Tríptico de mujeres «A solas»
La primera jornada del Festival de mujeres A solas en escena dentro de The Magdalena Proyect arrancó con tres piezas espléndidas…¿Por qué lloran mis amores? de L´Explose de Colombia. Una obra de danza performática de gran calidad plástica donde la bailarina interactúa entre una instalación inmensa de vasos de cristal. A continuación, Son sola de Marta González y Karen Lugo aportaron la participación española del día con una breve pero intensa pieza de flamenco en el vestíbulo del teatro. Como cierre, una exquisita obra a capela de historias de viajes y canciones populares interpretadas por Voix Polyphonique de Francia con el título de Chants de la mer noir. Este ciclo no ha hecho más que empezar, durante la semana nos seguirán deleitando con trabajos femeninos en solitario.
Adolfo Simón
A Medianoche en el Teatro Maravillas
¿Cuántas veces nos han dicho los amigos…¡Cuánto cuento le echas a tus historias!?…Y es verdad, casi siempre es más sugerente como contamos lo que nos pasó que realmente como ocurrió. A Medianoche es un cuentacuentos teatralizado a golpe de guitarra en el que Itziar Atienza e Iñaki Font de manera divertida y cómplice nos llevan por los derroteros de su encuentro ¿casual?…Para mostrarnos que nada es como se cuenta y que el cuento tiene un final u otro dependiendo de quién lo narra. A Medianoche es una función sencilla y agradable de ver en estos tiempos en los que los escenarios están vacíos o deprimidos. Es apropiada para la hora golfa en que está programada y hace las delicias del público que acude a verla.
Adolfo Simón
La Corte del Faraón en los Jardines de Sabatini
Por unos días, el palacio del faraón se ha trasladado a los Jardines de Sabatini, y las pirámides se contemplan como un relieve del Palacio de Oriente de Madrid, “La corte de faraón” se está representando desde el día 13 y hasta el 25 de este mes en ese marco incomparable; fresquito, ayer corría un aire muy agradable, con el calor que hacía en la ciudad, el público abarrotaba el recinto, buena señal porque era martes, que gusto que la gente vaya al teatro… y una orquesta en el foso, primeros compases del libreto y la diversión empieza, un montaje dirigido por Jesús Castejón, que hace un guiño a lo moderno, sin olvidar el libreto original, la orquesta a manos de Carlos Aragón, interrelaciona con la escena verbalmente de forma cómica, la iluminación de José Manuel Guerra y la escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda espléndidas, los actores/cantantes y viceversa estupendos, bravo Ángel Ruiz por no caer en la exageración con tu casto José, siempre divertido Juan Manuel Cifuentes en un faraón muy especial, bravo esas viudas, con Mamen Godoy que tiene el don de la alegría. Una fusión con el music-hall y el cabaret dándole al número más conocido de las mujeres de Galilea un aire fresco y moderno y unas transiciones fantásticas, aprovechando las coreografías de Núria Castejón, el público aplaudió a reventar, vamos, un espectáculo a todo nivel, corran y no se lo pierdan, aunque creo que está todo el papel vendido, qué alegría!.
Ángel Savín
Tipical Ispanis en la DT
La compañía residente de la sala DT, presenta estos día un particular homenaje a la copla a la que define como canción folklórica española y lo presenta como Danzateatro en un irónico cabaret casposo, un viaje por todos los recovecos de la sala, donde te reciben con un típico aperitivo español, tortilla de patatas, jamón, aceitunas, queso y salchichón, acompañado de vinito de porrón para ir caldeando el ambiente, y luego la risa, el descaro, la provocación, algo a lo que Alberto García nos tiene acostumbrados en sus montajes, y siempre hay algo fresco, algo provocador, algo que te hace disfrutar, al menos, el tiempo que dura el espectáculo, son actores/bailarines bien formados, curtidos de calle y que aman lo que hacen profundamente, se nota y te llega y lo recibes como un enorme abrazo, en este caso huyen de la tentación de cantar y nos bailan las historias de la copla que suenan en las voces grabadas de Doña Concha, Lola, Marifé, Rocío…. Y es un gusto viajar con ellos por la pasión y el arrastre, magnífica Violeta Frión, como siempre, Carlos A. Alonso cada vez más fresco y el resto del elenco estupendos, qué procesión señores, qué Virgen del Palo, y que de lunares…viva la copla!!!.
Ángel Savín
Maribel y la extraña familia de Miguel Mihura
De la mano de Gerardo Vera, se presentó una nueva puesta escena de la que, se ha dicho, pudiera ser la mejor comedia de Miguel Mihura, “Maribel y la extraña familia” en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. Una escenografía y vestuario de Alejandro Andújar, con aire de los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado pero con un toque de modernidad, un vestuario espléndido que nos traslada a otra época, una caracterización en peluquería y maquillaje de Iris Dueñas y Sylvie Imbert respectivamente, impecables y un elenco de actores fantásticos que cantan, bailan… Alicia Hermida, doña Paula, brillante…arranca risas y aplausos, Markos Marín como Marcelo, nos conmueve cuando explica quien es y porque busca una mujer, Sonsoles Benedicto, doña Matilde es entrañable, Chiqui Fernández…Pili, fresca y descarada y Lucía Quintana una Maribel que te enamora por la honestidad de su personaje, una prostituta decente, y el resto, repito…fantásticos!. La representación se vio acompañada de aplausos espontáneos de un público que valoraba la maestría, nos hicieron pasar volando dos horas de teatro de verdad, del teatro que cuenta historias, que conmueve y que nos hace reír, ese teatro que pareciera que no existe y que da la casualidad que es real y es nuestro. Gerardo Vera le ha dado un aire nuevo y Miguel Mihura sigue siendo actual y casi revolucionario, les deseo una andadura de muchos éxitos, pues la cartelera teatral se merece espectáculos como este, fue un placer aplaudir a rabiar, no se la pierdan, me lo agradecerán.
Ángel Savín
Venidos a menos en el Teatro Alfil
Por fin algo realmente fresco, irreverente, provocador y provocativo, está sucediendo en el Teatro Alfil, Venidos a menos me ha alegrado el verano y dado un rato de grandes risas. Pablo Puyol y David Ordinas, a este último no le conocía, a Pablo poco, se que se hizo famoso por una serie de televisión que no vi jamás y creía que era un tipo estirado y antipático, no me importa reconocer ahora que me parece un tipo estupendo en el escenario, los dos, hacen un dúo magnífico, se compenetran y su complicidad es deliciosa, sus voces se acoplan perfectamente cantando unas canciones originales muy rítmicas, armónicas y pegadizas, creando un musical de pequeño formato. No hay escenografía y ellos están en constante juego y contacto con el público. A la guitarra está David y al cajón, maracas y demás efectos, Pablo. La lían bien y lo que pudiera ser algo soez, pasa a ser divertimento puro donde se desgranan conversaciones de amigos y se reflexiona sobre los altibajos de la carrera de “artista”, una profesión a la que o se ama con todas las fuerzas o no se puede resistir en ella; espero que resistáis porque sois una gozada de ver, riéndoos de vosotros mismos y que bueno poder hablar de cosas tremendamente duras con distancia y humor. No se lo pierdan, merece la pena, por fin algo que provoca, algo que te hace pensar y sobre todo disfrutar.
Ángel Savín
La Esmeralda de Kapurthala en el Teatro Galileo
En una época que no corresponde a ningún tiempo en concreto y sobre un tablado que bebe de la iconografía fantástica de todas las épocas, del art Nouveau, del teatro chino de Manolita Chen y de todas aquellas carretas ambulantes que desde el siglo XVI han recorrido los caminos al servicio de los cómicos de la legua, allí, unos seres maravillosos, maestros de las ciencias ocultas de la supervivencia a las que ellos llaman magia y psicomúsica… encarnados por cinco actores que se convierten en multitud a lo largo de la función, invitan al público a que…»Pasen, pasen y vean, pasen y admiren…». Y a los espectadores que se atreven a entrar, les deleitan con historias de Oriente, cargadas de pasión y misterio…que se parecen, casualmente, a historias que estamos viviendo hoy. Mucho disparate y aire camp en esta propuesta musical para disfrutar al aire libre, degustando un sabroso pincho de tortilla.
Adolfo Simón
«Perdona, bonita, pero Lucas me quería a mi» en el Teatro Infanta Isabel
Basada en la película homónima que hizo saltar a la fama a Félix Sabroso y Dunia Ayaso, llega a la cartelera madrileña esta obra que nos habla de la pasión de tres hombres por Lucas, el mazizorro de turno. Desgraciadamente, Lucas acabará acribillado a cuchillitos de celos y pasión y el texto sigue así de alocado y estrambótico. Seguramente ustedes ya hayan visto la película y sepan de qué va la historia, pero es interesante ver cómo se ha adaptado al teatro y además se ha intentado hacer un musical con ella. La verdad es que no es un musical en el propio sentido de la palabra, es una obra de teatro con canciones de por medio, una comedia musical, o como ustedes quieran llamarlo… me refiero a que las canciones no son lo más importante en la obra, son un condimento y con los condimentos conviene no pasarse o se estropea el cocido.
Lo importante es que se ha mantenido el estilo de la película adaptándola a los tiempos modernos y creando una escenografía fluida e impactante que da ese dinamismo policíaco que esta obra necesita. Los actores saben manejarse muy bien dentro de sus papeles, midiendo bien los límites para no caer en algo que podría parecernos mediocre, a pesar de que tienen que interpretar unos estereotipos muy marcados para dar carácter a su papel y en esto ha intervenido la dirección de Israel Reyes.
Si quieren pasar un buen rato y «desconectar» con una comedia liviana para este calor acérquense a ver al buenorro y pobre Lucas.
Luis Mª García
¿Hacemos un trío? en el Teatro Nuevo Alcalá
Hay espectáculos que tienen un texto sugerente, hay espectáculos que tienen un elenco potente, hay espectáculos que suman texto, música, canciones y bailes, hay espectáculos que te hablan de la vida, hay espectáculos que te hacen viajar a través del cañón de una luz, hay espectáculos de formato pequeño que empujan las paredes de la sala para construir un escenario de mil metros cuadrados, hay espectáculos que se acercan al patio de butacas y al tiempo te hacen volar por las historia de las canciones que todos hemos tarareado alguna vez y hay espectáculos que resultan de complicidades generosas de profesionales de larga trayectoria que devuelven el sentido a este viejo arte del teatro. Ayer reí, me emocioné y disfruté de «¿Hacemos un trío?» en la Sala II del Teatro Nuevo Alcalá por todo lo que he escrito al principio, porque todo ello está en este espectáculo humilde en su producción pero generoso y bello en su realización. Solo quedan dos funciones, si quieren pasar cerca de dos horas bajo las tulipas volcadas de las mesas de un cabaret, no lo duden, acudan a ver este espectáculo…Les entrarán ganas de lanzarse al escenario y sumarse a este trío.
Adolfo Simón
Carrete de Málaga en el Corral de la Morería
El tablao flamenco más famoso del mundo, y lo es por derecho, ha presentado estos días sus Noches Brujas, que terminaban el sábado pasado, 29 de junio, con Carrete de Málaga, quien dando las gracias dijo “este hombre que no sabe hacer otra cosa que bailar”, ni falta que te hace, cuando uno ama el flamenco, como todos los amores hay veces que sufres, porque no todo es lo bello que uno quisiera obtener de lo amado, el sábado en el Corral de la Morería, Carrete, por ser hijo de la Carreta, rebosó de magia el ángulo recto en el que se encuentra el escenario del tablao, y los cantes de su grupo, y los maravillosos zapateaos del maestro se metían en el alma y los corazones de quienes asombrados, dada su edad, vimos como el arte se hacía realidad, ARTE con mayúsculas de ese que no se sabe explicar, que se mueve por las venas y te hace sentir y volar, los aplausos eran recios y fuertes, los olés llenaban el aire y el corazón por un instante, o eso crees, una hora y media de baile, estalla de sentimientos y uno se alegra de estar vivo y poder contemplar eso, ni que decir de la bailaora guapísima que ponía la piel de gallina con su arte y su belleza y de quien siento mi torpeza por no recordar su nombre. Que no paren nunca las Noches Brujas y que viva el arte y viva Carrete de Málaga.
Ángel Savín
Lointain intérieur de la Compañía Le Théâtre du Cristal en el CDN
Lointain Interieur mezcla poemas, música en escena, magia y coreografías para hablar de un mundo complejo. El Théâtre du Cristal confronta el mundo del teatro con el mundo de la discapacidad con un doble objetivo: crear una estética nueva y fuerte dentro de la creación contemporánea, luchar contra la exclusión social de las personas con discapacidad o con enfermedades mentales, poniendo de manifiesto sus capacidades artísticas para el oficio de actor. Y su objetivo lo consiguen en esta propuesta intensa y comprometida en la que nadie está de adorno, todo el equipo se implica de la misma manera para conseguir un resultado sin fisuras, totalmente profesional.
Adolfo Simón
Les Follies París-Berlín-New York en el Teatro Alfil
El Burlesque ha sido y sigue siendo una respuesta artística a los tiempos de crisis y a las épocas de cambio social. Así fue en el París de finales del XIX, en los “locos años 20”, en el Berlín de entreguerras y en la euforia americana de la post guerra. Cristiane Azem nos propone un recorrido sátiro, sexy y colorido por la evolución del burlesque: de la bohemia parisina de la Belle Epoque a la locura de los años 20, entre flappers y Charleston; de ahí a la sátira y sordidez del Cabaret Berlinés, entre muñecas rotas y ritmos militares; y finalmente al swing, al jazz y al rock and roll de las Pin-Ups y los musicales de Bob Fosse. Ambicioso objetivo se proponen este grupo de artistas, recorrer el siglo XX en dos horas de espectáculo y aún así, hay momentos deliciosos en la propuesta, sobre todo a partir de la aparición de la emulación de la mítica Jhosepine Baker y su célebre traje de plátanos, a partir de aquí, los momentos de solos o pocos componentes tienen fuerza, los de grupos grandes pierden fuelle. El vestuario es delicioso.
Simón Ribes
Broche de oro para cerrar el Festival de Otoño a Primavera
Tras visitar hace apenas dos años España con La comedia de los errores y Ricardo III, metiéndose en el bolsillo a espectadores y críticos, la formación británica Propeller, especializada como nadie en la interpretación de las obras de Shakespeare, regresa de nuevo a los escenarios madrileños con dos nuevas producciones: Twelfth Night (Noche de reyes) y The Taming of the Shrew (La fierecilla domada). Una de las mejores comedias de amor y enredo de Shakespeare, Twelfth Night (Noche de reyes), narra una enrevesada historia de confusión de identidad, transformación y decepción. Con un hombre interpretando a una mujer disfrazada de niño, ilusión y realidad son casi indistinguibles en la isla de Ilyria ideada por Propeller. Oscura y encantadora, la obra se pregunta sobre lo que ocurre cuando te enamoras de la persona equivocada, y la respuesta es al mismo tiempo hermosa y agridulce.
El estreno absoluto de Twelfth Night (Noche de reyes) tuvo lugar en el Belgrade Theatre de Coventry el 8 de noviembre de 2012. Habitualmente, esta obra se representa con aire de vodevil, de líos entre unos que van y otros que vienen, entre los intereses de los que mandan y la aceptación del juego por parte de los que obedecen, sin embargo, en esta propuesta de Propeller aparece un inquietante atmósfera en la que el juego de travestismos y máscaras, agudiza la sensación de confusión sobre lo que se desea realmente.
En The Taming of the Shrew (La fierecilla domada), dos clamorosos pretendientes disfrazados compiten por la mano de la hermosa Bianca, mientras Petruchio, en busca de la fortuna de su progenitor, accede a contraer matrimonio con su malhumorada hermana Catalina. Una historia insolente, brutal y oscuramente cómica, en la cual la diferencia entre casarse por amor y casarse por dinero parece cada vez más difícil de juzgar. Shakespeare escribió probablemente The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) entre 1590 y 1591, casi al principio de su carrera, y Twelfth Night (Noche de reyes) en 1601, en su época de mayor apogeo, más o menos al mismo tiempo que Hamlet. Sin embargo, ambas comedias abordan temas comunes como el amor, el matrimonio, la transformación y las decepciones que la verdad revela. Ambas obras exploran de forma hermosa cómo el estar enamorado de la persona equivocada hace que afloren los verdaderos sentimientos, al tiempo que nos incitan a examinar qué es lo que realmente nos hace alcanzar la felicidad. El estreno absoluto de The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) tuvo lugar en el Teatro Real de Norwich el 24 de enero de 2013. En cada adaptación que se ha hecho de esta obra, aparece el pulso divertido entre la fierecilla y el domador, aquí, en cambio, dan un giro a ritmo de musical de jazz para mostrarnos la dureza que los hombres ponen en juego cuando su deseo se cuestiona.
Ha sido un broche perfecto para cerrar este Festival que ha ido apareciendo y desapareciendo de la cartelera, dándonos pequeños placeres puntuales.
Adolfo Simón
The old lady ante the Beast de Theater Meschugge-Ilka Schönbein en el Festival de Otoño a Primavera
Hasta el 26 de mayo se puede disfrutar de una pieza exquisita e inquietante en la Sala Cuarta Pared: The old lady ante the Beast. Al programa primaveral del Festival acude una artista de fascinante personalidad: Ilka Schönbeing que tiene una larga trayectoria en la escena y en este espectáculo se recoge todo ese periplo que se nutre de otras corrientes artísticas de la segunda mitad del siglo XX. Su propuesta podría ser el cocktail resultante de unos gramos de Arrabal, Kantor, Jodorowski y Pina Bausch. Dicho así parece un producto indigesto y sin embargo, es placer para dioses ateos. Hay una mezcla entre popular y virtuosismo en este espectáculo que lo hace único. Durante casi una hora y media nos atrapa un ser que vaga entre la locura del delirio y la monstruosidad del cuerpo, un espacio desde el que gritar: Viva la muerte!.
Adolfo Simón
Ghost Road en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
La vejez en nuestra sociedad no es un valor, más bien se piensa que los viejos no tienen lugar y puede ser cierto porque su tiempo no corresponde al presente y por tanto se ignora la memoria que se acumula en sus arrugas. Es curioso como un joven director como Fabrice Murgia haga un canto poético en defensa de los viejos y su periplo vital, de como el tiempo desgasta las cosas pero mantiene los recuerdos intactos. También hay en este extraño y hermoso espectáculo una mirada sobre la naturaleza como ese mundo que se evapora en las grandes ciudades y de la necesidad de ir a recuperarlo aunque sea atrevesando desiertos. En este montaje hay muchos elementos de documental y road movie pero se intercalan perfectamente en un teatro extraño a medio camino entre el musical operístico y la instalación plástica. Dos actrices virtuosas de más de setenta años llenan la escena de silencio y poesía durante más de una hora.
Adolfo Simón
Ay! Carmela, el musical en el Teatro Reina Victoria
Innovadora versión musical de la exitosa trágicomedia ¡Ay,Carmela! protagonizada por Inma Cuesta, Javier Gutiérrez y Marta Ribera Con temas originales de Víctor Manuel, Vanesa Martín, Pedro Guerra y el cancionero popular español, dirigida por Andrés Lima. No es de extrañar que el teatro estuviese lleno cuando fui a ver la función, seguro que el boca a boca hará que el público siga acudiendo de forma masiva para ver este musical español…Por fin se ha conseguido crear un espectáculo que no es la reproducción de un musical extranjero si no algo genuinamente español en el buen sentido de la palabra. La historia que se cuenta nos concierne y para ello se han elegido aquellos pasajes esenciales de la obra de José Sanchís Sinisterra. Y a ellos se han intercalado canciones que parece fueron escritas para esta fábula. Además no es un espectáculo prepotente como suelen ser los que se programan en la Gran Vía, todo está a la medida precisa para contar las aventuras de este familiar dúo que son Carmela y Paulino. Tanto el espacio escénico como la luz, el vestuario, los audiovisuales o la música en directo, acompañan a un equipo fantástico de actores que llenan de emociones diversas el escenario del Reina Victoria.
Adolfo Simón
Musicales atípicos en el Festival de Otoño a Primavera…
Lo seres marginales, los málditos…los barrios lumpen…siempre son estupenda materia para el teatro, para el drama. Este fin de semana, en Madrid se han mostrado dos espectáculos hermanados en contenido y forma. Musicales atípicos para hablaros del ser humano y sus miserias…su luz.
Miss Knife chante Olivier Py
Travesti incandescente, mezcla de ternura, ironía y tristeza, Olivier Py crea caracterizaciones a partir increíbles combinaciones de sabores al caer cada noche. Miss Knife, el personaje que ha presentado en Madrid de la mano del Festival de Otoño a Primavera, nació una velada cualquiera casi como por casualidad y, poco a poco, comenzó a encandilar al público en multitud de lugares y actuaciones con una suave y seductora voz. Recostada entre un piano y un contrabajo, de la mano de cuatro músicos de gran talento, el calor de los espectadores fue el empujón definitivo para que esta obra, Miss Knife chante Olivier Py, se conformó finalmente como tal en 2012. Olivier Py se transforma sobre el escenario en diferentes figuras femeninas a golpe de lujosos cambios de vestuario, rodeada de plumas negras, con multitud de joyas sobre sus trajes o, incluso, con un sombrero de copa, siempre encaramada a unos tacones de aguja que parecen infinitos. En todas sus versiones, logra emocionar con recitales sobre las esperanzas frustradas de los amores insólitos, los sueños pisoteados y los placeres sombríos. El público, entre tanto, escucha también la melodía del corazón que surge de poemas que le reconcilian con el mundo. Sumisión, dominación, humor y burla salen a escena en un recital absolutamente fuera de lo común. Explosivo y brillante, Miss Knife chante Olivier Py es un espectáculo visceral, donde la abrumadora cara de la diva que se esconde tras unas flamantes pestañas revela también a una triste cantante de cabaret. Un espectáculo a medio camino entre el cabaret literario y el shown provocador de un performer contemporáneo.
The Animals and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las calles) de 1927
1927 se ha convertido en una de las compañías emergentes más imprescindibles de la escena contemporánea europea tras el rotundo éxito de su primera producción, Between the Devil and the Deep Blue Sea, estrenada en el mítico Festival Fringe de Edimburgo en el año 2007. La formación londinense regresa ahora con su segundo montaje, donde retoma las claves de su aclamado debut, fusionando diferentes formas artísticas y dejándose llevar por la estética del cine mudo, para mezclar el teatro y la música en una obra única, entretenida y fuera de lo convencional. Sincronizando a la perfección música en directo, interpretaciones y narraciones con impresionantes películas y animaciones, 1927 presenta en el Festival de Otoño a Primavera The Animals and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las calles). La pieza narra la perversa y retorcida historia de Bayou, el barrio más temido y odiado de una infame ciudad, donde los mirones que ojean tras las cortinas viven pared con pared… y donde el lobo acecha siempre tras la puerta. Como una novela gráfica que cobra vida, 1927 invita al público a un viaje teatral de sorprendente originalidad, en el que el espectador no podrá fiarse ni de su propia sombra. Una propuesta que bebe de todos los lenguajes expresivos para hacerlos confluír en la escena como si ese fuese su espacio natural. Un cuento terrible y fascinante que nos atrapó en el patio de butacas durante el tiempo que duró la representación
Adolfo Simón
«Oh! Strass» en el Teatro Arenal
Hacer un musical de revista con los tiempos que corren es arriesgado. Damián Giménez se ha lanzado al vacío y ha arrastrado a Supremme Deluxe, Ana Torres y Néstor Gutierrez con él.
El resultado ha sido una revisión de esos cuplés y temazos que han entretenido a nuestros abuelos y padres y…por qué negarlo, a nosotros mismos, y que nos transportan a otras épocas en las que la pluma y el brillo, la lentejuela y la pestaña, los escotes y los pantalones ajustados de los bailarines hacían las delicias de un buen sábado noche y nos ponían a tono para lidiar con la parienta (o el pariente). En estos días de crisis vuelven el destape y la picardía para recordarnos que la revista española ha tenido una importante función social con esos tangos, cuplés, vedettes y glamour que nos hacían olvidar las penas y disgustos de toda la semana, de todo el mes, de todo el año…
En este espectáculo podemos encontrarnos también con números de revista argentina de los años 70 que nos darán una idea de que lo que allí se vivía era muy parecido a lo que pasaba en España.
Sin embargo la Revista aparece actualizada por la introducción de un elemento que no existía en los 70… la Drag Queen. Supremme ejerce la función de vedette cómica e improvisadora de monólogos y diálogos con el público que hace que el tiempo se pase volando en la preparación del siguiente número.
Todos los miércoles a eso de las 10, para los que la añoran la revista y para los que la quieren descubrir: «Oh! Strass».
Elepé de Carlos Be en La casa de la portera
En La casa de la portera he viajado a todos las épocas y mundos a lo largo de este año de existencia del peculiar lugar…Anoche viajé a los ochenta; los que en esa década ya andábamos trasnochando por Madrid, volvimos a pisar las noches de la movida en la calle Abades…La transición y la movida parece que ahora son temas de interés teatral: Mirar sin ira aquel tiempo. Hay varias propuestas en la cartelera que recorren musicalmente aquellos años pero lo hacen desde esa forma musical donde se enlaza una canción tras otra, sin dramaturgia ni compromiso. Todos tenemos nuestra propia banda sonora, esa que cantamos en la ducha o en el pasillo de casa con una toalla como peluca. Elepé tiene los componentes apropiados para que todos sintamos que están contando nuestra historia emocional acompañada de las canciones que hemos tarareado alguna vez volviendo a casa de madrugada, tras un polvo fallido. Elepé da un giro en la dramaturgia de Carlos Be que abre muchas posibilidades, tiene elementos para seducir al gran público sin dejar de lado su personal sello como autor…Hay una historia que se cuenta sin necesidad de dar la mano a Aristóteles y la puesta en escena que el propio autor realiza es ingeniosa, divertida y emotiva…Un melodrama exquisito. Para que este plato agridulce llegue a nuestro paladar hay muchos elementos de apoyo…una adaptación musical estupenda, un espacio escénico que nos transporta a los pubs de aquel tiempo, un vestuario singular y sobre todo…unos actores que viajan de la emoción a la acidez sensacionalmente. Los grandes musicales no son esos que aprietan tema tras tema, son aquellos en los que las canciones forman parte de la historia que se cuenta y que se cuelan en medio de un diálogo, a estos pertenece Elepé…No se la pierdan.
Adolfo Simón
Ciclo de música teatralizada
El Canal presenta un ciclo de música teatralizada con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (Orcam)
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| Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el Ciclo Solistas de la ORCAM, a cargo de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (Orcam) con la dramaturgia y el espacio escénico a cargo de Ángel Ojea. En los conciertos, que serán los días 23 y 30 de abril y 7 de mayo, se interpretarán piezas de Luis de Pablo, Ernst Krenek, Jesús Torres y William Walton.
WHAT PRICE CONFIDENCE, ópera de Ernst Krenek 23 de abril 2013 – 20.30 h What price confidence, de Ernst Krenek, cuenta la historia de dos parejas que entrecruzan sus relaciones matrimoniales para demostrarse cómo la confianza resulta la pieza clave para la sustentación de toda relación afectiva. Gloria y Richard son amantes y para seguir adelante con sus planes, Richard debe ganarse la confianza de Edwin, marido de Gloria; para ello, logra que acepte un cheque sin fondos. Al verse engañado, Edwin se da cuenta del engaño de Gloria y trata de suicidarse. En el último momento, Vivian acierta a pasar por el lugar y logra pararle; surge en ellos el amor al verse correspondidos en el ejercicio de la confianza mutua y al verse engañados por sus respectivas parejas. Al final, Vivian y Edwin deciden seguir juntos y abandonar a su suerte a sus engañosas parejas. Intérpretes: Cuarteto vocal CAVATINA: Mercedes Lario, soprano; Marta Knörr, mezzosoprano; Felipe Nieto, tenor; José Bernardo Álvarez, barítono; Mª José Muñoz, flauta; Nerea Meyer, clarinete; Piano y Dirección Musical: Aurelio Viribay; Dirección Escénica: Angel Ojea; Diseño de iluminación: Bernat Caminal; Diseño de vestuario: Déborah Macías. ORIENTE/OCCIDENTE 30 de abril 2013 – 20.30 h Parade, de Guo Weijing, para 3 percusionistas / Splendens, de Jesús Torres, para marimba, vibráfono y piano / Masque de Luis de Pablo para flauta, clarinete, piano y percusión / Complainte, de De Quin Wen, para 3 percusionistas y actor-percusionista. En Oriente/Occidente se interpretan piezas de percusión de dos compositores chinos y otros dos españoles, jugando con la idea de confrontar ambos mundos. La escenificación parte del juego dialéctico entre ambos continentes; a través de la Ruta de la Seda, la epopeya de Gilgamesh, el viaje iniciático del dios Baco o las campañas militares de Alejandro Magno, todos ellos referentes que gravitan sobre la búsqueda de nuevos horizontes, nuevos mundos y culturas, nuevas músicas: una invitación al público de un viaje de ida y vuelta realizado por el ser humano desde tiempos inmemoriales, sin moverse de la butaca. Intérpretes: Concepción Sangregorio, percusión; Alfredo Anaya, percusión; Eloy Lurueña, percusión; Jaime Fernández, percusión; Mª José Muñoz, flauta; Salvador Salvador, clarinete; José Segovia, piano. Coordinación Musical: Eloy Lurueña. Diseño de iluminación: Bernat Caminal; Diseño de vestuario: Déborah Macías; Dirección Escénica: Angel Ojea. FAÇADE, de William Walton 7 de mayo 2013 – 20.30 h Façade, de W. Walton, se ha inspirado en un ciclo de poemas de Edith Sitwell. A partir de los textos, se desarrolla una futurible historia de una biblioteca que va a ser cerrada a consecuencia del uso masivo y extendido de los dispositivos electrónicos y los recursos digitales. Los libros van a ser un elemento de archivo porque nadie los utiliza. La última noche antes de la recogida, la bibliotecaria, a modo de despedida de su lugar de trabajo, hará un recorrido por los diferentes pasillos de libros, por los diferentes mundos poéticos que desparecerán de sus pasillos. Intérpretes: Ana Naranjo, flauta/flautín; Ana Ruiz, oboe; Josep Arnau, clarinete/clarinete bajo; Manuel Miján, saxo; Eduardo Alaminos, fagot; César Asensi, trompeta; Óscar Benet, percusión; John Stokes, violonchelo; José Segovia, piano; Nuria Benet, recitadora; Diseño de iluminación: Bernat Caminal; Diseño de vestuario: Déborah Macías; Dirección musical: Alfonso Martín; Dirección escénica: Ángel Ojea. Más información en: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ciclo-solistas-de-la-orcam/
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La serva padrona en el Teatro Real
La compañía Etcétera está presentando en el Teatro Real la ópera bufa más famosa de todo el repertorio: La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi. En ella, cantantes y títeres se confunden entre el juego teatral y la magia que propone la ópera, potenciando los códigos de la commedia dell’arte. La ópera se estrenó en Nápoles, en mil setencientos treinta y tres y está considerada como la primera obra maestra de las óperas bufas. Fue compuesta como intermedio de una ópera seria y larga, su duración es de cuarenta y cinco minutos repartidos en dos actos que correspondían a los dos intermedios de la ópera que se representaba, después se escenificó ya con enorme éxito en toda Europa como ópera de repertorio. El espectáculo está dirigido a público familiar y a niños a partir de siete años. No deben perderse, alguna de las funciones que quedan este fin de semana, todo aquel amante del bell canto y del mundo de los títeres, en esta propuesta, ambos lenguajes de dan la mano creando un espectáculo preciosista.
Adolfo Simón
El intérprete de Asier Etxeandia en el Teatro de La Latina
Por el Teatro de La Latina han pasado grandes intérpretes de teatro y musicales, una de las últimas, la gran Concha Velasco. Pero también se han paseado por sus tablas Celia Gámez y Lola Flores entre muchos… Asier es un animal escénico y tenía que llegar el momento en que se enfrentase a solas con el toro de los amigos invisibles, el público. El intérprete es un extraño cabaret rockero en el que Asier nos lleva de la mano hasta la intimidad del camerino para afeitarse el bigote mientras se pinta los ojos para poder ver más lejos. Allí nos contará un cuento pop de terror en el que un niño huye de la realidad cantando canciones contra la pared. La música que se cuela por las rendijas, desde rancheras a boleros y desde rock a música glam…iran conformando la banda sonora de la que se alimentará el alma solitaria de ese niño que transmuta bajo el influjo de la luna. Asier inicia el espectáculo con unos cánticos casi místicos y termina en una danza ritual y tribal. Por el camino se deja la garganta y el cuerpo en un paisaje donde los niños juegan a la ruleta rusa para sentirse amados.
Adolfo Simón
Donde mira un ruiseñor cuando cruje una rama en el Teatro Español
Hugo Pérez director, dramaturgo y escenógrafo, llega desde su sede habitual en TribuÑ, a la Sala pequeña del Teatro Español y nos presenta desde el 20 hasta el 31 de marzo, una pieza barroca, entroncada con el Auto Sacramental, yo creo que lo es. Plena de imágenes, él utiliza muy bien los espacios escénicos y les da profundidad y crea planos superpuestos, que carga con el barroquismo más puro de la imaginería española, utiliza un vestuario espectacular y nos trae a una sala de teatro las imágenes vivas de lo que en estos día procesionará por toda la geografía española. Más allá de la propia creación, el texto es del mismo Hugo, bajo la dirección musical de Mikhail Studyonov, nos hacen regresar al tiempo en que todo era posible y creíble, el arcángel San Gabriel vigila a María niña, quien a su vez es cuidada con primor por Ana, su santa madre, y la llevan a ser la reina de los cielos transformada de virgen niña a virgen dolorosa que porta el dolor del mundo, creo que es una explosión espiritual de Hugo Pérez que pone como guinda, pese a su todavía juventud, a ya una dilatada carrera. Hay que destacar el elenco al completo por su capacidad de limitar el movimiento y por hacer gala de unas voces magnificas, el público así lo agradeció con bravos y muchos de ellos puestos en pie.
Ángel Savín
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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