Tríptico sobre la diferencia
Este fin de semana pasado se ha inaugurado la programación de la nueva edición del Festival Una mirada diferente-Desde lo raro organizado por el CDN. Un programa sugerente, lleno de experiencias artísticas y talleres que se irán mostrando a lo largo de las dos semanas que dura el evento.
Para abrir boca, este fin de semana se han mostrado tres espectáculos de muy distinto formato y para público variado. De las manos de Teatro LaFauna nos introdujo en el mundo de la locura a través de un espectáculo de teatro de títeres de factura muy potente. El mundo de Irene de Afonix nos sumergió en la cotidianidad de las personas sordas. A través de los ojos y la inteligencia del personaje de Irene, nos muestran su peculiar manera de afrontar la vida, a través de canciones y humor.
La propuesta más arriesgada y que hace honor al título del Festival, fue If these spams could speak de Robert Softley. Más que una obra de teatro podríamos hablar del testimonio de vida de un ser especial que ha sabido hacer, de sus dificultades, una forma de estar en el mundo. Una mirada particular sobre la vida, con testimonios llenos de emoción y humor, tratando de dar visibilidad a lo que supone el día a día cuando tu pecho está cruzado con una cicatriz enorme y tu cuerpo reacciona de manera independiente a tus deseos. Una lección de coherencia ante un mundo que constantemente se queja sin motivo importante.
Adolfo Simón
Gira el mundo gira de Luis García Ferreras en Espacio Labruc
Vivimos en un mundo donde no hay lugar para los diferentes…Los chicos han de jugar a la pelota y no tener sensibilidad…Si alguien se sale de esta premisa, se quedará fuera de juego y perderá el partido. En esta pieza fragmentada se nos hablaba de estas pequeñas cosas, de la dificultad de ser en una sociedad que se mueve por el tanto tienes tanto vales.
Adolfo Simón
La mentira en micro
La escapada de este mes a Microteatro ha sido por una mentira, no por la que me hayan dicho si no porque el tema era este. Siguen fieles a la idea de mantener un nexo común entre las piezas que se presentan. No obstante, cada lema siempre es susceptible de ser tratado de múltiples maneras y esa es la gracia del asunto. No es el mismo tono el que se usa para las funciones de tarde que para las golfas…
Entre lo programado, he podido asistir a Me quedo muerta de Máxim Huerta, dirigida por Quino Farelo e interpretada por Josele Román y Fran Antón…La muerte es siempre una posibilidad de descubrir cosas ocultas en vida, aquí, los asistentes al velatorio se enteraron de lo que nunca habían sospechado.
Terapia de choque de Rafael Ruíz Pleguezuelos, Los machos te quieren puta en la cama de Alex Aguilá, El topógrafo del pánico de Alberto García y Very much thank you please de Michael Raphan subieron el tono de las mentiras transitando por mundos en los que la usurpación de la personalidad, el chantaje laboral, la sumisión sexual o el tráfico de intereses nos mostraban seres sin escrúpulos a la hora de conseguir sus fines.
Cada vez hay mejor ambiente en Microteatro, se ha convertido en un lugar de encuentro para charlar y tomar algo antes o después de cada pieza.
Adolfo Simón
1982, obertura solemne de Lisandro Fiks en el Teatro del Barrio
Hay obras de teatro que tratan sobre acontecimientos vividos por el autor y en otras ocasiones, los textos se escriben para descubrir qué fue aquello que no vivió y que no le permite conciliar el sueño. Cuando hay un agujero negro en la memoria es imposible respirar con tranquilidad, hay que tratar de descifrar los enigmas que provocan preguntas sin respuesta. En 1982, obertura solemne parece que todo ocurre en una tarde de lluvia cualquiera pero en realidad, hay una tormenta al acecho. Los personajes que se encuentran en una situación casual se manejan con todas las máscaras adquiridas a lo largo del tiempo, tratando de ser civilizados en su conversación y comportamiento pero… Ay! el animal está amordazando en los rincones de la memoria y si se le acosa, saltará al cuello del otro. Lo más interesante de esta propuesta, además de descubrir detalles de la guerra de las Malvinas es encontrarse de frente con la idea de que por debajo de las razones está el miedo rondando y que, al empujar las paredes del consciente, puede surgir el monstruo que llevamos dentro y que nos devore. Todos, al final, tenemos el pánico ante la pregunta de qué sería capaz de hacer yo en una situación así. Un viaje brutal al abismo de la sin razón.
Adolfo Simón
Oraciones de María Guerrero-Confedrama de Ernesto Caballero en el CDN
Suele ocurrir que, una propuesta escénica que surge con una función modesta, se convierta, precisamente por esa falta de ambición, en una deliciosa experiencia para quien la realiza y para los que tenemos la suerte de disfrutarla. Hasta el 4 de junio hay, en la Sala de la Princesa del CDN; espacio que nos ha deparado grandes hallazgos escénicos desde que abriera a tal efecto…Oraciones de María Guerrero-Confedrama de Ernesto Caballero. Un recorrido coherente por las diferentes formas textuales desde que la Guerrero era la referencia escénica del teatro en nuestro país hasta hoy, jugando con delirio todos los estilos literario-dramático que han ido apareciendo en este siglo. La evolución interpretativa y textual fue el material elaborado para una conferencia que se presentó en la Biblioteca Nacional. Por suerte, se ha trasladado a la sala pequeña del CDN durante dos semanas; creo que el boca a boca pedirá que se amplíen las funciones porque es un espectáculo didáctico, atractivo, divertido y ayuda a entender mejor nuestra historia de autores y cómicos. La puesta en escena es sencilla, la esencial para que las actrices hagan su trabajo. Y viendo a estas dos intérpretes fantásticas uno no puede dejar de pensar en el potencial fantástico que hay entre nuestras «mujeres de la escena» a las que se hace homenaje fotográfico a la entrada de la sala. Tenemos buenos actores en este país pero todavía tenemos mejores actrices y en esta función hay la demostración clara: Ester Bellver y Elena González hacen un ejercicio de ductilidad y juego exquisito que se convierte en una lección de amor al oficio al que pertenecen.
Adolfo Simón
Réquiem de Kaos Teatro en La Expositiva de Granada
Como parte del XVII Festival Internacional de teatro con títeres, objetos y visual que se celebra estos días en Granada, este fin de semana ha podido verse en La Expositiva Réquiem, la última propuesta de microteatro del veterano grupo Kaos Teatro, que cumple dieciséis años trabajando la representación con títeres, la escenografía y el teatro de calle. Se trata de un espectáculo de poco menos de diez minutos de duración, dotado de gran intensidad y belleza. Tiene calidad visual y comunicativa, y resulta fácil reconocer que sus creadores son especialistas en escenografía. Réquiem es una propuesta de microteatro que en lo visual bebe del cine de terror de los años veinte y el expresionismo alemán, y en el contenido juega de manera exitosa con el universo onírico del surrealismo, además de ofrecer guiños a Poe y su bien conocida obsesión por la posibilidad de ser enterrado vivo. Conjuga proyección, sombra y títere, componiendo un retablo escénico bien armonizado. El público asiste a la representación visual de una pesadilla en un espectáculo ágil y de buena narrativa. El ambiente íntimo y cercano que ofrece una sala como La Expositiva hizo el espectáculo todavía más disfrutable. Réquiem sigue girando por nuestro país, así que ya saben: si les visita, no duden en regalarse esta propuesta de títeres de calidad.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Daisy de Rodrigo García en el Festival de Otoño a Primavera
Tras su revolucionaria Muerte y reencarnación en un cowboy (2010), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo en 2015 el Festival de Otoño a Primavera con su última creación, Daisy que se puede ver este fin de semana en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda. A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa. Su lenguaje escénico mezcla sensaciones que hacen evolucionar con una gracia devastadora sus fieles intérpretes: Juan Loriente y Gonzalo Cunill. En Daisy hay rituales de la masonería de la cucaracha, hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas que interpreta a Beethoven, pero hay también mucho más de lo que, a primera vista, se puede apreciar en escena, todo el poso que el texto logra dejar en la mente y en los sentidos de cada espectador. De nuevo, Rodrigo García establece un pulso con el discurso expresivo y la recepción del público. No improvisa nada, todo lo que parece casual o arbitrario está elegido con precisión milimetrada. Las imágenes potentes y delirantes que nos propone propician que entremos en un estado casi hipnótico, obligándonos a desterrar nuestros prejuicios para sumergirnos en un estado de profunda percepción. La multiplicidad de lenguajes, ya que la palabra es un bisturí con el que abre nuestro cerebro, bombardean nuestros sentidos para hacernos sentir una cucaracha más en ese recipiente sonoro o esa tortuga que mueve el agua sin desplazar una gota del líquido que la rodea…Y así, sentirnos fantasmas en un paraíso inútil.
Adolfo Simón
La casa de los huéspedes en El Apartamento
Los cómicos ya no saben que inventarse para llevar al público al teatro…Hace años surgió la idea de proponer espacios no convencionales para representar obras, se llamó Teatro en las casas. Y al final, las casas, los salones, las cafeterías…o como en el caso que nos ocupa, El Apartamento, han acogido piezas pequeñas o no para conseguir que el público se sienta dentro de la ficción y como en el salón de su casa. El Apartamento ha sido uno de los espacios sorprendentes en sumarse a una larga lista, es un lugar diferente a todos los demás…Un ático deliciosamente decorado en pleno corazón de Chamberí. Allí se realizan diferentes experiencias creativas y se muestra microteatro, pero, dentro de su programación han incluido el tan celebrado Teatro en serie: La casa de los huéspedes. Allí, por fin, hemos podido disfrutar de los tres capítulos que componen la serie de esta historia. Un tríptico delicioso que nos permite conocer cada rincón del lugar y cada secreto del dueño de esa casa que, al final, es él mismo y sus recuerdos. Porque hay elementos mágicos que nos hacen pensar que el tiempo y las historias no están ocurriendo a la vez, que hay una suerte de cruce de caminos misteriosos que nos hacen dar quiebros en la biografía del dueño de la casa de huéspedes. La escenografía no puede ser más acertada y el viaje en dos sentidos-grupos que realiza el público es muy sugerente. Pero lo más destacable es la historia, el entramado de pequeños universos personales en tono melodramático. Para este tipo de trabajo hace falta un grupo de actores que jueguen con la propuesta, la situación ficcional y real…y por supuesto, que den vida a personajes que no son de un trazo si no que están escritos con la tinta de la vida. Todavía se puede disfrutar de esta propuesta, no se la pierdan, hay muchos elementos de interés en ella.
Adolfo Simón
La señorita Julia y La señorita Elsa: El precio del desarraigo
Hay dos piezas de teatro en la cartelera de Madrid que coinciden a la hora tratar el tema de una mujer que intenta enfrentarse a sus deseos pero encuentra, en la sociedad, un muro infranqueable…
La señorita Elsa es la adaptación de la novela de Arthur Schnitzler realizada por Lola Blasco para la escena. En Sexto Derecha, un espacio en el que la temporada pasada disfrutamos de unas pequeñas joyas escénicas, se presenta, en la intimidad más absoluta, el periplo de esta joven que, al tratar de descubrir su propio deseo, se encuentra con que el resto de la sociedad ya ha decidido cuál será su viaje emocional. Un ejercicio arriesgado que la joven actriz, Angela Boix realiza con temple gracias a la dirección de José Luis Sáiz.
Y en La Pensión de las Pulgas, se ha estrenado una adaptación de La señorita Julia de August Strindberg, con el título de El ojo de la aguja, dirigida por Estefanía Córtez, con Esther Acebo, Sergio Pozo e Irene Escalada. La acción la han trasladado al mundo de las altas empresas donde una rica heredera, atrapada en su soledad emocional, intenta conseguir domar a su chofer ante los ojos de la secretaria. Un viaje al sometimiento físico y afectivo, sin cortapisas.
Adolfo Simón
Algo en el aire de David Harrower en el OFF del Teatro Lara
¿No has tenido, alguna vez, la sensación, al mirar en el fondo de una jarra de cerveza, sentado en una banqueta, delante de la barra de un bar, que pasan, entre la espuma que queda como resto, un montón de momentos de tu vida con los que se va componiendo el puzle de un vacio afectivo?…A veces, en la prisa del día a día, dejamos de pensar en personas a las que hemos querido y que, de repente, han desaparecido de nuestra vida y no sabemos muy bien por qué…Un día, decidimos que nuestros caminos se han de separar, seguramente por un tontería…Y el abismo se abre entre nosotros…Ha de llegar alguien que medie para que los caminos se vuelvan a cruzar. De esto va Algo en el aire, de dos caminos paralelos, como los de una vía del tren, que aunque en la distancia, los raíles se juntan, en el presente es imposible verlos juntos. Y así está planteada la propuesta escénica, de manera sencilla…dos mundos paralelos en los que se recorre, a través de monólogos alternos la peripecia de dos hermanos, que nunca sabremos si se encontraron, se encontrarán o todo es un deseo en paralelo.
Adolfo Simón
De Mutuo Desacuerdo de Fernando J. López en el Teatro Bellas Artes
Si las comedias de los ochenta y aún de principios de los noventa con frecuencia explotaban las riñas domésticas de matrimonios que no se soportaban, la fórmula poco a poco ha dado un paso más y ahora es cada vez más frecuente encontrarse montajes que bucean en los problemas de relación de un matrimonio roto. Ese es precisamente el punto de arranque de De Mutuo Desacuerdo: Iñaki Miramón y Toni Acosta encarnan a una pareja de recientes divorciados que se lanza auténticas andanadas de puyas y reproches en los sucesivos encuentros obligados por el hijo de nueve años que tienen en común.
Particularmente interesante resulta ese papel del niño, el tercer personaje al que nunca vemos pero sobre el que pivota toda la historia. Da mucho que pensar esa ausencia, pues entre risa y risa el texto de Fernando J. López —por cierto recién publicado en Antígona— es capaz de remover conciencias acerca de cuánto llegan a perder los niños con cada gesto egoísta de un adulto. Resulta una lástima, no obstante, que se pase de una manera demasiado fugaz y como de puntillas por un tema que, por su actualidad y calado, hubiera dado para mucho: la custodia compartida.
Lo que el espectador encuentra en De mutuo desacuerdo es una comedia de adultos narcisistas, rotundamente woodyalleniana en la intención de crear humor desde las neurosis personales y sociales de los personajes. La obra sabe encontrar chispa en lo cotidiano y explotarlo, y eso ya es un mérito. Los actores están francamente bien y saben mantener un tono de voracidad verbal permanente sin perder credibilidad.
La obra estará en el Bellas Artes hasta el 31 de mayo. Es una recomendación como comedia de sociedad sin pretensiones elevadas, bien interpretada y dirigida de una manera efectiva, hecha en definitiva por expertos del género. Conociendo la trayectoria de Miramón y el favor del público que desde hace tantos años cosecha, pienso que el mejor cumplido final que se le puede hacer al montaje es que se trata de “una de Miramón”.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Crímenes de andar por casa en el Pequeño Teatro Gran Vía
Los teatreros, siempre inquietos, se han inventado un programa doble de teatro con humor y crímenes. La propuesta se puede ver en el Pequeño Teatro Gran Vía y se llama Crímenes de andar por casa. No hay que ver películas americanas para vivir experiencias límite ni salir de casa para que te conviertas en un experimentado asesino. Durante casi dos horas asistimos a dos historias que transcurren en un mismo espacio escénico y con el mismo equipo actoral que nos depara disparates truculentos que al público le hicieron disfrutar en la función del pasado sábado..
Adolfo Simón
Los martes, milagro presenta AMOR OSCURO de la Compañía Arte-Factor
Los sonetos del amor oscuro, Poeta en Nueva York y fragmentos de El Público se integran en la dramaturgia de esta obra que muestra los escritos menos conocidos del poeta dando un tratamiento declamatorio en una partes y excesivamente naturalista en otras.
Adolfo Simón
El jardín de los cerezos de Ángel Gutiérrez en el CDN
El jardín de los cerezos tiene más de 100 años. Pero nadie sabe de qué trata. Algunos recuerdan que la hacienda de la noble dueña Ranievskaya se vende por deudas, y que un tal Lopajin (un nuevo rico) intenta convencerla para poder recuperarla: hace falta dividir la tierra en parcelas y venderlas para arrendar casas de veraneo. Ella rechaza su consejo y finalmente, en la subasta, celebrada el 22 de agosto, el mismo Lopajin compra el jardín de los cerezos. El montaje mostrado en el CDN puede considerarse un homenaje a la trayectoria de este director de escena que ha desarrollado su labor, de manera personal, durante más de tres décadas.
Adolfo Simón
Penev en Cuarta Pared
Tras los éxitos cosechados la pasada temporada, la joven compañía valenciana La Teta Calva continua llevando a los escenarios, y por primera vez en Madrid, esta obra que pretende ayudarnos a entender a aquellos que tienden a tropezar en cualquier adoquín en alguna calle olvidada. Toni Agustí y Xavo Giménez, los dos actores y co-directores del espectáculo, proponen unir en el patio de butacas a «los que aman el fútbol y odian el teatro, y viceversa» con una pieza que rinde homenaje, en su título, al célebre valencianista Lubo Penev. Una pieza donde los objetos están cargados de memoria y que, a través del juego poético con ellos, nos narran con humor ácido el desmoronamiento de la sociedad actual, más atenta a lo que vales que no a lo que eres.
Adolfo Simón
Corsarios, docudrama de un sueño
Ayer estuve en el cine viendo el documental sobre la trayectoria de la Compañía de teatro Corsario. Esta solo en el cine y me preguntaba por qué un documento así tenía tan poco eco en el público normal y sobre todo entre la profesión teatral. Un viaje sobre el periplo vital de un grupo que, fuera del foco de las grandes ciudades, ha ido construyendo una poética personal, tratando de ser coherentes con sus intereses y con los de la sociedad de su tiempo. Durante hora y media, el documental, recorre testimonios personales y documentos audiovisuales que nos permiten conocer a fondo esta experiencia excepcional. Como navegantes sin rumbo llegan al principio a una isla en la que tendrán que orientar sus pasos futuros. Espero que este trabajo tenga repercusión en algún evento escénico.
Adolfo Simón
«La guerra de los sexos» en la sala AZarte
Estrenada recientemente en el festival Surge Madrid LA GUERRA DE LOS SEXOS se podrá ver todos los Sábados y Domingos de Mayo y Junio en el Teatro Azarte.
Nuestra vida es un carrusel sentimental, un vodevil esperpéntico en el que podemos encontrarnos colores para todos los gustos… pero disfrutamos relacionándonos, flirteando, conociendo a otros, interesándonos por sus aficiones, gustos, morbos, debilidades y sueños… por eso una obra como «La guerra de los sexos» nos gusta y nos hace olvidar por una hora todas nuestras penas viendo cómo los diferentes sexos intentan comunicarse y no morir en el intento. Una propuesta potente, arriesgada versátil y divertida, dirigida por Chos y producida por Karlos Klaumannsmoller, que nos introduce a ritmo vertiginoso en el loco mundo del amor.
Luis Mª García Grande.
Elepé de Carlos Be en el Teatro Lara
Elepé ha crecido sin necesidad de convertirse en cd. Elepé surgió en las recoletas estancias de La casa de la portera y ahora, después de un largo periplo, ha recalado, para despedirse de los escenarios, en la sala OFF del Teatro Lara. En un país normal, que este no lo es, habría pasado a la Gran Vía y se habría convertido en un éxito, mayor que algunos musicales que solo contenían los grandes hits de ciertos grupos de los ochenta pero que se mostraban como un catalogo de videoclips, sin argumento de peso ni un trabajo comprometido por parte de los actores y el director. En Elepé hay, en apariencia, una historia pequeña que narra algunos de los grandes acontecimientos de aquella prodigiosa y extraña década. Pero Carlos Be no puede escribir una mera comedia, así que truca la estructura para mostrarnos lo que ni siquiera saben los personajes que vivirán en un futuro, un recurso muy bien utilizado en cine y que en teatro no suele funcionar bien. En la sala Off del Lara, la obra cobra otra dimensión, mantiene la intimidad y al tiempo da más perspectiva a los personajes y sus ámbitos personales. Solo quedan dos domingos, yo no me lo perdería, después oirán hablar de esta obra y ya no tendrán ocasión de ver el trabajo de tres deliciosos actores: Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde.
Adolfo Simón
Caza Mayor en La Pensión de las Pulgas
¿Alguna vez se han preguntado porque no hay sección de necrológicas en la revista Forbes?
Pues sencillamente porque, al igual que el Mal, los oligarcas nunca mueren. Aparecen, desaparecen y reaparecen en un sinfín de Consejos de Administración, Vicepresidencias, Asesorías de Estado o Grupos Financieros. CAZA MAYOR nos acerca al verdadero nido del crimen y de la cochambre; un chalet exclusivo en una urbanización de lujo en lo alto del Mulhacén, en Sierra Nevada.
Atrapadas en la nieve, cercadas por huskies siberianos, un número siempre excesivo de ruines personajes de solvencia contrastada, nos asoman a la intimidad de sus actividades delictivas. En un bucle dramático enloquecido, cuatro personajes mueren y sobreviven para contarnos que siempre ocurre lo mismo, y que como reza el dicho…»Son los mismos perros con distintos collares». El texto de Palmira Yubero es una sucesión de pequeñas escenas de crimen sin castigo dirigidas en clave de comic por Salva Bolta.
Adolfo Simón
El año del pensamiento mágico de Joan Didion en la Sala Margarita Xirgu del Teatro Español
El arte y por supuesto, el teatro, han de tener una función que ayude a la sociedad a encontrar luz en la oscuridad de su tiempo. Hay espectáculos que alivian los desastres diarios a través del humor o nos distraen de problemas cotidianos, otros nos conmueven para sensibilizarnos con según qué tema…Todos son beneficiosos para el espectador de algún modo pero, pocas veces, el teatro consigue, de alguna manera, que salgamos sanados espiritualmente. En muy pocas ocasiones, la catarsis ante la obra, nos hace entender mejor el sentido de la existencia. En El año del pensamiento mágico de Joan Didion hay la narración de unos acontecimientos terribles y como, la protagonista real de la historia, es capaz de sobrevivir a ellos para crecer humanamente, todo esto es gracias al texto, a la actuación precisa y emocionante de Jeannine Mestre y a la dirección que Juan Pastor hace, ese trabajo que cuanto más invisible es, más útil resulta.
Adolfo Simón
¿Qué es un cuerpo en movimiento?
¿Qué es un cuerpo en movimiento? Difícil pregunta… Imaginemos por un momento un vaso medio lleno de agua. Alguien lo lleva de un lado a otro en una bandeja. Y sucede lo inevitable: el agua se mece, escala y desciende por las paredes del vaso. Al compás del movimiento que lo desplaza, vibra, se agita, salta, se derrama y baila sobre la bandeja. Imaginemos ahora que cada célula de nuestro cuerpo es ese vaso y bailemos…
El ser humano se compone de alrededor de un 70% de agua. Está en las células, en la saliva, en la sangre, en las cuencas de los ojos. Y esto se hace evidente en «Mirage», la admirable y más que sugerente pieza de danza contemporánea que ha clausurado “Cada palabra es como una innecesaria mancha en el silencio y en la nada”, obra de Eugenio Ampudia que ha habitado el espacio “Abierto por obras” del antiguo Matadero de Madrid desde el 5 de febrero hasta el pasado 17 de mayo. El antiguo frigorífico, habiendo sobrevivido a un incendio, ha sido convertido en un lago con pasarelas de madera y luz tenue. En su sencillez radica la potencia de la instalación, que es completada por el espectador cuando realiza una llamada al número de teléfono indicado, generando ondas en el agua estancada. Eugenio Ampudia nos invita así a reflexionar sobre los procesos de comunicación y con ello sobre la sociedad, el artificioso individualismo, las nuevas tecnologías…
La coreografía, exclusiva para la ocasión, ha corrido a cargo de Mattia Russo y Antonio de Rosa, con la colaboración de bailarines de la CND. La búsqueda de un diálogo con el espacio físico y con la obra de Ampudia les ha llevado a generar un espectáculo de claroscuros y belleza líquida. Los intérpretes (inicialmente en fila, en el centro del lago, unos pilares más de la sala) comienzan a fundirse a través de su arte con la piscina de agua negra, que nos devuelve algún que otro destello amarillo de vez en cuando. Como guiñando un ojo, nos advierte de la experiencia que estamos a punto de vivir. Con una música de fondo cambiante y de contrastes, los cuerpos cobran vida y se convierten en corrientes que despiertan al agua de su hibernación, son conductores de electricidad vital, son la fuerza de las mareas. Las ondas provocadas surgen como un elenco paralelo de bailarines. La coreografía se confunde: ¿está en los cuerpos o en las ondas? ¿Es la coreografía la comunicación misma que se da entre el cuerpo y el agua, una y otra vez, suave, violenta, infinita, inevitable?
Mi atención se ha sumergido en la atmósfera creada de tal modo que, cuando llega el final, distingo en el aire las ondas provenientes de mis aplausos, enredándose en el pelo largo y rizado de alguna mujer; veo cómo el eco de mis pasos sobre la madera hacen carambola en calzado cercano y rápidamente, como pequeñas tortugas marinas, se adentra en el agua para comunicar desde su libertad ingrávida mis sinceras felicitaciones a los artistas uno a uno, onda a onda, gota a gota, célula a célula.
Quique Rojas
La Comedia de los Errores en el Teatro Lagrada
Adaptar una comedia clásica siempre es difícil, porque resulta evidente que los mecanismos de conmover y crear tragedia son más estables en el tiempo que los de hacer reír. Cualquier persona que emprende la tarea de ofrecer un espectáculo de comedia contemporánea a partir de un texto clásico (en este caso es Lidio Sánchez Caro el director y versionador) debe hacerse consciente de que la clave del éxito se encuentra en saber incorporar ese humor actual que realmente conecta con el público, y asumir que por lo común tiene que superponerse, más que adaptarse, y además realizarlo sin traicionar la obra original. La otra alternativa posible es someterse a la raíz, venerar el texto y la época y crear una obra extemporánea, apta solamente para paladares sofisticados.
Lidio Sánchez Caro, en la propuesta que presentó en el Teatro Lagrada el pasado viernes, ha echado mano de muchos recursos a la hora de intentar acercar la obra al espectador contemporáneo: lo intenta desde el vestuario, la disposición escénica, la adaptación de diálogos, el movimiento agitado de escena y hasta provocar que los actores rapeen sobre el texto. Ha acertado en el aggiornamiento de los dos criados, ofreciendo unos graciosos que honoraban el tipo representado y se metían al público en el bolsillo desde el primer momento. En este elenco, uno tiene con frecuencia la sensación de que los actores más jóvenes parecen estar a punto de devorar a los más experimentados, permitiendo ver que algunos de ellos (Helena Lanza, Irene Soler) puedan tener una buena perspectiva futura.
La Comedia de los Errores es una obra de humor sobre equívocos deliciosa, que se pone en marcha a partir de una confusión de identidades -esa obsesión de Shakespeare-, donde ya está apuntada la transición a la animalidad de El Sueño de una Noche de Verano y en la que -otra constante del inglés- la confusión lleva a la diversión. Verla siempre es un placer más que recomendable.
Me permito un apunte final al respecto del montaje: no resulta difícil estar de acuerdo en que en el texto original han envejecido mucho más los mecanismos que arman la comedia (el equívoco al que he aludido) que la profunda, inagotable e impresionante lírica de sus textos. Harold Bloom, a quien por cierto citan en el programa de mano, ha dejado escrito que cualquier farsa acaba teniendo algo de metafísico. Ahí, en ese caos trascendente, podemos encontrar sin duda más modernidad que en el superadísimo juego de confusión de gemelos sobre el que gira La Comedia de los Errores. Esta adaptación ha puesto tanto interés en jugar con la primera que en ocasiones descuida el componente más perdurable de Shakespeare: la palabra y su valor.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Mujeres y criados de Lope de Vega en el Teatro Español
El reestreno de la inédita obra de Lope de Vega: «MUJERES Y CRIADOS», escrita hace más de 450 años, muestra la atemporalidad de los conflictos planteados por los clásicos. Esta comedia de enredo confronta el camino del amor, al frecuentado camino del miedo.
La resplandeciente luz de las mujeres en esta ágil pieza, nos deja una sabia enseñanza: la maestría del amor solo tiene un camino, su práctica.
Es reseñable el respeto que el autor muestra por la mujer, declarándose contrario a la convención social de que la misión de las mujeres sea satisfacer los egoístas deseos paternos, o el capricho sexual del noble de turno, en nombre del amor.
Para el escritor, el ser humano ha de acometer una gran tarea: ser feliz y disfrutar completamente de la VIDA.
El amor de las mujeres lopescas es amable, responsable. Abre todas las puertas. Experimenta la vida como si de un juego se tratase, nada hay que no sea posible, todo lo puede.
Inés nos habla de cómo al amar a otro no necesitas sentirte amada. El amor femenino halla respuesta en los celos masculinos, en ese confuso y débil camino del miedo, en el que das esperando recibir a cambio, siendo ésta la fuente de todo dolor. El camino del amor no espera que nada suceda, es incondicional, ignora la posición social y las bajas pasiones, aunque derrocha arrojo y valentía para confesarle al amado su firme deseo de no escuchar permanentes imprecaciones.
El amor encarnado por Violante se halla en todas partes, en la compasión, a pesar de su dicha, del doliente y aunque no falta a la verdad, atiende y aconseja al desamor, en una inversión de roles, en la que la romántica desesperanza habita en el corazón del hombre.
La publicidad de la obra obvia el compromiso del dramaturgo con los grupos más desfavorecidos socialmente, decantándose por una incomprensible cosificación del ser humano. La elegida y engañosa imagen orgiàstica, contrasta con la equidad de un sugerente mensaje en boca de Violante: «mujeres y criados pueden revolver España».
Paloma Martín
Disparate! de Karl Stets y Cacophonic Pictures Orkestar en el Circo Price de Madrid
Esta función es una caja de sorpresas en la que la música y los instrumentos se mezclan con las artes del circo y con las disciplinas escénicas más diversas. Suena la música y, con las primeras notas, se disparan una serie de acciones acrobáticas, absurdas, poéticas y siempre sorprendentes. Karl Stets es un artista danés, residente en Barcelona, que se ha unido a unos músicos artísticos y a unos artistas musicales. Juntos se han propuesto llenar el escenario de imágenes visuales y sonoras que nos transportan, gracias a una serie de cambios radicales, a los escenarios más diversos: del Barroco al Far West y de un paisaje dulce y plácido a uno inquietante. Una propuesta no convencional de circo y música que sorprende a cada paso y que hace las delicias de los asistentes. El Circo Price sigue propiciando espectáculos únicos al público de Madrid.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.