El traje de Juan Cavestany en Kubik Fabrik
El traje de Juan Cavestany en Kubik Fabrik
Los pulsos escénicos funcionan muy bien en teatro, en nuestra memoria están La huella, El veneno del teatro…piezas que permiten que dos actores se midan en escena y mantengan atrapado al público en un combate piscológico y dialético. El traje, es una pieza escrita y dirigida por Juan Cavestany que por momentos nos recuerda a Pinter en el Montaplatos o al Esperando a Godot de Beckett. Hay mucho absurdo y extrañamiento en esta situación anodina producida por la compra de un traje que desencadena en un final inesperado y sorprendente. Pero lo que hará que el público acuda allá donde se represente esta función, es el placer por disfrutar del combate cuerpo a cuerpo que realizan Javier Gutiérrez y Luis Bermejo, los dos actores están espléndidos, llenos de matices, con una entrega descarnada y generosa para dar piel y locura a esos dos pobres hombres metidos en un callejón sin salida del que no saben cómo salir. Teatro de actores, teatro al fin.
Adolfo Simón
El principito dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
El principito, a partir del libro de Saint-Exupéry, dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
Esta obra maestra de la literatura no tiene límite de edad para su lectura, aunque parece un cuento infantil, en el fondo, tiene múltiples lecturas, uno lo puede leer en diferentes momentos de sus vida y encontrar nuevas visiones en sus pasajes. En esta versión para adultos que se presenta en el Teatro de La Abadía, digirida por el prestigioso Roberto Ciulli, parte de un supuesto interesante…¿Qué pasaría si ese pequeño principe en vez de ser interpretado por un niño lo hiciese un actor con la edad apropiada para interpretar al Rey Lear?…Como decía antes, el cuento se abre por otras páginas y no deja de sorprender, contiene, entre líneas, poesía y filosofía para que podamos ver el mundo a través de los ojos de un niño o de un anciano. José Luis Gómez se enfrenta a uno de los trabajos más arriesgados y expuestos de su carrera, por la frágilidad y profundidad con las que ha de abordar esos pasajes fragmentados, a medio camino entre el clown y el teatro del absurdo. Inma Nieto le da la réplica oportuna en la escena, juntos nos llevan en su viaje imaginario, sentados en la silla trasera de la bicicleta.
Adolfo Simón
IVÁN-OFF EN LA CASA DE LA PORTERA DIRIGIDA POR JOSÉ MARTRET
Todo lo que se escriba sobre la obra principal y que ha dado nombre y fama a la Casa de la Portera será redundar y volver a repetir lo que muchos críticos afamados han escrito. Pero hay que reconocerlo: la puesta en escena de Ivánov es innovadora y contemporánea. La idea es perfecta: meternos en el propio despacho de Iván, que representa también su interior, su constante agobio en el vivir y sus obsesiones y esto sólo puede pasar cuando te adentras en su casa, estás a su lado, lo oyes respirar y piensas que lo estás viviendo como si fuera un hecho real, cosa que no se produce en la butaca de un teatro normalmente. Y nos meten dentro de un espacio escénico singular, diseñado por Alberto Puraenvidia y que nos trasporta a ese ambiente de finales del XIX y sin embargo utiliza elementos decorativos contemporáneos.
Asimismo hay que destacar la capacidad de trabajo de todo el equipo que se esfuerza en «recubrir» la actuación de Raúl Tejón y darle un aspecto completamente espléndido.
Martret ha conseguido dejarnos muy claro cuál son las pretensiones de Iván, sus sentimientos y su ciclo vital hacia el desenlace de la obra, clarificando el texto, dándo énfasis a lo que se lo merece y destripando la obra, de manera que te mantiene en vilo durante casi dos horas.
La Casa de la Portera se ha hecho un hueco ya en esa lista que circula por ahí de «100 cosas que no puedes dejar de hacer cuando vengas a Madrid».
Luis Mª García.
Orquesta de Señoritas de Juan Carlos Pérez de la Fuente en el Teatro Amaya.
Una versión patria de la obra de Jean Anouilh, que escribió en 1957 y se estrenó en 1962, nos sorprende en el teatro Amaya. La obra se basa en el juego de la apariencia y la realidad en la vida de seis mujeres artistas que, sin embargo, se sienten frustradas.
Pérez de la Fuente quiere evocar en su versión la posguerra española a través del «género frívolo»: las varietés y la verdad es que no nos deja indiferentes. La música recordando a las grandes cupletistas del siglo XX y la escenografía y vestuario forman un conjunto redondo al que Juan Ribó y Víctor Ullate Roche saben sacar muy buen partido a temas como «La Vaselina» o «La Regadera». En un ambiente sorprendente por el «reciclado» –construido con envases reciclables- y distendido y aprovechando la inspiración del vestuario de Juan Retana, «el figurinista de las estrellas» nos sumergimos en el Madrid de los mil placeres en el que el cabaret era el sinónimo de perdición y vicio y en el que se enmascaraban las alegrías y las tristezas.
Hay que destacar también el maquillaje que nos puede recordar a ciertas películas de Bob Fosse y que imprime una especie de patetismo que ayuda al hilo conductor de la obra que se debate entre el llanto y la pluma, mucha pluma.
Luis Mª García.
¿Qué entiendes tú por amor?…en la Sala DT de Madrid
¿Qué entiendes tú por amor?…en la Sala DT de Madrid
Los adolescentes no tienen sitio en la cartelera teatral, los jovenes no tienen la posibilidad de tener una educación emocional como debieran…Y así va el mundo. Las palabras pueden dar vuelo a una vida o estamparla en el primer muro a la vuelta de la esquina. ¿Qué entiendes tú por amor? es una nueva y arriesgada propuesta en la Sala DT, en este caso es el resultado del encuentro artístico entre méxicanos y españoles, gracias al apoyo de Iberescena. Va dirigido a niños adultos, adolescentes y adultos infames…quiero pensar que a los primeros para que tengan una nueva oportunidad en lo emocional, a los adolescentes para que sus primeras caricias no sean arañazos y a los últimos para que sientan vergüenza por los delitos cometidos. Hay una austeridad en esta propuesta que obliga a fijarse en los detalles fundamentales, esos que se concretan en una palabra, en una imagen, en un gesto…Un trabajo honesto y directo al corazón, de los más comprometidos que he visto en este espacio teatral. En unos tiempos en los que no se hace cargo de la ciudadanía quien debiera hacerlo, los cómicos están ahí, para hablar de cara a la sociedad. Este trabajo debería formar parte obligatoria de las actividades extra escolares de todos los institutos de este país.
Adolfo Simón
El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya
El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya
Versión libre de Ignacio García May sobre Informe para una academia de Franz Kafka
Dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente
Informe para una academia es un bombón tentador para cualquier actor porque permite un buen ejercicio interpretativo, todos los grandes actores han sucumbido a él, pero nunca, que yo sepa, se había interpretado por una actriz, en esta ocasión, además, por una gran actriz de larga trayectoria. La última vez que vimos en nuestros escenarios a Luisa Martín fue como la madre de los Conway, en el anterior montaje de Pérez de la Fuente, allí daba vida a una señora de alta alcurnia con una familia bastante conflictiva…Aquí, en El show de Kafka, da un giro radical como solo las grandes lo realizan y se mete, arriesgando al máximo, en la piel de este simio que ha de dar cuenta de su «civilización» mientras se le cuela por momentos, inevitablemente, el animal que lleva dentro. La propuesta es muy sencilla, este ser «evolucionado» ha sido galardonado y tras recibir el premio por su evolución, es entrevistada sobre su vida actual. Hay un guiño a como se entiende la grandeza hoy en día, ese minuto de gloria miserable conseguido en los medios de comunicación rosa, a sucumbir a la imitación del que consigue todo con el mínimo esfuerzo. Luisa Martín realiza un exquisito trabajo en el que pone su cuerpo al servicio de una mostruosidad de diseño, con un físico marcado por heridas y golpes. Es un placer seguir disfrutando de las actrices funambulistas de nuestra escena, siempre dispuestas a dar el salto más difícil.
Adolfo Simón
Anomia, texto y dirección de Eugenio Amaya en el CDN
Anomia, texto y dirección de Eugenio Amaya en el CDN
Anomia se podría subtitular como Clase magistral para convertirse en un político corrupto y conseguir ser inmune ante la justicia…En el programa de mano, el autor y director Eugenio Amaya nos describe el momento en que tuvo la necesidad de escribir sobre lo que estaba pasando «afuera», en nuestra sociedad…Lo que está ocurriendo ahora ya lo sabemos todos desgraciadamente, los medios de comunicación nos dan cuenta de ello…lo preocupante de esta situación es por qué la ciudadanía no reacciona ante tanto abuso y tal vez el estímulo, para que esto ocurra, debería llegar desde el teatro. Es verdad que no todo el teatro ha de ser combativo pero cuando se trata de un problema político, con la que está cayendo, quedarse en la mera exposición de una situación en la que un grupo de tiburones pelea por la tajada corrupta para terminar repartiéndose el pastel, pues no es precisamente lo más interesante que se puede contar hoy desde un escenario. La situación es creíble, el espacio recrea correctamente donde se lleva a cabo ese pulso por el poder corrupto y los actores defienden con mesura los personajes, ahora bien… ¿Este es el material idóneo, poéticamente hablando, para denunciar algo tan serio desde un Teatro Nacional?…¿A quién va dirigido este espectáculo…?¿Al público medio o a los aprendices de pícaro?…¿O tal vez a los posibles protagonistas que acudan a verlo para deleite de sus hazañas?. Salí del teatro pensando que me habían dado un discurso en callejón sin salida.
Adolfo Simón
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Versión de Juan Mayorga – Dirección de escena de Helena Pimenta.
La vida es sueño es probablemente la obra cumbre de nuestro teatro clásico, es un texto que consigue elevar filosóficamente a todos los que entran en sus entrañas literarias. Juan Mayorga ha hecho una versión sútil con la que acerca el texto a nuestra época, algo que se agradece porque se mantiene la obra original evitando que suene museística para el público de hoy. Pocas veces hay la oportunidad de ver tanto talento reunido en una producción…el vestuario, la luz y el espacio escénico se fusionan para conseguir una propuesta plástica fantástica, por momentos, asistimos a imágenes surgidas del Museo del Prado. Pero para que un texto o un cuadro cobre vida, han de entrar en juego los actores, los magos de la escena, sin ellos las ideas se quedan planas, han de poner en juego su imaginario y su sangre para que todo adquiera sentido y aquí, todos, desde Blanca Portillo hasta la figuración, están en estado de gracia. El teatro es un oficio de artesanos, si cada pieza o plano no suma, el resultado es desastroso, sin embargo, en esta nueva mirada escénica sobre La vida es sueño, todas las piezas de un complejo mecanismo de relojería encajan y el nivel de coherencia que hay en todo el espectáculo tiene una responsable, Helena Pimenta, que aquí, consigue uno de sus trabajos más impresionantes y bellos.
ADOLFO SIMÓN
Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos en el CDN-La vía del actor
Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos en el CDN-La vía del actor
Cuando se presentó la programación de la nueva etapa del Centro Dramático Nacional y se habló de un nuevo espacio, llamado La vía del actor, en el que se realizarían proyectos de investigación a partir de procesos en los que los actores serían el eje central, a todos nos pareció una posibilidad de crear resultados más acorde con el proceso y no tanto con la exigencia de lo que se vería el día del estreno; algo que ya hacía tiempo debía haber sido asumido por un Centro Dramático Nacional. La primera experiencia surgida de este marco ha sido Los conserjes de San Felipe de José Luis Alonso de Santos, dirigida por Hernán Gené. Para esta primera prueba se convocó a un gran número de profesionales con los que se trabajó durante unas sesiones, de ahí fueron seleccionados doce jóvenes con los que se llevaría a cabo el primer laboratorio de La vía del actor. Durante tres meses han trabajado para compartir con el público el primer resultado final. En el punto de partida llamó la atención que para un laboratorio teatral se plantease un texto realista e histórico de algún modo, es verdad que no solo un teatro vanguardista puede ser materia de búsqueda pero tal vez, para la primera prueba tendrían que haber elegido una obra más abierta y sobre todo, llamó la atención que se eligiese un elenco muy jóven para interpretar a los personajes mayores de esta obra. Así, el proceso debe haber sido costoso y el resultado no es la exposición del texto original ni un salto al vacío sobre el mismo, se queda en un territorio extraño en el que vemos a jóvenes haciendo de viejos que cuentan una historia de antaño. Eso si, si este espacio de trabajo tiene como objetivo que los actores sean los que den sentido al proceso y a lo mostrado, ha sido un acierto, porque hay doce jóvenes que no descansan ni un segundo durante la larga hora y pico que dura el espectáculo, un grupo de actores implicados al mil por cien en este proyecto.
Adolfo Simón
Noche de Reyes de William Shakespeare en el Teatro de la Abadía
Noche de Reyes de William Shakespeare dirigida por Eduardo Vasco en el Teatro de la Abadía
A menudo se nos olvida a los espectadores y a los que hacemos teatro que el escenario ha de ser un lugar de juego y placer…A menudo se nos olvida que si no se hace teatro con pasión y entrega, no vale la pena subirse a la escena. William Shakespeare escribió unas tragedias inmortales pero también escribió unas comedias deliciosas y a través de todas sus obras nos hace reflexionar sobre la condición del ser humano…Con lágrimas o risas consigue que entendamos un poco mejor el absurdo de nuestro tránsito por el mundo. En Noche de Reyes, hay mucho enredo y juego de identidades: La esencia del teatro…Esto se puede hacer desde un planteamiento denso o se puede hacer desde el divertimento y no por ello dejar de profundizar en lo que el autor nos plantea. Eduardo Vasco vuelve a ponerse al frente de su Compañía Noviembre Teatro tras la época en que dirigió la Compañía Nacional de Teatro Clásico y lo hace acompañado de un grupo de cómplices…Yolanda Pallín, Miguel Ángel Camacho, Lorenzo Caprile y un grupo de actores de larga trayectoria escénica. Todos juntos han asumido la misma consigna…Vamos a disfrutar al máximo…y se nota, hay una complicidad en escena, una escucha y un respeto profundo por la comedia shakespeariana que la convierte en una delicia para todos los que asistimos a la misma desde el patio de butacas, haciéndonos disfrutar del maravilloso juego del teatro.
Adolfo Simón
«La mirada de Aleister Crowley» Pablo Raijenstein y Adolfo Simón. Teatro Arenal.
Madrid está lleno de propuestas escénicas y aún así siempre hay alguien que da una vuelta más a la tuerca y consigue sorprendernos. En este caso, la idea inicial de Pablo Raijenstein de dar a conocer a uno de los ocultistas más importantes de la historia del mentalismo: Sir Aleister Crowley, barón inglés, poeta notable, espía eminente y gran pontífice de la magia negra que dejó en la historia del ocultismo un hueco que nadie hasta ahora ha podido llenar.
Raijenstein, que ya ha trabajado en otros espectáculos de este carácter como «Matrimonio Chariot», se ha centrado ahora en crear algo más redondo y acabado, mostrándonos un resultado más compacto y espectacular para lo que ha convocado al director de escena Adolfo Simón.
Gracias a la colaboración de ambos, nos sumergimos en una sesión a través de la cuál, poder conocer más a fondo la figura de Crowley, gracias a ciertos «fenómenos paranormales» que irá provocando el maestro de ceremonias mediante pequeños rituales e historias en las que participa el público como vehículo para conectar con el alma del místico.
La dramaturgia Pablo Raijenstein y Adolfo Simón genera una estructura escénica para que este último arme una puesta en escena impactante, consiguiendo crear tensión sobre las percepciones del espectador, para que se enganche desde un principio y se mantenga en vilo durante toda la representación a través de
elementos visuales y psicológicos. Se crea un ambiente de tensión escénica mediante elementos decorativos que nos sugestionan para creer que nos hemos cruzado de repente con un alma en tránsito y que nos va a ayudar a desvelar ciertos secretos y a entrar en la mente de los demás y saber crear esa tensión a partir de la idea de que «El Todo es Mente» y que los pensamientos se pueden transmitir de una mente a otra ha sido todo un acierto para este espectáculo.
En definitiva, Raijenstein y Simón han creado un espectáculo para curiosos, para aficionados y para todos aquellos que disfruten con la búsqueda del más allá, de la parapsicología y crean que en el Universo hay una sola Mente y TODO está comprendido dentro de esa mente…
Luis Mª García.
Naturaleza muerta en una cuneta de Fausto Paravidino en el CDN-Teatro Valle Inclán
Naturaleza muerta en una cuneta de Fausto Paravidino en el CDN-Teatro Valle Inclán
Este montaje dirigido con buen pulso por Adolfo Fernández tiene varias virtudes, la primera es un texto que aunque pudiera parecerse a un capítulo de esas series que invaden la televisión en las que se descubre a mil asesinos, no tiene nada que ver, aquí hay teatro en cada momento de la obra, sobre todo, porque además de hacernos viajar por una investigación sorprendente, nos permite también conocer lo que piensa y siente cada personaje. Otra de las elecciones oportunas es el espacio escénico, tiene la textura y medidas precisas y consigue hacernos creer, al abrirse un panel, que hemos entrado en otro lugar. Pero por encima de todo, lo que hay es un equipo de actores arremangados en este proyecto, todos, menos el inspector, realizan varios personajes y con un pequeño cambio de aspecto, nos hacen creíble que encarnan a otro…da igual que reconozcamos levemente al actor que hay detrás, el teatro tiene esa magia, si en la escena hay verdad, nos creemos todas las mentiras.
Adolfo Simón
La Celestina dirigida por Mariano de Paco Serrano en el Teatro Fernán Gómez
La Celestina dirigida por Mariano de Paco Serrano en el Teatro Fernán Gómez
Este montaje de La Celestina es el más arriesgado que ha dirigido hasta el momento Mariano de Paco Serrano. Hay una poética en el espacio y en el tratamiento interpretativo de algunos personajes que le da una contemporaneidad muy sugerente, la luz y la fantástica banda sonora de Tomás Marco elevan la atmósfera de la puesta en escena a ensoñación. Y una de los grandes méritos de esta producción es haber recuperado para la escena a la única diva que nos queda en el teatro español, la gran Gemma Cuervo, viéndola uno se pregunta por qué ha estado tanto tiempo alejada del teatro este monstruo escénico…Gemma crea un nuevo concepto de La Celestina, un ser mágico y perverso al tiempo. El resto de actores se divide entre los más experimentados que dan peso al montaje y los jovenes que a veces se dejan llevar por la pasión y la prisa, cosas no muy productivas en el escenario. Tan solo dos «peros»…un par de escenas demasiado estáticas y verboréicas y un final lacromógeno y excesivo donde el padre llora la muerte de Melibea, una vez muere Celestina-Cuervo, el telón debería caer.
Adolfo Simón
Cómico de Rafael Álvarez «El brujo» en el Teatro Alcázar-Cofidis
Cómico de Rafael Álvarez «El brujo» en el Teatro Alcázar-Cofidis
Rafael Álvarez «El brujo» tiene una de las carreras más solidas de este país en teatro, ha probado todas la facetas y sobre todo, parece que ha inventado la fórmula del juglar, porque viéndole en escena, uno cree que este tipo de propuesta la ha inventado él. Han sido tantas las experiencias vividas en el escenario a partir de un texto o un personaje, reinventado frente al público que, sumado a todas las anécdotas y vivencias que ha tenido alrededor de tantas funciones y giras, obligaba a que llegase este momento en el que saliese al escenario a realizar el más difícil todavía, salir al ruedo sin capote, aparentemente…Esa es la inteligencia de este Cómico, parecer que no hay nada preparado, que el tiempo y las funciones construirán el espectáculo final algún día…Pero no, cada noche es única porque sobre la estructura frágil que ha creado, va desgranando esos recuerdos, esas páginas arrancadas de una posible biografía…Y mientras mira al pasado, se le cuela el presente…Seguro que su admirado Fernán Gómez, hizo las delicias de los compañeros en gira, contando las mil y una aventuras de los cómicos de la legua. Y ahí está este hombre de teatro, desafiando al vacio de la escena, hablando a los pájaros.
Adolfo Simón
Huevo, texto y dirección de Iñigo Guardamino en la Sala Mirador
Huevo, texto y dirección de Iñigo Guardamino en la Sala Mirador
¿De dónde venimos…a dónde vamos?…Esta doble pregunta existencial ha servido para nutrir muchas historias. En Huevo tenemos una mirada actual sobre lo complicado que es encontrar el lugar exacto de nuestra identidad cuando hemos de lidiar con la herencia de los progenitores y el acoso laboral y social del día a día. Y aún así, hay que buscar algo que le de sentido a esta vida anodina en la que muchos anidan. Iñigo Guardamino ha escrito un comedia jugosa con toques de absurdo que, curiosamente sirve de buen espejo para la realidad de hoy y además, la ha dirigido con toques sorpresivos, facilitandonos el juego que nos plantea, aparentemente simple…pero con un pequeño trasfondo trágico. Y se ha rodeado , para ello, de dos actores dispuestos a toda propuesta escénica, algo que se agradece desde el patio de butacas.
Simón Ribes
«FAR WEST». Teatro Alfil. Yllana Producciones.
Teatro Alfil
FAR WEST
Idea Original y Dirección: Yllana.
Podríamos estar viendo un espectáculo en ese pueblo fantasma del lejano Oeste de Almería o una película de Burt Spencer y y Terence Hill pero estamos en el Alfil desternillándonos de risa con los estereotipos de vaqueros creados por Yllana. Como siempre presumiendo de creatividad y con una escenografía que parece sacada de “El Coyote y el Correcaminos” o de cualquiera de los dibujos animados de la Warner Bros. Yllana nos presenta una historia alocada de amor, de antihéroes y de malísimos bandidos de esos de aparecer en los carteles de “WANTED” en el Lejano? Oeste Todo mezclado con mucho desparpajo y haciendo participar al público en las fechorías de los malísimos forajidos y bellas damas americanas. Una comedia para todos los públicos en la que los niños disfrutan tanto como viendo la tele y participan de los guiños que constantemente les están haciendo los actores y los mayores vuelven a sentir que son niños viendo dibujos animados. Todo un acierto para reírse a carcajada limpia, que falta nos hace.
Luis M. García.
Cinco horas con Mario de Miguel Delibes en el Teatro Arlequín
Cinco horas con Mario de Miguel Delibes en el Teatro Arlequín
La sombra de Lola Herrera y su versión de esta obra es muy alargada, a los que hemos tenido la suerte de ver su trabajo interpretativo sobre Carmen Sotillo, nos resulta difícil olvidarlo…Pero los tiempos cambian y una actriz no puede quedarse anclada en un montaje, ha de seguir creando, para dar paso a que otras actrices con talento, como es el caso de Natalia Millán, tengan la ocasión de mostrar todas sus facetas ante el reto de dar vida a esta mujer, en apariencia sencilla pero que esconde todas las aristas de esas madres y esposas que sufrieron en sus carnes y en su cabeza todas las limitaciones y mediocridades de una época…¿pasada?… desgraciadamente, el mundo está lleno de personajes como Carmen Sotillo que no saben cómo respirar la libertad sin axfisiarse. El secreto de que este trabajo teatral siga interesando es por la sencillez con la que se aborda la puesta en escena del mismo, bajo la batuta de Josefina Molina. Y lo imprescindible para que se levante el telón de nuevo, es una actriz como Natalia Millán, capaz de llenar de matices y verdad esa noche en vela frente al Mario que seguirá por siempre instalado en su memoria.
Adolfo Simón
Bon appetit en El Montacargas…Compañía: Los estupendos estúpidos.
Bon appetit en El Montacargas…Compañía: Los estupendos estúpidos.
La sala El Montacargas sigue con la fantástica tarea de llenar de sonrisas nuestra vida…Una nueva edición de Clown & Humor se está realizando durante el mes de septiembre. Bon appetit forma parte de este programa, una propuesta del colectivo Los estupendos estúpidos que reside en Granada. Esta pieza de apuros para un clown que ha de realizar un menú como chéf en un restaurante de muchos tenedores, está interpretada por el prestigiado clown y profesor de estas técnicas, Alexandre Coelho…Lo menos sensato que uno puede hacer en la vida es ponerse en manos de un clown…para él nada es imposible…siempre está dispuesto…ante cualquier adversidad, él saldrá al rescate. Esta es la maravilla de los clowns, que siempre están dispuestos a hacrnos pasar un buen rato aunque sea a pesar de su gran tragedia…El clown de Bon appetit es sensible y perverso…atrevido y temeroso…es un loco en apuros en toda regla…El público disfruta al máximo con las peripecias de un sombrero que cobra vida, de unos vegetales que organizan una marcha tribal a la cazuela, de un pollo que le supera en fuerza y que se resiste a formar parte del menú y de una gelatina amorosa y suicida a pie de trapecio. Uno no se debe llevar a un clown nunca a casa, pero si ha de acudir a su encuentro en cualquier teatro…que aproveche!.
Adolfo Simón
Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Los seres humanos somos como muñecas rusas, dentro de nosotros hay otro y otro y otro…Y a veces, tenemos la sensación de haber vivido la misma situación con otra persona o un olor nos descubre un secreto…Babel tiene una estructura dramática fantástica y endiablada…es un juguete perfecto para que un buen reparto como es el de esta función…Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Jorge Bosch y Pilar Castro…se desdoblen y transformen en esas múltiples figuras que van surgiendo de la muñeca rusa…Los personajes son como rios que se van cruzando y transformando hasta desembocar en un mar de confusión emocional…Cuando salimos del teatro… la primera pregunta que me asalta es…¿Son un solo personaje?¿Son varias caras del mismo?¿Son muchos que se cruzan y confunden?…Y así nace…Babel, un lugar de incomunicación eterna…Relaciones personales que se dibujan y emborronan a cada palabra o gesto…Para terminar siendo más reales en lo imaginado. Tamzin Townsend realiza uno de sus trabajos de dirección más delicado y ajustado de los presentados en Madrid en los últimos tiempos.
Adolfo Simón
Shírley Valentíne de Willy Russell en el Teatro Maravillas
Todos tenemos una Shírley Valentíne en nuestro interior…todos hemos hablado alguna vez a la pared o a una piedra cuando no encontramos interlocutor, aunque estas materias no respondan…nos escuchan, nos permiten expresar todo eso que anda amordazado por dentro. Verbalizar los deseos y los sueños es una manera de darles vida, de hacerlos posibles aunque sea en nuestra imaginación. Shírley Valentíne es una obra aparentemente sencilla y sin embargo, nos habla de todos los temas importantes para el ser humano y aunque la voz es de una mujer, es trasportable a cualquier persona. La versión de Nacho Artime es transparente, permite que la obra se cuele en la actualidad con unos pocos detalles y aunque no transcurre la acción aquí, la sentimos cercana y propia. Manuel Iborra ha dirigido con una sutileza extraordinaria esta historia de una heroína de nuestro tiempo. Pero donde hay que detenerse y quitarse el sombrero es ante el trabajo que hace Verónica Forqué…El formato monólogo es de lo más difícil de realizar en escena y de lo más aspero para el espectador. La obra dura casi dos horas y no se hace larga ni cansa…Porque si alguien que no conoce a Verónica Forqué(cosa difícil)fuese al teatro, pensaría que lo que cuenta esta mujer es su propia biografía; es tal la mímesis que ha realizado la actriz, tan profunda la conexión con todo lo que hace y dice que por momentos me parecía estar sentado delante de la mesa de la cocina, escuchando a una amiga como desglosa y matiza, deliciosa y profundamente, el descubrimiento de que la vida es para vivirla y no para mirar como la viven los demás.
Adolfo Simón
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Nadie verá este vídeo de Martín Crimp, dirección de Carme Portaceli. En el Centro Dramático Nacional
Con esta obra empieza la temporada en el Teatro Valle Inclán, una de las sedes del Centro Dramático Nacional, en la nueva etapa dirigida por Ernesto Caballero. Carme Portaceli fiel a su pasión por los autores contemporáneos y por las historia de hoy en día que hablan de cómo somos y en qué barco transitamos a no se sabe donde…pone en pie Nadie verá este video del autor Martín Crimp. Aborda esta historia de vampiros emocionales que huyen de si mismos, intentando arrancar la esencia de los demás a través de entrevistas aparentemente banales, desde un planteamiento escénico en el que la realidad no es un espejo de lo que vemos a nuestro alrededor…como en las pesadillas, los lugares, los personajes, las atmósferas…están deformados, para que lo que nos cuenta Crimp se desvele y se zambulla en nuestro imaginario. Una apuesta dificil, un texto complejo…y unos actores jugando al borde del precipicio…Un trabajo que no debiera dejar indiferente al público inquieto de nuestra ciudad.
Adolfo Simón
“Pequeño defecto de fábrica”. DT ESPACIO ESCÉNICO. Dirección, texto e interpretación: Borja Roces.
DT ESPACIO ESCÉNICO.
“Pequeño defecto de fábrica”.
Dirección, texto e interpretación: Borja Roces.
Todos tenemos “pequeños defectos de fábrica”. Imperfecciones. Cosas que no nos gustan de nosotros mismos a nosotros o a los demás. Jean Cocteau decía que hay que cultivar lo que los demás rechazan de ti… porque eso eres tú. Borja Roces ha buscado esos pequeños defectos suyos, y, por qué no, de los demás, y se ha inspirado en ellos para crear este montaje en el que da vida a seres imperfectos y atrayentes por serlo y nos hace reconocer muchas frases que nos han dicho para intentar “redirigir” nuestras vidas que hemos decidido llevar “por el camino más difícil”. Toda una reflexión sobre nuestra forma de vernos, aceptarnos, rechazarnos, gustarnos, renegar de lo que nos gusta, de ver nuestras contradicciones (”me gusta J. S. Bach…y lo flipo, LO FLIPO… con Rocío Jurado”)y deseos…
Influenciado por Bette Davis, Cocteau, Renato Carosone, Raphael,… y con una dramaturgia muy acertada, Borja nos lleva a un viaje interior que nos desvelará una cosa que ahora creo que nos queda bien clara: Nuestras imperfecciones nos hacen únicos.
Luis M. García.
En construcción, dirigida por Tristán Ulloa en Microteatro por dinero
En construcción, dirigida por Tristán Ulloa en Microteatro por dinero
El futuro puede que ya esté tatuado en un tango, en ese baile primero que permite sumar latidos de corazón para empujarnos al abismo…Después llega el día a día…construir la vida sobre cimientos pantanosos. Y aparecen los anuncios donde solo importa la imagen y…la obra en la que construir espacios pequeños que alberguen retazos de esperanza…Y llegan los hijos de la mano móvil de un gato de los chinos…Y…¿Qué se puede hacer si no esperar…?.
Hacía tiempo que no me acercaba a Microteatro, estuve viendo la propuesta dirigida por Tristán Ulloa, un ejercicio íntimo con el que conseguir que la mirada de los actores, Carolina Román y Nelson Dante, brille a un palmo del público. Este espacio sigue vivo, generando momentos de íntimidad y delicadeza extrema, como la que se construye nota a nota, sorbo a sobre de mate…En construcción.
Adolfo Simón
Llorar por llorar de Pez en raya en el Teatro Alfíl
Llorar por llorar de la Compañía Pez en raya en el Teatro Alfil
Con Cristina Medina y Joan Estrader
Dirigidos por David Sant
Celebrar que una Compañía lleva quince años creando sobre un lenguaje tan peculiar como es el clown, es una gran noticia y si se hace con un espectáculo en el que también celebra quince años de emisión: Radio Misterio, pues es una doble alegría. Llorar por llorar es un placer para los espectadores porque en él se rien de todo y nos liberan de esa pose de respeto frente a los grandes investigadores de crimenes, el circo espectacular, los conciertos heaves e incluso de la danza contemporánea y lo hace dos interpretes en estado de gracia y disparate…Creando apartes cómplices con el público para dejar claro que aquello no es más que un juego escénico sin medida, pero un juego muy serio aunque sea desternillante…Nada de lo que ocurre sobre la escena está improvisado aunque parezca que todo se les ocurre en ese momento, ese es el gran acierto de esta obra, que sigue fresca aunque la hayan ensayado mil veces. Estoy seguro que todos los que acudan al Teatro Alfil a ver esta delicia disparatada, saldrá con el mismo dolor de mandíbulas que yo…
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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