADOS POR LA MUSICA¡ un musical muy asequible económicamente, sin coros ni ballet, doce cantantes y con un gran truco escénico. También espero estrenar LA MUJER QUE DECIDE, una antología de personajes históricos femeninos que han sido protagonistas en el Teatro.

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Muchos…pero destacaría una antología de la OPERETA ESPAÑOLA (ya escrita) y un espectáculo teatral, que es como un documento sonoro, un itinerario por el MADRID de CHUECA, sus tipos, costumbres, etc.

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Convocatoria de ayudas a microemprendedores de la SGAE

La Sociedad General de Autores y Editores (SGAE), a través de su Departamento de Socios, y la Fundación Autor, hacen una convocatoria pública a sus socios/as-autores/as para la concesión de ayudas a proyectos empresariales vinculados al ámbito de la creación musical, audiovisual y escénica, que necesiten de un primer impulso económico, no superior a los 6.000 euros.
Esta iniciativa pretende impulsar proyectos promovidos por autores/as con escasos recursos económicos, así como procurar el autoempleo y la autosuficiencia del socio/a autor/a, de forma perdurable y continuada en el tiempo. Para poder optar a esta convocatoria son condiciones indispensables: 1.-Que el autor/a que concurra a la misma acredite unos ingresos anuales iguales o inferiores al doble del IPREM 2013 (6.390,13 €), es decir, 12.780,26 €; 2.- Que el autor/a que concurra a la misma no esté percibiendo una Ayuda Económica de Emergencia Social (APS) durante el mismo año natural.
Más info en: http://www.sgae.es

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Presentación del libro “Pajaros en la cabeza” de Paloma Pedrero

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CONVOCATORIA DEL 8º CONCURSO DE NÚMEROS DE CLOWN LOS HIJOS DE AUGUSTO


 

Organizado por la Escuela de Payasos los hijos de Augusto, con la colaboración de la Casa de Cultura del Ayuntamiento de Xirivella y la Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella

 

 

1    Los números serán, y no es una tontería, en código clown, con una duración máxima de 15 minutos. 

 

2    Deberán poder representarse con el mínimo tiempo de montaje previo. 

 

3   No podrán comportar gastos de la SGAE, bien por no estar registrados, bien porque el autor renuncie a los derechos para esta actuación. 

 

4   Es preciso enviar a la organización una grabación con el número completo, a fin de valorar su inclusión en la gran final.

 

5   Se seleccionarán cuatro de las propuestas recibidas, y serán exhibidas el 8 o el 15 de noviembre a las 21,30 horas, durante la Mostra Internacional de Pallassos de Xirivella.  

 

6   Para la representación, los participantes dispondrán de los equipos de sonido y luces del  Teatro Municipal del Ayuntamiento de Xirivella.

 

7   El público, con sus votos, decidirá cuál es el número ganador y su fallo será inapelable, ¡faltaría más!

 

8   El premio de 500 €, patrocinado por la Escuela de Payasos, se entregará esa misma noche, tras realizar el recuento.

9   El plazo para hacer llegar las propuestas es el 31 de julio de 2013. 10 Salud, humor y amor.

10 Salud, humor y amor.

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Abierta la convocatoria de los premios anuales SGAE para autores de teatro

Los interesados ya pueden enviar sus textos para participar en el Premio SGAE de Teatro y el Premio SGAE de Teatro Infantil
El ganador recibirá 8.000 euros y la publicación de la obra y su representación en el Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas
El plazo de entrega de textos finaliza el próximo 30 de junio
La Fundación Autor de la SGAE convoca un año más sus premios de textos dramáticos, tanto en su categoría general como en la infantil. Con el propósito de impulsar y apoyar la creación de nuevos textos dramáticos que contribuyan al enriquecimiento del panorama teatral, la entidad promueve el XXII Premio SGAE de Teatro 2013 y el XIV Premio SGAE de Teatro Infantil 2012. Ambos galardones están dotados con un premio en metálico de 8.000 euros, la publicación de la obra por la Fundación Autor y su representación en el Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas.
El concurso está abierto a todos los autores socios de la SGAE. Las obras presentadas deben ser originales e inéditas, no estrenadas ni premiadas en ningún otro concurso. Los originales deben presentarse en soporte digital CD en sobre cerrado más plica. Los originales deberán remitirse a través de correo certificado o entregarse en mano/mensajería en Fundación Autor (c/ Bárbara de Braganza, 7 – Madrid) o en cualquiera de las delegaciones generales de la SGAE, antes del 30 de junio de 2013. La ficha de inscripción y las bases de esta edición del Premio SGAE de Teatro y del Premio SGAE de Teatro Infantil ya están disponibles se pueden descargar desde esta página.
El Jurado estará integrado por dramaturgos de reconocido prestigio designados por la Fundación Autor. El fallo de ambos premios se hará público antes del 21 de diciembre de 2013.
Más info en: http://www.fundacionautor.org

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DOS PALMAS – ARNOLD TARABORRELLI

 

 

 

 

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Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España

La Fundación Autor presenta la ‘Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España’, editada por el Instituto Autor de la SGAE
àEl manual tiene como finalidad orientar a los profesionales del sector teatral en la puesta en marcha de sus proyectos

La Fundación Autor de la SGAE ha presentado en el Salón Internacional del Libro Teatral que acoge Mercartes, en Sevilla, la primera Guía legal y financiera de las Artes Escénicas en España. El presidente de la Fundación Autor, Antonio Onetti, el productor teatral Jesús Cimarro y el comisario de Mercartes 2012, Jaume Colomer, han dado a conocer el manual, una práctica herramienta para la puesta en marcha de los proyectos de los profesionales de las Artes Escénicas, que acaba de publicar el Instituto Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE). La obra ofrece, en un formato muy accesible, información sobre la estructura y las tendencias del sector teatral, el marco jurídico en el que se desarrolla y los modelos de financiación existentes. La vocación del manual es la de convertirse en un instrumento imprescindible de consulta y asesoramiento sobre el marco legal y financiero de las artes escénicas, que oriente a los autores, productores y técnicos sobre los pasos a dar para concretar sus planes. Jesús Cimarro firma el prólogo.
La guía contiene una selección de las normas jurídicas aplicables a las artes escénicas y una recopilación de las ayudas públicas de ámbito autonómico, estatal, europeo e internacional. Asimismo, se ilustran las figuras de financiación utilizadas tradicionalmente, emergentes o desconocidas en nuestro entorno, con una explicación de cada una de ellas y una relación de la normativa que las regula. El recorrido va desde los créditos bancarios hasta el mecenazgo, el patrocinio y la fórmula del crowdfunding, pasando por las redes de business angels, el capital semilla y los préstamos participativos.

Sinopsis
El contenido de la Guía se divide en tres bloques:
1) el análisis de la situación actual y de las tendencias del sector

El primer capítulo comienza con una descripción del sector en la actualidad y sus tendencias tras las recientes décadas y, en particular, tras los últimos años marcados por la crisis económica. Se analiza la evolución hacia un sistema de responsabilidad mixta en el que la iniciativa privada se ha centrado en la creación y producción de contenidos, así como en la gestión de espacios escénicos en las grandes ciudades, mientras que la iniciativa pública ha asumido la gestión y financiación del sistema de exhibición en el resto del territorio. El análisis va acompañado de datos estadísticos, gráficos y tablas, así como de análisis y valoraciones realizados por reconocidos especialistas y entidades representativas de los distintos ámbitos funcionales. A raíz de la evolución de las últimas décadas, se dibujan estrategias para el desarrollo industrial de las artes escénicas, adoptando modelos e instrumentos que se han mostrado efectivos en otros sectores de actividad.
2) el análisis del marco jurídico de las artes escénicas

El segundo capítulo da cuenta de las bases jurídicas y doctrinales de las Artes Escénicas. A continuación, contiene una imprescindible recopilación de las principales normas aplicables a este sector, tanto generales como específicas, estatales y autonómicas. La herramienta es de gran utilidad, ya que da a los lectores una panorámica sistemática de la normativa que es útil conocer, clasificada por disciplinas (normativa mercantil, fiscal, laboral, de la seguridad social, de propiedad intelectual, sobre protección de datos, etc.). Un último apartado se centra en la gestión de licencias sobre derechos de la propiedad intelectual.
3) la exploración de modelos y fuentes de financiación

La segunda parte del manual se centra en la financiación de las artes escénicas y en las ayudas públicas a la producción y a la distribución. El tercer capítulo aporta elementos metodológicos para la planificación financiera de los proyectos escénicos, añadiendo una descripción de los principales tipos de recursos disponibles, tanto los tradicionales como los innovadores. El cuarto y último capítulo contienen una recopilación de las principales ayudas públicas vigentes en España a nivel autonómico o estatal: las subvenciones, las ayudas reintegrables, los premios y las becas. Incluye también una recopilación de los programas europeos e internacionales destinados al fomento de la cultura a los que pueden acceder las organizaciones escénicas. Cada referencia contiene información básica que permite a cada profesional discriminar el potencial interés de la convocatoria y, en caso afirmativo, acceder a ella a través del link que lleva a su portal corporativo o a la página concreta donde está publicada.
Al final se incluye un pequeño glosario de conceptos básicos utilizados de forma recurrente en la guía como matriz conceptual para facilitar una mejor comprensión de los contenidos expuestos, así como una recopilación bibliográfica de las obras citadas a lo largo del texto.

Elaboración de la ‘Guía’
La Guía ha sido elaborada por especialistas conocedores del sector de las artes escénicas, tanto sobre el plano legal como sobre el empresarial. El proyecto ha sido desarrollado por Jaume Colomer Vallicrosa, profesor asociado del Departamento de Teoría e Historia de la Educación de la Universidad de Barcelona, y coordinado por el Instituto Autor. Jaume es autor de diversas publicaciones sobre cultura y educación, y colaborador habitual de la revista Artez.
El manual es el segundo de una serie de textos jurídicos prácticos dedicados a las distintas ramas de la industria cultural que el Instituto Autor ha comenzado a publicar en el 2011 con la Guía legal de la financiación del Cine en España.
Más info en: http://www.institutoautor.org

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