Estreno de temporada el el Teatro Español
«El Teatro Español tiene que ser la casa de todos». Con estas palabras, en boca de su director, Juan Carlos Pérez de la Fuente, se ha inaugurado la gala de presentación de la nueva temporada 15-16. Una programación que es la primera completamente seleccionada y dirigida por Pérez de la Fuente y que apuesta por una democracia, innovación y apertura de puertas en el teatro.
La gala ha reunido, para que participen y nos muestren lo que van a hacer, a todos y cada uno de los participantes en la programación en una especie de bosque de sillas dispersas por el escenario por el que se paseaba una espléndida Carmen Conesa ejerciendo de maestra de ceremonias y anfitriona consorte. Una buena escenografía viva para representar esa idea de comunidad teatral en la que cabe todo el mundo y todas las tendencias. Actores, directores, dramaturgos y demás familia como Pepón Nieto, Rossy de Palma, Chevi Muraday, José Luis alonso de Santos, Carmen Elías o José Sacristan se han prestado a representar la nueva temporada cargada de caras conocidas y nuevos talentos que se han consolidado en este arte. Además, hemos podido ver una silla vacía con una gorgera solitaria para dar representación a Cervantes, el gran denostado y olvidado del teatro español que será rescatado a lo largo del año con «El cerco de Numancia».
Entre las novedades que ha propuesto el equipo del Teatro Español se cuentan las siguientes:
- La creación de un nuevo espacio de tertulias «Espacio Pérez Galdós»: Este nuevo espacio situado en un patio-distribuidor en el edificio del Español y que será coordinado por el dramaturgo y director Pedro Víllora y que iniciará la tertulia con tres prestigiosos periodistas al frente: Juan Cruz, Antonio Lucas y Laura Revuelta para hablar del sentir de la calle. En este espacio también se va a dar voz a las nuevas tecnologías para compartir la información y por eso se ha invitado a la mayoría de los bloggers dedicados a las artes escénicas a participar en el proyecto mediante el nombre de #LosLocosdelEspañol.
- El nuevo espacio de exposiciones Andrea D’Odorico que se inaugurará en la Sala de los Balcones del Teatro Español para albergar exposiciones relacionadas con la vida teatral con la exposición «Andrea D’Odorico.Los espejos del alma».
- El teatro en la calle tendrá su manifestación con la nueva iniciativa de El Español en el Barrio de las Letras, que será coordinado por el dramaturgo Alberto Conejero para celebrar en el barrio más cervantino de Madrid los cuatro siglos de la publicación de la segunda parte de El Quijote, uniendo algunas de las voces más significativas de la dramaturgia española contemporánea.
- La apertura hacia el teatro latinoamericano con un nuevo ciclo que aunará obras de Uruguay, México y Argentina.
Pero hay mucho más, aparte de las innovaciones, un montón de programación para todos los gustos y con una excelente calidad que pueden consultar en la web del Español y deambulando por los diversos espacios que se reparten por Madrid.
Luis Mª García Grande
“Cuerpos”, proyecto de Nuevo Teatro Fronterizo para La Casa Encendida
¿Deseas ser puta? Mmmm… No, no lo deseo.
¿Deseas ser prostituta? No, no lo deseo.
¿Deseas ser una ramera, una zorra,…? No, no lo deseo.
¿Y una trabajadora del sexo?
¡No insistas! Tu única pregunta, tiene una única respuesta: No, no lo deseo.
Dime: ¿acaso ese es tu deseo?
¿Acaso crees que siento desprecio por quienes están en prostitución?
La lectura dramatizada En riesgo: “Cuerpos”, proyecto de Nuevo Teatro Fronterizo, para La Casa Encendida y Le Monde diplomatique español, dirigida por José Sanchis Sinisterra, con dramaturgia de Lucía Villanova, me ha arrojado a los pies de mi propio corazón, un corazón ávido de Verdad.
La respuesta es ¡No! Yo amo a las mujeres. Somos lo que amamos, no lo que hacemos, y mi amor por ellas, por todas ellas hagan lo que hagan, define mi identidad.
¿Tal vez sienta repugnancia por el sexo? ¿Quizás la violenta, húmeda, fría y rebosante de atávicas soledades, transgresión de mi cuerpo y con ella, el brutal desgarro de mi alma, me hayan condenado al destierro del gozo?
O acaso solo sea que, liberada de tanto condicionamiento heredado haya decidido, dando rienda suelta a mi verdadero “yo”, no volver a responsabilizarme nunca más de la sexualidad masculinizada y masculina, de su acientífica y totalitaria necesidad biológica, ni de la utilidad social del mi vulva.
Mi tardía, hermosa y prístina vulva, tan sagrada como el sagrado espacio entre esas tres paredes, que hoy en vez de revolucionar mentes y agitar corazones, han escupido tierra en mis cansados ojos, al perpetuar en la alta línea de proscenio una injusta, desigual y viejuna institución: la prostitución. Elevada a los altares, cual ninfa…
¿Trabajo dices Ninfa?
Iris dice establecer una mera relación mercantil con las personas:
paga antes de saber mi nombre.
Es la ley del más fuerte: “aquello por lo que pago me pertenece,
puedo usarlo como me de la gana”.
Ella quiere… ¡No importa lo que quiera!
Esconde tus cadenas.
Yo pago, soy yo quien ha de tener aquello que desea.
¡Chúpamela! ¡Más rápido, vamos! ¡Bájate las medias! ¡Quítate las bragas! ¡Ponte a cuatro patas! ¡Voy a metértela hasta romperte la matriz! ¡No chilles zorra!… ¿Te gusta, ehhh?
¡BASTA!
Sexualidad es placer, y yo amo el placer, y yo siento un infinito placer con la fragancia de una rosa, con una insinuada caricia rozando cualquier parte de mi piel, con el leve susurro de las páginas de un libro acabado al anochecer, cuando el sol se esconde y una mimosa sonrisa de luna adormece mis miedos.
El placer ocupa todo mi Ser, no se encuentra del otro lado de mis bragas.
¡No te atrevas nunca más a arrancarlas en nombre de tu idea de sexo, de tus fabricadas fantasías, o de tu propio placer!
¡No te atrevas a prostituir la verdad desde el poder que te confiere ser hombre.
Antes de ti, antes de mí, antes de ellas, la Verdad ya era.
Era antes del rayo y la luz, antes que todo, la Verdad era.
La verdadera libertad reside en ser la mejor versión de una misma, la más elevada…
En conocerse, aceptarse, respetarse, cuidarse y amarse.
¿Satisfacer el deseo sexual de las otras personas es verdadera libertad sexual?
Ninguna persona es lo suficientemente malvada como para ser juzgada.
Ninguna persona es lo suficientemente buena como para juzgarte.
¡Atrévete a conquistar tus sueños! Somos tan iguales: deseamos amar y ser amadas.
¡Mírame a los ojos!… mejor, mira dentro de tu corazón…
La sexualidad es persona a persona, dignidad a dignidad, no cuerpo a cuerpo.
Paloma Martín Torpedo
Museo ABC y Museo ICO en Madrid
Dibujo expandido
Museo ABC de Madrid
Más info en: http://museo.abc.es/
David Chipperfield
Museo ICO de Madrid
Más info en: http://www.fundacionico.es/index.php?id=202
B, la película
Una película a partir de la obra de teatro…Imprescindible!.
Más info en: https://www.facebook.com/blapelicula
XIX Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas
La Fundación SGAE organiza el XIX Ciclo SGAE de Lecturas Dramatizadas del 5 al 22 de octubre en Aragón, Asturias, Madrid y Murcia
Más info en: http://www.fundacionsgae.org
Hora de cierre de Isabel Vázquez en Territorio Danza de Cuarta Pared
Un espectáculo de danza contemporánea ha de tener un micrófono, un cambio de vestuario en escena y…un sillón, eso dice la artista en escena…y yo añado…¡Y mucho talento!…Y de esto hay y mucho en Isabel Vázquez. Esa mujer madura, bella a cara lavada, flexible como una rama al viento…Como los buenos vinos o las piezas de arte que superan el vintage para entrar en la edad eterna de lo antiguo, así…respira y mira esta creadora de un discurso necesario, ese que reivindica que la edad es un valor y que mostrarla ha de ser el principio para hablar con el cuerpo abierto en canal de todo eso que se piensa y se calla. Un espectáculo de danza puede estar lleno de sinceridad y denuncia, de belleza y temblor de alma…y de todo esto hay mucho en Hora de cierre. ¿Por qué este país es tan cateto y mira en dirección contraria al talento?¿Por qué no tratamos con respeto y admiración a todo aquel ser que se deja la piel en escena para hablarnos de lo que se siente cuando combatimos contra la sombra de unas campanadas a muerte o de esa sensación, que a veces tenemos, al ver que nuestros brazos se vuelven de madera como los de un sillón y su piel pierde la gravedad?…Uno puede decidir meter la cabeza en la tierra o dejarse envolver por las hojas de otoño…aunque al intentar volar se tronchen las alas…y si no, una vez se le de un buen corte de mangas al mundo…bailar como una loca el baile final, envuelta en la voz de Donna Summer y bajo una buena bola de discoteca. Un espectáculo de danza contemporánea no se lo que tiene que tener, pero no se pierdan la función de mañana o después no se quejen por haberse perdido esa hora hermosa de la noche: La Hora de cierre.
Adolfo Simón
«Cliff (Acantilado)» de Alberto Conejero en Nave 73
La vida nos coloca al borde del precipicio en numerosas ocasiones y,… ya puedes tener una de las caras más bonitas de Hollywood que nadie te va a librar de pasar la prueba. Montgomery Clift bebió los placeres de la fama y acabó bebiendo demasiado alcohol y eso le pasó factura. La obra refleja la decadencia del actor, debida al alcoholismo y a una homosexualidad que debía esconder, de una manera biográfica y también poética.
Alejandro Tantanian dio la oportunidad a Alberto Conejero de llevar este texto a escena y ahora es Alberto Velasco el que se atreve con una historia tan dura y real como la vida y que se repone en Nave73. Y, claro, no es casualidad que este año le hayan llovido los premios al autor como el Ceres 2015 o el de la Asociación de Autores de Teatro por «Todas las noches de un día» y que podamos disfrutar también de «La Piedra Oscura» en el CDN, porque Conejero ya estaba despuntando con este texto inmenso y conmovedor hace unos años.
Carlos Lorenzo se ha metido en la piel y el alma de Clift para desgranar con buena fortuna un recorrido hacia la muerte tensando cada hilo del hecho interpretativo. La dramaturgia sitúa al actor en los entresijos del alma de otro actor que tuvo que luchar contra su propia máscara y defender que una cara desfigurada puede tener la misma dignidad a la hora de crear una buena interpretación. Ésta es la lucha diaria de cada actor: dar relevancia, calidad y dignidad su
interpretación a pesar de su físico. Una lucha reflejada a través de un intenso monólogo que nos hace empatizar con el alma de cada intérprete y emocionarnos con una vida marcada por las apariencias y por esas máscaras que debemos construir y manejar de la manera más adecuada.
Luis Mª García.
«La ruina» de Jordi Casanovas en el Teatro Lara
Después de «Un hombre con gafas de pasta» y «Ruz-Bárcenas», Casanovas sigue apostando por la comedia con esta «ruina» en la que estamos sumergidos, ruina de valores y económica. Una obra que encaja bien dentro de la programación del teatro Lara, dedicada a la comedia, nuevos valores y experimentos varios que ofrecer a un público heterogéneo y que a veces nos sorprende con éxitos como «La Llamada».
Varios personajes se dan cita en un piso antiguo, heredado de la abuela de la protagonista, para poner sobre la mesa sus inquietudes, temores, deseos y desgracias personales, intentando superar una situación de tensión en la que el dinero juega un papel fundamental y remueve las vidas de cada uno de ellos.
La trama cuenta con elementos que crean suspense y tensión bien rematados y siguiendo las «reglas» de la buena escritura de un texto, creando giros inesperados e introduciendo algo parecido a ese «realismo mágico vargas-llosiano» reinventado en la cabeza del dramaturgo.
Luis Mª García
MASTER CLASS XXI: LA PRIMERA GENERACIÓN DE DRAMATURGOS.
Los domingos de otoño en La Sala Mayko de Madrid
Más info en: http://www.revistapopupteatro.com/#!
Juanjo Llorens: La luz es algo que forma parte de nuestra vida desde el momento que nacemos, nos puede transportar a espacios emocionales muy diferentes, la luz nos incomoda o nos da seguridad
¿Cómo surge el proyecto para que ilumines “Cabaret”?…
Ya había colaborado con Som Produce en el espectáculo Sinfonity en el Teatro Nuevo Alcalá y también en el musical Avenue Q, y una vez que se decidieron por mi como iluminador, me comentaron su idea y con el director nos pusimos a trabajar junto con todo el equipo creativo.
Me imagino que el que hubiera iluminado los últimos espectáculos de cabaret de la cartelera nacional como «The Hole» y «The Hole 2» o algún que otro musical mas teatral como «Excitame» unido a mi trayectoria como iluminador, habrá influido en la decisión.
¿Dónde crees que has de acentuar la iluminación en un musical?…
Creo que la luz de un musical no deja de ser un espectáculo muy teatral y la unión de estos dos lenguajes, musical y teatral, te permite ser más fino y expresivo en las partes habladas, y poder poner el toque más espectacular y efectista en los temas musicales, ya que creo que por muy teatrales que sean las partes musicales, el lenguaje de la música nos permite acompañarlo con un pequeño acento de luz para intentar llevarnos al mismo mundo en el que el actor se sitúa para musicalizar su texto.
¿Te ha influido la iluminación de la película o has tratado de hacer otro tipo de iluminación?…
Es una propuesta muy distinta tanto de la película como de anteriores referentes teatrales. La película me parece mas atrevida que la documentación sobre la que he trabajado de otras puestas en escenas. El último referente que vimos en España era un espectáculo muy bueno pero esta puesta en escena no tiene nada que ver con el.
Así que aunque cogiendo como referente la película no tiene nada que ver ni con la película ni con ninguna producción anterior… creo.
¿Hay algún referente estético que has utilizado en esta ocasión?…
Creo que el referente estético lo ha condicionado la escenografía y el trabajo de mesa para la puesta en escena en esta producción.
¿Cómo afecta el vestuario o la escenografía a la hora de iluminar un musical u otro tipo de espectáculo donde estos elementos sean muy coloristas o espectaculares?…
Evidentemente la escenografía te condiciona mucho, primero debemos, valorar la parte técnica ya que si hay muchos elementos escenográficos que juegan en escena y tienen unos volúmenes determinados, te condicionan el espacio físico en las varas que al mismo tiempo condicionan la situación de los focos. Una vez realizada la implantación de decorados y varas de iluminación tienes que ver los «huecos» reales que quedan para poder ir creciendo en los detalles. Siempre hablas con el escenógrafo para incluir elemento de luz dentro de los decorados o que se puedan inventar ventanas o falsos huecos en perspectiva para poder añadir calles de luz. No olvidemos que luego los actores deben tener un recorrido limpio siempre entre cajas para poder llegar a las escenas. En cuanto al vestuario, es algo que siempre va a favor de la luz y tenemos que ser muy conscientes del tipo de tejidos y colores que se utilizan para poder potenciarlos e ir a favor de ellos en beneficio de la luz y del espectáculo.
Tanto con los decorados como con los trajes hay determinadas pinturas y tejidos que no se favorecen en nada con la luz y que incluso se esconden o oscurecen, en definitiva si un vestuario brilla, la luz brilla con el y si un vestuario es oscuro nos llevará a otro estado anímico.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
Por suerte esta siendo un año muy productivo de trabajo, donde he podido hacer un poquito de todo. Lo empecé con la Tragedia de Carmen, Ópera producida por el Teatro Calderón de Valladolid, alguna gala como los premios Goya y los premios Max, colaborar con la Joven Compañía en Fuente Ovejuna y Hey Boy Hey Girl, me puso las pilas al poder trabajar con gente joven con ese entusiasmo; algún clásico con Dario Facal como el Sueño de una noche de verano, algo de circo como Cabaret Maldito del Circo de los Horrores y el proyecto más interesante de este año como fue La Antigona con el Teatro de la Ciudad, por la experiencia que supuso colaborar con otros compañeros iluminadores y creativos para poder poner un trabajo en común de distintos espectáculos a la vez.
¿Hay algún motivo que te seduzca más a la hora de elegir un proyecto u otro?…
Me tienen que llegar desde la emoción que me transmiten en el primer momento, tanto el texto como las personas que me lo cuentan.
¿Cómo surge la inspiración para tus diseños de iluminación?…
Una vez que leo los textos y me cuentan las pautas que debo seguir, veo imágenes que siempre son las que intento defender. Alguna vez que he querido cambiarlas y siempre he tenido que volver a ellas, así que hace tiempo que las primeras ideas e imágenes que me vienen a la cabeza son las que intento transmitir en el escenario.
¿Te interesaría la pedagogía de la iluminación?…
Es una parte que tengo que desarrollar, la luz es mucho más de lo que la gente ve. Es algo que forma parte de nuestra vida desde el momento que nacemos, nos puede transportar a espacios emocionales muy diferentes, la luz nos incomoda o nos da seguridad; dependiendo de la luz que nos encontremos en los sitios hace que estemos de una manera muy distinta, nos podemos quedar en un sitio o nos tenemos que ir a otro. Nos hace relacionar situaciones y espacios que ya hemos vivido, en fin es algo que llevamos muy unidos a nuestro día a día y a nuestro universo emocional..
¿Para cuándo un libro sobre tu experiencia de iluminador?…
Bueno, me imagino que tardará en hacerse, voy guardando todos mis trabajos y a lo mejor algún día contaré mis experiencias.
¿Qué proyectos tienes entre manos?.
Pues mas espectáculos de cabaret, el estreno La Celia y El Cabaret de los Hombres perdidos en los Teatro del Canal, un poquito de danza con Otra danza y ya planteando el Hamlet para la CNTC y Kamizake dirigido por Miguel del Arco para el Teatro de la Comedia.
Creadores en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Nasreen Mohamedi:
La espera forma parte de una vida intensa
Carl Andre
Escultura como lugar, 1958-2010
30 septiembre, 2015 – 19:00 h
Presentación de Tres Aguas
Cristina Iglesias en conversación con James Lingwood y Manuel Borja-Ville
El sueño de una noche de verano de Yohangza Theatre Company dentro de Una mirada al mundo
Shakespeare el incombustible!…Sus obras han sido utilizadas para hacer óperas, ballets, musicales…y mil versiones textuales…A todo ello sobrevive, por eso debe ser el autor de teatro más importante de todos los tiempos. El festival del CDN, Una mirada al mundo que nos ha sorprendido año tras año con propuestas muy sugerentes y arriesgadas, se inaugura este año con un divertimento coreano de animación popular sobre El sueño de una noche de verano. Una obra que debería durar alrededor de tres horas, si se reduce a hora y media, algo importante debe quedarse por el camino. Si yo fuese de vacaciones a Corea, seguro que mi curiosidad me llevaría a entrar en uno de sus teatros y descubrir cómo se plantean ellos la poética de Shakespeare llevada a su trabajo rítmico y corporal, pero no sé si es lo más interesante que puede venir de ese país a nuestros escenarios. No sé qué pensarían si les llevásemos nosotros Fuenteovejuna con los personajes vestidos de fallera y comiendo paella. Bueno, esto ha sido el arranque, a ver qué pasa en el resto del Festival.
Adolfo Simón
La voz de nunca dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared
Samuel Beckett y “Esperando a Godot”. “Esperando a Godot” y Samuel Beckett. Obra repetidamente representada y que, sin duda, cabe en nuestra lógica esperar que se siga representando. Misma pregunta, sin obsolescencia programada, planteada una y otra vez en cada función, cada país, cada época: ¿a qué estamos esperando?
Hemos tenido la gran oportunidad de plantearnos de nuevo y novedosamente esta eterna cuestión en la duodécima edición de Territorio Danza, en la Sala Cuarta Pared, con “La voz de nunca” (de Luz Arcas y Abraham Gragera). En La Phármaco, capitaneada por la coreógrafa Luz Arcas, se han propuesto quitarse el bombín y bailar a Samuel Beckett, entre otras cosas, puesto que el espectáculo total es el sello personal del trabajo de la premiada compañía.
Estragón (Luz Arcas), Vladimir (Begoña Quiñones), Lucky (Ignacio Jiménez) y Pozzo (Juan Manuel Ramírez), hacen eco del texto original con sus cuerpos duros, blandos, quebrados, conectados, desconectados, repetitivos, insistentes, inertes, balbuceantes… Visibilizan y revelan lo absurdo como trágico y fulminantemente cierto. Al mismo tiempo, un piano puntillista en directo (Carlos González) toma como punto de partida el “Claro de Luna” de Beethoven y la “Sonata para viola” de Shostakovich para poner en tela de juicio las fronteras instrumentales talladas por algún lutier que, por qué no, probablemente fabrique pianos mientras espera (¿a qué?). El resultado de esta ceremonia escénica es una interpretación de “Esperando a Godot” con un volumen expresivo más grueso de lo habitual que confirma el acierto de canalizar la paradójica y exigente demanda de acción de la espera a través del cuerpo, la música y la palabra.
A pesar de los intensos 60 minutos de función, se deja sentir puntual – puntillista – mente el tedio que, en general, acostumbra provocar esta obra en uno u otro momento por la propia naturaleza del planteamiento de Beckett. ¿A qué esperaba él mientras escribía?
Una vez más, con toda la necesidad del gesto, se subraya el absurdo de llamar absurdo a lo que realmente es un modo de vida basado en la ocurrencia como interrupción de una establecida no ocurrencia. La vida por defecto como una secuencia aleatoria de eructos provocados por la indigestión de la espera.
Bárbara Nita.
Master Class en la sala Mayko organizada por Óscar Arroyo
En el barrio de Delicias hay un coqueta sala de teatro que al tiempo es estudio de fotografía que se llama Sala Mayko y que tiene múltiples actividades programadas, hoy domingo 27 de septiembre a las 13 horas han iniciado un ciclo de master class con autores y autoras del siglo XXI, organizado con buen criterio por Óscar Arroyo, en el ciclo habrá nombres muy sugerentes próximamente, hoy arrancó el evento con Luis Felipe Blasco Vilches que nos ha deleitado con un recorrido por el humor, sus construcciones y funciones…sus fronteras, sus censuras y cualidades resolutivas. Y tras la master class, disfrutamos de un aperitivo jugoso con comentarios sobre lo descubierto en la sesión enriquecido por los asistentes; con esas anécdotas que todos recordamos y que dibujan sonrisas en los labios del receptor.
Adolfo Simón
Mesa para Tr3s de Fritsch Company en Idem de Casa Encendida
Mesa para tr3s es un proyecto que surge de la colaboración de tres coreógrafos de danza contemporánea, Amaya Galeote, Patricia Ruz y Antonio Ruz. Tres piezas coreográficas para ocho bailarines con diversidad funcional destinadas a explorar nuevos retos artísticos. En Des/envolturas subyace la idea de que, en esencia, todos somos iguales: solo nos diferencian los distintos materiales que conforman nuestra capa externa; Café es una pieza de danza-‐teatro que gravita alrededor de las sensaciones generadas por el café: su aroma, su poso y su capacidad de evocación… Completa el tríptico Ballhaus: en una antigua sala de baile de Berlín se precipitan las relaciones personales mientras fluyen las pasiones y los desengaños. Este trabajo es mucho más que una obra de danza teatro, es una rigurosa apuesta por incluir en la profesionalidad a personas con discapacidad que, justamente, crean una capacidad particular y un discurso plástico que no se encuentra en muchos de los espectáculos, supuestamente profesionales, a los que estamos acostumbrados a acudir. Una pieza que debería estar programada en todo tipo de teatros, sin la etiqueta de espectáculo inclusivo.
Adolfo Simón
“LOS BAILARINES DEL BNE CREAN” III EDICIÓN
En la sede del BNE, en el espacio donde ensaya y crea la Compañía, tuvimos el jueves la ocasión de disfrutar de un programa de piezas breves creadas por los bailarines del BNE. Una sesión llena de variantes sobre las distintas formas y técnicas del baile español; muy interesantes algunos momentos que muestran lo que podrá ser el futuro de nuestro baile y folclore. Debería encontrarse el marco para poder presentar estos trabajos al gran público.
Adolfo Simón
Madre Coraje de Bertold Brecht en el Matadero de Madrid
La Compañía Atalaya dirigida por Ricardo Iniesta trae a Madrid su versión de Madre Coraje, un texto que no pierde actualidad, desgraciadamente, ante un mundo que vive de las guerras y sus desastres. La primera imagen del espectáculo es emblemática y de rabiosa actualidad, nos muestra unos seres encaramados a un muro de alambradas que simboliza todas esas fronteras que nos separan en este tiempo de países sin sensibilidad para entender que los límites solo traerán odio y tragedia. La obra transcurre entre secuencias de musicalidad y teatro épico, consiguiendo que el público entienda que, ante el dinero, no hay nada que se resista, ni siquiera la sangre propia. Un espectáculo conveniente en estos tiempos de ética light.
Adolfo Simón
Festivales, eventos y convocatorias
IV edición de FIVER CineDanza
XIV Festival Internacional Outono de Teatro de Carballo
FIBA de Buenos Aires
II Festival Mosaico Sonoro
XII Muestra Internacional de Danza y Teatro Contemporáneo
S&R Foundation lanza una convocatoria destinada a artistas plásticos, músicos, bailarines, fotógrafos y actores, independientemente de su nacionalidad, siempre que sean mayores de 18 años. La fecha límite para la presentación de propuestas es el 15 de octubre.
La Mostra d’Igualada – Feria de teatro infantil y juvenil del 2016 está abierto hasta el 16 de octubre de 2015
Sienta la cabeza en Titerescena del CDN
Un espectáculo de peluquería artística a ritmo de música para los que no se cortan un pelo.
La compañía catalana Sienta la Cabeza lleva al escenario una excéntrica peluquería compuesta por dos peluqueras y un DJ, donde la creación y la fantasía visual y sonora no tienen límites.
El espectáculo recicla y transforma objetos cotidianos en piezas únicas, que dan un toque final a las sorprendentes obras de arte realizadas en el cabello del público más atrevido. Junto con la música, los peinados recrean un universo lleno de fantasía, con toda clase de desvaríos, aquellos que la imaginación nos suscita.
Sienta la Cabeza combina peluquería y arte e invita al público a participar en una atrevida transformación estética y a dar vida a increíbles personajes. Al mismo tiempo la energía de la música infunde una atmósfera y crea una exótica banda sonora, añadiendo otra dimensión y colorido a la creatividad de los peinados. Una forma diferente de realizar animación creativa al aire libre.
Adolfo Simón
Festival músicos pro refugiados
Más info en: http://www.laguiago.com
Que Revienten los Artistas 
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