Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Amparo Larrañaga: Lo mío ha sido una carrera de fondo

amparo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Empecé con 15 años en el teatro de La Villa de Madrid. Con una función que se llamaba «Solos en esta tierra» de Manuel Alonso Alcalde. Hacía el personaje de la novia muerta de un soldado. La verdad es que yo me lo pasé en grande. Pero también entendí que tenía que prepararme si quería hacerlo bien. No sabía que hacer con las manos y me pusieron una sombrilla para que no las moviera tanto. Teniendo en cuenta que era un fantasma que se le aparecía a su novio en las trincheras, quedaba un poco absurdo. Entonces empecé a estudiar en la escuela de Don José Franco, maestro de maestros. Él me enseñó muchas cosas, entre otras, incluso a recitar el verso. Y desde entonces, no me he dedicado a otra cosa que a esta profesión. Antes estaba en el colegio estudiando. Era muy jovencita.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Cuando tenía 18 años, presentaba un programa que se llamaba Aplauso. Lo dejé a los dos meses para irme de gira con una obra. Ya entonces entendí que sentía pasión por el teatro. Es mi droga. Salir cada día al escenario es para mi un reto, me emociono en los saludos cuando miro las caras de la gente. Se me quitan los dolores físicos y emocionales. El ejemplo para mi más claro es el de Hermanas. Empecé a ensayar esta obra al mes de morir mi padre. Era una función que hablaba de eso. Arrancaba con el funeral del padre de las tres hermanas de la obra. En un principio no sabía como iba a poder tirar. Pero resultó que el teatro convirtió esa experiencia vital tan dolorosa en una de las más hermosas de mi vida. Me sirvió de terapia, de desahogo, de homenaje. Fue sorprendente y único. Por todas esas cosas amo lo que hago.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Lo mío ha sido una carrera de fondo. Empecé con 15 años y a mis 51 puedo decir que no he dejado de trabajar nunca. He hecho de todo, aunque la mayor parte de mi vida profesional la he dedicado al teatro. Y estoy muy satisfecha. Y con la empresa teatral que tengo con mis hermanos, me puedo permitir una independencia muy grande. No se puede pedir más.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Bueno. Son innumerables las diferencias. Antes los actores de teatro eran famosos por eso. Por hacer teatro. Hoy en día es distinto. Si no haces televisión, tu carrera es mucho más complicada. Ahora hay menos aficionados al teatro. Quiero decir, de los que van a todo, no una vez al año. Se demandan más comedias y las obras con descanso y dos actos, ya apenas se escriben. Dependemos mucho de las redes sociales y el boca a boca es muy rápido gracias a eso. También hay un relevo generacional importante en el espectador y en el público. Antes tenías que tener una madurez para ser la primera actriz de una compañía. Mientras tanto, eras la Dama Joven. Por eso las primeras actrices interpretaban personajes que tenían mucha menos edad que ellas. Y con los chicos igual: primer actor o galán joven… Ahora eso es muy distinto. Y las giras eran mucho más duras por los transportes y las carreteras. Ufff… Eran durísimas. En fin… Cosas han mejorado, cosas han empeorado. Sin duda. Pero ahí seguimos a pesar de todo.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro es un bien social. Y así debe ser visto. Da igual que sea un medio para expresar ideas de cualquier tipo, o como entretenimiento o como una expresión de arte. Es un género literario convertido en espectáculo. Alguien dijo que cualquier sociedad, por más desarrollada y autónoma que sea, necesita del arte y la cultura para prevalecer y sobresalir sobre las demás. Cuando hablamos de teatro hablamos también de creatividad, de valores sociales y de factores muy importantes como la sensibilidad y la expresión artística.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
En febrero de 2014 terminé Hermanas y en abril estrené El Nombre. Teniendo en cuenta que afortunadamente está siendo una obra con mucho éxito, no podré participar en otro proyecto hasta el 2016. Imposible compaginarlo con nada de televisión u otra cosa. También hay que dejar horas para descansar y vivir fuera de los escenarios y del trabajo.

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¿Cómo surgió “El nombre”?…
El Nombre es una obra que se había interpretado en muchos países con mucho éxito. La versión de la obra en Cataluña la hizo Jordi Galcerán, con el que tenemos una gran relación. Y los dueños de los derechos pertenecían a otra empresa privada como la nuestra: nuestros amigos de Focus con los que ya nos habíamos asociado para hacer Hermanas. Hacía dos años que ya había pasado por la cabeza de mi hermano Pedro, que es el productor de nuestras obras, hacerla en Madrid. Pero ha sido ahora el momento oportuno de hacerla para nosotros. Y ahí estamos. De momento en Madrid hasta noviembre y luego de gira por toda España.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes?…
No tengo ningún método personal. Leo la obra y si me gusta y me lanzo a hacerla, me la aprendo rápido para poder olvidarme del texto y empezar a crear el personaje con el director y los actores. Sin más. A veces con más acierto, a veces con menos.. pero no trabajo sola nunca. Siempre de acuerdo con el autor (o versionador si la obra es extranjera) con el director y con mis compañeros. Es un trabajo de equipo.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
No. No tengo ninguna espina clavada respecto a eso. De momento…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del I.V.A nos a convertido en una profesión con un 73% de paro. Y eso sin contar técnicos, transportistas, etc… Ha destruido a la empresa privada sin tener en cuenta que de atacada, el teatro tiene ya un 40% de impuestos: 21% de I.V.A, 10% de autores y 10% de venta por internet. Negocio de riesgo además. Estamos pasándolo muy mal. Pero esto es muy largo de contar. Merece una entrevista solo para hablar de esto. Es muy injusto.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Haciendo teatro, me resulta casi imposible acudir a ver ningún espectáculo. Así que tengo que priorizar con los de mi familia y amigos. Los últimos: Los hijos de Kennedy, me encantó. La había hecho mi madre en los 70 y me acordaba de muchas cosas!. El Crédito: la maestría de dos actores geniales y de un autor magnífico. Locos por el té: adoro ver a mi madre en un escenario. Y casi muero de la risa. Verónica: una obra de miedo! Diferente, distinta. El viaje a ninguna parte: otra obra con la dirección de Carol López y con mi Amparo Fernández interpretándola. Me encantó. Post Coitum: con la impecable dirección de mi amigo y compañero Antonio Molero. Dos actores más naturales imposible y el placer de sentarte en un teatro alternativo: El Teatro del Arte.


CAROL LÓPEZ nos habla sobre su trayectoria como autora y directora

carol-0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Desde que empecé los estudios de Dirección y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, tuve la suerte de poder compatibilizarlos con trabajos en el teatro: desde auxiliar de producción, road manager y ayudante de dirección, faceta en la que estuve involucrada hasta mucho tiempo después de haber terminado los estudios.

¿Tu trabajo en el teatro y lo has compatibilizado con otros cometidos?…Háblanos de ello…
La verdad es que desde que empecé a dirigir, he tenido la suerte de poder dedicarme casi exclusivamente al teatro. Lo he compatibilizado con clases y artículos en prensa. También he dirigido una telemovie, basada en un texto mío, Hermanas.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positiva, en el sentido de que he sido muy libre en todo lo que he hecho. La parte negativa es que no se me acumulan los proyectos encima de la mesa. Pero no me quejo. Me dedico a algo que me apasiona y de momento, vamos trabajando…

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Depende. A veces, me nace a mí una idea para una historia, otras, me ofrecen una sala y una fecha de estreno y entonces me pongo a pensar, otras es un encargo que consigo hacerme mío… Me animan siempre el contar una historia y encontrar los cómplices para contarla.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Eso me parece positivo siempre, sin descartar el conocer a nuevos cómplices de viaje. Pero es cierto, que soy de las que repito con los habituales, siempre que nuestras agendas lo permiten.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
A finales de enero del año anterior, estrené Hermanas en el Teatro Maravillas, que ha estado de gira hasta ahora y en diciembre, empecé los ensayos de El viaje.
Además, imparto clases en Escac.
También me he sacado el carnet de conducir, proyecto personal largamente aplazado.

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Háblanos sobre tu puesta en escena de El viaje a ninguna parte…Del proceso…
Probablemente, es la obra más difícil a la que me he enfrentado hasta el momento, por su multiplicidad de espacios, saltos de tiempo, transiciones, diversidad de personajes…
Pero, desde el principio tuve claras dos cosas: encontrar una familia creíble y ser muy teatrales en la puesta en escena. Ha sido un proceso muy placentero, con un equipo tanto actoral como artístico, dispuestos a jugar todos a una. Y eso creo que se refleja en el resultado final.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. Hay mucho temor, menos riesgo…

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El último que he visto es El caballero de Olmedo y me fascinó la dirección. No se me ocurre otra manera mejor de montar esta función.

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¿Cómo es la situación teatral en Cataluña en estos momentos?…
Pues con el miedo del 21%, apostando por obras más claramente comerciales en las salas grandes y con pequeñas joyas que emergen el off más off, algunas de las cuales encuentran el salto a otras plataformas.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Esta es una carrera de fondo y el triunfo está en la capacidad de resistencia. El teatro, como se dice en El viaje, no morirá nunca, pero este gobierno nos está sometiendo a una agonía lenta y dolorosa.

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OLIVIA MOLINA nos habla de su experiencia en el teatro

olivia¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mi primer recuerdo en el teatro fue cuando estudiaba en el Liceo Francés, un Molière y la sensación de algo que se activa en ti profundamente. Mi primera obra profesional, tenía 21 años, fue El Adefesio de Rafael Alberti, estuve girando durante un año por toda España, recuerdo que lo hicimos en todo tipo de teatros grandes y pequeños, en centros culturales, incluso al aire libre, algo así como que valía para todo…en fin, una aventura, que me aportó tablas y capacidad de resolver.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
No creo que esté en el momento para hacer balance de mi trayectoria, más bien creo que estoy en el momento de mirar hacia delante, en la búsqueda de un lugar desde el que trabajar con más disfrute para seguir creciendo como actriz.

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¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Me gusta pensar que el teatro es una experiencia común entre espectadores y actores, sucede allí mismo en presente y cada vez son menos las cosas que vivimos en directo…es enriquecedor.

¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Cada uno aparece de una forma distinta y se hacen por motivos diferentes, pero de todos se saca algo bueno.

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¿Cómo surgió El viaje a ninguna parte?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
Recibí una llamada para hacer las audiciones de El viaje a ninguna parte y allí me presenté. Hacía muchos años que no hacía teatro y sentía mucho vértigo…Tuve la suerte de que Carol López, la directora, me eligió y me dijo: «Va, tírate, yo te pongo la red» En la obra mi personaje es Juanita Plaza, una de las tres actrices de la compañía Iniesta Galván, es muy interesante dar vida a una actriz siendo actriz. Comprendo su camino, sus dificultades, también sus elecciones…Y tengo un grupo de actores al lado, que me hacen ir con ganas de trabajar todos los días.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
En el proyecto más bonito de mi vida: criar a mi hija Vera.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De momento estar en el CDN con El viaje… hasta Abril, que tal como está todo, ya es una suerte. Luego ya se verá… La incertidumbre es parte de este trabajo.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Yo sólo sé que ha bajado el número de espectadores y que se han eliminado muchos puestos de trabajo, no se apoya el crecimiento y el desarrollo cultural del país. Siento pena.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Pues si te soy sincera, llevo casi la edad que tiene mi hija sin ir al teatro. Mi prioridad ahora mismo es la familia que estoy creando y en este momento concreto pasar mi tiempo con mi hija es lo principal, ya llegará el momento de volver a disfrutar viendo teatro.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Veo a mi alrededor que los problemas agudizan el ingenio.

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


“El año que viene será mejor”. Mercè Vila Godoy. TEATRO BELLAS ARTES.

TEATRO BELLAS ARTES

El año que viene será mejor”

Marta Buchaca, Carol López, Mercè Sarrias, Victòria Szpunberg

Dirección: Mercè Vila Godoy.

Una buena historia que contar puede tener dentro muchas pequeñas historias. Nuestra vida está llena de esas pequeñeces que muchas veces tenemos que compartir para desahogarnos, para luchar, para combatir, para liberarnos…

Las mujeres, en este caso las treintañeras, tienen muchas micro-historias que contar y padecer y, de vez en cuando, viene bien publicarlas y sacarlas a la luz para quitarse los fantasmas y reírse de ellos: la primera vez que te llaman “señora”, las cenitas guays en las que sales perdiendo pagando “a escote” cuando tu no has comido nada porque no tienes un duro, esos sábados por la noche en los que no sabes si sales a ligar o a emborracharte, los hombres que te dejan por mail…”No eres tú. Soy yo…”; “Hola, me llamo Vane, tengo 35 años y quiero volver con mi ex.”, …

Tenemos delante una obra pensada para reírse de la situación actual que vivimos y con un ritmo que engancha, que nos hace salir con algo de optimismo y pensar que sí, que el año que viene ¿será mejor?

Luis Mª García Grande.