Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache. En Casa Encendida
Las visiones de Hildegard, dramaturgia y dirección de Ignacio Calvache
Ciclo Artes Escénicas y Discapacidad en Casa Encendida
Hay propuestas escénicas que son mucho más que una obra de teatro. Ignacio Calvache lleva mucho tiempo investigando con actores ciegos, buscando una poética que permita que estos intérpretes expresen su oscuridad con el máximo de luz. En esta ocasión, su propuesta dramaturgica de Las visiones de Hildegard a partir del libro Vida y visiones de Hildegard von Bingen de Victoria Cirlot es el marco en el que las actrices Mariu del Amo y Mamen Martín se instalan como verdaderas iluminadas de la escena. Hay otros elementos que apoyan la puesta en escena y el trabajo actoral…La música en directo interpretada por Werner Glaser y el espacio, vestuario y proyecciones que, siento austero, es de una belleza impactante. Dos mujeres ciegas transitan como funambulistas por el escenario, teniendo la luz y claridad necesaria para comprender mejor al ser humano y hacernos reflexionar a los espectadores sobre la libertad y la imaginación.
Adolfo Simón
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
¿Quién teme a Virginia Woolf? de Edward Albee. Dirección: Daniel Veronese. Teatro de La Latina
Este texto es de una carpintería teatral perfecta, nada está de sobra, todas las piezas van encajando para hacer que la acción dramática crezca hasta el desolador final. También es un ejercicio perfecto para un buen director de escena y sobre todo de actores…En realidad da igual el aparato escénico que se articule, lo importante es tener cuatro intérpretes dispuestos a dejarse la piel en escena, en dos planos diferentes pero perfectamente conectados. Sin los dos personajes secundarios, el combate a fondo de la pareja protagonista no se podría realizar, son las cuerdas contra las que rebotan en ese ring personal imaginario, en ese juego cruel en el que están acostumbrados a vivir y sufrir día a día. Aquí el reparto es perfecto, Mireia Aixalà e Iván Benet son ese coro perplejo que sobrevuela alrededor de los protagonistas trágicos…Pere Arquillé y Carmen Machi hacen un despliegue interpretativo que no es habitual en la escena contemporánea, algo que el público agradece al final, aplaudiendo puesto en pie.
Adolfo Simón
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Mis padres no lo saben en la Sala AZarte. Dirección de Javier Corral
Basado en el libro homónimo de Marce Rodríguez y Mariola Cubells
Lo que más se agradece de Mis padres no lo saben es la sencillez con la que se aborda todo…Las historias, los personajes, la puesta en escena…Por momentos parece que estamos asistiendo a la confesión íntima de cada uno de esos seres que se quedaron atrapados en las ondas de la radio, la conexión de internet, la oración o la amistad mal entendida. Podrían ser historias que se hubieran contado en aquel famoso programa de televisión de los setenta…Crónicas de un pueblo… Y tal vez la vida de los homosexuales y lesbianas de hoy en día no tendrían que contar sus historias a escondidas. Una banqueta, un sofá y unas cuantas cajas de frutas vacías son suficientes para crear el universo donde transcurre la memoria de un tiempo que todavía puede ser el de hoy. Está muy bien que se represente en la sala AZarte, con ese guiño de que las pequeñas biografías varían cada fin de semana, como en la vida…cada día nos llegan anécdotas diferentes de la existencia de los otros…Pero sería muy bueno que estos cómicos comprometidos viajasen a todo tipo de sala y sobre todo, sería muy pedagógico que pudieran colarse en las aulas de todos los institutos de nuestro país.
Adolfo Simón
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
AMIGOS hasta la muerte en el Teatro Muñoz Seca
Texto y dirección de JAVIER VEIGA
El teatro es un espacio que constantemente se está reinventando…Bebe de todas las fuentes y de todas se empapa…En AMIGOS hasta la muerte hay una primera parte que recuerda a las propuestas de El club de la comedia, incluso el espacio tiene ese aire de bar con escenario donde se suben los amigotes a cantar o contar historia en clave de humor…Toda la primera parte de esta obra escrita y dirigida por Javier Veiga es un chiste grueso, de esos que se podrían contar en la barra de un bar, delante de un sol y sombra…Hacia la mitad da un giro y la emoción se cuela entre los chistes…Y lo que parecía un extraño triángulo termina siendo una extraña pareja con bebé. El público disfrutó de una manera de hacer teatro que recuerda a aquel cine de los setenta que tan buenos ratos nos hizo pasar.
Ignacio Sánchez
Mujeres de Shakespeare de Rafael Álvarez «El brujo» en el Teatro Cofidis
Teatro Alcázar-Cofidis
“Mujeres de Shakespeare”
Interpretación y dirección: Rafael Álvarez
Decir…”Se estrena una nueva propuesta de El brujo…” ya es garantía de una buena sesión de comunicación teatral…Aunque uno sabe qué se va a encontrar al acudir a ver a Rafael Álvarez, no puede evitar ir de nuevo…Da igual la excusa…en realidad, cada temporada es necesario recibir una nueva dosis de encantamiento escénico de El brujo…Aparentemente se escribe la obra durante la representación, con el tintero del público…pero todo lo que en escena parece fruto de la casualidad, en realidad es el resultado de muchas horas de escenario. Rafael Álvarez maneja a la perfección la narración clásica cruzada de la actualidad más rabiosa…Provoca la risa constante para dejarnos el paladar con sabor a hiel…Aquí, en Mujeres de Shakespeare, en un espacio ritual y con solo un violín como compañía, recorre el tiempo del bardo y el nuestro, consiguiendo que aquellas mujeres de ficción nos permitan conocernos mucho mejor a los ciudadanos de hoy. Nadie duda que tendrá un encuentro sagrado teatral al acudir al rito de El Brujo…una de las más antiguas experiencias…un actor frente al auditorio: El TEATRO.
Adolfo Simón
“El año que viene será mejor”. Mercè Vila Godoy. TEATRO BELLAS ARTES.
TEATRO BELLAS ARTES
“El año que viene será mejor”
Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias, Victòria Szpunberg
Dirección: Mercè Vila Godoy.
Una buena historia que contar puede tener dentro muchas pequeñas historias. Nuestra vida está llena de esas pequeñeces que muchas veces tenemos que compartir para desahogarnos, para luchar, para combatir, para liberarnos…
Las mujeres, en este caso las treintañeras, tienen muchas micro-historias que contar y padecer y, de vez en cuando, viene bien publicarlas y sacarlas a la luz para quitarse los fantasmas y reírse de ellos: la primera vez que te llaman “señora”, las cenitas guays en las que sales perdiendo pagando “a escote” cuando tu no has comido nada porque no tienes un duro, esos sábados por la noche en los que no sabes si sales a ligar o a emborracharte, los hombres que te dejan por mail…”No eres tú. Soy yo…”; “Hola, me llamo Vane, tengo 35 años y quiero volver con mi ex.”, …
Tenemos delante una obra pensada para reírse de la situación actual que vivimos y con un ritmo que engancha, que nos hace salir con algo de optimismo y pensar que sí, que el año que viene ¿será mejor?
Luis Mª García Grande.
Enrique VIII de William Shakespeare en los Teatros del CANAL
Teatros del CANAL
“Enrique VIII”
Autor: William Shakespeare
Dirección: Ernesto Arias
Enrique VIII es la obra menos representada de William Shakespeare, en nuestro país probablemente este ha sido el estreno oficial y tal vez hay razones para que así haya sido… Es una obra cargada de información y con poca acción, sobre todo en la segunda parte cuando se lleva a cabo el juicio. Esto dificulta la tarea de todo el mundo implicado en la producción…Hay que crear una escenografía que facilite la posibilidad de muchos espacios sin cambios aparatosos y esto a veces obliga a dejar demasiado indefinidos los lugares… Hay que conseguir un reparto homogéneo que además permita dobletes porque son muchos los personajes que aparecen y no siempre se consigue ese equilibrio actoral y sobre todo, hay que conseguir que la obra no parezca una historia museística y para ello, la versión es esencial, es preciso ir al eje de la obra aunque se pervierta lo que propone Shakespeare, sobre todo si se le quiere dar contemporaneidad y para que esta no quede solo en el detalle de que se asoma el vestuario actual de los actores por debajo de los ropajes clásicos; muy poco acertados en casi todos los casos. Cuando hay un material tan complejo al que poner en pie, hay que usar el bisturí fino para pulir y ajustar todo; para crear climas y mundo particulares hay que iluminar con detalle y aquí la luz, en general, dejaba demasiado abiertos los espacios dramáticos. Lo que está más cuidado es el trabajo actoral, probablemente porque Ernesto Arias tiene, en realidad, una trayectoria solida como actor y conoce bien los mecanismos de la interpretación. En la escena final, cuando la reina enloquece en medio de ese paisaje de personajes fantasmagóricos, empieza a abocetarse lo que habría sido una propuesta de dirección personal, más allá de lo que el autor dicte en sus acotaciones.
Adolfo Simón
As The Flames Rose We Danced To The Sirens, The Sirens. Sammy Metcalfe. FRINGE MADRID -CONDE DUQUE
FRINGE MADRID -CONDE DUQUE
«As The Flames Rose We Danced To The Sirens, The Sirens»
Dirección: Sammy Metcalfe.
Intérprete: Lara Solano Arana.
Las sirenas pueden ser personajes mitológicos, bellas mujeres con terminación en cola de pez en vez de piernas que inducen a los aguerridos marineros al desastre mediante su voz melodiosa e hipnótica, com nos demuestra Lara Solano a través de la figura de Iara, pero también pueden ser señales de alarma, peligro y aviso de que algo malo está pasando.
Con este doble juego se pone en escena una obra-performance que pretende implicar al público asistente en el via-crucis de una mujer indecisa, temerosa, atractiva, insegura, herida y confusa por una situación emocional compleja y que nos muestra a través de una poética inusual. ¿Cuántas mujeres se habrán sentido identificadas y reflejadas en esa escena de La Garbo que da nombre a esta obra?
Es muy complicado que una sola protagonista, con tres lámparas, una botella de vino y una proyección nos mantenga pendientes durante una hora en su transcurso hacia la respuesta que tanto espera encontrar y Iara lo consigue con creces. No dejéis de verla, aunque al principio no entendáis nada y al final sintáis que una mujer ebria ha confesado sus emociones ante un publico que también ha bebido de su vino ¿o no?
Luis M. García.
“Una temporada en el Congo”. Nuevo Teatro Fronterizo. Juan Ayala. FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
“Una temporada en el Congo”
Nuevo Teatro Fronterizo
Dirección y adaptación: Juan Ayala.
Una reinterpretación de la obra de Aimé Cesaire que aborda los problemas de la descolonización del Congo a través de la vida de Patrice Lumumba y de cómo dar sentido a la emancipación de un pueblo, cómo crear su cultura y buscarla, cómo abordar los diferentes puntos de vista que se pueden dar en el mismo pueblo, las tensiones y contradicciones de la emancipación de los pueblos oprimidos en el contexto de la Guerra Fría e intentar sacar algo en común.
La compañía nos propone desde un principio sumergirnos en la situación del Congo en 1960 mediante un “acto de fe” haciéndonos ver que interpretan a negros con unos ideales y que nosotros mismos podemos participar, como pueblo, de esa toma de decisiones y diferentes visiones. Mediante música y participación se nos sumerge poco a poco en la vida de Lumumba y la lucha que mantuvo con los Belgas y con su propio pueblo para hacernos pensar sobre si hoy en día se pueden mantener los ideales y luchar por ellos. Da igual si la música que nos proponen es del congo o no, si los actores son negros o blancos, si la situación ha sido más real o más ficticia, lo importante es que nos inspira un ánimo reivindicativo que nos acerca a los tiempos que actualmente también exigen de nosotros ciertos compromisos y ciertos actos de fe.
Luis Mª García Grande.
«La realidad». Denise Despeyroux. Conde Duque-Featival Fringe
Conde Duque-Featival Fringe
Sala de ensayo 1
La realidad
Interprete: Fernanda Orazi
Creación: Denise Despeyroux
Que es la realidad?… Aquello que nombramos?… Lo que sentimos?… Lo que ocultamos?… En La realidad, Denise Despeyroux hace un sencillo tratado filosófico sobre aquello que somos y lo que nos permiten ser… Un tema tan complejo podría haberse convertido en una entelequia imposible de descifrar y sin embargo, lo instala en una situación cotidiana, ante un acontecimiento terrible que esta a punto de ocurrir… En escena se crea una virtualidad en la que dos hermanas se comunican por video conferencia… La distancia permite generar un espacio de comunicación/incomunicación muy interesante ya que podemos ver en escena a una de ellas y proyectada a la otra. Las dos hermanas son interpretadas por Fernanda Orazi en uno de los trabajos mas complejos y ricos de los que ha realizado en Madrid; los silencios de escucha de algunos momentos eran de una emoción demoledora. Intuyo que este trabajo ha sido realizado minuciosamente entre Denise y Fernanda, generando un espacio intimo fascinante al que nos asomamos pudorosamente con una sonrisa.
Adolfo Simón.
“Obra de dos personajes”.
FRINGE MADRID – CONDE DUQUE
“A modo mío”. Compañía Mixó. Marco Calvani. FESTIVAL FRINGE – CONDE DUQUE
«Muere, Numancia, muere». Carlos Be. FRINGE MADRID – Conde Duque
“Verano”. Jorge Roelas. Centro de Arte Fernán Gómez.
“El manual de la buena esposa”. Quino Falero. Teatro Lara.
“In(sumisos)”. FRINGE MADRID – CONDE DUQUE. TurliTava Teatro Y CríaCuervos.
“Cenizas a las cenizas”. Harold Pinter. La Puerta Estrecha
La Puerta Estrecha
“Cenizas a las cenizas”
Autor: Harold Pinter
Interpretación y Dirección:
Rodolfo Cortizo y Eva Varela Lasheras
En Madrid hay una fantástica exposición de Hooper en estos momentos, el pintor que mejor atrapó en sus cuadros la intimidad y la soledad del ser humano…Y en el corazón de Lavapiés, en la Puerta Estrecha, hay un cuadro de Hooper que cobra vida ante nuestros ojos…Siempre es una aventura acudir a este espacio, un lugar que no se parece a ningún otro de la ciudad…Y ahí, en la habitación de arriba, se representa Cenizas a las cenizas de Harold Pinter. El espacio es justo el necesario para albergar a un pequeño grupo de espectadores y a la pareja protagonista… Ahí, encerrados, asistimos a un combate verbal en el que los silencios y las preguntas no respondidas son los golpes más bajos…El texto de Pinter es de una belleza escalofriante, por momentos se instala en una poesía dolorosa cargada de ausencias y horror…Nada de lo que ocurre y se dice supera el tono del susurro y sin embargo, cada palabra es un puñal que se clava en nuestro cerebro…Rodolfo Cortizo y Eva Varela Lasheras realizan uno de sus trabajos más precisos y contundentes en esta ceremonia caníbal sobre la memoria.
Adolfo Simón
“Duda razonable”. Borja Ortíz de Gondra. Sala CUARTA PARED.
«La escuela de la desobediencia». Paco Bezerra. Teatro Bellas Artes
Teatro Bellas Artes
«La escuela de la desobediencia»
Dramaturgia: Paco Bezerra
Dirección: Luis Luque.
Caigo en la trampa y, esperando ver una obra clásica de verso bien declamado -o al menos eso es lo que prometía el cartelito de la Adanez y la Marcos-, acudo al Teatro Bellas Artes y…¡Sorpresa! Dos señoritas muy recatadas salen al escenario en medio de unas arias de ópera Barroca como si no pasase nada… Espero el primer verso y me encuentro con una dramaturgia contemporánea y unas «indecentes» señoras que incluso jadean sensualmente…
Inspirada en un obra aparecida en París en el s. XVII llamada L´École des filles ou La Philosophie des dames y que a su vez estaba inspirada en Ragionamenti del italiano renacentista Pietro Aretino –un escrito “contrario a las buenas costumbres”-, Paco Bezerra intenta acercarnos al universo de las mujeres en el Barroco y sobre todo al aspecto de la liberación sexual de las mismas haciéndonos ver que esa liberación empezó mucho antes de que los hombres nos diésemos cuenta, y lo consigue plenamente.
“En una época en que trabajar estaba prohibido para la mujer, las tres únicas formas que las doncellas tenían para salir adelante y vivir con dignidad eran casarse, ponerse los hábitos o ejercer la prostitución” Esto es lo inspira a Bezerra para crear una obra en la que dos mujeres hablan de los “secretos” de la vida sexual, de cómo todo lo que les han contado no es así y deben “desobedecer” y aprender a vivir su vida de la mejor manera posible. María Adánez y Cristina Marcos bordan estos papeles con mucho desparpajo, maestría y humor enseñándonos que no todo debe ser como nos han dicho…Un espectáculo muy instructivo para todos y todas incluso hoy en día.
Luis Mª García Grande.
“La escuela de la desobediencia”. Paco Bezerra
“Hamlet”. William Shakespeare. Will Keen. Naves del Español-Matadero Madrid.
Naves del Español-Matadero Madrid
“Hamlet”
Autor: William Shakespeare
Dirección: Will Keen
Siempre vale la pena acudir a ver Hamlet, la obra cumbre de William Shakespeare, siempre hay la esperanza de descubrir algo nuevo de la condición humana a través de sus personajes y sus diálogos. No importa que sepamos que todos mueren al final, da igual, podemos seguir de nuevo, paso a paso, la trama, porque en cada versión parece que los personajes van a ser dueños de su destino y cambiar el rumbo de los acontecimientos. Es lo que tiene ser una obra genial, da para todo, para mil y una variantes. Al salir de ver la propuesta de Will Keen tuve una sensación extraña en el cuerpo, una mezcla de frialdad y ligereza. Me habían contado la peripecia del príncipe de Dinamarca en una adaptación actualizada, habían usado elementos que le daban contemporaneidad a la historia…Y había un equipo de actores entregados a la propuesta y sin embargo…No me ha emocionado, al revés, hubo momentos, sobre todo en los que se indagaba en el posible humor del texto, en que sentí que se alejaban del corazón de la obra para hacer justo lo que Hamlet pide que no hagan en la clase magistral que da a los cómicos antes de hacer la función en la que conseguirá que su tío, asesino de su padre, quede al descubierto. Hay un par de escenas en la que desapareció la realidad y el efectismo que me hicieron pensar que la intuición del director había acariciado una mirada diferente sobre este texto, pero se esfumaron de inmediato. Por momentos, tenía la necesidad de mirar a los actores que hacían personajes secundarios, en su mirada y su cuerpo encontraba un Hamlet más profundo.
Adolfo Simón
“Lluvia de ángeles sobre París”. Alfonso Sastre. Teatro Francisco Rojas – Círculo de Bellas Artes
Alfonso Sastre es uno de los autores más combativos de la última mitad del siglo XX. Sus obras pasaran a la historia por denunciar muchas injusticias…Antonio Malonda es uno de los directores más coherentes y constantes de nuestro teatro contemporáneo… Ambos han realizado varias colaboraciones, les une una visión parecida de la utilidad que ha de tener el teatro para la sociedad. Alfonso Sastre ha querido jugar las cartas de la comedia en Lluvia de ángeles sobre París…Creando un texto lleno de guiños teatrales y de comicidad para pensar…Antonio Malonda acompaña sutilmente al texto, sin forzar su construcción, sin adornarlo escénicamente y para ello se apoya en un equipo de actores dispuestos a jugar todo lo que en la obra se propone.
“De pelo y pluma”. Homero Rodríguez Soriano. Teatro Triángulo Festival VISIBLE
“Últimos días de una puta libertaria”. César López Llera. Teatro Triángulo. Festival VISIBLE
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