“Tránsito”.Marco Flores. SUMA FLAMENCA Teatros del Canal
SUMA FLAMENCA
Teatros del Canal
“Tránsito”
Compañía: Marco Flores
Nada tiene que ver el baile de Marco Flores con el de “La Moneta” en el programa doble que pudimos ver en los Teatros del Canal dentro de Suma Flamenca. Marco nos introduce en la ciudad, en su ruido, en sus gentes, en la modernidad por la que se mueve el flamenco dentro de la gran ciudad mezclándose con las nuevas tendencias, con la contemporaneidad y con el jazz. Marco ha sabido sacar partido del flamenco tradicional, con una muy buena técnica y una chispita de humor y guasa gitana para crear una pequeña obra en la que muestra sus raíces y sus influencias. Mercedes Cortés, al cante, nos ayuda a pensar en un nuevo flamenco cuando la vemos salir con unas rastas rubias e interpretar con cierta poesía lo que intenta transmitirnos el bailaor. Busca en el pasado, lo revista y transita hacia un futuro baile para intentar buscar una identidad artística, para diferenciarse de lo que hay hasta ahora en este mundillo. Todavía le queda un camino por recorrer para afianzarse un poco más y para acabar de llegar a un público que, muchas veces, mira con cierto miedo hacia ese futuro flamenco.
Luis Mª García Grande.
Adalí. Aída Gómez. Teatros del Canal. SUMA FLAMENCA
SUMA FLAMENCA
Teatros del Canal
“Adalí”
Compañía: Aída Gómez
Aída Gómez estrena este espectáculo para Suma Flamenca con una apuesta por la sencillez, la intimidad y el minimalismo en la danza española y el flamenco. A primera vista puede sonar aburrido y manido pero no es así. Nos vuelve a sorprender desde el principio del espectáculo envuelta en una gran tela roja que ocupa todo el escenario . Parece que todo va a girar en torno a telas envoltorios pero de repente se desnuda de todo adorno para enseñarnos la perfección de su cuerpo y su baile. Sin adornos. Pura. Nos consigue envolver constantemente con su actitud, con su espíritu y, por supuesto, con su depurada técnica. Intachable. Consigue empastar varias tendencias en un solo espectáculo que carece de hilo conductor, al contrario que su “Carmen” de hace unos años, y sale victoriosa. Le acompañan solamente dos personas al baile: Eduardo Guerrero y Christian Lozano. No hay más compañía salvo su orquesta a cuyo frente está Juan Parrilla y ni falta que hace ¿Quién ha dicho que la escuela bolera no se puede modernizar y aparecer contemporánea y actual? Una malla negra y unas castañuelas es todo lo que necesita Aída para demostrarlo después de tirar el mantón al suelo. Contando con la colaboración especial de Javier Elorrieta nos traslada a París de repente haciéndonos ver que Ne me quitte pas también tiene un toque español y con carácter.Ni el fotógrafo más ávido puede encontrar ni un solo momento sin estética ni posición adecuada. Todo muy cuidado, como siempre. Aún así, y para los más puristas, se marca un trío de alegrías al estilo más clásico, con bata de cola incluida, que les deja satisfechos y pletóricos.
Luis Mª García Grande.
“Nuestra Señora de las Nubes”. Arístides Vargas.SALA TRIÁNGULO.
SALA TRIÁNGULO
“Nuestra Señora de las Nubes”
Autor: Arístides Vargas
Dirección: Balbino Lacosta
Las nubes son el único país que pertenece a todos, allí, las leyes del mundo no sirven, todo se rige por otros códigos. En las azoteas, cuando la ropa se seca al sol, correr y jugar entre las sábanas permite a los niños que crean en un universo diferente donde la sorpresa de encontrar a la abuela bañándose de rayos de luna es posible. La metáfora espacial de Nuestra Señora de las Nubes está clara…Un escenario lleno de nubes colgadas, esperando que entre sus calles de algodón aparezcan personajes exiliados de la realidad que vivimos día a día…Puede haber exilio por ideas, por afectos, por sangre…por muchas razones. En este trabajo teatral donde un espléndido texto poético escrito por Arístides Vargas, cargado de realismo mágico y salpimentado de toques absurdos… Todo transcurre con fragilidad, como en un sueño o en el duermevela que nos llega, acurrucados bajo la luna…Y esa suavidad permite que ocurran cosas terribles, como que la memoria nos traicione o que empujemos al abismo a quien queremos porque solo hay lugar para uno. Un texto difícil que por momentos es demasiado abstracto, que aquí, gracias a la puesta sencilla y a unos actores entregados en cuerpo y alma, se vuelve transparente para el espectador. Esta producción, realizada con el esfuerzo personal de todo el equipo, devuelve la confianza en los cómicos.
ADOLFO SIMÓN
“Angels in América”. Tony Kushner. Teatro Dell´Elfo. TEATROS DEL CANAL
“Angels in América”
Autor: Tony Kushner
Compañía: Teatro Dell´Elfo
Dirección: Ferdinando Bruni y Elio de Capitani
Tony Kushner, al escribir Angels in América, no solo creó la gran obra sobre el sida si no que hizo una radiografía de la sociedad norte americana antes del nuevo milenio. Buceó en la historia de los Estados Unidos a través del efecto creado allí por el cruce de múltiples religiones; en un mundo movido por el dinero y el poder. En España se ha podido ver pocas veces este texto en escena, hay que recordar la espléndida puesta en escena que hizo Josep María Flotats para inaugurar el Teatre Nacional de Catalunya… La metáfora escénica que eligió, sobre la que transcurría toda la obra…Un gigantesco cementerio judío, daba una dimensión escalofriante al texto de Kushner. La Compañía italiana, Teatro Dell´Elfo al frente de la cual está Ferdinando Bruni y Elio Capitani, ha presentado su lectura de la obra en Los Teatros del Canal de Madrid; ellos han apostado por un fondo básico de teatro, en blanco, sobre el que se proyectan audiovisuales que dan dimensión plástica al montaje, el resto de la obra se sitúa en momentos escénicos a la italiana, dispuestos en diferentes ángulos de la escena y con pocos elementos escenográficos. De este modo, el apoyo sobre el que se basa la propuesta está en la entrega de los actores, constantemente juegan en escena las distintas situaciones planteadas por la obra, cambiando de emoción en cuestión de segundos. Un dato curioso a tener en cuenta es el intento, desde la dirección, por extraer momentos de comicidad del texto, difícil de imaginar en una primera lectura de la obra, ya que, Angels in América, ha sido considerada la primera gran tragedia del nuevo milenio.
ADOLFO SIMÓN
“Iván-Off”. Antón Chejov. LA CASA DE LA PORTERA
Versión y dirección: José Martret
ADOLFO SIMÓN
“Mundos posibles”. Kubik Fabrik en coproducción con: Teatro de la Abadía, Teatro de Malta y Corazón de Vaca.Julián Fuentes.Jhon Mighton. KUBIK FABRIK
KUBIK FABRIK
Compañía: Kubik Fabrik en coproducción con: Teatro de la Abadía, Teatro de Malta y Corazón de Vaca.
“Mundos posibles”
Idea original: Jhon Mighton
Versión y dirección: Julián Fuentes
Tras su estreno en el Teatro de la Abadía se ha presentado en Kubik Fabrik el nuevo trabajo de dirección de Julián Fuentes… Mundos posibles, a partir de una idea de Jhon Mighton. La obra plantea la posibilidad de estar ocurriendo varios planos de existencia al mismo tiempo; algo tan complejo que muchas veces se ha abordado en la literatura y el cine pero pocas en teatro, aquí se realiza ante los ojos del espectador con una sencillez apabullante. No hace falta cambiar escenografías aparatosas para mostrarnos otros espacios de la realidad, ni hay que apoyar técnicamente la escena para que creamos que entramos en otras dimensiones. Solo es necesario cambiar signos pequeños y sutiles, un buen equipo de actores dispuestos a desdoblarse sin pestañear y un texto en el que los verbos temporales y físicos se cruzan ajustadamente. Con todo esto, Julián Fuentes realiza una propuesta sin fisuras para añadir a su interesante curriculum.
ADOLFO SIMÓN
“Peceras” Autor y director: Carlos Be. LA CASA DE LA PORTERA
“Peceras”
Autor y director: Carlos Be
Juegos peligrosos, juegos prohibidos…¿Quién no ha jugado de niño a policías y ladrones?…Liliana Cavani dirigió en los setenta una película en la que indagaba sobre la fascinación del ser humano por el sometimiento y el dolor, en ella, Dirck Bogarde y Charlotte Rampling daban vida a dos personajes que se travestían emocional y físicamente, cada madrugada, durante un interminable invierno, realizaron un rito brutal sobre la identidad…Todo ello transcurría durante largas noches, en la trastienda de la recepción de un hotel, donde el personaje de Bogarde era el portero de noche…En la casa de la portera, un espacio sugerente abierto en el corazón del barrio de Lavapiés de Madrid, decorado con sabor de otro tiempo y toques de modernidad, Carlos Be, premiado autor y director inquieto, ha presentado un nuevo texto; no sé si escrito por él, no queda claro si las palabras e imágenes han surgido de su imaginario o las ha construido sobre las baldosas de este lugar y dictadas al oído por los tres arriesgados actores que le acompañan en este viaje a la oscuridad del alma… Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde juegan con los convocados a allí a hacernos creer que ellos también son extraños en ese paraíso de astracán. Pero conforme avanzan los minutos, sin necesidad de justificarse de ninguna forma, los dos hombres se lanzan a invocarnos, en un primer espacio, a la primera partida de naipes…No sabemos todavía qué apostamos, lo descubriremos, cuando tras un oscuro, pasemos a otra habitación, allí nos estaba esperando una mujer suspendida en la pared y dispuesta a hacer realidad todas las fantasías de los hombres que hemos atravesado el umbral. Poco a poco iremos descubriendo que nada es lo que parece, que todo se puede comprar y vender…que en un mundo virtual como el que habitamos hay que recuperar el rito de la piel y la sangre. Durante una hora nos sumergimos en el tren de la bruja para encontrarnos frente a espejos deformes que nos devolverán lo peor de nosotros al vernos reflejados en ellos. Una aventura de la que no se hablará al salir a la calle, hay juegos que nunca se comparten.
ADOLFO SIMÓN
“Homenaje a las grandes figuras del s. XX” Compañía: Los Virtuosos.DANZA EN LA VILLA TEATRO FERNÁN GÓMEZ
DANZA EN LA VILLA
TEATRO FERNÁN GÓMEZ
“Homenaje a las grandes figuras del s. XX”
Compañía: Los Virtuosos.
La disciplina, el tesón, la energía y el carácter de los grandes maestros de la danza son los pilares fundamentales de este espectáculo que se nos antoja didáctico y fundamental a la hora de adentrarse en la danza o bien a la hora de disfrutar de lo ya conocido y visto. Sumergirse en este mundo mágico de disciplina y virtuosismo no es una tarea fácil pero una vez dentro se disfruta con un placer inigualable.
Dirección Artística: Martha García y Orlando Salgado
Esto es lo que querían transmitirnos “Los Virtuosos” dirigidos por Martha García y Orlando Salgado en Danza en la Villa y así lo han conseguido con creces. Lo que podría parecer un espectáculo fin de curso de una academia se crece para crear una mole unitaria de la historia de la danza del s. XX. Desde el clasicismo de coreografías de Petipa pasando por el modernismo de Isadora Duncan o la contemporaneidad de Pina Baush y Martha Graham asistimos a una unión coreográfica espectacular y bien ejecutada por grandes figuras y primeros bailarines bajo la atenta mirada de Terpsicore. La escenografía no es la mejor, hay que reconocerlo, pero se hace realmente innecesaria en cuanto que sale el primer bailarín al escenario ya que nuestra mirada solamente se va a centrar sobre él. Todo un espectáculo para nuestros ojos y almas que nos eleva el espíritu: fin fundamental de la danza pensada como arte.
Luis María García Grande
“El Inspector” de Nicolái Gógol. Versión y dirección: Miguel del Arco.CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL Teatro Valle Inclán
CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL
Teatro Valle Inclán
“El Inspector”
Autor: Nicolái Gógol
Versión y dirección: Miguel del Arco
¿Quién dice que no hay autores contemporáneos que hablen de nuestra realidad con inteligencia y humor?…Siempre el mismo prejuicio sobre los dramaturgos actuales…Han de morirse y llevar cien años criando malvas para que se les reverencie y respete. He estado viendo un espectáculo en el Teatro Valle Inclán llamado El Inspector y había un error en el programa de mano, decía que su autor era un tal Gógol, pero este señor lleva mucho tiempo muerto como para haber escrito un texto que habla exactamente sobre la realidad corrupta de los dirigentes de hoy en día en nuestro país; y a diferencia de lo que pasa en los diarios y juzgados, aquí se muestra tal como son las cosas a los ojos del espectador, a través de un humor esperpéntico e inteligente…Ay! La risa es lo que nos diferencia de los animales y es lo más complicado de conseguir en teatro, por mucho que siempre se valore más el drama. Aquí, los espectadores acompañan a los personajes y se ríen con ellos, sabiendo que les hará bien tomar distancia sobre lo que pasa fuera del teatro, en la vida.
ADOLFO SIMÓN
“¿Podemos hablar sobre esto?”.DV8 Physical Theatre.FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA Teatros del Canal
Teatros del Canal
“¿Podemos hablar sobre esto?”
Compañía: DV8 Physical Theatre
Coreografía: Lloyd Newson con los intérpretes.
Concepción y dirección: Lloyd Newson
DV8 siempre han abordado ideas y temas comprometidos, intentan que el lenguaje de la danza no merme la posibilidad de proponer discursos combativos desde la escena. En anteriores trabajos consiguieron emocionarnos con la grafía del movimiento combatiendo injusticias y desigualdades. En ¿Podemos hablar sobre esto? han querido abordar el tema de los fundamentalismos, para ello se han documentado ampliamente con entrevistas y audiovisuales. La función transcurre bajo una tensión poco habitual; para evitar problemas con algún asistente que no esté de acuerdo con el discurso que realizan, se avisa del cierre puntual de la sala y de que nadie que salga podrá volver a entrar. La pieza se inicia con una pregunta provocadora…¿Somos superiores a un fundamentalista?…Y piden a los asistentes que responda con la mano levantada…Este inicio provocador se diluye durante la obra por la cantidad abusiva de información que se nos hace llegar… Dicha por los bailarines, escrita en la escena, proyectada… Hay un momento en que se suceden y simultanean los casos y sus peculiaridades, ilustrados con movimientos. Salvo pocos momentos donde el cuerpo escribe con sus propios signos lo que hay tras la documentación, el resto está más cerca de un reportaje periodístico que el de una pieza de danza teatro.
ADOLFO SIMÓN
“Coma”. Autor: Pierre Guyotat. Dirección: Thierry Thieú Niang. Lectura: Patrice Chéreau.
FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
Teatro de La Abadía
“Coma”
Autor: Pierre Guyotat
Dirección: Thierry Thieú Niang
Lectura: Patrice Chéreau.
En el siglo pasado, cuando todavía existían las salas de arte y ensayo en el cine, vi una película que a día de hoy sigue revoloteando en mi memoria…la atmósfera, la historia, la interpretación…todo era tan teatral e inquietante que me atrapó de principio a fin…la película era El hombre herido y el culpable de aquel viaje inolvidable es Patrice Chéreau…Ha pasado mucho tiempo, para todos…Esto pensaba el pasado domingo cuando tenía a dos metros, en La Abadía, a este gran hombre de teatro… Apareció con los pies descalzos, tímidos, como cuando jugamos con el agua fría…con su cuerpo trazó líneas dramáticas en la escena…el temblor en su voz invadió el aire y la mirada vidriosa, de alguien que ha vivido mucho en los huesos y la piel de la vida se instaló en nuestros ojos…Ahí lo tenía, surcando las páginas de Coma, una caída emocional a los infiernos de la creación, para intentar volver a salir a flote, como el ave fénix y si no se consigue, paciencia. Con esta palabra terminó este extraño espectáculo y con este broche de oro se cerró el Festival de Otoño en Primavera de este año.
ADOLFO SIMÓN
“El camino solitario”. tg STAN. FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA.Teatros del Canal
FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
Teatros del Canal
“El camino solitario”
Compañía:
Autor: Arthur Schnitzler
Dirección: No hay.
Los integrantes de la compañía tg STAN hacen alarde de que su trabajo se realiza sin director de escena y que en esta obra queda muy claro su planteamiento de trabajo. El camino solitario es un texto interesante de Arthur Schnitzler que aquí, se convierte en una historia plana al no darle ningún tratamiento escénico; los actores se limitan a decir el texto de los personajes alternándose los intérpretes sin una razón lógica, algo que en cualquier proceso de creación que se precie, se hace como un ejercicio de búsqueda, aquí, se convierte en el resultado escénico final.
Ignacio Sánchez
“Concierto para bebés”.Compañía: Musicalmente.ROMPIENDO EL CASCARÓN. Centro de Arte Fernán Gómez
ROMPIENDO EL CASCARÓN
Centro de Arte Fernán Gómez
“Concierto para bebés”
Compañía: Musicalmente
Director: Paulo Lameiro
Hay propuestas escénicas que se presentan como si fuesen la suma de muchos lenguajes y cuando uno los ve, apenas percibe uno…Y hay trabajos a partir de la música que anunciados como concierto se corre el riesgo de que solo acuda público interesado en lo musical. Este sería el caso del rico trabajo presentado por la compañía portuguesa Musicalmente como colofón del ciclo Rompiendo el cascarón. El título de Concierto para bebés se queda corto porque en realidad asistimos a una gran suma de signos escénicos…Lumínicos, espaciales, vocales, musicales, interpretativos…Una delicia para estos pequeños espectadores que seguro, serán mejores personas cuando crezcan tras haber vivido la experiencia de tocar los sonidos.
Simón Ribes
“Alemania” de Ignacio Amestoy.Teatro de la Abadía.
FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
“This is the end”. CNAC-Circo Escuela Nacional Francia.TEATRO CIRCO PRICE
TEATRO CIRCO PRICE
Compañía: CNAC-Circo Escuela Nacional Francia
Autor: Cristián Soto
Dirección: David Bobee
Magritte creaba espacios de ensoñación donde los hombres quedaban suspendidos en el aire…Esta propuesta que ha llegado al Price desde el Circo Nacional de Francia contiene atmósferas donde se mezcla el rock rabioso y las pinturas del artista belga. Hay momentos donde el mundo está al revés y otros en los que el tiempo gira a contra reloj, para mostrarnos, paso a paso…¿Qué harían unos jóvenes funambulistas de hoy en día si solo les quedase cinco minutos de vida?…Amar, correr desnudos por las calles, hablar con una persona querida… Un espectáculo de circo nada convencional donde el teatro se cuela en cada secuencia para contarnos muchas emociones cruzadas, en cada silencio y en los temblores del alambre.
Adolfo Simón
«METÁFORA». BALLET FLAMENCO DE ANDALUCÍA.
DANZA EN LA VILLA.
TEATRO FERNÁN GÓMEZ
«METÁFORA»
COMPAÑÍA: BALLET FLAMENCO DE ANDALUCÍA. Instituto Andaluz de Flamenco
Dirección y coreografía: Rubén Olmo.
Después de su estreno en el Festival de Jerez en Febrero llegó a Madrid la primera de las creaciones de Rubén Olmo al frente del Ballet Flamenco de Andalucía, antes dirigido por Critina Hoyos.
Para este espectáculo, Olmo se ha inspirado para la obra en unos textos de Nietzsche, «que hablaban de la danza como una metáfora del pensamiento». Precisamente ese ha sido el punto de partida para la concepción de la producción del Ballet Flamenco de Andalucía, tanto para la escenografía, composición musical o la iluminación así como para el número de transición entre la ‘Suite Flamenca’ y ‘Metáfora.
La propuesta se desdobla en dos partes bien diferenciadas. En la primera se ofrecen retazos flamencos al estilo más tradicional y costumbrista. Una Suite Flamenca que desde el comienzo deja claro lo que vamos a ver: una técnica limpia, un resultado correcto pero una falta de emoción y transmisión de lo que es el espíritu flamenco. Solo cabe destacar la interpretación de las Alegrías de Coral a cargo de Pastora Galván, con un estilo único que demuestra que, aparte de dominar las alegrías, sabe transmitir el espíritu y la gracia de Cadiz, aderezada con unos magníficos mantones de Catiliana. Lamento tener que decir que los trajes del vestuario masculino parecían sacados de cualquier cadena de supermercados baratos, incluyendo el que lució el director en su solo.
La segunda parte «Metáfora», que no tiene nada que ver con la primera y que podría ser otro espectáculo completamente diferente, pretende ser un «homenaje» a la danza ¿flamenca?,tal y como dice el programa, dotándole de elegancia y dinamismo. Con esta propuesta quieren abarcar desde la escuela bolera al flamenco más contemporáneo, haciendo un tributo a personalidades como Ángel Pericet, Pilar López o Antonio.
‘Metáfora’ está concebida como «una alegoría de la vida» y pese a no tener argumento, según sostiene el coreógrafo sevillano, es un espectáculo que cuenta con «mucho argumento de danza, ya que aquí la danza se convierte en el impulso necesario para el cuerpo y la mente».
Con acordes que recuerdan y copian a Falla y Turina la Metáfora se va desarrollando destacando la coreografía e interpretación de Rocío Molina (Premio Nacional de Danza 2010) en Caminante con su particular y exquisita manera de interpretar el flamenco que hace que avivemos nuestra atención cuando introduce la parte más contemporánea en el tercer movimiento.
Un inicio de «Danza en la Villa» algo difuso y heterogéneo.
LUIS Mª GARCÍA
“Que sí que no” Compañía: Dramático Vegetale Autor y director: Pietro Fenati.
Simón Ribes
“La Chulapona” Música: Federico Moreno Torroba. Teatro de la Zarzuela
No me extraña que cuando llegan extranjeros a nuestro país y descubren la zarzuela se queden sorprendidos al comprobar que no hemos aprovechado mucho más nuestro género mal llamado chico. Si la ópera es la diosa de la escena, la zarzuela no es la criada. En muchas ocasiones, los libretos de la ópera son meras anécdotas que se alargan para acompañar la partitura musical; en la zarzuela, suele haber un gran equilibrio entre el libreto y la partitura, a menudo grandes autores han sumado sus historias a la música del compositor de turno, creando verdaderas y completas piezas dramático-musicales. La Chulapona es un claro ejemplo de esto, tiene una pieza dramática perfectamente estructurada en tres actos con momentos escénicos que permiten hacer números musicales que enlazan perfectamente los distintos bloques. La música se ensambla con la historia, creado mucho más que una obra musical; oyendo y viendo la puesta de Gerardo Malla y perfectamente dirigida musicalmente, me preguntaba por qué no se veía la obra dramática de manera autónoma en un teatro y por qué no se oía en concierto la música de esta excelente zarzuela. Por suerte, en esta ocasión, ha estado al mando de la puesta en escena, un hombre de teatro que ha aprovechado al máximo el inigualable reparto que tenía a su disposición y todo lo que en el libreto le permitía jugar, creando, con todo ello, una fantástica obra de arte escénico.
Adolfo Simón
“Las criadas” Compañía: Pablo Messiez. FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA. Sala CUARTA PARED
Siempre funciona, siempre…He visto Las criadas en múltiples ocasiones y propuestas, y el magnífico texto de Jean Genet siempre se salva…Vi la mítica puesta en escena de Víctor García, la propuesta de Mario Gas…la he visto en clave de clown, hecha por hombres… Y siempre dan jugo estas fascinantes hermanas criadas que juegan a la perversión de confundir identidades…A veces la una hace de la otra y por momentos se miran al espejo tratando de verse como la señora. Jean Genet dejo escrito en algún lugar que la mejor manera de hacer su obra era trascendiendo la interpretación realista y a ser posible con actores…Aquí, en la propuesta de Messiez, la señora es un hombre que parece poseído por una fuerza loca…Funciona, como he dicho al principio, el texto de Las criadas siempre se salva…El director, en cambio, propone con las dos criadas una suerte de seres contemporáneos que parece están fuera de la obra, mirando la desde una ventana, como si estuviera pasando en el piso de enfrente y lo comentasen entre ellas…Hay ocasiones en que aparecen estados en los personajes e imágenes que conectan con el texto, pero en otras ocasiones parece que el texto está en un pase a la italiana. El espacio tampoco ayuda porque no termina de tener significación dramática ni cuando se juega con él, crea un universo poético. Las dos actrices consiguen momentos de complicidad muy intensos. Creo que Pablo Messiez se mueve mejor al dirigir sus propios textos que al tener que traicionar un texto tan esencial en la literatura dramática como es el de Las criadas.
Adolfo Simón
“Still Standing you” (Todavía soportándote). CAMPO/ PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO. Teatro Pradillo
FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
Teatro Pradillo
“Still Standing you” (Todavía soportándote).
Compañía: CAMPO/ PIETER AMPE & GUILHERME GARRIDO.
La amistad y sus sensaciones. Esta es la propuesta que Pieter Ampe y Guilherme Garrido, bailarines flamenco y portugués respectivamente, nos han intentado transmitir con su segunda colaboración “Still standing you”.
Ésta obra se enmarca dentro de las propuestas del centro de arte CAMPO, situado en Gante y que apoya proyectos que respondan a una mentalidad artística muy rompedora y particular.
Una parte de la amistad y de las relaciones humanas se basan en eso, en soportar, en aguantar: el dolor, la ira, el desahogo, el deseo, la confrontación, la tranquilidad, la complicidad, la intimidad, la alegría… y al final una unión, de cuerpos y de espíritus.
Una propuesta coreográfica arriesgada en la que dos cuerpos desnudos durante la mayor parte de la obra interactúan y juegan como niños para transmitirnos, de una manera divertida, sus sensaciones sobre una relación a veces amistosa y otras de rivalidad.
Lo más importante que logra este dúo es no dejar a nadie indiferente. No necesitan una música maravillosa, ni siquiera una música, no necesitan un gran decorado ni una gran producción…se centran en sus cuerpos y en lo que quieren transmitirnos y así lo hacen. Simple pero efectivo.
Luis Mª García Grande.
“La vida crónica” Compañía: Odín Teatret. TEATRO DE LA ABADÍA
“
TEATRO DE LA ABADÍA
“La vida crónica”
Compañía: Odín Teatret
Textos: Ursula Andkjaer Olsen y Odín Teatret
Dramaturgia y dirección: Eugenio Barba
Cada visita del Odín Teatret es una posibilidad de descubrir una lección poética nueva. El mítico grupo ha visitado de nuevo Madrid de la mano de su creador, Eugenio Barba. En esta ocasión, con una propuesta espacial con el claro sello personal del grupo, presentaron La vida crónica; un viaje al subconsciente del futuro, una visita a lo que el hombre está construyendo como destrucción para un futuro basado en el horror y la impotencia. En este cabaret extraño instalado en una especie de matadero-sala de autopsias, los personajes transitan por mundos cargados de memoria pasada y de futuro vacío; bailan, cantan y se exhiben en un juego ritual donde las cartas y las monedas marcan el destino de todos ellos. Hay muchos lenguajes y discursos en escena, por momentos esa mezcla se hace indigesta pero justo ese extrañamiento permite que al final, sin necesidad de entender todo lo que ha estado pasando, descubramos el mundo crónico donde podemos quedar atrapados si no atravesamos la única puerta que queda por abrir…¿?.
Adolfo Simón
“El alma de las termitas” Compañía: LOD. TEATROS DEL CANAL. FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
TEATROS DEL CANAL
“El alma de las termitas”
Compañía: LOD
Dramaturgia: David Van Reybrouck
Dirección: Josse De Pauw
Rara vez tiene, una conferencia, interés escénico. En cambio, en esta propuesta que empieza de una forma sobria pues solo vemos al intérprete leer de pie el contenido de los folios donde está desarrollado, al detalle, el mundo particular de las termitas; ahí pues, bajo la luz del flexo, en un espacio que parece una laboratorio abandonado, la voz sugerente y la ironía sobre lo leído por el actor, nos sumerge en un espacio mental y metafórico a través del cual descubrimos la fascinante poesía de la naturaleza. Tras la conferencia leída, la propuesta transita hacia un concierto musical donde, quien expresó la fascinación del alma de las termitas, ahora se abandona a la ensoñación que esa particular forma de vida le inspira, en una atmósfera musical extraña y sugerente; una propuesta nada convencional, para paladares exquisitos.
Simón Ribes
“Sebastián”. Inquiquinante danza Creación e interpretación: Manuel Badás.DT-ESPACIO ESCÉNICO.
“Sebastián”
DT-ESPACIO ESCÉNICO.
Compañía: Inquiquinante danza
Creación e interpretación: Manuel Badás
Adolfo Simón
“Insomnio” Compañía: Playground/Xavier Bobés. FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA SALA PRADILLO
FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA
Que Revienten los Artistas 
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