Historia de un cuadro de Alfonso Zurro en el Centro de Arte Fernán Gómez
En pintura hay un término que se llama Pentimento y que sirve para denominar ese momento en el que un cuadro empieza a perder capas de pintura y aparecen otros momentos del proceso de creación del pintor… No se sabe si corresponden, esos trazos ocultos, a errores o a ideas desechadas. En Historia de un cuadro de Alfonso Zurro que también la ha dirigido, hay un proceso estructural en la pieza muy interesante, es como si se realizase un pentimento sobre un cuadro que debió pintar El Greco desde el momento, en el siglo XX, en que se pretendió destruir por obsceno hasta el origen y razones por las que se pintó…Así, realizamos un viaje hacia atrás en el tiempo, como quitando capas del periplo vital del cuadro, conociendo así, todas aquellas manos por las que pasó el lienzo y el juego de poder que estableció en cada momento o estamento social al que perteneció. En un breve epílogo, descubrimos al final, un encuentro curioso entre dos personajes históricos, queda saber si fue real o no. Otro elemento curioso, en la propuesta escénica, es el uso de unos paneles móviles que ocultan trozos de algunos cuadro del Greco, poco a poco van invadiendo la escena, consiguiendo llenar de color y luz el escenario en el último acto de la obra. Tres actores espléndidos: Roberto Quintana, José Manuel Seda y Manolo Caro dan vida, con credibilidad, a todos los personajes necesarios para contar esta historia.
Adolfo Simón
De viajes y sueños para público familiar
Los fines de semana sigue siendo un buen momento para disfrutar del teatro en familia…
LA DISTANCIA DE LA LUNA
En Nave 73 vimos a cinco personajes que navegaban hasta el punto en el que la luna llena se sitúa más cerca del mar. En uno de los viajes algo cambiará el curso de sus vidas…Una historia mágica, cómica y surrealista, que nos transportó a un mundo onírico y delirante en el que todo era posible. Basada en un cuento de Italo Calvino, realizan una propuesta de teatro físico-clown muy sugerente gracias a los efectos que consiguen al transformar elementos sencillos en poética escénica.
PINOCHO Y MEDIO
En esta versión han intentado alejarnos de los tópicos más comunes que giran en torno a la figura de Pinocho, ya no es un mentiroso compulsivo a quien le crece la nariz por sus mentiras, ni es un títere desobediente que recibe una serie de castigos por su comportamiento. Tampoco es convertido en un niño de verdad como recompensa a su buena conducta. En la adaptación que ha hecho la Compañía El Retablo en Cuarta Pared se centran en el mundo de las emociones y de los sentimientos, de los sueños y de los recuerdos. Una propuesta de diferentes técnicas de guiñol para contar esta mirada al corazón de madera del personaje.
ADOLFO SIMÓN
El plan de Ignasi Vidal en La pensión de las pulgas
Tres amigos desempleados se reúnen para ejecutar un plan y, mientras esperan a que se arregle la avería de un coche, asistimos a la caída de sus máscaras, a su último carnaval juntos. Hay varios aspectos de interés en esta pieza, por un lado, la perfecta composición psicológica de los personajes desde el papel, ahí están trazadas las líneas por las que después transitan con aplomo los intérpretes. Un espacio único con pocos elementos que es utilizado con destreza para conseguir la tensión que se crea entre esos seres enjaulados en un circo de pobrezas y miserias. Y por último y no menos importante, la atención que se instala en el público ante lo que creemos va a ocurrir y que al final, da un giro inesperado para hacernos ver que nada en la vida es lo que parece y que los héroes ya no luchan contra dioses si no que se han convertido en anti-héroes y se devoran entre ellos.
Adolfo Simón
The Table (La mesa) de la compañía Blind Summit Theatre en el Teatro de la Abadía dentro del Festival de Otoño a Primavera
The Table (La mesa) es un homenaje catártico y único al arte de la marioneta, inspirado en Beckett, la Biblia e IKEA. Su protagonista, Moisés, es un títere cascarrabias de 60 centímetros de altura con una cabeza de cartón. Vive en una mesa y es manipulado al estilo bunraku japonés por tres magníficos artistas. Y tiene un gran problema. Está más que harto de que solo le pidan que interprete cuentos de hadas para fiestas de cumpleaños infantiles. Pero él quiere demostrar que es un títere serio, ¡todo un artista! Por tanto, cada noche, en función única, la mesa será suya para interpretar una historia épica: las 12 horas finales de la vida del personaje bíblico Moisés. Así, poco a poco, nuestro divertido filósofo de sobremesa explica la naturaleza del arte de la marioneta. Tiene desacuerdos con sus titiriteros. Muestra sus habilidades en el baile. Examina la Biblia y sufre un percance con una maquina de correr invisible… A cargo de la compañía Blind Summit Theatre, considerada una auténtica maestra pionera del arte de los títeres tanto en el Reino Unido como en el extranjero, The Table (La mesa) se ha ganado el aplauso del público y la crítica a nivel internacional desde su estreno en el Fringe Festival de Edimburgo en 2011. Este espectáculo es de un virtuosismo increíble, no solo por el manejo excepcional que se hace de la única marioneta que hay en la escena durante toda la representación y que por momentos hace que uno olvide, no solo a los manipuladores si no a todo lo que hay alrededor. Pero, además, hay un juego de complicidad entre los actores gracias al que, el viejo gruñón de cartón, desde el guión o la improvisación, consigue hablarnos de lo humano y lo divino con humor e inteligencia. Una pieza que quedará en el recuerdo de todos lo que hemos podido asistir…Sin duda, han conseguido elevar el arte del títere a obra de arte con esta función.
Adolfo Simón
Cinco mujeres que comen tortilla en el Teatro Alfil
Todo listo para el esperado almuerzo de tortillas de la hermandad Susan B. Anthony y durante el mismo, descubriremos que todos somos lesbianas en potencia y más si nos gustan los huevos y si no, acudan a ver este juego tortillero de aire camp y estética de convención americana. Lleven su tortilla al concurso porque le espera un buen premio. Cinco actrices juguetonas con personajes de perfiles diferentes, bien compuestos todos ellos desarrollan una trama delirante y gozosa. El público participa de este juego travieso gracias a las habilidades y travesuras de las anfitrionas; una delirante comedia que llega desde el OFF BROADWAY al Teatro Alfil.
Adolfo Simón
Laribleando de David Larible en el Circo Price de Madrid
A David Larible se le considera el mejor payaso del mundo. Ha trabajado en los circos más importantes del planeta y fue el ganador del Clown de Oro de Montecarlo en 1999. En esta ocasión, nos presenta su nuevo espectáculo para todos los públicos, dos años después de su última aparición en el Price, con éxito rotundo de público y crítica. Ha querido presentar su nuevo trabajo en Madrid porque el público de esta ciudad le adora. Como prueba, la reacción de todos los asistentes al estreno…Entrega absoluta y emoción intensa!. De nuevo, el espléndido clown hace que los espectadores se conviertan por un tiempo en protagonistas de la magia de la escena, él sabe muy bien cómo hacerles entrar en su juego para recuperar el niño que todos llevamos dentro. Durante más de una hora, llenó el escenario de complicidades y guiños divertidos y emotivos que hicieron las delicias de todos. Como broche final, compartió con un pequeño la secuencia del reflejo en el espejo…en el último instante, dejó al niño a solas en la escena sobre el que llovía un haz de luz lleno de pétalos brillantes, mientras sonaba una hermosa canción. Así dejaba constancia de lo que para David Larible tiene sentido en la escena…Que el público sea el absoluto protagonista.
Adolfo Simón
«Hänsel und Gretel» en el Teatro Real
«Hänsel und Gretel» de Engelbert Humperdinck, märchenspiel en tres actos con libreto de Adelaide Wette basado en un cuento de Kinder-und Hausmärchen de Jacob y Wilhelm Grimm producida por el Festival de Glyndebourne. La combinación de canciones populares alemanas con una refinada orquestación de tintes wagnerianos resultó una fórmula magistral para consagrar Hansel y Gretel, una de las primeras Märchenoper u óperas de cuentos de hadas típicas del siglo XIX, entre las más interpretadas del repertorio lírico. Estrenada en 1893 en Weimar por Richard Strauss, quien la calificó como “una obra maestra de eximia calidad, original en todo, nueva y auténticamente alemana”, esta versión edulcorada del cuento homónimo de los hermanos Grimm, que Humperdinck compuso a instancias de su hermana, autora del libreto, conquistó muy pronto al público. Fue la primera en ser retransmitida íntegramente por la radio desde el Covent Garden y también la pionera en ser radiada en directo desde el Met. Los dos avispados hermanos, los niños de pan de jengibre, el hada del sueño, la bruja y la casita de mazapán y chocolate llegó, en esta ocasión, al Teatro Real bajo la dirección de Laurent Pelly, a cargo también de los figurines, con Barbara de Limburg en el equipo artístico como escenógrafa. Esta puesta en escena acerca la historia al público adulto, dejando espacio para que los niños y jóvenes sigan disfrutando y aprendiendo de esta fábula. Para conseguir esto se juega con una propuesta plástica en escenografía, vestuario e iluminación con rasgos de comic y estética pop, algo que ayuda a seguir cada una de las situaciones de manera cercana, sin que el cuento parezca que les ocurre a otros; todos podríamos ser Hanser y Gretel en estos tiempos en los que está tan dividido el acceso a las necesidades básicas para el ser humano. La interpretación es muy acertada porque no se cae en tópicos de personajes y musicalmente estuvo muy bien dirigida por Paul Daniel.
Adolfo Simón
La Bella Durmiente de Mats Ek para Les Grands Ballets Canadiens de Montréal en los Teatros del Canal
Les Grands Ballets presentan por primera vez en España, La bella durmiente, acompañado por la música atemporal del legendario Chaikovsky, esta potente creación del coreógrafo sueco Mats Ek ofrece emoción, humor y una trama decididamente moderna. Mats Ek ya es un clásico de la coreografía contemporánea, sus lecturas escénicas de los clásicos es un referente para las nuevas generaciones. En la memoria de todos están muchos de sus emblemáticos trabajos. Ahora, una gran compañía canadiense incluye en su repertorio una de sus piezas más transgresoras. La versión que el coreógrafo ha hecho del cuento traslada a los personajes y las situaciones a un contexto absolutamente actual con la droga como trasfondo. Todo es una espectacular ensoñación en la que una familia trata de educar convenientemente a su hija pero esta, cae en las redes de la seducción y peligros de la gran ciudad. La puesta en escena es sencilla, apenas hay unos elementos en juego, pero delante de esa caja timbrada que son las paredes, un cuerpo de baile joven y muy bien dotado, convierte cada momento de la representación en la cristalización del delirio que ocurre en la mente de la protagonista una vez ha caído en la trampa de la drogadicción. Durante dos horas, la escena muta de mil y una formas, sumergiéndonos en un mundo de plasticidad oscura en busca de la luz. Un placer conocer el trabajo de esta potente formación gracias a la programación de los Teatros del Canal. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-bella-durmiente-mats-ek-danza/
Adolfo Simón
Arte de las putas dirigida por Carlos Martín en el Centro de Arte Fernán Gómez
Es una pena que en una ciudad tan poblada como Madrid, que tiene, además, un público asiduo al teatro, sigan siendo de mayor reclamo aquellos espectáculos que son muy publicitados o tienen un gancho mediático. Estamos consiguiendo que no se aprecien piezas exquisitas que se presentan en sala pequeñas por poco tiempo; alguien tendrá que buscar remedio a esto o saldremos perjudicados todos. En la sala II del Centro de Arte Fernán Gómez y solo hasta el domingo 8 de febrero hay una pieza que coquetea con el teatro de verso y el cabaret que tiene todos los ingredientes para hacer que el respetable pase una hora y pico deliciosamente. El espacio escénico es sugerente y picarón, las luces y el vestuario acompañan la propuesta y transitando por entre esta fantasía en rojo, hay un actor excepcional: José L. Estaban que, además, ha hecho la dramaturgia a partir del poema de Nicolás Fernández de Moratín. El intérprete se desdobla en todos los personajes y hace las delicias con lo que dice o lo que oculta entre líneas el texto. Carlos Martín le ha dirigido con aplomo y sencillez, se nota que ha tallado en la buena madera del actor. Como digo, una pena que pasen sin pena ni gloria estos trabajos tan seriamente divertidos.
Adolfo Simón
«La Isla de los esclavos» en Nave 73
La isla de los Esclavos, de Marivaux es una obra interesante para acercarse al teatro francés del siglo XVIII y que nos viene a propuesta de Venezia Teatro. Una pequeña joya que han sabido cuidar y pulir para ponerla al día y darle un acabado casi perfecto.
Marivaux ideó una mezcla entre comedia griega clásica y commedia dell’arte para hacernos reflexionar sobre el sentimiento de superioridad y de poder a través de unos personajes que se encuentran de repente en un espacio neutral donde las reglas cambian y están impuestas de manera muy diferente a la vida real.
Ifícrates y su esclavo, Arlequín sufren un naufragio y desembarcan en una isla en la que reinan los esclavos sublevados.Trivelín, la máxima autoridad en esa isla les va a indicar que deben cambiar los roles: en esta isla los señores se convierten en esclavos y los esclavos en señores. Igualmente les va a pasar a Eufrosina y su criada. Todo esto va a ser así hasta que los señores comprendan lo que conlleva estar a las órdenes de alguien, pero también para que los esclavos experimenten con una libertad que nunca han tenido y que puede ser también muy peligrosa.
Si ya el texto de Marivaux es interesante por hacernos reflexionar sobre aspectos filosóficos como el poder, el perdón, la redención, la libertad, el rencor, el desprecio, el amor,etc en la hora y pico que dura y también es interesante el montaje escénico propuesto como un tablero de ajedrez y todo en blanco y negro, reflejando la dualidad de los roles que deben asumir estos personajes, así como la referencia al juego de estrategia a seguir para conseguir volver a retomar su antiguo estatus de señores, un escenario minimalista que hace primar la palabra del texto pero que a la vez no pasa desapercibido. Unos actores a la altura de las circunstancias que están dirigidos con precisión bajo la batuta de José Gómez que ha sabido dar a cada personaje su matiz y su carácter propios bien de la grecia clásica, bien de la commedia italiana y mezclarlos con consistencia y crear algo muy sencillo en apariencia pero profundo y sutil para mantener esta obra a la altura de su autor.
Luis Mª García Grande
La piedra oscura de Alberto Conejero en el CDN
¿Cuándo dejaremos de pensar que «el otro» es el peligro?…
¿Cuándo escucharemos «al otro» sin temer que sus palabras nos infecten?…
¿Cuándo no temeremos el abrazo del «diferente»?…
¿Cuándo olvidaremos esos bandos que nos separan como «extraños»?…
La piedra oscura es una vibrante pieza sobre la memoria como espacio de justicia y también sobre la necesidad de redención. Un texto en el que se aúnan tensión dramática y pulso poético para levantar interrogantes sobre la naturalización de nuestro pasado más reciente y el destino de los olvidados en las cunetas de la Historia. Alberto Conejero se está convirtiendo en una promesa importante de la escritura dramática de nuestro país, además, ha tenido la suerte de que se cruce en su camino Pablo Messiez para que juntos, consigan, gracias a los actores y al resto del equipo artístico, una pieza inquietante e íntima, un viaje a las zonas oscuras del ser humano.
Adolfo Simón
Omelette, teatro de sombras en el Teatro Real
La historia cuenta, con un humor delirante, la confrontación entre el mundo de los adultos y el imaginario de los niños. Un padre conservador y una madre severa intentan domesticar a su juguetona hija, cuya única amiga es una audaz gallina. Hasta que la niña, influida por su pequeña amiga, empieza a salirse de los límites. Los padres se ponen a perseguir a este particular animalito, acción de la que no saldrán indemnes. En el imaginario mundo de la protagonista, la niña, cualquier cosa es posible cuando el humor vence a los prejuicios. El Teatro Real de Madrid sigue proponiendo espectáculos para que acudan los niñ@s con sus familiares para disfrutar de la música y el teatro, en este caso, un montaje sencillo pero de gran efectismo, gracias a la estética del teatro de sombras y a la música que se improvisaba durante la función.
Adolfo Simón
A coming community (una comunidad que viene) en el Festival de Otoño a Primavera en Pradillo
Definido por la crítica como “un espectáculo intenso, turbulento y humorístico”, A coming community (una comunidad que viene) supone la colaboración sobre las tablas, bajo el paraguas del centro de producción belga CAMPO, todo un referente europeo de la creación contemporánea, de cuatro jóvenes e inquietos artistas cuyo trabajo explora los límites de la danza y el teatro físico de distintas maneras. La trayectoria de CAMPO está basada en proyectos donde los equipos artísticos se hacen cargo de la totalidad de la creación de los espectáculos, asumiendo varios roles dentro del equipo propuesto en cada ocasión. Aquí coinciden varios creadores venidos de diferentes lenguajes y estéticas. Y como no podía ser de otro modo, hay tiempos en los que nos muestran el proceso de conexión química y otros el resultado de alguna de sus ideas, sin duda, de la hora que dura el montaje, estos últimos momentos son los más sugerentes, en alguno de ellos llegan a situaciones de poesía escénica singular. El resto, corresponde más a la sala de ensayos que al escenario.
Adolfo Simón
Escenario ambulante de Laví e Bel en Cuarta Pared
El Escenario Ambulante navega a la deriva por un mar de arenas movedizas. Va cargado de buenos deseos e indignación. Desde el proscenio, Flavia “la mujer bala”, Walter el Rojo y Alegre Nain alias “El Camaleón” miran desconcertados el horizonte infinito. El viejo oficio de las tablas se enfrenta a la vida con alegría y creatividad. La realidad se siente en todas las costuras. A partir de estas premisas, los integrantes del grupo invitan al público a participar de un viaje enigmático de incierto destino. Una propuesta en la línea de los últimos trabajos de la compañía.
Adolfo Simón
De Madrid al infierno en La casa de la Portera
Hay una frase que se suele decir cuando se ha vivido en Madrid…»De Madrid al cielo»…Como si después de pisar las calles de esta ciudad solo quedase la posibilidad de subirse a las nubes y flotar. Pero todas las ciudades tienen espacios secretos…Cabarets donde acuden seres heridos a transformar sus máscaras, tanatorios donde el amor surge en medio del camino hacia la luz o azoteas a las que nunca se llega a subir porque el juego se queda atrapado en las habitaciones de la infancia.
El deseo…
Extremo de Benja de la Rosa nos muestra a niños que no pudieron crecer a tiempo y que fueron expulsados de la cárcel de los pueblos al asfalto de las ciudades. Allí, transitan como zombis por la sombra eterna que crean los rascacielos. En la jungla de ladrillos y carmín solo se puede atacar o defenderse y ante esto, hay que elegir entre convertirte en un monstruo más o decidir en el último momento, que tu vida puedes reescribirla de otro modo. El reparto es estupendo pero Paco Manzanedo hace una creación fascinante, le acompañan Jaime Reynolds y Pablo Vega en escena.
El amor…
Ojalá te hubiera conocido vivo es una obra escrita y dirigida por Sandra Marchena e interpretada por Carmen Mayordomo, Mercedes Lur y David Ordinas/Juan Dávila. Resulta triste que nos pasemos la vida buscando el amor y lo encontremos en la muerte…Menuda ironía. En esta pieza disparatada que recuerda a A puerta cerrada pero en clave de juego cuántico y enloquecido, somos los espectadores los que vivimos parte de esa ficción, situados en el umbral entre la vida y la muerte.
La amistad…
En la azotea es una obra escrita y dirigida por Marta Aledo, e interpretada por Iñaki Ardanaz, Antonio Galeano y Nacho Redondo. Jon, Xavi y Nacho son tres amigos de toda la vida. Les encanta jugar a juegos de mesa, de roll, de lo que sea. “En la azotea” es una obra que habla sobre los amigos, sus dinámicas, sus miedos, su relación, sus traiciones, sus secretos y sus sueños. Un viaje por ese juego que se empieza en la niñez…la amistad y que se trunca si se rompen las reglas de la partida. Aunque, siempre hay posibilidad de subirse a lo más alto de la casa y desde ahí contemplar la ciudad…El cielo de Madrid.
Adolfo Simón
Huéspedes extraños en La Pensión de las Pulgas
Las pensiones siempre han albergado seres extraños, viajeros de paso, trabajadores que viajan de un lugar a otro, personas solitarias, seres que han perdido la familia y amigos, eligiendo este sitio para crear un nuevo núcleo afectivo. Este mes, La pensión de las pulgas tiene, ocupando sus habitaciones, a nuevas formas familiares. Por un lado, en Lo último que quiero de Sergio Martínez Vila, una pareja femenina, ante el desenlace final que una de ellas espera, convocan a un «amigo» para que sea el voyeur de sus últimos minutos juntas, una pieza áspera y seca, donde el afecto se queda en los posos del fondo de los platos de esa peculiar última cena. En otra habitación, se encuentran los personajes de En familia, dramaturgia de Elena Olivieri, para propiciar que tres hermanos se muestren como no lo hacen frente al mundo, para tratar de ser sinceros, al menos, una vez al año. Pero no siempre da gusto oír lo que se esconde en el silencio familiar, aún así, descubrirán que el mundo que han construido entre ellos es más interesante que lo que muestran día a día a los demás. Un texto sutil permite que los actores jueguen a la cara o cruz de sus personajes.
Adolfo Simón
Mediterráneo de Miguel Ángel Berna en los Teatros del Canal
Miguel Ángel Berna y su compañía están seduciendo al público de Madrid con el ritmo impetuoso de la pizzica y la tarantella del sur de Italia, la armonía intrigante de la música popular griega y el encanto de la jota aragonesa. Si hubiera que describir con una palabra este estupendo espectáculo, sería: ELEGANCIA. El creador aragonés ha conseguido una propuesta en la que hay un gran equilibro en la suma del baile, la música, el canto, la luz, el vestuario y sumando todo ello…La atmósfera de ensoñación y ritual que hay desde la primera hasta la última pieza. Todo se va sucediendo con una suavidad que los sentidos agradecen. En el escenario de la sala roja del Canal, se presenta una producción española con una factura a la altura de muchos de los trabajos internacionales que llegan a nuestra cartelera.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/mediterraneo-miguel-angel-berna-danza/
Adolfo Simón
«Don Juan Tenorio» en el Teatro Pavón
De nuevo volvemos a ver sobre las tablas al Don Juan, pero esta vez transformado por obra y gracia de una mujer que no es Doña Inés: Blanca Portillo. Una adaptación novedosa sobre el mito del Tenorio que intenta desmontarlo y ponerlo en otro lugar. «Creo que ya va siendo hora de que alguien llame al Tenorio por su nombre» ha dicho Blanca. Y es que para ella el Tenorio no es un héroe, no es ese mito del conquistador de corazones, seductor «gallardo y calavera». Para La Portillo el Tenorio es un modelo de destrucción, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena y de una persona que no tiene capacidad para construir… Y así lo ha reflejado. ¡Ya está bien de ensalzar al villano!
Algunos ya han tachado el montaje de «desafortunado» pero hay opiniones para todos los gustos y la curiosidad por ver nuevas ideas puede más que unas críticas, porque al final la creatividad es lo que se debe de premiar, y sobre todo en el teatro.
Si para Zorrilla en su época el Don Juan fue una muestra de divertimento y manera de vivir hoy en día podemos poner en entredicho muchas de sus actitudes como hombre como persona y eso es precisamente lo que la directora ha querido. Para ello ha contado con un Don Juan con un tono de voz canalla y desgastada por la vida que acentúa más el matiz de destructor y mala persona, da más protagonismo a las mujeres, destaca el papel del personaje de Brígida, desvergonzada y provocadora sobre todo en una escena, brillante invención, de la que todo el mundo sale hablando por su «novedad», y, como sorpresa final, nos da una vuelta de tuerca en el personaje de Doña Inés que va a perder toda su inocencia virtuosa en el último «flash» de la obra.
Con un montaje escénico contemporáneo y minimalista que huye de convencionalismos como la ya manida «escena del sofá» y cambios de escena acompañados de la voz en directo de la voz de Eva Martín a ritmo del blues, nos encontramos ante un escenario atemporal que acentúa la contemporaneidad que se ha querido dar al argumento y nos presenta un espacio casi vacío donde se acentúa el fondo del texto.
Si bien es verdad que, es duro enfrentarse a dos horas y media de función sin descansos,por otra parte la curiosidad sobre esta puesta en escena nos mantiene pegados al asiento. Lo digo porque los entreactos musicales con su sobreabundancia alargan el tiempo y lo mismo pasa con una especie de espectros creados para enrarecer el ambiente y sumergirnos en el mundo de las ánimas pero también para ayudar a los cambios de escena y aquí se pierde el ritmo trepidante que tiene que tener el verso y la obra.
Aún así merece la pena verlo, si es que aún quedan entradas, y aunque no estemos en noviembre porque este montaje de nuevo nos demuestra que el Teatro Clásico no está muerto, que puede ser reinterpretado de mil maneras y que hay que apostar por nuevas formas de expresión y de pensamiento en el acto teatral.
Luis Mª García Grande.
Héroes de Antonio Hernández Centeno en La Pensión de las Pulgas
Los héroes están muertos, todos…Se perdieron en un viaje sin retorno mientras Penélope sigue tejiendo en algún puerto o se estrellaron sobre las torres gemelas de Nueva York al quedarse su depósito sin criptonita. Ya no hay héroes ni en los sueños, ni podemos inventarlos porque los dioses han desaparecido entre mensajes en el contestador y el olor a pólvora suspendido en el aire. Héroes de Antonio Hernández Centeno habla de esos seres de hoy que en realidad son anti-héroes porque luchan contra ellos mismos, ya no hay grandes monstruos a los que destruir en alguna isla exótica o galaxia perdida. La escritura de la pieza es compleja, es una espiral constante donde se encuentran y desencuentran los personajes, a veces es más sencillo seguirles por la ciudad o por su corazón, otras veces es más difícil encontrarse con ellos frente a frente. La puesta en escena del propio autor es muy austera, sitúa a los personajes en línea como en el tres en raya, donde estos seres trazan sus sueños y pesadillas, pero también aquí, encerrados en ese laberinto sin espejos cuesta entrar a fondo en las emociones que hay escritas entre líneas. Raúl Tejón es el que está más conectado emocionalmente con lo que dice y hace, él es el Ulises que nos lleva en la oscuridad, intentando encontrar una salida del túnel.
Adolfo Simón
Entre las luces y las sombras: Libertad de Cia. Lucas Cranach/Carlos Marquerie en Pradillo
Entre las luces y las sombras: libertad se creó en el marco del Ciclo Intermitencias del asombro, que acompañaba la exposición «Escenarios del cuerpo. La metamorfosis de Loïe Fuller» en La Casa Encendida durante marzo de 2014. Carlos Marquerie es un histórico del teatro alternativo, desde hace treinta años ha formado parte de colectivos y experiencias singulares. Esta última pieza, es más que una obra de teatro o danza, es un manifiesto plástico-escénico para el que se ha rodeado de unos creadores afines que se dejan literalmente el alma y el cuerpo en la escena. Como una manda herida van atravesando el encinar durante una noche eterna de niebla, huyendo del ruido y del vacío, intentando recuperar ritos de sanación con los que invocar a los dioses y a un futuro en el que la luz no sea opaca.
Adolfo Simón
Solitaritate de Gianina Càrbunariu en el Teatro de la Abadía
«Un afilado retrato de la Europa de nuestros días»
Funcionarios debatiendo sobre la altura apropiada de la valla que separa a la población general de la comunidad gitana en la ciudad de Baia Mare. Una pareja discutiendo los pros y los contras de contratar una niñera filipina. Un público que es dividido en dos espacios por los propios actores. Términos como posicionamiento, migración, demarcación, propiedad y separación entre la esfera pública y la privada, se repiten una y otra vez en cada escena de Solitaritate.
Gianina Cărbunariu, una de las creadoras emergentes de nuestro tiempo, nos muestra en este proyecto teatral creado para Cities on Stage/Ciudades una inteligente metáfora a través del teatro, usando el propio espacio escénico como territorio de debate y exposición para reflexionar sobre la sociedad que no está tocando vivir en este principio de milenio. Nadie podría pensar que en tan poco tiempo se olvidarían los desastres y horrores del siglo pasado, está claro que el ser humano si tropieza varias veces sobre la misma piedra. En Solitaritate vemos los apuntes emergentes sobre lo que puede ser, de nuevo, un mundo deshumanizado, abocado a un salvaje individualismo y acatando las consecuencias que todo esto puede deparar.
Adolfo Simón
Puntadas sin hilo de Margarita Sánchez en el Umbral de Primavera
Si tuviéramos que explicarle a un niño qué es la física cuántica, seguramente le mostraríamos un libro abierto y le diríamos que una página es el futuro, la anterior el pasado y el eje el presente y que si cerramos el libro, todo se junta…Esa sería la forma más sencilla de explicarlo. Puntadas sin hilo es un juguete cuántico misterioso, por lo que no sabemos que hay tras esa puerta que nunca se podrá abrir y por el juego que se establece de planos superpuestos de diferentes realidades. Todo se plantea sencillo desde la dramaturgia para hacernos ver que diferentes situaciones pueden estar conectados y ocurrir a la vez pero desde la propuesta de dirección se complejiza la idea al recurrir a solo dos actores para resolver cada una de las situaciones y sin apenas cambios de caracterización. ¿Es la manera en que quieren mostrarnos la física cuántica de la escena?…
Adolfo Simón
La casa del abuelo de La Rous en el CDN
A veces caemos en el error de pensar que los niñ@s no deben oír hablar de algunos temas, como podría ser la muerte, cuando conviven a diario con ella y con la realidad de un mundo, que es más dura que la mostrada en los cuentos. Desde hace un tiempo, hay algunos creadores que están apostando por narrar a los pequeños de la casa, historias que tengan que ver con lo que viven en su cotidianidad. La Rous realiza en La casa del abuelo un ejercicio autobiográfico emocionante y sencillo. Un mueble lleno de recuerdos se llena de pasajes de la memoria, un espectáculo sensible y arriesgado que se agradece desde el patio de butacas.
Adolfo Simón
La niña que riega la albahaca de Dos Lunas Teatro en Nave 73
Una propuesta esperpéntica con estética de casa okupada en la que se intenta dar otra visión del poder y la influencia femenina en la sociedad de hoy.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.