Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Andrea Caltrán: El teatro ha de crear símbolos para leer la realidad de nuestros tiempos.

edda0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Qué facetas has realizado para la escena a lo largo de tu carrera?
Empecé con el teatro para niños: todas las mañanas…un gran ejercicio de disciplina y entrenamiento cotidiano. Tuve la suerte de trabajar muchos años con gente del mundo de la “Commedia dell’Arte”, aprendiendo a diario el arte de la improvisación.
He sido muy afortunado: nunca me encerré en un solo tipo de teatro y, hasta hoy, siempre he tenido las ganas de investigar y experimentar técnicas y lenguajes diferentes.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para un actor es como el agua para un pez…o como un vaso de whisky para un alcohólico: hago teatro porque no puedo no hacerlo.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Estoy muy agradecido porqué siempre la vida y el arte me sorprenden.

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro tiene que ser VIVO: desvelar, contar, emocionar, celebrar, crear símbolos para leer la realidad de nuestros tiempos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Acaba de empezar este 2015 y ya he estrenado Edda en Madrid en una sala maravillosa….este año promete bien!.

¿Cómo surgió la propuesta que presentas en Selectos Puraenvidia?…Háblanos de este trabajo…
Una urgencia personal, una historia intima que me parecía al mismo tempo universal..como dice el personaje en la obra: “Todo el mundo, cariño, es un pañuelo”. Una historia hecha de mi pasado, de una tía que un poco es real y mucho no….una historia que nos cuenta de como la libertad es una necesidad por cada uno de nosotros.
Este espectáculo es un reto conmigo mismo. Intento mezclar el teatro y la danza a partir de la perspectiva del actor: puede existir un movimiento de danza que sea del actor y no del bailarín? ¿Como se diferencia? Es la primera vez que utilizo en el escenario el lenguaje de la danza que me ha acompañado, por muchos años, como herramienta de entrenamiento personal: me estimula investigar esta dimensión.

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¿Cómo creas tus piezas escénicas?…¿Tienes un método?…
Dejamos los métodos a los Grandes…Amo la disciplina y el trabajo a diario del actor…un poco como los artesanos! Cada espectáculo es una aventura nueva y nace de manera distinta: la cosa importante, para mi, es saber siempre escuchar lo que las historias me cuentan y encontrar la manera más eficaz para darle vida en el escenario.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Vaya pregunta! Claro que el teatro se vende, se compra y los actores y directores comemos…pero lo que honestamente meno me gusta es pensar que los espectáculos son solo un producto…¿En serio pensamos que La Celestina y un paquete de café molido son lo mismo? Quizás tenemos que pensar una otra manera de hacer teatro, fuera de las lógicas del mercado: y salas como Selectos Puraenvidia o La Casa de la Portera son proyectos especiales que empujan nuevas energías.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Intento siempre ver cosas muy diferentes y he visto muchas cosas buenas en Madrid. Te digo solo los primeros títulos que se me ocurren: “¡Vaca!” de Alberto Velasco, un teatro hecho de cuerpo y emociones duras y fuertes con un lenguaje intenso y lírico … y absolutamente “ELEPÉ” de Carlos Be, una historia honesta, divertida y conmovedora hasta las lagrimas, dirigida con una visión clara y con actores capaces de emocionarse y emocionar al publico.

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¿Proyectos?…
Quiero seguir investigando esta mezcla de danza y teatro: me parece un lugar indefinido que puede acoger muchas cosas.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creyendo en las historias que nos llaman…sin miedo a parecer soñadores.


La Celestina de los Cómicos de la Lengua en el Teatro Español

Sigue su andadura con paso firme el ciclo de lecturas de clásicos, titulado: Cómicos de la Lengua. Rica experiencia creada por José Luis Gómez para celebrar el Tercer Centenario de la Real Academia Española. En esta ocasión, el Teatro Español de Madrid se ha vestido de gala para recibir a La Celestina o Tragicomedia de Calixto y Melibea de Fernando de Rojas. La lectura de pasajes de la obra leídos con dicción perfecta y excelente actuación por parte de Carmen Machi, Beatríz Argüello e Israel Elejalde ha hecho las delicias de los asistentes. En dos ocasiones, el Académico José Antonio Pascual ha comentado los orígenes y peculiaridad de esta obra que, aunque fue ideada para ser leída, se ha llevado a la escena y la pantalla en múltiples ocasiones.
Adolfo Simón

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Manuel Canseco nos habla de su extensa carrera teatral

Canseco¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Como muchos otros de mi generación comencé con el gusanillo del teatro durante mi tiempo de estudiante en la universidad. El TEU de aeronáuticos y luego el TEU del Distrito Universitario de Madrid fueron mis primeros puntos de enganche. Con este último se puso en marcha mi primera versión de los clásicos: “La Celestina”, que no llegó a ver la luz. Luego me inscribí en el TEM, que entonces estaba en la calle Barquillo. Allí me dieron clases: Maruja López, Ítalo Ricardi, William Layton y Miguel Narros, entre otros. Coincidimos en las clases profesionales Jose Carlos Plaza, Juan Francisco Margallo, Paca Ojea, etc.
Más tarde apareció la oportunidad de ser ayudante de dirección con José Luis Alonso Mañes y eso marcó definitivamente mi carrera. Fue una etapa maravillosa en el Teatro Nacional María Guerrero que duró más de siete años.

¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Me dediqué desde el primer momento a la dirección, aunque participara como actor en diferentes ocasiones e incluso como extra en diferentes películas.

¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Tan sólo al principio, luego, desde que salí del María Guerrero me dediqué exclusivamente a las Artes Escénicas como director y productor, con un dilatado periodo de paso por TVE en las labores de dirección y realización, que dejé para dedicarme únicamente al teatro.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Cuando miro hacia atrás, que lo hago pocas veces, suelo estar satisfecho de la labor realizada. Fueron tiempos difíciles, en los que creamos la primera compañía privada dedicada exclusivamente a los clásicos y en los que la falta de medios originaba tu principal censura artística. Algunos de aquellos montajes, hoy posiblemente caídos en el olvido al que tan proclive es nuestra profesión, tuvieron una gran repercusión y marcaron una línea de la que estoy satisfecho: La Paz, celebración grotesca sobre Aristófanes, de Francisco Nieva; El Cerco de Numancia, de Cervantes; La Orestiada, Medea, Troyanas, Casa con dos puertas mala es de guardar, Miau…

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Una diferencia abismal en cuanto a la forma de producción. Entonces el productor o las compañías privadas eran el sostén del teatro que se veía en el país, nombres propios que de año en año producían y giraban. Los teatros estaban también en manos privadas, habían de ser rentables y eso hacía que si tenías un buen producto te mejoraran fechas para la siguiente temporada. Esa forma de producción ya queda reducida a unos cuantos productores o empresas y gran parte de los empeños teatrales surgen de iniciativas grupales o esfuerzos cooperativos. Pero seguramente la mayor diferencia estribe en la falta de continuidad de esas compañías o grupos, la escasez de representaciones que obtienen la mayoría de los proyectos. Hoy nos conformamos, en el mejor de los casos, con los bolos de fin de semana. Recuerdo haber tenido que preparar maletas para dos meses porque no pasábamos por casa en ese tiempo. Ello también influía en la preparación de los actores. Los jóvenes que entraban en esas compañías tenían la oportunidad de observar día tras día a primeras figuras y de tener la posibilidad de dar el salto a papeles mayores dentro del elenco. El teatro era también escuela de práctica. Eso, desgraciadamente, se nota hoy día. En cuanto a la importancia de los montajes que se hacían creo andamos más o menos, pues si entonces había directores y empresarios con gran ambición artística también éramos sufrientes de los más burdos vodeviles. Hoy es de alabar, sin duda, el esfuerzo de esos pequeños teatros que han dado en proliferar acogiendo compañías jóvenes de gran talento.

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¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno se enamora de un texto que cae en tus manos y que te pide a gritos que lo pongas en pie, que le des vida a tu manera y te empeñas, a veces en el sentido económico de la palabra, hasta que lo sacas adelante. Creo que es una cuestión de amor… de amor y de necesidad de comunicación.
Me han llegado proyectos de otros productores, siempre privados, que eran como un gran descanso pues te permitían olvidar por un tiempo al hombre orquesta que era en mis propias producciones (productor, director, diseñador, iluminador, etc) para concentrarte sólo en el montaje escénico, en la dirección. Emilio Romero, Enrique Cornejo, Pedro Osinaga y Laura Cepeda han sido algunos de ellos. Al margen de mis direcciones en el Centro Dramático de Extremadura.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Nunca pude tener un equipo fijo de trabajo hasta que estuvimos en el teatro Galileo, pero siempre procuré trabajar con un reducido número de actores a los que a fuerza de coincidir ibas conociendo y por tanto formando un amplio equipo. Es verdad que lo echas de menos porque te facilitan las cosas y saben lo que quieres, pero también es verdad que la variedad enriquece. Ahora ya me rodeo de la gente con la que me entiendo bien.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Jubilado ya de la práctica activa me dediqué a escribir. Estrené una versión, por encargo, de la novela de Calvo Poyatos, El manuscrito de Calderón, y estoy embarcado en una pieza original sobre María Estuardo e Isabel de Inglaterra. Pero como la práctica escénica no se puede dejar, me lió mi querido amigo Antonio Serrano para que pusiéramos en pie una dramatización suya sobre el Libro de Buen Amor y, en unión de dos maravillosos actores y dos músicos no menos maravillosos nos embarcamos en esa aventura que ha resultado una joya escénica que está teniendo un gran éxito bajo el nombre de Coplas de Buen Amor.

Háblanos de la experiencia de Fuenteovejuna…
Apenas acabado el trabajo de las Coplas me propuso la alcaldesa de Fuente Obejuna que hiciera el montaje de la Fuenteovejuna de Lope de Vega con gente del pueblo, un montaje que se hace periódicamente con diferentes directores; me ilusionó la idea y he dedicado a ello estos tres últimos meses.
Ha sido una experiencia humana y artística maravillosa y, seguramente, el trabajo más difícil de toda mi carrera, no tanto por no ser profesionales los actores (que algunos de ellos no los cambiaría si tuviera que hacerlo en Madrid) como por las dificultades que planteaba hacerlo en el mismo lugar donde se produjeron los hechos y en una enorme plaza en la que había que ubicar escenarios múltiples y dar continuidad y espectacularidad al importantísimo texto de Lope. La grandiosidad del espectáculo ha colmado con creces las expectativas, y las modificaciones aportadas para conseguir esa plasmación de la herencia que consideran como suya los vecinos dieron un magnífico resultado. Allí quedan un montón de amigos.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Si las cosas no se tuercen tal como están los tiempos, una coproducción con el CDN y el Festival de Mérida para remontar un espectáculo emblemático en mi carrera: La Paz, en homenaje a Francisco Nieva y también, desgraciadamente, a Julia Trujillo, que acaba de abandonarnos y tuvo un gran éxito junto a Carlos Lemos con esa obra.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Siempre los hay, pero de forma especial dos: Electra Jonda, un texto de Juan Guerrero Zamora que está conformado no solo por la palabra sino también por el cante y el baile, es decir, un espectáculo total y para el que estamos buscando patrocinio o financiación, y un texto clásico, La gallega Mari Hernández, de Tirso de Molina, amén de un musical sobre el Tenorio en el que trabajé durante años. Son empeños caros y arriesgados…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. La cultura no ha de ser por necesidad económicamente rentable; ha de serlo socialmente. En una sociedad en la que la preparación cultural se va debilitando y el teatro no ha calado en los hábitos de ocio de los ciudadanos como en otros países, cualquier traba de tipo económico que nos afecte sólo puede empeorar la situación. Es difícil entender que el precio de la butaca se grave mucho más que una localidad de un evento deportivo de masas. Cuando esto sucede algo va mal en los políticos y dice mucho por su falta de interés hacia la cultura.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
No es uno solo, y muchas veces en teatros pequeños, pero tal vez el que recuerdo ahora con más gusto es Follies, el último montaje de Mario Gas en el Teatro Español, por ver ese plantel de actores desenvolverse con soltura en escena cantando y bailando, y como lo consiguió Mario de manera tan “natural”.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Si alguien la tiene, por favor, que nos la diga…

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Entrevistamos a Marta Fernández Muro mientras representa en La casa de la portera

marta-fernandez-muro¿Cómo surge el proyecto de UN PASADO EN VENTA?…
Porque quiero escribir un monólogo para interpretarlo yo. Y lo llevo a cabo.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
Tengo 3 o 4 versiones del monólogo. La última versión se adecuó especialmente para «La casa de la portera».

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
No sé explicar un proceso. Empiezo sabiendo lo que quiero contar y luego lo voy desarrollando. En la puesta interviene la dirección y el proceso se desarrolla conjuntamente.

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Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Me gusta mucho el teatro. Me siento más cómoda y más libre.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos. Me siento contenta del trabajo que hice en «La abeja reina» de Narros, y en «La Celestina» de Lepage. Si me remonto más y más, estoy muy orgullosa de «Carcajada Salvaje» y de «La secretaria», un texto inédito de Natalia Ginnszburg.

¿Cómo ha sido el trabajo con la directora?…
Me ha ayudado a ver desde fuera un texto en el que estoy en exceso implicada.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad actual?…
La de siempre. Contar una historia que ilumine al espectador.

¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
No. El trabajo siempre es el mismo. Cambia el medio, pero no la esencia del trabajo.

¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cómo los personajes?…
Los entiendo con la cabeza y los hago con el cuerpo.

¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último «Huérfanas» con texto de Miguel Albaladejo… Genial. También resalto el trabajo de la Portillo en «La vida es sueño».

¿Proyectos?…
Seguir.
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La Celestina dirigida por Mariano de Paco Serrano en el Teatro Fernán Gómez

La Celestina dirigida por Mariano de Paco Serrano en el Teatro Fernán Gómez

Este montaje de La Celestina es el más arriesgado que ha dirigido hasta el momento Mariano de Paco Serrano. Hay una poética en el espacio y en el tratamiento interpretativo de algunos personajes que le da una contemporaneidad muy sugerente, la luz y la fantástica banda sonora de Tomás Marco elevan la atmósfera de la puesta en escena a ensoñación. Y una de los grandes méritos de esta producción es haber recuperado para la escena a la única diva que nos queda en el teatro español, la gran Gemma Cuervo, viéndola uno se pregunta por qué ha estado tanto tiempo alejada del teatro este monstruo escénico…Gemma crea un nuevo concepto de La Celestina, un ser mágico y perverso al tiempo. El resto de actores se divide entre los más experimentados que dan peso al montaje y los jovenes que a veces se dejan llevar por la pasión y la prisa, cosas no muy productivas en el escenario. Tan solo dos «peros»…un par de escenas demasiado estáticas y verboréicas y un final lacromógeno y excesivo donde el padre llora la muerte de Melibea, una vez muere Celestina-Cuervo, el telón debería caer.
Adolfo Simón