JOSÉ PIRIS: Hay una cosa que tiene el teatro que no lo tienen otras artes, es un encuentro vivo, una ceremonia antiquísima que la evolución de nuestra civilización no ha logrado destruir, dada su belleza y profundidad.

¿Cómo surge el proyecto de Puntadas sin hilo?…Háblanos del montaje…
Tras coincidir con Oti Manzano en un laboratorio del universo del clown que dirigí en Almería, “Argonautas del S.XXI”, y tal vez empujados por este impulso, Oti me llamó un día invitándome a dirigir una comedia diferente. Un texto de Margarita Sánchez donde cada relato viajaba en una órbita, y sigilosas puntadas sin hilo unían con pequeñas casualidades estos textos protagonizados siempre por un “él” y por un “ella”.
Leí cuatro veces el texto en un viaje Madrid-Granada. Cada vez entendía menos…Hasta que al final llegué a la conclusión de que no había nada que entender, que lo esencial lo descubriríamos levantando sobre las tablas aquellas historias que oscilaban entre lo inverosímil y lo extremamente real.
En mi primer encuentro para hablar del texto con Margarita, invitada por Oti me recibió con un antifaz de plumas en la cara presentándose como la hermana de Michael Jackson, el resto del encuentro se lo pueden imaginar. La saeteé a preguntas que fueron respondidas con cuestiones que enmarañaban aún más el hilo.
Desde este momento entendí que encajaba a la perfección en este proyecto, quién mejor que un payaso llamado Garabato para dirigir una excéntrica historia enredada en sí misma.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Miguel de Juan trabaja conmigo desde 1996 como miembro de mi Cía. Piris & Mimox. Tras probar a varios actores sin mucho éxito, que Oti y yo le invitáramos al proyecto significaba apostar a caballo ganador, contar con un equipo redondo.
Qué decir de Oti, en mis casi 30 años de experiencia entre los telones pocas veces he visto una valentía y amor por el oficio como el de ella, un soplido constante de optimismo que ha hecho navegar piano piano a este bajel.
Todo desde el principio funcionó como un curioso artefacto que se iba construyendo sobre sí mismo. Cada uno de los resortes, engranajes y dinámicas creaba nuevas estructuras y universos en este particular juguete, escrito entre la sombra del thriller y el descaro de la comedia. Tras tres meses de trabajo de dramaturgia preparando el texto que luego se erguiría sobre la escena, la ya poseída Oti y yo inoculamos a Miguel el juego y la obsesión por desenmarañar esta historia situándola en el tiempo y en un particular espacio frente a una puerta. En la creación de la puesta en escena los dos actores han sido parte fundamental, diría más, imprescindible. Se podría hablar de una creación colectiva que yo he orquestado desde fuera. Miguel de Juan como ayudante de dirección ha tomado las riendas del proyecto en más de una ocasión, incluso llegando a crear nuevo texto en la obra. Con dos actores visceralmente tan carismáticos y tan creativos en su cosmos de improvisación, las puntadas, aún sin hilo, han sido siempre certeras. Rubén Martín fue el último en sumarse al proyecto y sin duda una de las piezas indispensables para que este juego inter-dimensional de espacios tiempos y lugares fuera posible, el espacio sonoro, y especialmente la iluminación y sus atmosferas, son un partenaire más en este baile entre lo meta-teatral y lo cinematográfico. Con estos y el resto de los aplicadísimos miembros de este equipazo, quién dijo miedo, estábamos ya listos para derribar la puerta.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
Bueno, creo que los artistas en todas sus creaciones son herederos de otros artistas que les han seducido, y cómo no, de sus propios maestros. Marcel Marceau siempre está presente en los ensayos. El espíritu de mi maestro siguió desde un rincón de la platea cada una de las tardes de ensayo, estoy seguro de que los maestros de Oti y de Miguel ocupaban otras localidades en el patio de butacas. La ilusión que nos hace ver las cosas cuando no están ahí fue herencia de este maestro del mimo. Las cosas que están ahí y parecen no estar fueron tomadas de la visión de Jacques Lecoq; nada que esconder, también el delimitar el espacio en el suelo como ya hizo Lars Von Trier en “Dogville”. Personajes inspirados en las máscaras de Fellini cual clowns perdidos en el tiempo, entre la estética de “Delicattessen” y “Scooby-Doo”. Cuerpos metamórficos que con una actitud, un peso, una mirada, una voz, un gesto, un carácter, cambian camaleónicamente con una simple prenda. Un dinamismo cinematográfico que ha influenciado la obra con mil cambios y flashback que generan una dislexia en el tiempo necesaria en todo suspense, y cómo no, la fuente de inspiración más auténtica, la propia vida y su recreación delirante sobre la escena.

¿Por qué haces teatro?…
Iba a responder: “porque no se hacer otra cosa”, pero mentiría, pues pinto, dibujo y escribo en mi estudio, enseño y desarrollo mi pedagogía en mi Escuela Internacional de Teatro, el Nouveau Colombier. Viajo por el mundo actuando y compartiendo. Pero hay una cosa que tiene el teatro que no lo tienen otras artes, es un encuentro vivo, una ceremonia antiquísima que la evolución de nuestra civilización no ha logrado destruir, dada su belleza y profundidad. En ella se encuentran todos los oficios que me gustan y puedo hacer, en escena pinto y escribo, actúo y confecciono. Hace tiempo supe que no era un oficio para ser afortunado económicamente hablando pero sí en el día a día, en sentirse realizado. Poder levantarte cada día sirviendo al arte al que amas es todo un privilegio, y poder vivir, aún modestamente de él, es otro más grande, pues permite que puedas dedicar tu existencia al hermoso arte que recrea nuestra vida.
Soy especialmente social, poder trabajar y compartir mi tiempo con personas y artistas como los de este proyecto, me hace aprender tanto de ellos como del ser humano, de la valentía a creer en el espacio que es legitimo al arte.
Hace tiempo entendí que la mejor manera de cambiarme era el teatro, de descubrirme, de aceptarme, mediante este antiguo oficio, hoy puedo expresarme, y hablar del mundo y de lo que siento en él con gran libertad. Si queremos cambiar las cosas primero debemos aprender a cambiarnos a nosotros mismos. Con el teatro intento ser, intento dialogar con el mundo, intento recrearlo desde otros lugares, como si pudiera descomponer la realidad para armarla en un lenguaje que va mas allá de lo racional y que tiene mucho que ver con lo emocional. Creo que tengo el privilegio y la responsabilidad de dedicarme a un arte que es un testigo expuesto de la realidad a la que pertenecemos, el Arte del Teatro y su poética.

¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?… Háblanos de los más recientes…
Hacer el balance de 62 trabajos creados y dirigidos sería una empresa demasiado pretenciosa por mi parte. Ahora sí, si tengo que ver algo particular en todos ellos encuentro un común denominador que aparece en mayor o menor medida; el cuerpo y su poética.
El cuerpo metamórfico es el detonante de un lenguaje expresivo que oscila en múltiples estilos y que tiene como invitada principal la ilusión. En la ópera, en el circo, en los ballets, en los performers, en el teatro clásico, en el contemporáneo, en el de calle, en lo audiovisual, en lo experimental, etc… En todos estos formatos en los que he experimentado, el cuerpo es el protagonista. Su plasticidad, su capacidad dramática, su habilidad para la transformación, sus diferentes naturalezas en géneros y estilos precipitan a este arte sobre una inevitable rotundidad en el universo absoluto de la creación. Me hace entenderme no sólo como un director de escena, sino más bien como un artesano del teatro capaz de escribir, dirigir, representar, sentirme un ‘todo’ con el todo, algo que desgraciadamente por la incipiente presión de las especialidades está mal visto.
Aún recuerdo mis primeros trabajos allá por el ’92, como, torpemente, iban cayendo en la seducción de la magia del teatro. Después de tantos actores, de tantos estilos, de tantas historias, plasticidades y formatos, uno se siente con más experiencia pero no con la seguridad de tener más honestidad, aunque en ello se me vaya la vida.
Los últimos trabajos que me resultaron muy significativos fueron como creador; El Sueño de una Noche de Verano, La Nave de los Locos, Romance de Lobos, Divinas Palabras, La MásCara de las Bodas, La Creación del Mundo. Como Director; El Juicio a los Humanos, Invokation Circus, Las Farsas Maravillosas, El Deseo, Muere Julio César y Welcome entre otras. Curiosamente son obras que han durado varios años bajo cartel y muchas de ellas aún se pueden ver programadas. Como se adivina en los títulos, son de orden muy diferente pero al mismo tiempo todas han requerido de una dedicación minuciosa y dilatada en su concepción. Dirigir es realmente un acto de fe, y esto me enseña cada vez que le hago frente a un trabajo.
Al fin y al cabo, un director no es más que aquel que da la dirección; un timón. Es el viento con su antojo y la nave con su gallarda certidumbre, que habrá de llevarnos a puerto en este viaje.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Lo que veo no es lo que creo. Lo que veo es que el arte escénico está supeditado al yugo del sistema comercial. Lo que creo es que debiera de ser la prueba fiel de nuestra existencia, un retrato que valiente, ose reflejar la realidad absurda, delirante y divina a la que pertenecemos.
Cuando presumimos de otros períodos históricos nombramos siempre a grandes artistas que abanderaron cada momento de la historia: Miguel Ángel, Rafael, Fidias, Van Gogh, Shakespeare, Mozart…¿Cuáles serán los nombres que representen nuestra época?, ¿Tenemos de quién presumir? ¿Qué innovaciones hemos aportado al mundo del teatro en nuestros días? ¿La tecnología? ¿El reality show?
Creo que el arte escénico tiene que divertir, pero no puede quedarse sólo en un parque de atracciones, tiene que ser capaz de divertir para atraer, para magnetizar, para interesarnos, para hacernos reflexionar, y por qué no, para cambiarnos. El teatro es un arte de ceremonia donde no sólo es el protagonista el actor, sino todo un gran equipo de profesionales y aún más importante, un público que vive en el ‘aquí y ahora’; un rito transformador.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Pues mal, muy mal. Más de un 50% de la profesión han cerrado sus compañías, productoras y teatros, estrategia muy bien armada que buscaba el estado. El teatro hace pensar y al estado no le interesa que la gente piense, seguramente esto ya lo habían oído, pero qué mejor que atacar a la médula económica empresarial de un oficio para que éste no funcione. Con lo que no contaban ellos es que el arte de la escena en los últimos años se puso de moda, mientras que nuestros mayores lo despreciaban como profesión, puesto que los actores siempre habían sido considerados como seres marginales, hoy en día es muy fashion aparecer en los fotocall de turno. Y claro, cuando uno en este oficio ve que la cosa se pone difícil, que ya no hay más subvenciones, y que el día a día se pone cuesta arriba, generalmente sólo quedan aquellos artistas que tienen verdadero amor por este oficio, aquellos que no pueden hacer otra cosa más que entregarse incondicionalmente a las alas de Talía. Ser perseverante y profundo, honesto y leal a tus principios en el arte es difícil cuando una tempestad llamada ‘crisis’ viene acompañada de la subida del I.V.A, sobretodo contemplando que los toros, llamados ‘arte’ por nuestra nación, no están sujetos a estos cambios imprevisibles sobre la entrada. Pero eso sí, no piensen que esto sólo nos afecta a los artistas de teatro, el primer afectado es el tejido social del público, que poco a poco se va empobreciendo, adormeciendo su sensibilidad, arrinconándola frente a un programa morboso de televisión.

¿Proyectos?…
En la actualidad, son varios montajes que se encuentran en cartelera, trabajos de los cuales ocuparse no es poca tarea. Además de estos proyectos, ya iniciados este año, prepararé una nueva creación escénica en el seno de mi compañía Mimox, un nuevo mimodrama que no sólo voy a dirigir sino que protagonizaré. Casi 8 años han pasado desde la última vez que protagonicé un trabajo para la compañía, es más, son ya 5 años que no he montado un espectáculo producido por MIMOX, es el momento de retomar…
Mi respuesta a los que me preguntaban que por qué he dejado pasar tanto tiempo, era la siguiente: ”no tengo nada que decir sobre las tablas en primera persona”. Hará un año comencé este nuevo proyecto, que a mi juicio es muy interesante dada la escasez de este tipo de espectáculos de mimo moderno. Por otro lado los años me han hecho entender que hay ciertas tipos de teatro que siempre tienen que ser vistos, y cuando tu te dedicas a un oficio tan bello y a la vez tan extraño de ver en escena hoy en día, no te faltan razones para levantar el telón.
Otro de los proyectos que me tiene concentrado en la actualidad es la proyección internacional de la pedagogía teatral en la que llevo trabajando desde hace 15 años, la Pedagogía Nouveau Colombier. Una pedagogía pionera en el mundo que sintetiza las tres corrientes de mayor relevancia en el S.XX, corrientes que heredé de mis maestros durante mis años de formación en Europa; Marcel Marceau, Étienne Decroux y Jacques Lecoq, una nueva pedagogía sobre la que se instala el trabajo de mi escuela. Junto a Arturo Bernal, Diana Bernedo, Claudia De Siato y Carlos Varela desarrollo esta visión sobre el teatro de creación y la poética del cuerpo, transmitiéndola en todos los países que visito anualmente. Este trabajo fue comenzado en el IAME en Europa para posteriormente, como investigador y profesor, desarrollarlo en la RESAD y otras universidades de artes escénicas, como University of Kent, hasta enmarcarlo desde hace 8 años en mi propia escuela.
A estos proyectos se suma una nueva obra de teatro en la que estoy trabajando, ‘Tres, el número de Dios’ de Iago García, protagonizada por éste, Deidi Lucas y donde yo cierro el triángulo. Actuando junto al Payaso Alex Coelho en gira con los espectáculos ‘Bon Appètit’ y la ‘Cuestión del Rey’. Otra de las obras previstas a montar en el próximo trimestre es una obra de variedad musical ‘Volar’, al más puro estilo del París bohemio, protagonizado por la maravillosa artista franco-italiana Claudia De Siato, un texto que escribí especialmente para ella. Ultimando también la edición de mi próximo libro dedicado al Teatro del Gesto y rearmando el nuevo elenco de mi compañía en la Cantera del Mimo será como pasaré el próximo invierno.

¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Absolutamente, diría más, sólo se debieran hacer propuestas combativas. Combativas o amatorias, según se vea. Combativas en cuanto a la actitud de hacer algo diferente a lo que normalmente se hace, es la misión de todo artista, cuestionarse a sí mismo y al mundo, poner en jaque todo lo asentado para en su respuesta renacer con lo legítimamente personal. Amar la belleza, saltar con los ojos cerrados, con los puños bien prietos estrangulando nuestros miedos, confiar en lo casual, responder a lo causal, respirar, dormir, levantarse y seguir respirando, aprender a amar nuestro oficio desde la humildad, desde el trabajo y el sudor, aprender a escuchar la magia eterna que prevalece bajo las máscaras del teatro e intentar hacer transcender la mirada sobre nuestra existencia a través de la recreación del mundo según nuestros ojos lo ven. Un hecho de valentía y deliberada pasión que no puede hacer más que bautizar nuestro oficio como un ejército hambriento de combates por ideales cumplidos.

22 de septiembre de 2015 | Categories: DIRECTORES, ENTREVISTAS | Deja un comentario