“De pelo y pluma”. Homero Rodríguez Soriano. Teatro Triángulo Festival VISIBLE
“Últimos días de una puta libertaria”. César López Llera. Teatro Triángulo. Festival VISIBLE
“No somos ángeles”. Baraka. Sala Cuarta Pared
“Viejos Tiempos”.Harold Pinter. Teatro Español – Sala II
“Soap, the show”.Teatro CALDERÓN – The Hole
Teatro CALDERÓN – The Hole
“Soap, the show”
Dirección: Markus Pabst y Maximilian Ramback
El teatro Calderón lleva un tiempo transformando su imagen y programación, esta temporada se estrenó allí The Hole que ha marcando un cambio significativo en los seres que han poblado el escenario del teatro…Han desaparecido las vedetes y las plumas rancias y su lugar ha sido ocupado por acróbatas y transformers; un paisaje nuevo se ha creado en la noche de Madrid. Tras la primera temporada de éxito con esta nueva línea de programación, aprovechando el paréntesis veraniego, ha aterrizado en este singular agujero, una nueva propuesta, SOAP, the show, un espectáculo refrescante para estas fechas de tórrido calor…Todo transcurre alrededor o dentro de siete bañeras, cualquier disparate o momento poético puede surgir del agua contenida en estos elementos…Un montaje diferente a los que vemos habitualmente, en él se permiten mezclar materiales como canto lírico y contorsionismo…clown y acrobacias aéreas… Un verano al fresco que podrán disfrutar los que estén en la ciudad durante los meses de julio y agosto.
Ignacio Sánchez
“La Bujía y el ojal”. Rebeldías mínimas.FESTIVAL VISIBLE Sala DT Espacio Escénico.
FESTIVAL VISIBLE
Sala DT Espacio Escénico.
“La Bujía y el ojal”
Compañía: Rebeldías mínimas
Creación e interpretación: Ignacio Repetto y Anna Mezz
Nuestro sexo biológico nos ha marcado. Nos define y nos definen corporalmente. ¿Se puede superar esta demarcación? Mediante coreografías frescas, étnicas, extrovertidas Rebeldías Mínimas nos intenta demostrar que es posible reinventarse y romper los cánones tal y como muchas veces ha hecho el colectivo LGTB. Una visión crítica sobre los chicos y el futbol, sobre cómo lucir un bolso o sobre cómo bailar nos demuestra que todavía existen ámbitos por explorar en la danza para reivindicar la diferencia. Ignacio Repetto sobresale en este tándem por su adaptación al los ritmos tribales y étnicos con una expresividad que nos imprime fuerza y alegría, que falta nos hace.
Luis Mª García Grande.
“Black Out”. Juan Gómez y Juanma Carrillo. Sala DT – Festival VISIBLE
“El amor brujo”.Rojas y Rodríguez, Lola Greco, Antonio Canales, Chevi Muraday, Gemma Morado.-Festival de Verano-
Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial
Festival de Verano
“El amor brujo”
Música: Manuel de Falla
Libreto: Gregorio Martínez Sierra
Coreografía: Rojas y Rodríguez, Lola Greco, Antonio Canales, Chevi Muraday, Gemma Morado.
Dirección de Escena: Marta Carrasco
El amor brujo es una obra maestra que siempre sobrevivirá a cualquier tratamiento que se haga sobre ella. En esta ocasión, la Compañía Rojas & Rodríguez han querido celebrar los diez años de su existencia con un espectáculo en el que se han acompañado de otros profesionales, dando así un paso adelante en esa visión personal que tienen a la hora de idear su repertorio. Además de un libreto y música geniales han contado con unos compañeros de escena de excepción…Lola Greco, Antonio Canales, Chevi Muraday y Gemma Morado. La suma de todo este talento genera un inquietante cocktail que por momentos eleva a la música de Falla y el cante de Rocío Bazán a niveles sublimes; lástima que por momentos la escena queda sumida en oscuridad y pérdida de ritmo. A pesar de esto, bienvenidas sean este tipo de celebraciones cuando lo habitual es retomar un espectáculo ya hecho con el que conmemorar y festejar, aquí se han tomado muy en serio la ocasión para intentar dar lo mejor de ellos a su público.
Adolfo Simón
“Una noche con Kilyán”. Compañía Nacional de Danza. Teatro de la Zarzuela
Teatro de la Zarzuela
“Una noche con Kilyán”
Compañía Nacional de Danza
José Carlos Martínez, director actual de la CND ha apostado por la seguridad y la continuidad eligiendo tres obras de Jiri Kilyán, coreógrafo checo considerado pieza clave de la danza contemporánea. Comenzando con Sleepless, una pieza clave de Kilyán por ser puente en su carrera que homenajea al pintor Lucio Fontana, autor de el Manifiesto Blanco, en el cual sotiene «La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte» La velada prometía viendo a los bailarines salir a través de las heridas producidas en un imaginario lienzo pero ya en esta obra se notaba que faltaba algo. A pesar de que Petite Mort es una obra maravillosa, llena de poesía y algo de sarcasmo que evoca la energía y sexualidad con obras de Mozart faltó una mayor técnica y rigurosidad a la hora de ejecutarla lo que hizo perder parte de lo que Kilyán nos quería transmitir.
Sin duda la CND debe esforzarse más para llegar al nivel que había alcanzado con Nacho Duato en los anteriores tiempos y es una pena que en esta nueva etapa, no sabemos si debido a recortes o a malas elecciones, se haya perdido esa virtuosidad.
Luis Mª García Grande.
“Presencias”. Benja de la Rosa. LA CASA DE LA PORTERA
y unos personajes base que tuvieron relación directa con esa vivienda y otros que aparecen y desaparecen dependiendo del día… Esta fórmula dramatúrgica es interesante, se puede repetir como público porque nunca se encontrarán las mismas historias. La propuesta se basa en la idea de un reportaje que se realiza en este lugar para desvelar las presencias allí atrapadas, al estilo de esos programas que indagan sobre lo paranormal. Y esa investigación, permite que en una sesión aparezcan los propios del lugar y en otra se sumen seres inesperados, dando así agilidad y variedad en las biografías de los personajes. Alrededor de ese rompecabezas dramático, se establece un juego con el espacio estructurado por los actores que participan en todas las representaciones; no obstante, siempre dejan un hueco para una presencia más, para que se cuelen las colaboraciones puntuales. Las presencias recorren todos los rincones de La casa de la portera, trasladando al público de un lugar u otro, al encuentro de la siguiente aparición. Poco a poco se van desvelando las historias tragicómicas de estos personajes a través de monólogos, a partes iguales entre disparate y melodrama, algo que hace muy bien Secun de la Rosa. Cuando entramos hay un momento en que parece que la cosa va a ir de sustos pero conforme transcurre la propuesta, nos relajamos gracias a la cercanía y humanidad de estos queridos suicidas…Al final, salimos de nuevo al mundo con una sonrisa, sabiendo que en la calle Abades dormirán tranquilas, esa noche, las presencias del pasado.“Identities Project”. Catherine Allard, Mariko Aoyama, Susan Kempster, Hilde Koch y Mónica Runde. Centro de Arte Fernán Gómez Ciclo Danza en la Villa
“Amanecí con ganas de morirme”. La Mordaza Teatro. La Usina
Shalosh 2012. Sharon Fridman. Centro de Arte Fernán Gómez.
Centro de Arte Fernán Gómez – Sala II
Ciclo Danza en la Villa
“Shalosh 2012”
Compañía: Sharon Fridman
Coreografías: Sharon Fridman y Silvia Gribaudi
Este espectáculo es un tríptico que consta de tres propuestas, ¿Hasta dónde…?, A corpo Libero(free style) e In to it. Tres piezas que aparentemente no tiene nada que ver entre sí, pero algo, un hilo fino, las atraviesa…La leve frontera que hay entre un estado corporal y las emociones que se instalan en él. ¿Qué ocurre cuando un cuerpo se desdibuja y empieza a desestructurarse?… ¿Al final quién baila?…Muchas veces la propia masa muscular… ¿Y qué pasa cuando un cuerpo pierde gravedad y otro trata de sujetarle?… ¿Qué uno contagia al otro y terminan descomponiéndose los dos hasta el frenesí?…¿La calma atrae la violencia en los cuerpos?…Todas estas preguntas me surgían mientras transcurría el espectáculo…Una propuesta en proceso que por momentos llega a una definición e intensidad que muchas otras quisieran cuando ya consideran que han cubierto el proceso de creación.
Ignacio Sánchez
“Miserias domésticas”. Mariano Rochman. Teatro Lagrada
“Poppea e Nerone». Teatro Real. Sylvain Cambreling
Teatro Real
“Poppea e Nerone”
Dirección Musical: Sylvain Cambreling
Dirección Escénica: Krzysztof Szczesniak
Este espléndido montaje, ajeno a la ópera de Poppea e Nerone sería un placer para los sentidos si transcurriese con otra música de fondo. El director de escena crea un universo estético fascinante a medio camino entre La caída de los dioses y el universo de la factoría de Warhold, no hay ni un instante en las cuatro horas y pico que dura la función en el que no haya algo inquietante o sorprendente en la propuesta escénica, a veces en dos planos simultáneos. Es verdad que hay un exceso de provocación sexual que muchas veces peca de gratuidad y eclipsa la esencia de la situación creada. Pero, la cuestión es que no íbamos a ver una creación propia de Krzysztof Szczesniak si no la puesta en escena que acompañase y completase el texto y música de Poppea e Nerone. No hay un solo momento en que confluyan la ópera con la propuesta escénica y aún así, la orquesta y los cantantes, apuestan por esta idea y la defienden al máximo, con una generosidad y entrega inaudita. Lástima de la inutilidad de tanto esfuerzo…Al final pensé que me hubiera gustado cerrar los ojos y oír las esplendidas voces y a la maravillosa orquesta dirigida por Sylvain Cambreling. O tal vez sería interesante ver el montaje del director en una grabación muda, seguro que también resultaba, por si misma, interesante.
Adolfo Simón
“Cuando fuimos dos”. Escrita y dirigida por Fernando J. López. FESTIVAL VISIBLE Sala Triángulo
FESTIVAL VISIBLE
Sala Triángulo
“Cuando fuimos dos”
Escrita y dirigida por Fernando J. López.
Enmarcada dentro del festival VISIBLE, esta obra pretende demostrar que gays y lesbianas son “iguales” al resto de parejas heterosexuales, que bien se podría sustituir a Eloy y César por Pepa y Pepe y no pasaría nada ya que de lo que se está hablando es de relaciones. Pero ¿Es esto lo que quiere demostrar VISIBLE?
“Cuando fuimos…” nos muestra situaciones cotidianas de una pareja gay al estilo de una hetero, estereotipos que se han creado, personajes prototipo… ¿Acaso no se hace este festival para dar visibilidad a otro tipo de relaciones, de situaciones, de retos que aún tienen que superar gays, lesbianas, bisexuales o transexuales? ¿Porqué una pareja de chicos guapos, jóvenes uno más femenino, otro más masculino que a toda suegra les gustaría tener por yernos cuando hay otras muchas clases de relaciones? Esa es la pregunta que surge cuando acabas de ver la obra.
Con una escenografía estática y basada en cambios de luz, los cubos que la componen podrían utilizarse mejor creando los diferentes ambientes donde esa paraeja va a convivir. El texto, adpatado a nuestra realidad 2.0, seguramente en unos años se quedará obsoleto y habrá que reescribirlo según avance la tecnología.
Aún así, «Cuando fuimos dos» es una pobra sencilla, educativa en ciertos ámbitos (que creo que eso es lo que pretende el autor), exportable a institutos y ámbito educativo para introducir el tema de la homosexualidad y que introduce preguntas al público y le hace recordar determinadas situaciones que ha vivido. Se nota, pues, que el autor se ha preocupado por ese ámbito, lo conoce muy bien y lo domina. Sin embargo no es una obra que haya de enmarcarse en VISIBLE desde mi punto de vista.
Desde los años setenta el colectivo, que se ha dado en llamar, LGTB ha venido reivindicando otras formas de amar, otra clase de relaciones, otra manera de ver la vida y lo ha hecho con propuestas revolucionarias, impactantes, de esas que se recuerdan. Yo no creo que recuerde en menos de dos semanas de qué iba esta obra pero no descarto que algún adolescente quede fascinado con este tipo de relación… demasiado idílica y “normal”.
Luis Mª García Grande.
“Bastard”. Duda Paiva. CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL Muestra de Titirimundi
CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL.
Muestra de Titirimundi
“Bastard”
Compañía: Duda Paiva
Dirección y coreografía: Duda Paiva
¿Qué hace una anciana sin piernas en escena hablando de su pasado de bailarina clásica?¿Por qué busca a su gato Rumba?… ¿En qué sueño se ha colado el protagonista de esta historia de tiernos monstruos?…Hay preguntas que no tienen respuesta…Titirimundi siempre es una sorpresa, pero la propuesta que ha cerrado el ciclo de extensión a Madrid del festival segoviano, ha sido mucho más…Nos ha permitido ver una delicia de trabajo de muñecos y danza poco habitual en nuestros escenarios…Duda Paiva hace virtuosismo de manipulación y movimiento en Bastard. Crea con su cuerpo y su voz un sinfín de personajes y situaciones…Y la magia de la escena, permite que La vieja bailarina recupere sus piernas (las del propio bailarín) para hacer un número de cabaret exquisito…Solo en los sueños y con una banda sonora decadente se puede viajar por mundos tan fascinantes.
Simón Ribes
“Yo bailo, y eso también es una casualidad”. Carmelo Fernández. CASA ENCENDIDA. Ciclo In-Presentable
CASA ENCENDIDA.
Ciclo In-Presentable
“Yo bailo, y eso también es una casualidad”
Compañía: Carmelo Fernández
Coreografía: Carmelo Fernández
Los flamencos dicen que no hay que buscar al duende, que si llega, bienvenido sea… Carmelo Fernández no se plantea la aparición del duende, nos muestra el momento anterior incluso de la llegada del público…¿Qué pasa cuando el artista tiene pánico escénico o descubre su sombra reflejada en la pared?…¿O qué estado le aparece en el cuerpo cuando suena una canción lejana o ante la risa del otro?…Probar perspectivas en el espacio, ángulos de luz o tantear la potencia o fragilidad muscular son líneas que hay que escribir para llegar a componer movimientos personales… Y ahí, en medio del trabajo…a veces, aparece el duende y llega el oscuro.
Ignacio Sánchez
“Rise & fall”. Kinkaleri.CASA ENCENDIDA Ciclo In-presentable
CASA ENCENDIDA
Ciclo In-presentable
“Rise & fall”
Proyecto y realización: Kinkaleri
Performer: Marco Mazzoni
¿Quién dice que para hacer un musical hace falta cientos de miles de euros?¿Quién piensa que sin un cuerpo de baile y un gran número de cantantes no se puede hacer un espectáculo musical?¿Quién está de acuerdo con que menos es más…si hay talento?…La respuesta está en la pieza Rise & fall que ha presentado el colectivo Kinkaleri en la décima edición de In-presentable de Casa Encendida. Marco Mazzoni, saca de su mochila un montón de juguetes de muy diferentes procedencias, unos folios con anotaciones y dispone todo ello en una mesa larga, con luz de sala, sin trampa ni cartón, todo a la vista del espectador… ¿Qué nos espera?… Nadie podíamos imaginar que Marco se desdoblaría en todos los personajes de la obra de Mahahony…Si Bertold Brecht hubiese visto este disparate maravilloso seguro que habría pensado que su obra, además de hacer reflexionar, podía ser la delicia de quién estuviese delante de los malabarismos que realizó este actor…canta, baila, hace mil voces y recorre la historia; sintetizada al máximo, dejando lo esencial para que los muñequitos que va manejando sobre la mesa, nos devuelvan al placer de la infancia, cuando una caja de cartón tirada por un hilo era un coche teledirigido.
ADOLFO SIMÓN
“Danza de Primera” Premiados de Certámenes de Coreografía e Interpretación. DANZA EN LA VILLA Teatro Fernán Gómez
DANZA EN LA VILLA Teatro Fernán Gómez
“Danza de Primera” Premiados de Certámenes de Coreografía e Interpretación
Dirección artística y coordinación general Raúl Cárdenes Henríquez
Todo un elenco de ganadores se presentó en Danza de Primera. Un mix de estilos que intentan trasladarnos lo mejor de los nuevos que se dedican a la Danza en este momento. El nivel de la exhibición ha sido bastante bueno pero algunos casos no eran merecedores de estar en esta selección. Para no herir sensibilidades hablaremos de los más destacados.
Una de las figuras más destacadas y que sorprendió gratamente fue Miryam Mariblanca con “Gare du Midi” Una obra muy contemporánea y llena de matices coreográficos muy bien trazados que tiene un carácter claramente emocional, creada por ella misma, que hizo mantener la tensión del público de manera sobresaliente. La obra habla de la soledad, del abandono, del desengaño y del desamor.También destacó Lorena Zataraín con “Muerte del cisne” y “Afilando el cuerpo” interpretando las coreografías de Juan Carlos Santamaría y Fran González respectivamente. Lorena sabe aportar un aire muy especial a sus interpretaciones y diferenciarse con su movimiento, teniendo ya una personalidad muy marcada que le vendrá muy bien en su carrera.
Por último disfrutamos de la Familia Martín Oya-Jovanovic con “Por ti” como guinda final de la gala para dejarnos un buen sabor de boca.
Luis Mª García Grande.
“El rumor analógico de las cosas”.Fernanda Orazi.Sala CUARTA PARED
Sala CUARTA PARED
“El rumor analógico de las cosas”
Autoría y dirección: Fernanda Orazi
Diez actores en busca de obra, así podría también llamarse esta propuesta de teatro despojado que Fernanda Orazi ha mostrado en la Sala Cuarta Pared. Cada vez, el público, tiene más curiosidad por saber cómo es la cocina de los espectáculos que ve; asiste a ensayos previos a los estrenos o acude a encuentros tras el estreno, para empaparse del proceso de creación de un personaje o espectáculo, les interesa de igual modo si el montaje es a partir de un texto o una experiencia colectiva. Aquí, en El rumor analógico de las cosas, asistimos a un juego pirandelliano en el cual, cuál voyeurs, contemplamos la autopsia del cuerpo de la creación y los juegos que los propician. Hay momentos en que se superponen situaciones que generan un extrañamiento interesante, cuando menos fuerza tiene la propuesta es cuando parece que estamos exactamente en una sala de ensayos en vez de en un teatro… Al final del espectáculo, se generó una atmósfera intensa y desordenada, que enlazaba con la potente primera imagen, aquella en la que parecía que los intérpretes creadores señalaban líneas en el espacio, como marcando los caminos de donde provendría la materia con la que se construyen los sueños…Sería bueno ver cómo seguiría el montaje tras la escena final.
ADOLFO SIMÓN
“Bach y Parabelo”.CORPO. TEATROS del CANAL
TEATROS del CANAL
“Bach y Parabelo”
Compañía: CORPO
Dirección artística: Paulo Pederneiras
Coreografía: Rodrigo Pederneiras
Si las esculturas griegas bailasen, estas serían los integrantes de la Compañía Corpo de Brasil. En los primeros momentos del espectáculo, hay un cierto desconcierto… Sobre la música tratada contemporáneamente de Bach, unos cuerpos se descuelgan de las barras de focos, parecía como si seres de otro mundo se colasen en el nuestro para mostrarnos la belleza de ritmos precisos e intensos. La primera pieza transcurre bajo un bosque metálico invertido, los bailarines componen y descomponen formas con una fuerza y exaltación impactantes. En el final de la primera parte, como cierre del círculo, unos cuerpos quedan atrapados en ese bosque, suspendidos…como si volviesen al lugar de origen. La segunda pieza, tras el descanso, tiene como fondo del escenario unas presencias que parecen invocar al cuerpo de baile para que construyan juegos rítmicos más populares, la música de Parabelo acompaña de manera grácil y sutil los dibujos corporales que se van desarrollando en escena. Dos piezas compactas desde el punto de vista de gran danza, aunque la primera dejaba el listón muy alto para la llegada de la segunda del programa.
ADOLFO SIMÓN
“Extremo Jondo”. La Moneta.SUMA FLAMENCA. Teatros del Canal
SUMA FLAMENCA.
Teatros del Canal
“Extremo Jondo”
Compañía: La Moneta
“La Moneta” representa el flamenco más tradicional y sentido en este festival de Suma Flamenca. Sale como un torbellino de fuerza al que no hace falta siquiera un zapateado para embrujarnos desde el primer minuto pues con su mirada nos basta para saber el espectáculo que vamos a ver. Partiendo de la herencia de bailaores que le han precedido y buscando en su interior, Fuensanta recrea los distintos “palos” del flamenco a su manera, teniendo un quejío flamenco como motivación y conservando la estética de grandes bailaoras de su género, aún así el flamenco bailado por la moneta deja sentir unos aires frescos de renovación y contemporaneidad. El aire de su mantón, que muchas veces parece volar solo debido a la fuerza y poderío con la que lo maneja, podría ser envidiado por la mismísima Lola Flores.
Luis Mª García Grande.
“Peep Box”. Mey-ling Bisogno.TEATRO FERNÁN GÓMEZ
TEATRO FERNÁN GÓMEZ
“Peep Box”
Compañía: Mey-ling Bisogno
Coreografía y dirección:
No me gusta leer el programa de mano antes de la función, no me gusta que me digan lo que voy a ver y menos quién es el asesino. Prefiero abandonarme a la representación y tratar de descubrir lo que el artista ha querido transmitirme. Con la nueva creación de Mey-ling tuve una sensación muy concreta en la primera imagen de su montaje, la de que los personajes se encontraban por primera vez y que se desconocían…No siempre es fácil reconocer situaciones en la danza contemporánea, aquí estaba claro… Después, en las sucesivas coreografías se pasaba de relaciones de lucha a situaciones de juego…Todas suspendidas en un espacio acotado y opresivo… La música repetitiva y esos diálogos físicos en bucle me sumergían por momentos en un no tiempo-no lugar. La última imagen, como la primera, clara y definida…Un grupo frente al individuo que ha de elegir entre sucumbir o huir…Cerraba el círculo perfectamente. Y en ese momento pensé en A puerta cerrada de Sartre…Volviendo a casa, ojeo el folleto y encuentro que una de las guías de este trabajo ha sido el texto El ser y la nada de Jean-Paul Sartre… Seguramente, la situación donde el infierno son los otros, se coló en el proceso de trabajo.
ADOLFO SIMÓN
Que Revienten los Artistas 
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