«Historias de Usera» en el Español
Poesía y realidad se unen en un testimonio dejado por la sala Kubik para la posteridad. Podría ser cualquier barrio, pero sucedió y se imaginó por varios autores para que se desarrollase en Usera. Alfredo Sanzol, Miguel del Arco, José Padilla, Denise Despeyroux, Alberto Olmos y Alberto Sánchez-Cabezudo imaginaron una pieza que demuestra que es posible compaginar la realidad de la sociedad y de quienes viven en ella con la fantasía del autor. En un espacio que podría ser cualquier rincón del barrio, se suceden una mezcla de historias bien enlazadas que atrapan al espectador por su poesía y belleza. Una pieza en la que intervienen actores amateurs, del propio barrio junto a grandes profesinales y que reflejan la cara social y comprometida de la que ha sido una de las salas punteras en los últimos años y que el Teatro Español ha apoyado rescatando un viaje de vivencias que, representando a un barrio periférico de Madrid, no dejan de ser universales.
Luis Mª García.
Quique y Yeray Bazo…»Nada que perder» en Cuarta Pared
¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?
Fue nuestro tío, el director de escena Eduardo Bazo, quién nos inoculó el virus
del teatro. Fue él quien nos puso en contacto con el teatro desde niños, cuando
íbamos a ver los montajes que hacía para compañías canarias como para la
emblemática Delirium Teatro. Sin embargo, no se nos había pasado por la
cabeza la idea de dedicarnos profesionalmente a la escritura dramática hasta
que, nuestro propio tío, nos animó a escribir la dramaturgia para una nueva
puesta en escena de la ópera infantil Brundibar. Se trataba de un proyecto que
estaba llevando para el Teatro Real, el Coro de la Escolanía del Orfeón
Pamplonés, ABAO y Ópera de Cámara de Madrid. Nos lanzamos de cabeza
con esa imprudencia que sólo puede dar la ignorancia. Escribimos, nos
equivocamos, volvimos a escribir… y quedamos enganchados. Decidimos que
queríamos formarnos y volver a visitar las tablas. Así comenzó este camino de
aprendizaje en el que seguimos.
¿Cómo surgió vuestra participación en Nada que perder?
Todo empezó en los Laboratorios de escritura dramática que convoca Espacio
de Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared. Allí formamos parte de un
proceso de investigación y escritura en el que conocimos a Juanma Romero y
a Javier G. Yagüe (co-autores de Nada que perder). Fue una experiencia de
aprendizaje compartida y de trabajo en equipo que sentó las bases para que,
posteriormente, Javier nos reuniese de nuevo para escribir la nueva producción
de la Compañía Cuarta Pared.
Habladnos del proceso de escritura…
Desde el principio Javier tenía claro que quería apostar por un proceso largo y
reflexivo, donde tuviésemos libertad para investigar todas las posibilidades de
la trama, los personajes, el estilo… ¡De hecho la escritura llevó más de año y
medio! Cada semana nos reuníamos para comentar los materiales escritos,
aportar nuevos elementos, replantear puntos de vista. El tramo final de la
escritura se hizo con los actores, haciendo crecer las escenas e incorporando
los hallazgos que Marina Herranz, Pedro Ángel Roca y Javier Pérez-Acebrón
encontraban en sus improvisaciones.
¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este proyecto?
Nada que perder es una obra muy heterogénea en cuanto a sus referentes.
Formalmente parte del requisito de que todas las escenas debían de
construirse a partir de la fórmula del interrogatorio. Esto nos llevó a tomar como
punto de partida el género del thriller y la serie negra; en este sentido los
referentes iban desde la narrativa (Connolly, Pelecanos, Price, Markaris,
Simenon, etc.), series de televisión (The Wire, Better Call Saul, The Closer…
pero también otros referentes como The Good Wife, Breaking Bad o, aunque
parezca extraño, The Walking Dead) y, por supuesto, teatro (Paradivino,
Corman y Rebeldías posibles, producción anterior de la Cia. Cuarta Pared, que
nos ayudó a entender el paso siguiente que teníamos que dar). A nivel
temático, el referente fundamental era el periódico. Partimos de una
recolección de artículos periodísticos que Javier había rescatado desde 2006
hasta la actualidad. De estos artículos seleccionamos las noticias que más nos
impactaban y las usamos como trampolín para decidir la trama. Más allá de los
artículos, resultaron cruciales las cartas al director. Ese otro material nos ayudó
a dar voz a el tercero, personaje que participa en las escenas como una suerte
de conciencia que se hace y hace preguntas continuamente.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis? ¿Qué os
anima a participar en ellos?
Nosotros tenemos la suerte de ser dos que escriben juntos. Eso hace que se
pongan más temas sobre la mesa. Las ideas surgen de cosas que leemos, que
vemos, que suceden y nos remueven de alguna manera. A veces es por
curiosidad: encontramos un tema que nos “pica”, nos ponemos a leer y
documentarnos hasta que nos decidimos a escribir sobre él. Otras veces es
como una forma de reacción a algo que nos afecta; una manera que tenemos
de “negociar” con la realidad en que vivimos.
¿Cuál ha sido vuestra evolución como autores?
Nosotros empezamos en esto de escribir teatro de una forma muy intuitiva, un
poco “callejera”. Luego tuvimos la enorme suerte de conocer a quien se ha
convertido en nuestro maestro, José Sanchis Sinisterra, que nos invitó a
participar en ese maravilloso proyecto que es el Nuevo Teatro Fronterizo.
Gracias a José, y acompañados por un nutrido grupo de escritores, iniciamos
un proceso de aprendizaje en el NTF: haciendo talleres, escribiendo y leyendo
mucho teatro. La otra pata clave en nuestra formación y evolución ha sido la
Sala Cuarta Pared, que nos seleccionó para participar en dos ediciones de sus
laboratorios de escritura en ETC. De hecho, nos gusta decir que la Cuarta
Pared ha sido nuestra “mili”. Sus procesos de investigación tienen un alto nivel
de exigencia y su apuesta por la innovación y el riesgo, nos han hecho dar un
paso más en nuestra escritura.
¿Creéis que se puede aprender a escribir teatro?
Cuando uno se sienta a escribir teatro sin tener formación, te das cuenta de
que es un género complejo con unas reglas propias. Eso quiere decir que hay
una técnica que puedes aprender. Hay algo que privilegia al escritor de teatro y
es que tiene la oportunidad de aprender de los mejores autores de su país.
Dramaturgos como Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, Alberto Conejero, José
Sanchis Sinisterra, María Velasco, y muchos otros, dan talleres que se
convierten en verdaderos revulsivos para los autores que asistimos.
¿Tenéis un método para escribir?
Antes de escribir una sola letra dedicamos mucho tiempo a hablar sobre lo que
queremos escribir; primero en nuestra oficina hasta que nos bloqueamos; y
después dando un paseo por lo que llamamos “la otra oficina”: la calle. Este
proceso nos suele llevar mucho tiempo. Luego nos enfrentamos a la página en
blanco con una sola regla: si algo de lo escrito no convence a uno de los dos,
va fuera (previa deliberación, claro; a veces hay que vender cara la derrota).
¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?
¡Por supuesto que no! Como defiende el dramaturgo César López Llera “el
teatro también se lee”. Es cierto que el teatro es un género literario pensado
para terminar de completarse sobre las tablas. Pero también puede, y se debe,
disfrutar como lectura, sin importar que haya sido estrenada o no. De lo
contrario, numerosas obras valiosísimas quedarían en el olvido sólo porque no
tuvieron la difícil suerte de ser estrenadas.
¿Por qué escribís teatro?
La respuesta a esa pregunta tiene bastante que ver con el motor de Nada que
perder. Al igual que le ocurre al personaje de el tercero en la obra, nosotros
escribimos porque no sabemos… y queremos saber, o al menos intentarlo.
Para nosotros la escritura teatral es la forma que tenemos de hacernos
preguntas que nos inquietan.
¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?
En nuestro caso no. Pero podemos decir que tenemos la suerte de que nos
ganamos la vida escribiendo. Eso es gracias a que trabajamos como creativos
y guionistas en el mundo de la publicidad y los eventos. También es una
escritura muy exigente, con sus propias reglas, unos plazos frenéticos y un
condicionante fundamental: supeditarse a la tiranía del cliente. Pero, a cambio,
es un oficio del que nunca te aburres, muy cambiante, en el que siempre estás
buscando formas de reinventarte y hacer cosas nuevas. No en vano, tiene una
regla de oro: “eres tan bueno como tu último trabajo”.
¿Habéis realizado otras tareas en teatro además de la escritura?
Respetamos demasiado el oficio de dirección o interpretación como para
intentar inmiscuirnos en él.
¿Cómo veis la situación teatral en estos momentos?
Vivimos un momento muy interesante. Contamos con una de las generaciones
más preparadas y activas del teatro español. Autores, directores y actores se
unen en proyectos creativos de lo más variopinto e innovador. Las salas del off
se han convertido en espacios donde han podido mostrar sus obras, donde las
han testado y reevaluado. Esto ha generado mucho conocimiento en los
equipos y ha permitido que no pocos de ellos se asomen a los grandes teatros
de nuestro país. Es cierto, que esto se ha hecho gracias a un gran voluntarismo
que no siempre ha ayudado al resultado artístico. Sin embargo, ahora
empezamos a ver un esfuerzo por profesionalizar la actividad, apostando por
establecer unas condiciones dignas de trabajo. Avanzar por este camino
enriquecerá enormemente nuestro panorama teatral.
¿Es diferente en Canarias?
En Canarias vivimos un gran momento, algo que queda claro si pensamos en
las trayectorias que tienen en marcha dramaturgos como Antonio Tabares o
José Padilla. Pero, además, es una Comunidad que está haciendo un trabajo
muy importante para formar a sus autores gracias al impulso de compañías
como 2RC Teatro, que han creado Canarias escribe teatro, una iniciativa con
actividades de formación (han hecho talleres con autores de la talla como
Antonio Tabares, Borja Ortiz de Gondra, José Ramón Fernández o Sergi
Belbel), y les da la oportunidad de testar los trabajos surgidos en esos talleres
ante un público y nada menos que en una sala del prestigioso Teatro Cuyás.
De este trabajo está resultando la creación de un grupo de autores que ya
están cosechando éxitos.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado? ¿Por qué?
(Q) Rinconete y Cortadillo de Alberto Conejero, dirigido por Salva Bolta. Un
hermoso homenaje a la palabra de Cervantes y a la habilidad que tuvo para
retratar a este país. Conejero convoca a los dos pícaros lendrosos, ya
maduros, para congelarnos la sonrisa en la cara al hacer que nos demos
cuenta de que las miserias de las que nos reímos siguen siendo las mismas
desde hace siglos.
(Y) Muñeca de porcelana de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio. He
de reconocer que el texto me decepcionó un poco. Aunque da igual, porque
sale de José Sacristán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de
crisis?
Pensar lo que pensara Negrín, aunque a él no le sirviera de mucho: “resistir es
vencer”.
¿Proyectos?
Ahora estamos embarcados en dos proyectos que nos tienen muy ilusionados.
El primero lo estamos llevando a cabo con nuestros compañeros de
Nuevenovenos (www.nuevenovenos.com), un colectivo de creadores del
mundo de las artes escénicas y el audiovisual del que formamos parte. Se
llama Contexto Teatral y es un portal sobre nuevas dramaturgias que vamos a
lanzar esta primavera. Se trata de una herramienta on line con la que
queremos dar a conocer la obra y los autores que conforman el rico panorama
actual de la dramaturgia española (y que poco a poco también abriremos al
panorama internacional). El otro proyecto es el montaje de nuestra obra Tres
días sin Charlie, un texto que fue reconocido con la Mención de Honor en la
última edición del Premio Lope de Vega. Es una obra que recorre los tres días
que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy
particular: el de los comentarios y las reacciones que esos ataques provocaron
en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y las
Redes Sociales.
Aitor Tejada: El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en Vitoria con 16 años en la escuela de la Cooperativa Denok, una compañía de teatro de allí, hasta que di el salto a Madrid a la RESAD.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi forma de vida y mi pasión. La primera vez que vi una función de teatro profesional debía tener 14 o 15 años y sentí que yo quería dedicarme a eso, así que se puede decir que fue vocacional. Tras 20 años de carrera como actor, junto a Miguel del Arco constituimos Kamikaze Producciones y «La función por hacer» cambió mi vida. Me pasé al otro lado, la producción.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues no puedo estar más contento. Viví una magnífica época como actor trabajando con grandes directores y grandes compañías. Y ahora desde Kamikaze estamos levantando proyectos que me apasionan y además con muy buena respuesta del público. No puedo pedir más.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Creo que ha cambiado mucho. En cuanto a la interpretación creo que se ha dado un vuelco enorme, ahora hay una búsqueda de la verdad escénica que a mí me interesa más. En cuanto a la producción ahora hay mucha más diversidad. Nuevos autores y nuevos directores tienen más opciones de presentar sus trabajos en lugares poco habituales y el público responde a esas nuevas propuestas.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar. El teatro tiene que emocionar, hacer llorar, hacer reír…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos y de tu función…
2014 fue todo el año para «Misántropo», gira, temporadas en Madrid y Barcelona, además de una gira americana de un mes con «La función por hacer». En estas 2 funciones, además de la producción, soy el ayudante de dirección. También en ese año llevamos a cabo los talleres y la organización de Teatro de la Ciudad que han desembocado ahora en 2015 con los estrenos de Antígona, Medea y Edipo Rey .
¿Cómo surgió tu participación como productor de Antígona en el Teatro de la Ciudad…?…Háblanos de esta experiencia…
Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol comenzaron a pensar en unir sus fuerzas en un proyecto y para ello nos liaron a sus productores Joseba Gil, Gonzalo Salazar y yo para sacarlo adelante. Ha sido una experiencia muy emocionante en la que se ha conseguido que tres equipos creativos trabajen juntos y lleguen a buen puerto. Una experiencia extenuante pero que visto el resultado, tanto artístico como de funcionamiento interno, sé que va a ser una experiencia única que no sé si volveré a vivir. Todo gracias al esfuerzo de más de 60 personas que han confiado y han querido participar con nosotros y que hemos podido llevar a cabo gracias al apoyo de José Luis Gómez y todo el personal de Teatro de la Abadía.
¿Te ayuda en la producción el haber sido actor?…
Muchísimo. Porque haber estado en el otro lado hace que sepa en muchos momentos lo que está pasando por la cabeza de un actor y prevenir algunas cosas. Creo que en esta profesión, que es un trabajo de grupo, a todos nos vendría muy bien estar alguna vez en el puesto de los otros para saber cómo se viven las cosas en cada departamento.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
A compañías pequeñas como la nuestra nos está haciendo polvo. Las giras apenas existen. Ahora mismo se contrata los sábados de cada mes con lo que yéndote bien tienes 4 bolos al mes. Y pensar en ir a taquilla sin actores famosos es un riesgo que una compañía como la nuestra no puede asumir. Amortizar la inversión de un espectáculo es cada vez más complicado y si no hay amortización no hay nuevo espectáculo.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Aunque la vi hace ya casi un año en la Sala Cuarta Pared, diría que es «Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» de la compañía valenciana Pont Flotant. Un espectáculo aparentemente sencillo, lleno de poesía y buen humor que nos enfrenta a qué es lo que realmente queremos hacer con nuestras vidas.
¿Proyectos?…
Muchos. Este año junto a Jordi Buxó, de Buxman Producciones, vamos a coproducir 2 espectáculos: «La clausura del amor», escrita y dirigida por Pascal Rambert, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde y «La isla púrpura», escrita y dirigida por José Padilla. Y con Kamikaze empezaremos a finales de año a ensayar un nuevo espectáculo que se estrenará en 2016 del que pronto podremos hablar.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues no parar. A pesar de todas las dificultades que nos encontramos creo que es el momento de unir esfuerzos con otras productoras o con otros directores para demostrar que tenemos cosas que contar.
El Teatro de la Ciudad en el Teatro de la Abadía
Hoy se ha presentado en el Teatro de la Abadía el Teatro de la Ciudad, un proyecto de hermosas siglas como ha comentado José Luis Gómez en el inicio del acto. Una experiencia largamente soñada por los tres artífices de la misma…Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol. Un encuentro de deseo escénico renovador entre directores, algo no habitual en nuestra escena. Esta idea nace de la necesidad de abordar proyectos que se desarrollen en el tiempo, se imaginen, se elaboren y se construyan durante un proceso de búsqueda por parte de los equipos artísticos pero también dando lugar a que otros pensadores o eruditos puedan aportar su visión más allá de la escena. Una experiencia que ha surgido de necesidades personales y que trata de conectar el placer del conocimiento con el público. Durante las funciones de Edipo, Medea y Antígona se podrá experimentar el resultado de un proceso poco habitual y se dispondrá de un espacio llamado «Entusiasmo» en el que seguirá ese cruce de experiencias y conocimientos compartidos con los asistentes a las funciones. Un amplio reparto de actores y actrices completa las tres propuestas que saldrán de gira en bloque o individualmente tras las funciones en el Teatro de la Abadía. Un espacio escénico único compartido por las tres producciones en el que otros creadores artísticos aportarán su granito de arena a esta poética del pasado mirada con ojos de hoy.
Adolfo Simón
Más info en: http://teatrodelaciudad.es/
Juan Antonio Lumbreras: El teatro se ha convertido en mi modo de vida.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Al terminar la RESAD nos juntamos un grupo de personas con afinidades en cuanto a lo que queríamos hacer y así empezó todo.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Al principio hay que hacer de todo y todos nos implicábamos en la escenografía, el vestuario, la dramaturgia…
¿Qué es el teatro para ti?…
Se ha convertido en mi modo de vida.
¿Por qué haces teatro?…
Es mi forma de ganarme la vida, se gana poco, sí, pero yo soy muy frugal.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Estoy muy contento y creo que he tenido muy buena suerte, pero hay que estar ahí y enfrentarse a cada trabajo como si fuera el primero.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro nace cuando las personas toman conciencia de que son ciudadanía. Debe ser político, hablar de lo que nos atañe, colocarnos delante de un espejo, y, por supuesto entretener.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Locos por el Te dirigida por Quino Falero; El Loco de los Balcones, dirigida por Gustavo Tambascio y una serie de TV que no se ha estrenado aún.
¿Cómo surgió tu participación en la obra que se ha estrenado en Cuarta Pared…?…Háblanos de este trabajo…
Vicente Colomar y yo hemos tenido y tenemos proyectos teatrales juntos. Además es mi amigo, así que…
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Intento usar la lógica, pero realmente no se…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mal. La recaudación en las artes escenicas ha caído un 24% desde 2008. En otros campos de la cultura tampoco van bien o están incluso peor. Muy mal.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lady Be Good y Luna de Miel en El Cairo, me hicieron muy feliz.
¿Proyectos?…
En marzo empiezo a ensayar Edipo Rei, dirigido por Alfredo Sanzol para El Teatro de la Ciudad.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
La verdad es que yo soy muy pesimista, pero hay que seguir.
JAVIER LARA: El teatro no tiene que hacer preguntas que ya sabe para que el público piense y las responda, sino que debe ser un lugar con forma de pregunta.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en la universidad, cuando estudiaba filología inglesa. Me encontré con un grupo de gente muy talentosa y montamos IN VITRO TEATRO, que aun sigue. Mi primer papel fue Puck en El sueño de una noche de verano de Shakespeare. Lo que yo sentí en ese montaje fue definitivo para lo que hago hoy.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación? En el inicio no. Después… después sí.
¿Qué es el teatro para ti?… Es la forma de expresar mi visión del mundo, lo cual te avoca a una forma de vida muy particular. El teatro es mi forma de vida, que se dice.
¿Por qué haces teatro?… Ahora no sabría no hacerlo. Al principio no tenía la experiencia suficiente para analizar porqué el teatro tiraba de mí, me dejaba llevar por el imán; y después cada vez que me lo he preguntado, la respuesta se ha ido matizando, aunque el sentimiento sé muy bien donde se encuentra. Ahora mismo, te diría algo así: Yo creo que forma parte de mi genética, de lo que se ha construido como mi identidad, que por alguna extraña y mágica razón la intuición me ha llevado al sitio donde descubro cosas que jamás descubriría si no me dedicara al teatro.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Intensa, caótica y muy coherente. Mi principal tarea ha sido la que junto a mis compañeros, Carlota Gaviño, Leticia Rodríguez, Íñigo Rodríguez-Claro y José Padilla, generamos fundando la compañía Grumelot, que por cierto, este año hacemos diez años y estamos preparando algún evento homenaje a nuestra cabezonería y constancia. Y personalmente, he trabajado con gente que me ha dado grandes oportunidades, con la que he vivido experiencias realmente maravillosas, y otra con la que no tanto. No sé, trabajar con Alfredo Sanzol, Carlos Aladro, Pablo Messiez, incluso, fíjate lo que te digo, Gerardo Vera, Jorge Lavelli, y ahora, José Luis Gómez. Diferentes generaciones que se prestan a entenderse para comunicarse hoy, con las personas que hoy se acercan al teatro.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… Yo creo que, primero de todo, el teatro se tiene que quitar de encima la responsabilidad de ser útil para la sociedad de hoy, así quizá, como consecuencia cale más profundamente en las personas que forman esa sociedad, de la cual también forma parte el teatro. La función concreta se va definiendo sola si realmente nos comunicamos mirándonos a los ojos, sin preguntarnos porqué lo hacemos, sintiendo realmente desde dónde nos hablamos. A ver si me explico, y termino así: para mí, el teatro no tiene que hacer preguntas que ya sabe para que el público piense y las responda, sino que debe ser un lugar con forma de pregunta. Ahora estoy sonriendo. Es un misterio. No sé si estoy preparado para responder a esto.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?… MI PASADO EN B, el reto más importante de mi vida y el montaje desde donde más profundamente he sabido hablar, desde donde el impulso creativo ha sido más fuerte y claro. Es una historia cuya razón de ser es la ficción de la memoria. Una historia personal y particular, escrita e interpretada por mí; y dirigida y comprendida por Pietro Olivera. He estado de gira con MARIBEL Y LA EXTRAÑA FAMILIA, de Miguel Mihura, dirigida por Gerardo Vera, y con ese pedazo de vendaval escénico que es Lucía Quintana, además del resto de maravillas del reparto. El DON JUAN TENORIO que se monta cada año en Alcalá de Henares, dirigida por Carlos Aladro, donde me vestía de Don Luis Mejía, en compañía de Fernando Cayo y el resto de maravillas del reparto. EL 37 de José Padilla, para STORYWALKER, un extraordinaria inciativa de KUBIK FABRIK que lleva el teatro a la radio, al audio, acompañado por María Adánez y Lucía Quintana. LOS BRILLANTES EMPEÑOS, un trabajo fruto de seis meses de investigación a partir de los clásicos, con los miembros de Grumelot, más Rebeca Hernando, Mikele Urroz y José Juan Rodríguez; y Pablo Messiez, que estrenamos dentro del Festival de teatro clásico de Almagro, en el corral de comedias. Tengo que decir que nunca antes se había desnudado completamente nadie en ese histórico escenario. Y ENTREMESES de Cervantes, con el Teatro de La abadía dirigido por Jose Luis Gómez.
Háblanos de ellos… Para no extenderme mucho, sólo decir que a esto me refería cuando definía mi trayectoria como intensa, caótica y coherente: Aunque no todos los años son como este en cuanto a cantidad de producciones, siempre he intentado no estar parado; aunque aparentemente nada tiene que ver el Tenorio con MI PASADO EN B, por ejemplo, o cualquiera de las otras entre sí, siempre trato de hablar desde el mismo sitio, o mejor dicho, de buscar el sitio desde donde hablo, más allá de cuestiones de genero o estilo, de ser yo ahí. Quizá, el trabajo que más haya dado coherencia a este caos, haya sido LOS BRILLANTES EMPEÑOS. El reto de ser yo ahí, de estar ahí, en ese mundo tan particular que se fue creando poco a poco, en función de lo que nuestros cuerpos respiraban de esas palabras de Lope, Calderón, Quevedo, Tirso, etc. Según las premisas que Pablo Messiez nos ofrecía, según nuestras inquietudes como compañía y guiados por la sensibilidad de Pablo. Esta producción ha sido quizá la que más se acerque a lo que me preguntabas arriba, la que más responda, dentro de las que he hecho este año, a cuál debe ser la función del teatro para con la sociedad actual. Un lugar de encuentro de voces que se descubren a sí mismas en grupo, creando un espectáculo vivo, alterable con los días, que no está cerrado, que lo comparte con un público que consciente o no lo va modificando. De esta relación de comunicación creo que sale algo útil para las personas.
¿Cómo surgió tu participación en los ENTREMESES?… Hice el Taller de la palabra que organizó el Teatro de La abadía, con José Luis Gómez, Vicente Fuentes y Ernesto Arias. Allí decían que no era un taller para trabajar en la casa sino para familiarizarnos con el trabajo de la palabra. Yo tengo que reconocer que mis energías estaban totalmente enfocadas en poder formar parte de alguno de los elencos de La abadía. Trabajé mucho y se lo pedí tanto a San Juan de la Cruz como a José Luis Alonso.
Háblanos de este trabajo… Una vez dentro del elenco de Entremeses, mi trabajo ha sido, por un lado hacer un cursillo acelerado de cómo entendían en la casa, el director y esos actores, los conceptos que yo había trabajado en otros lugares, y hacerme agua con ellos, sin dejar de hacerlo como yo siento, desde donde se me impulsa a mí. Por otro lado, ponerme al servicio de un montaje, de unas energías, que ya fueron generadas hacía 18 años, cuando yo aun era un chavalín. Beber del limbo de la historia de ese montaje y meterme de lleno en ello para defenderlo. Carlota Ferrer también me ha ayudado mucho a hacerlo. Escuchar, reflexionar, y opinar; y jugar. Ahora mismo básicamente lo que hago es disfrutar jugando con mis compañeros y con el público que viene todas las tardes a verlo.
¿Cómo creas tus personajes?¿Tienes un método?… Con la imaginación y con el cuerpo. Tengo método, sí. Una mezcla de todo lo que he sentido que me hacía descubrir algo escondido o desconocido dentro de mí. El método de mirar afuera, incluso con los ojos cerrados. El método de que después de haber imaginado mucho, sólo tienes que ponerte ahí, estar atento y confiar en quien te acompaña y darle tu confianza. Cada trabajo va a coger de tí lo que necesita, y tu intuición te va a pedir lo que te falte.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Destruyéndolo. No digo nada que alguien no sepa. Hay personas que no sólo no piensan en la utilidad del teatro en la sociedad de hoy, sino que creen que debe ser inutilizado. Aunque, como leí que decía Declan Donnellan, déjame que lo miro en el libro: «Aunque todos los auditorios fueran arrasados hasta sus cimientos, el teatro sobreviviría, porque el ansia que tenemos de actuar y que nos actúen es innata… el teatro no puede morir antes de que el último sueño haya sido soñado.» Espero que no tengamos que llegar a eso.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… LA CALMA MÁGICA de Alfredo Sanzol ¿Por qué?… Por su valentía tanto temática como formal, porque no hace más concesiones de las necesarias, y porque Alfredo es una buena persona que se estruja el ser para comunicar cosas, de forma aparentemente sencilla, que todos sabemos pero que pasamos por encima. Halla lo sagrado en la anécdota.
¿Proyectos?… Gira de ENTREMESES, alguno que no se puede decir, y escribiendo mi segunda pieza: EL GRAN SCRATCH. También sobre la ficción de la memoria pero no exactamente de mi memoria.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Una vez le oí decir a Marcel Marceau que él le había oído decir a Orson Wells que Suiza era un país intrascendente artísticamente, porque como siempre había permanecido neutral en las guerras no había tenido necesidad de expresarse, ni había tenido visión de cambio de ninguna crisis. No es exactamente lo que dijo aunque yo lo recuerde así. Me acaba de llegar un WhatsApp: reunión de Grumelot.
Conferencias, becas y audiciones
Poética y teatro
Martes 13 de enero
Alfredo Sanzol
La búsqueda de la forma
Jueves 15 de enero
Diálogo con Marcos Ordóñez y lectura dramatizada, a cargo de Lucía Quintana y Alfredo Sanzol, de fragmentos de obras de este último.
Más info en: http://www.march.es/conferencias/detalle.aspx?p4=221&l=1&utm_source=newsletter-conf-01012015&utm_medium=conf-ene-15&utm_campaign=conf
Becas 2015 Fundación Bogliasco
Más info en: http://ht.ly/CfuMq
Se necesitan profesores de danza, distintas disciplinas
Escuela de danza SAFRÁN busca profesores de danza, distintas disciplinas. Madrid capital.
Enviar CV a:
info@danzasafran.com
http://www.danzasafran.com
http://danzasafran.com/
Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos puesto en marcha por el Teatro de la Ciudad
Durante cuatro jornadas se ha llevado a cabo el Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos, centrando el estudio sobre Medea / Edipo / Antígona. Teatro de la Ciudad ha puesto en marcha esta iniciativa para lo que terminará siendo una fiesta teatral en la primavera de 2015 en el Teatro de la Abadía y en el corazón de este evento se representará Edipo dirigida por Alfredo Sanzol, Medea dirigida por Andrés Lima y Antígona dirigida por Miguel del Arco. En estas jornadas de indagación dramatúrgica se ha contado con la reflexión y experiencia de creadores y estudiosos como José Sanchís Sinisterra, Juan Mayorga, Bernardo Souvirón, José Padilla y Juan Cavestany. De nuevo, una ocasión para seguir documentándome y creciendo en el conocimiento del origen del teatro.
Adolfo Simón
EL GRAN ATASCO de Alfredo Sanzol, Alberto, Jorge y Fernando Sánchez-Cabezudo en Kubik Fabrik
Maya y el señor Gallardo están atrapados en un gigantesco y eterno atasco a las puertas de una gran ciudad, y dentro del coche pasan el resto de sus vidas, anclados para siempre, como náufragos urbanos, a un espacio que representa la movilidad, la velocidad y las prisas de nuestro tiempo. Una propuesta que de vez en cuando regresa a la programación de Kubik Fabrik para deleite de su público habitual. Un montaje que sigue sorprendiendo por sus múltiples gags y planos dramatúrgicos que genera una situación tan absurda como es un atasco.
Luis García Grande
Aventura! de Alfredo Sanzol en Los teatros del Canal
En Aventura! se vuelcan los fantasmas y la angustia que le produce a Sanzol la realidad que estamos viviendo. Nos introducimos en el mundo empresarial creando un reflejo de nuestra sociedad tal y como si estuviéramos en un laboratorio de ensayos y reflexionamos sobre esta crisis que nos está atenazando a todos ensayando con seis ratas lo que podría suceder ante una hipotética situación de miedo. Sanzol disecciona personalidades, analiza comportamientos, destripa situaciones insostenibles y nos lo muestra de una manera aséptica. Tan aséptica como un laboratorio o… una vulgar oficina con esa luz fría que produce el molesto fluorescente que nos propone Alejandro Andújar. Todo con humor, oiga, como si no pasase nada, como si fuese un experimento más. Pero de repente se abre la brecha con un giro dramático inesperado…
Hipótesis: Imaginen que su negocio no va mal…pero viene un señor y les ofrece dinero por él. ¿Cómo reaccionarían? ¿Venderían, negociarían, sucumbirían? El miedo puede hacernos reaccionar de muchas maneras y acabar haciendo lo que menos esperábamos… ¿Piensan que es ficción?
Seguramente ustedes han entrado en algún bar de esos «de toda la vida» y de repente se encuentran con un camarero chino que les ofrece una tapa de aceitunas y su cañita. ¿Fotocopia u original?
Pueden ir a experimentar sensaciones a la sala verde de Los Teatros del Canal
Luis Mª García Grande
PEDRO YAGÜE nos habla de su larga trayectoria como iluminador escénico.
¿Cómo surge tu participación en el proyecto del Laboratorio del CDN?…
Me llama Aitana Galán en representación del CDN para proponerme el proyecto. Tres textos diferentes del mismo autor, con tres directores diferentes, y tres propuestas diferentes… Me interesa desde el primer momento.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como iluminador?…
El balance es muy positivo. LLevo casi veinte años vinculado al mundo del teatro, al mundo de la iluminación teatral. Mis inicios se remontan al Teatro Universitario de Murcia. El balance profesional ha sido muy bueno. Desde mis comienzos, cuando llego a Madrid, como técnico de luces en compañías privadas, pasando por mi estancia en el Teatro de la Abadía durante ocho años y ahora trabajando como diseñador de iluminación para diferentes directores. Es totalmente satisfactorio.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
«Julio César» con dirección de Paco Azorín. He trabajado en la CNTC, realizando «El Lindo Don Diego» con dirección de Carles Alfaro. «Esperando a Godot» para el CDN con dirección de Alfredo Sanzol. «Días sin gloria» con dirección de Fefa Noya para el CDG. «No se elige ser un héroe» con dirección de Roberto Cerdá, producción de Mutis a Escena. Con la compañía Nao d´ Amores «Penal de Ocaña» con dirección de Ana Zamora. «Ejecución hipotecaría» de K Producciones, dirigido por ADolfo Fernández… Entre otros proyectos.
¿Cuando te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Si. Es una combinación entre lo que te piden y lo que tu puedes aportar al proyecto. Considero que un proyecto teatral surge de una combinación de disciplinas artísticas que están coordinadas por el director. En lo que concierne a la iluminación intento aportar todo aquello que pueda ayudar al espectáculo en su conjunto.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
Son muchos los factores que inciden para la creación de un diseño.
Comienzo el trabajo por una primera lectura del texto, una aproximación, llamémosle, limpia de intenciones, un dejarse impregnar por lo que el texto nos dice. De esta lectura se van a desprender las primeras impresiones generales, a la búsqueda de una perspectiva necesaria para más tarde, a posteriori, adentrarme en un análisis más profundo y pormenorizado.
El texto, de primeras, suele darnos un espacio y tiempo determinados que, en su interpretación, el director podrá modificar en mayor o menor medida. Será también el director el que establezca, sobre todo en el transcurso de las primeras reuniones de equipo, las pautas a seguir para mostrar lo que él defina como lo esencial del montaje. Partiendo de esta base, el devenir del proceso creativo se irá trazando en posteriores reuniones y, fundamentalmente, durante los ensayos, que para mi son esenciales para el trabajo de creación, y consistentes en lo que su propio nombre indica: ensayar, probar para desechar, y así poder encontrar los elementos artísticos que puedan confluir en la puesta en escena final. Los utilizo fundamentalmente, para hacer el guión o la dramaturgia de la luz que más tarde plasmaré en la puesta en escena, es decir, realizo bocetos de guión, una especie de story board, que durante el montaje iré perfilando hasta el mismo día de el estreno. En esta parte del proceso, el papel de la dirección artística es crucial para llegar al final del camino con una estructuración de imágenes e ideas subyacentes que estén al servicio de esa esencia del trabajo que mencionamos.
También la documentación, es decir, recabar la información que considero necesaria para el proyecto, supone uno de los puntos más importantes y divertidos a la hora de desarrollar el trabajo.
En sentido, suelo trabajar mucho con imágenes, sobre todo pintura, fotografías, y también con videos y películas que puedan estar relacionadas de alguna manera con el tema que trate el texto.
¿Qué iluminadores tienes como referencias?¿Por qué?…
Uno de mis primeros referentes cuando empece fue Robert Wilson, quizás por ese universo tan particular que crea en sus montajes, y que en un primer momento llama poderosamente la atención. Visualmente, siempre me han llamado la atención figuras como Vittorio Storaro, Gordon Williand, Gregg Tols, importantes directores de fotografía. Y en España, son referentes para mi trabajo maestros como Juan Gómez Cornejo o Francisco Leal. También lo fue el desaparecido Josep Solbes. Son las primeras fuentes en las que bebí.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Creo que cada vez está mejor, se lucha para ello. Pero sí, es evidente que estamos muy lejos de disponer una formación adecuada y profesional en el sector del diseño de iluminación teatral.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Mi formación es y ha sido totalmente autodidacta. Como decía más arriba empece en el Teatro universitario de Murcia (estudiando Filología hispánica), y mis conocimientos los he adquirido a través de mi interés por aprender y por la práctica de mi trabajo, por la experiencia adquirida a lo largo de los años.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
El último espectáculo de teatro que he visto ha sido «El viaje a ninguna parte», con iluminación de Juan Gómez Cornejo. Me gustó mucho su trabajo.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Depende. Hay de todo. Pasas del todo a la nada. No existe un equilibrio, lo que implica que los montajes teatrales sufran fuertes adaptaciones para poder moverse.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si se nota, como creo que en todo. Seguimos trabajando pero las condiciones económicas y de infraestructura de montaje se han rebajado de manera considerable.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
Creo que lo importante en nuestro trabajo, tanto en tiempos de crisis como en cualquier otro, es no perder nuestra ilusión y amor por este oficio que considero una profesión tan digna como otra cualquiera, y a la que hay que dedicar todo nuestro esfuerzo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?.
Ahora mismo estoy trabajando en el CDN en el Ciclo de José Ricardo Morales, y también en una ópera (coproducción del Teatro del Liceo y el Teatro del Canal), «La voz humana» con María Bayo y dirigida por Paco Azorín. También hay un proyecto para el Festival de Mérida. Para después del verano, una «Carmen» para el Teatro de la Zarzuela dirigida por Ana Zamora y un «Don Juan…» dirigido por Blanca Portillo.
Lucía Quintana nos habla de sus proyectos como actriz.
¿Qué es para ti el teatro?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es la manera que tengo de expresarme, de comunicarme, de contar, y de conocer. En apariencia hacemos teatro para enseñar pero realmente hacemos teatro para intentar conocer la realidad.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En la compañía de mi padre, Juan Antonio Quintana, en Valladolid. Mi padre dirigía y actuaba y mi madre era la escenógrafa y figurinista, la mejor escuela, mirar el teatro por dentro y luego pasar de mirar entre cajas a actuar. A los 11 años salí por primera vez al escenario, fue una gira por EE.UU con la compañía de mis padres en “La zapatera prodigiosa” de Lorca, después con los años fui cambiando de papel dentro de esta función, porque mis padres tenían repertorio y los actores iban cambiando según la época, llegamos a poner 4 espectáculos en una semana en la misma ciudad, era una escuela riquísima! y de “El Avaro” de Moliere llegamos a hacer 500 representaciones. Con mi padre trabajé en 7 espectáculos y estudié con diversos maestros en el aula de teatro de la universidad que también llevaba mi padre, después me vine a Madrid, me presenté a las pruebas de la Resad y me cogieron, y empezó la andadura aquí.
¿Cómo surge la posibilidad de que interpretes a Maribel…?…
Me llamó Gerardo Vera. Con Gerardo es mi tercer espectáculo. Ya habíamos hecho juntos Woyzeck, e hice una sustitución en el Rey Lear. Gerardo y yo trabajamos muy bien juntos.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Gerardo Vera?…
Gerardo es un director muy intuitivo y durante los ensayos está muy abierto a las propuestas de los actores. Además se entusiasma mucho con el trabajo del actor, es muy apasionado y eso es muy bueno para propiciar un ambiente creativo.Y tiene un olfato maravilloso para configura los equipos, así que es un lujo tener un caldo de cultivo como el que crea Gerardo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
He intentado construir el personaje sobre la vulnerabilidad de Maribel. En apariencia es un personaje echado para adelante, sin miedo, pero cuando se encuentra con el mundo de Marcelino, la idea que tenía sobre la realidad se transforma, y esto la desarma. Maribel hace un viaje de transformación. Transformación que tiene que ver con tener confianza en que su vida puede cambiar, que puede ser mejor.
¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar juntos, actores de diferentes generaciones?…
Es algo que siempre me gusta. Que haya diferentes generaciones en las compañías. Hace que los espectáculos tengan algo orgánico, algo familiar, conectado con la realidad.
¿Por qué no haces más televisión o cine?…
Jajajjja hago todo lo que puedo y todo lo que me dejan. La última película que he estrenado ha sido ”Todas las mujeres” de Mariano Barroso, con Eduard Fernández y un grupo de actrices estupendas.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Es un balance muy bueno. Por un lado estoy realizando todo un trabajo con los espectáculos de mi compañero Alfredo Sanzol y por otro lado trabajo con otros directores. Siento que todo se complementa y que estoy teniendo la oportunidad de crear estilos y propuestas muy diferentes. Además, con los años, siento que uno puede ser cada vez más consciente de su propia expresividad, de conocerla, aceptarla, y de este modo poder usarla mejor cada vez para contar las historias.
¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
Son lenguajes diferentes que exigen técnicas diferentes. El teatro requiere repetición cada noche, y la interpretación hay que construirla sobre unas guías sólidas que al mismo tiempo te permitan flexibilidad, porque cada noche es diferente. En el audiovisual la interpretación tiene algo más explosivo, pero con una gestualidad muy medida. Creo que sobre estas contradicciones cada uno tiene que ir creando su propia técnica.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es el arte de la comunidad por excelencia. Es el arte de la democracia y de la libertad. Si una sociedad quiere ser libre necesita el teatro.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que en el futuro esta subida de IVA se verá como una de los errores más grandes que se han perpetrado contra el bienestar de la sociedad.
¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?¿Qué te pareció?…
“Mi pasado en b” de Javier Lara con dirección de Pietro Olivera e interpretada por el propio Javier Lara, una maravilla de monólogo, emocionante y divertida , que nos conecta de una manera profunda a los seres humanos con nuestros propios pasados en b… no se la pierdan, pronto volverá a alguna sala de Madrid.
¿Proyectos?…
Seguir con esta estupenda “Maribel” que tantas alegrías me está dando…y un par de cosas que se están perfilando y que como siempre pasa, por ahora no se pueden desvelar….
XXII Festival de teatro Don Quijote en París
El Festival de teatro Don Quijote de París celebra su vigésimo segunda edición del 17 al 30 de noviembre. Nueve compañías pondrán en escena, en el Instituo Cervantes y el Teatro Café de la Danse de la ciudad de la luz otras tantas obras de auores como Alfredo Sanzol, Almudena Grandes, Lope de Vega o Calderón de la Barca.
Más info en: http://www.accioncultural.es/es/festival_don_quijote_22_edicion
José Manuel Mora nos habla del proyecto Draft.inn y sus últimos textos.
¿Cómo surgió el proyecto de Draft.inn?…¿Cuáles son sus objetivos y sus líneas de actuación?…¿Quiénes formáis el equipo?… Fue amor a primera vista, una experiencia muy poética. Me hablaron de un lugar muy especial en Ventas que había sido una imprenta. En cuanto lo vimos, mi socio Javier Bastías (actual director adjunto) y yo, no paramos hasta conseguirlo. Rápidamente tuvimos la visión de convertir ese espacio semi-abandonado en lo que hoy es Draftinn, un lugar para el intercambio artístico y la creación. Un espacio para dar y recibir, para modificarse profundamente a través del otro y su expresión artística. Ante todo, un espacio para lo humano y la transmisión de conocimientos y experiencias vitales transformadoras. Pretendemos que sea una “posada” para el arte en general, no solamente para las artes escénicas. Queremos albergar la semilla del arte del mañana y acoger a esas voces que formarán el tejido artístico del futuro próximo.Todos los integrantes del proyecto provenimos del mundo de las artes escénicas y, aunque hemos crecido exponencialmente este primer año, somos un grupo pequeño de personas trabajando muchas horas al día. El núcleo principal de Draft.inn lo formamos Javier Bastías y yo (director adjunto y director respectivamente), Carlota Ferrer (asesora artística), Jacob Amo y Montse Gabriel (coordinación artística), Rafaella Marques (relaciones internacionales) y Apolonia Mora (diseño). Tenemos además varios colaboradores artísticos de gran prestigio como Alejandro Tantanián, Ignacio García May, Fernando Soto o Salva Bolta. A este equipo habría que añadir a la empresa Cultproject que gracias al premio de un concurso gestionan toda nuestra comunicación a nivel internacional.
¿Cómo ha sido el proceso de puesta en marcha?…
No ha sido un proceso fácil. Ante la falta de apoyo institucional hemos tenido que levantar el proyecto literalmente con nuestras propias manos. La verdad es que sin la inmensa generosidad de las personas que han puesto su alma en Draft.inn este proyecto no hubiese despegado jamás. Estoy profundamente agradecido a ellos y, una vez más, esto me demuestra que a pesar de todo la gente es maravillosa y tremendamente generosa cuando un proyecto les ilusiona de verdad.
¿Es un espacio abierto a propuestas de otros profesionales que no formen parte de Draft-in?…
¡Por supuesto! Eso es lo que deseamos, que nos lleguen propuestas interesantes de artistas de todo el mundo que tengan cosas que decir y una voz única. En este sentido, en Draft.inn, hemos creado un programa de residencias internacionales dirigidas a profesionales de las artes escénicas (directores, dramaturgos, autores, escenógrafos, actores, bailarines…) que necesiten un lugar donde desarrollar sus trabajos. El escenógrafo sueco, Paul Sebastián, inaugurará este programa el próximo mes de julio.
¿Es necesario, hoy en día, encontrar un espacio de trabajo propio para poder desarrollar proyectos personales?¿Son necesarios equipos estables de creación y gestión para lograr realizar proyectos diferentes y alternativos?…
Draft.inn surge precisamente de esta necesidad. Es un sumidero de creadores, donde el objetivo es dar voz y proyección a los que, creemos, puedan ser referentes en el futuro. Por otra parte, nosotros también necesitamos este espacio para poder realizar nuestros proyectos personales. Draft.inn es un espacio de libertad, un terreno en el que plantar semillas y poder controlar y modificar el proceso de crecimiento y florecimiento. Con respecto a los equipos creativos y de gestión cultural, es necesario que haya un núcleo estable y sobretodo absolutamente profesional como es nuestro caso. En cada parcela contamos con profesionales que potencian y hacen más grande Draft.inn. Sin embargo, debido al rápido crecimiento que estamos experimentando, pronto será necesario también que vaya entrando sangre nueva en el equipo, gente con ideas y con fe en el proyecto que pueda hacer crecer Draft.inn y llevarlo a lo más alto.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como director y autor?…
Muy positivo. Mis obras se han traducido al francés, inglés, alemán y serbio. Y la verdad es que estoy muy contento del resultado escénico de mis últimas obras: Autopsia (dirigida por Fernando Soto dentro del último Festival de escena Contemporánea) y La melancolía de King Kong (dirigida por Carlota Ferrer en el Teatro de la Abadía).
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
No te voy a negar lo evidente, es una situación entristecedora y bastante oscura. Atravesamos un mal momento para las artes en general. Este sector está siendo maltratado y no hay oportunidades de trabajo para muchos artistas y creadores. El poder considera la cultura como un producto de lujo y eso es muy peligroso porque el crecimiento de un país se cimenta sobre todo en los pilares de la educación y la cutura. No obstante, creo que no hay que dejarse llevar por el desánimo, eso sería lo más fácil, y hay que mantenerse en pie como guerreros. La falta de dinero no puede paralizarnos ni ser una excusa para no hacer cosas. Estamos en un momento complejo pero maravilloso desde el punto de vista creativo y los ojos del artista deben estar alerta, bien abiertos, porque las cosas cambiarán y entonces estaremos listos para florecer. Hay que sembrar mucho y rodearse de gente con ganas y talento para dar voz a los proyectos y llevarlos adelante. Hay que atreverse y tirarse al vacío sin red.
¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Ya se están viendo las consecuencias tanto en el cine como en el teatro. La gente no acude a las salas porque sencillamente ir al teatro se ha convertido en un lujo que no puede permitirse. Es muy triste pero es así. Las grandes producciones que antes estaban en los teatros más importantes han pasado al off y las del off al off-off. Estamos reviviendo un florecimiento de las microsalas pero en realidad esto conlleva precariedad para los artistas y la imposibilidad de hacer montajes como deberían hacerse. Nos lo están poniendo muy difícil. Al destruir el tejido cultural hay que trabajar de otra manera, con colaboraciones, con el crowfounding, con ayudas de familiares y amigos porque sino no hay manera.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Pues últimamente he visto “Esperando a Godot” en el teatro Valle Inclán y me ha encantado, es un montaje fantástico, muy interesante de Alfredo Sanzol. Lo recomiendo a todo el mundo. Después me pareció muy interesante “Fragmente” del sueco Lars Norén en el teatro de la Abadía. Hacía tiempo que no veía un lenguaje tan innovador sobre el escenario.
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
La fe, el entusiasmo, la fuerza, la seguridad absoluta de tener un lugar reservado a nuestra voz y a nuestra forma de entender el mundo. No veo otra manera de sobrevivir a la crisis que no sea a través de la creación y del trabajo en equipo. Es el mejor momento para crear. Este punto de nuestra historia encierra una libertad increíble que desconocemos y a veces no usamos a nuestro favor. El arte es una forma de vida, un antídoto contra el desánimo general y la mejor manera de mantenerse a flote, activo, para que cuando los vientos nos favorezcan estemos preparados.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La principal función del teatro es, desde luego, entretener pero sobretodo permitir un espacio de libertad, de reflexión y de concienciación de uno mismo y de su entorno. No deja de ser un catalizador de la emoción, de la vida misma. Una concentración de experiencias vitales dentro de una sala bajo circunstancias imaginarias. También creo que el teatro tiene una función integradora porque permite darse cuenta de que formamos parte de este trocito de la historia y lo queramos o no debemos interactuar con él. Las preguntas que el teatro debe hacer son: ¿Qué decidimos entregar de nosotros mismos? ¿Qué vas a entregar de ti al tiempo en el que te ha tocado vivir? En ese momento se activan mecanismos muy profundos y muy personales. La revolución que pretende el teatro es muy íntima y desde esta intimidad puede crecer y extrapolarse a la sociedad pero parte de un punto muy personal.
¿Proyectos?…
Primero de todo trabajar en la expansión internacional de Draft.inn por lo que me espera un año cargado de viajes. En cuanto a la escritura tengo muchos proyectos en fase embrionaria. De citarte uno, me gustaría hablarte de una obra sobre superhéroes que estoy escribiendo y que se estrenará en septiembre. Este texto es un elogio de lo raro y lo diferente, de la necesidad del otro en un mundo individualista y de las cosas pequeñas frente a la violencia que ejerce lo inmenso en nuestras vidas. Cuando la rentabilidad económica atraviesa las fronteras más íntimas, nadie está a salvo de convertirse en un superhéroe. En este proyecto va a colaborar en la escritura un joven dramaturgo y director con muchísimo talento, Jacob Amo. Por otro lado ando inmerso en una versión libre a partir del zoo de cristal de T. Williams que dirigirá Carlota Ferrer (una directora a la que admiro profundamente y con la que aprendo muchísimo) y concluyendo un texto breve que se estrenará junto al trabajo de otros autores contemporáneos.
Esperando a Godot de Alfredo Sanzol en el Centro Dramático Nacional
«…no se sabe por qué…» esta frase la repite durante unos parlamentos uno de los personajes de esta versión personal que ha hecho Alfredo Sanzol de la obra de Beckett. Hay que intentar zarandear a los clásicos, sacarlos de las urnas de adoración…es un gesto lícito para los creadores, incluso a riesgo de equivocarse. Sí, hay que probar los límites de los textos importantes del pasado pero hay que medir con inteligencia los pasos a dar o al menos, pensar varias veces si el camino que se va a elegir llevará a algún paraíso nuevo o al infierno del disparate. Alfredo Sanzol está estrenando constantemente como autor y director, está muy bien en estos tiempos de precariedad pero hay que pensar si tanta producción no hace peligrar el fondo del trabajo que realiza. Este autor y director tiene un mundo propio muy sugerente cuando escenifica sus propios textos, un humor disparatado e inteligente que nos sumerge en pequeñas pesadillas deliciosas. Pero cuando se enfrenta a otros autores a los que trata de imprimir su peculiar mirada, no siempre encuentra la horma de su zapato. Al menos en esta clownesca y plana versión de Esperando a Godot no lo ha conseguido. Las dos horas de función transcurren en un diálogo chistoso y rápido que remite más a los shows de café teatro picante que a la obra filosófica de Beckett.
Adolfo Simón
«La importancia de llamarse Ernesto» en el Teatro Fernán Gómez
Muchas veces es importante un pequeño detalle para que todo esté correcto y ya sabemos eso de que un «garbanzo negro estropea el cocido». Por esto es muy importante llamarse Ernesto y no Pepe, Paco o Juan…
Wilde nos traslada a una historia irreal en la que el amor depende de que te llames Ernesto, en la que el malentendido es la clave del éxito dramatúrgico, en la que la apariencia es el becerro de oro y te hace elegir a tus amistades.
Sanzol nos sitúa en un escenario irreal, al estilo romántico y con unos personajes extravagantes y estrafalarios que nos hacen sumergirnos en ese sueño disparatado propuesto por el autor pero que a la vez está criticando las normas de cortesía, la moral y el urbanismo propios, no sólo de la época de Wilde, sino también de la nuestra.
Una obra bien hilada, bien expuesta y con unos actores que saben sacar el jugo a las palabras de Wilde.
Luis Mª García.
José Padilla nos habla de sus últimos proyectos en el teatro
¿Cómo surge el proyecto de Sagrado Corazón 45? ¿De qué va la obra?
Supongo que ahora uno no puede permitirse el lujo de esperar a que lo llamen para ech¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla? ¿Cómo fue el proceso de escritura?ar un proyecto a andar, porque estaría condenado a no hacer nada. Tanto Eduardo Mayo como yo somos creadores, nos hemos hecho conscientes de ello y esta función lo prueba. A falta de propuestas, proponemos nosotros. A grandes rasgos la obra trata de cómo las crisis colectivas generan profundas divisiones en la intimidad, llegando incluso a derivar en violencia
Sí, la obra consta de tres historias en tres momentos de la historia reciente bien distintos: La Transición, la España de principios de los 90 y 2011. La trama está muy plegada a los acontecimientos que se dieron en esos momentos a nivel social, tuve que escarbar en la hemeroteca. Me sorprendió averiguar cómo todo tiende a la repetición…Según se iba conformando el texto tuvimos la enorme suerte de poder irlo escuchando en boca de los actores, eso nos daba indicios muy claros de qué funcionaba y qué no.
¿Cómo ha sido el trabajo de dirección compartido?
Muy cómodo. Eduardo y yo, creo, hemos sabido repartirnos el trabajo (concepción del espectáculo, trabajo con actores, etc…) y la puesta en común siempre ha sido muy sencilla. El cómo han ido fluyendo las cosas repercute en la puesta en escena para bien, o al menos eso espero.
¿Cómo llevas a cabo el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?
Es algo que cada vez podemos ver más por aquí (ahí están los trabajos de Alfredo Sanzol, Miguel del Arco o Pablo Messiez, por ejemplo) pero que en Cataluña se hace desde mucho y de forma natural (Josep María Miró, Marta Buchaca, Jordi Casanovas…). Como escritor dramático siempre trabajo pensando en el actor, así que creo que este paso que acabo de dar era el lógico.
¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?
No me he parado a pensar nunca en ello, la verdad. Si bien es cierto que una vez estrenado, uno puede detectar muchos factores a mejorar que el papel en bruto no te permite… Sí, quizá sea buena idea esperar a estrenar. Aunque yo soy un caso raro, estreno mucho, no publico nada.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?
Como te decía, me siento muy afortunado de poder estrenar con asiduidad. Esta temporada, hasta la fecha, se han podido ver en Madrid cinco espectáculos con mi firma: una versión de Enrique VIII, En el cielo de mi boca, Amarradas, la dramaturgia que de La importancia de llamarse Ernesto hemos hecho Sanzol y yo y Sagrado Corazón 45. Quiero creer que esto responde a que, de un modo u otro, mi trabajo genera interés y que mis propuestas son válidas. A partir de ahí ya no hago más conjeturas, sólo que tengo que seguir trabajando, cada vez más y mejor.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?
En esto suscribo a pies juntillas las palabras de Adolfo Marsillach que podemos ver en la placa que hay en la fachada de la que fue su casa, frente al Parque de Debod: “No soy tan ingenuo como para creer que el teatro pueda transformar la sociedad, pero estoy seguro de que existe una posibilidad de ayudar a despertarla”. Creo que esta puñetera crisis nos ha dado conciencia de esto.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?
Hace poco leía un lúcido artículo del dramaturgo Antonio Rojano, hablando de las tormentas meteorológicas como inspiración para crear estructuras dramáticas. Yo mismo escribí una función a partir de aquella desastrosa erupción del volcán islandés, que paralizó el tráfico aéreo mundial. Pongo estos ejemplos para decir que casi cualquier cosa es susceptible de ser contada, si tienes ojo y le dedicas el trabajo suficiente.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas para el teatro alternativo?
Afectan muchísimo al teatro en sí. Al alternativo no digamos. Creo que José Ignacio Wert es el peor Ministro de Cultura que hemos tenido jamás y el hombre se está afanando en demostrarlo. Un reciente artículo de Marcos Ordóñez describe muy bien esta situación, se titula El eslabón más débil por si alguien quiere leerlo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?
Varias. Ahora empiezan las vacaciones de Luis Luque y Paco Bezerra, un trabajo de orfebrería, emocionante y con pulso. Claudio, tío de Hamlet, interesante trabajo de dramaturgia, cambiar la perspectiva de quién cuenta la historia, con actores y dirección fabulosos. ¡Ah! Y El intérprete, con ese animal escénico que se llama Asier Etxeandía. Hay que verlo.
¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?
Bullendo. Parece que esta situación nos ha afilado el ingenio o algo así, porque jamás vi mayor brote de creatividad que en estos tiempos. Coge la programación de Madrid o Barcelona, y ahora respira hondo porque no vas a dar abasto con tanto espectáculo bueno.
¿Proyectos?
Siempre. Voy a seguir dirigiendo mis textos, lo tengo claro. Y también voy a volver a actuar en breve. No tengo claro el orden aún, pero hacia allí voy.
Lecturas dramatizadas de autores contemporáneos españoles en Nueva York
El Cuny Graduate Center de Nueva York (365 de la Quinta Avenida) acoge los días 29 y 30 de abril el programa News Plays From Spain en el que se incluyen dos días de lecturas dramatizadas y mesas de debate en torno a la obra de siete dramaturgos contemporáneos españoles: Ernesto Caballero, Guillem Clua, Cristina Colmena, Mar Gómez González, Borja Ortiz de Gondra, Alfredo Sanzol, y Emilio Williams. Además el Martin E. Segal Theatre Center publicará una antología de las obras traducidas que será presentado en el Instituto Cervantes el día 1 de mayo a las 18.30 horas. La cita organizada por el Martin E. Segal Thatre Center en el Graduate Center en colaboración con Spain Culture New York-Consulado General de España, la Fundación Autor de la SGAE y el Festival Internacional de Literatura Pen World Voices anuncia programa de dos días de lecturas dramatizadas y mesas de debate que tendrá lugar los días 29 y 30 de abril. La cita contará con la presencia de los siete autores invitados, Ernesto Caballero, Guillem Clua, Cristina Colmena, Mar Gómez González, Borja Ortiz de Gondra, Alfredo Sanzol, y Emilio Williams, que presidirán las lecturas de sus obras traducidas al inglés por parte de actores y directores americanos bajo la dirección de Julián Mesri. Este evento que se celebra con motivo del Pen Wolrd Voices Festival de Literatura Internacional, se llevan a cabo en el marco de un programa de intercambio del Segal Center con otros países tales como Japón o Corea del Sur, y en el mismo se ofrecerá una visión sobre la evolución de la identidad y la cultura en el contexto de la situación actual del país. Todos estos eventos, a excepción de la citada presentación de la antología, son gratuitos y abiertos al público general. Ya que el espacio es limitado, el programa estará abierto hasta completar el aforo.
El programa de los eventos para New Plays From Spain es el siguiente:
Lunes 29 de Abril
14.00 horas
‘Smartphone-A Pocket Siz Farce’ (Smartphones, una farsa de bolsillo) de Emilio Williams. Dirigido por Eric Mercado
16.00 horas
‘Picasso an his Barber’ (Picasso y su barbero) de Borja Ortiz de Gondra. Dirigido por Debbie Saivetz
18.30 horas
‘Promise land’ (La tierra prometida) de Guillem Clua. Dirigido por Melanie Sutherland
20.00 horas
‘Typing’ (Tecleando) y ‘Happily ever after (Fueron felices y comieron perdices) de Cristina Colmena. Dirigido Kimberly Faith Hickman
21.00 horas
Grupo de debate: La nueva Dramaturgia en la España Contemporánea. Con Guillem Clua, Cristina Colmena, Borja Ortiz de Gondra, y Emilio Williams. Moderado por Ángel Gil Orrios, Director Artístico/Ejecutivo del Teatro Español Thalia en Queens.
Martes 30 de Abril
14.00 horas
‘Numbers’ (Números) de Mar Gómez Glez. Dirigido por Tamilla Woodard
16.00 horas
‘On the moon’ (En la luna) de Alfredo Sanzol. Dirigido por Oliver Butler
18.30 horas
‘Pakita’ (Pakita) de Ernesto Caballero. Dirigido por Shannon Sindelar
20.00 horas
Grupo de Debate: Dramaturgia, Globalización e identidades: ¿Existe una identidad nacional en la dramaturgia contemporánea española? Con Ernesto Caballero, Mar Gómez Glez, Alfredo Sanzol, Julian Mesri, Director de teatro, Frank Hentschker, Director Ejecutivo y Director de Programas en el Segal Center, el dramaturgo americano John Guare, y el Director Artístico/Ejecutivo del Teatro Español Thalia en Queens, Ángel Gil Orrios. Moderado por el dramaturgo y guionista español, y presidente de la Fundación Autor de la Sgae, Antonio Onetti.
Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.
¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.
¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.
¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.
Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.
¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.
¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.
¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.
“El manual de la buena esposa”. Quino Falero. Teatro Lara.
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.