Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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ciclo El puente de La Abadía

Destacados actores, directores y escritores de teatro español comparten con el público su experiencia y su particular manera de vivir el oficio.
El primer encuentro, moderado por Juan Cruz, tendrá lugar el martes 20 de octubre a las 19:00 hs.
José Luis Gómez e Israel Elejalde inauguran el ciclo El puente de La Abadía
Más info en: http://www.teatroabadia.com

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Aitor Tejada: El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar

aitor¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en Vitoria con 16 años en la escuela de la Cooperativa Denok, una compañía de teatro de allí, hasta que di el salto a Madrid a la RESAD.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es mi forma de vida y mi pasión. La primera vez que vi una función de teatro profesional debía tener 14 o 15 años y sentí que yo quería dedicarme a eso, así que se puede decir que fue vocacional. Tras 20 años de carrera como actor, junto a Miguel del Arco constituimos Kamikaze Producciones y «La función por hacer» cambió mi vida. Me pasé al otro lado, la producción.aitor1

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Pues no puedo estar más contento. Viví una magnífica época como actor trabajando con grandes directores y grandes compañías. Y ahora desde Kamikaze estamos levantando proyectos que me apasionan y además con muy buena respuesta del público. No puedo pedir más.

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¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Creo que ha cambiado mucho. En cuanto a la interpretación creo que se ha dado un vuelco enorme, ahora hay una búsqueda de la verdad escénica que a mí me interesa más. En cuanto a la producción ahora hay mucha más diversidad. Nuevos autores y nuevos directores tienen más opciones de presentar sus trabajos en lugares poco habituales y el público responde a esas nuevas propuestas.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de la sociedad que vivimos para que los espectadores nos sintamos afectados por lo que vemos y podamos reflexionar. El teatro tiene que emocionar, hacer llorar, hacer reír…

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos y de tu función…
2014 fue todo el año para «Misántropo», gira, temporadas en Madrid y Barcelona, además de una gira americana de un mes con «La función por hacer». En estas 2 funciones, además de la producción, soy el ayudante de dirección. También en ese año llevamos a cabo los talleres y la organización de Teatro de la Ciudad que han desembocado ahora en 2015 con los estrenos de Antígona, Medea y Edipo Rey .

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¿Cómo surgió tu participación como productor de Antígona en el Teatro de la Ciudad…?…Háblanos de esta experiencia…
Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol comenzaron a pensar en unir sus fuerzas en un proyecto y para ello nos liaron a sus productores Joseba Gil, Gonzalo Salazar y yo para sacarlo adelante. Ha sido una experiencia muy emocionante en la que se ha conseguido que tres equipos creativos trabajen juntos y lleguen a buen puerto. Una experiencia extenuante pero que visto el resultado, tanto artístico como de funcionamiento interno, sé que va a ser una experiencia única que no sé si volveré a vivir. Todo gracias al esfuerzo de más de 60 personas que han confiado y han querido participar con nosotros y que hemos podido llevar a cabo gracias al apoyo de José Luis Gómez y todo el personal de Teatro de la Abadía.

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¿Te ayuda en la producción el haber sido actor?…
Muchísimo. Porque haber estado en el otro lado hace que sepa en muchos momentos lo que está pasando por la cabeza de un actor y prevenir algunas cosas. Creo que en esta profesión, que es un trabajo de grupo, a todos nos vendría muy bien estar alguna vez en el puesto de los otros para saber cómo se viven las cosas en cada departamento.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
A compañías pequeñas como la nuestra nos está haciendo polvo. Las giras apenas existen. Ahora mismo se contrata los sábados de cada mes con lo que yéndote bien tienes 4 bolos al mes. Y pensar en ir a taquilla sin actores famosos es un riesgo que una compañía como la nuestra no puede asumir. Amortizar la inversión de un espectáculo es cada vez más complicado y si no hay amortización no hay nuevo espectáculo.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Aunque la vi hace ya casi un año en la Sala Cuarta Pared, diría que es «Yo de mayor quiero ser Fermín Jiménez» de la compañía valenciana Pont Flotant. Un espectáculo aparentemente sencillo, lleno de poesía y buen humor que nos enfrenta a qué es lo que realmente queremos hacer con nuestras vidas.

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¿Proyectos?…
Muchos. Este año junto a Jordi Buxó, de Buxman Producciones, vamos a coproducir 2 espectáculos: «La clausura del amor», escrita y dirigida por Pascal Rambert, con Bárbara Lennie e Israel Elejalde y «La isla púrpura», escrita y dirigida por José Padilla. Y con Kamikaze empezaremos a finales de año a ensayar un nuevo espectáculo que se estrenará en 2016 del que pronto podremos hablar.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues no parar. A pesar de todas las dificultades que nos encontramos creo que es el momento de unir esfuerzos con otras productoras o con otros directores para demostrar que tenemos cosas que contar.

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Entremeses de Cervantes del Teatro de la Abadía en el Teatro Alhambra de Granada

Asistir dos días después de celebrar el Día del Libro a este montaje de los Entremeses de Cervantes supone disfrutar de una gran fiesta de la literatura, pues constituye una puesta en escena del clásico cervantino muy difícil de superar.
Se trata de un montaje que ya fue llevado a cabo en la segunda temporada de La Abadía, rescatado veinte años después como una forma de autohomenaje. José Luis Gómez incluye en el programa una cita de Manuel Azaña en la que el escritor y político afirma que quienes hablamos español somos y seremos “criaturas cervantinas”. Ése es de manera precisa el espíritu que atraviesa el montaje de principio a fin: la de ofrecer el texto de Cervantes como esencia de identidad, como constitución de lo español, pero con el acento puesto en nuestros grandes defectos. En la puesta en escena hay un continuo ambiente carnavalesco, un desfile singular de hombres y mujeres desnortados, políticos ramplones, costumbres bulliciosas y alegres. La dirección es, como no podía ser de otra manera viniendo de quien viene, tremendamente minuciosa y prolija, una creación compleja que añade al texto cervantino toda clase de jolgorios, danzas, cantos y músicas, siempre con la mayor gracia y tino.
Con una apertura y cierre de función de un lirismo sublime, en la forma de unos pájaros que cantan en el campo en compañía de un coro de personajes cervantinos, los Entremeses de La Abadía (se han incluido solamente La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas) ofrecen una función intensísima, sin duda extenuante para los actores, que dota al clásico de un músculo y una intensidad magníficos. En los ciento diez minutos de representación, el espectador es sepultado en un universo de canto, baile y movimiento escénico que nunca deja de lado la palabra medida y clara del clásico.
Granada tardará mucho en acoger un evento teatral cervantino tan digno como el que se disfrutó el pasado fin de semana en el teatro Alhambra.

Rafael Ruiz Pleguezuelosentremeses1


El Teatro de la Ciudad en el Teatro de la Abadía

Hoy se ha presentado en el Teatro de la Abadía el Teatro de la Ciudad, un proyecto de hermosas siglas como ha comentado José Luis Gómez en el inicio del acto. Una experiencia largamente soñada por los tres artífices de la misma…Miguel del Arco, Andrés Lima y Alfredo Sanzol. Un encuentro de deseo escénico renovador entre directores, algo no habitual en nuestra escena. Esta idea nace de la necesidad de abordar proyectos que se desarrollen en el tiempo, se imaginen, se elaboren y se construyan durante un proceso de búsqueda por parte de los equipos artísticos pero también dando lugar a que otros pensadores o eruditos puedan aportar su visión más allá de la escena. Una experiencia que ha surgido de necesidades personales y que trata de conectar el placer del conocimiento con el público. Durante las funciones de Edipo, Medea y Antígona se podrá experimentar el resultado de un proceso poco habitual y se dispondrá de un espacio llamado «Entusiasmo» en el que seguirá ese cruce de experiencias y conocimientos compartidos con los asistentes a las funciones. Un amplio reparto de actores y actrices completa las tres propuestas que saldrán de gira en bloque o individualmente tras las funciones en el Teatro de la Abadía. Un espacio escénico único compartido por las tres producciones en el que otros creadores artísticos aportarán su granito de arena a esta poética del pasado mirada con ojos de hoy.
Adolfo Simón
Más info en: http://teatrodelaciudad.es/

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JAVIER LARA: El teatro no tiene que hacer preguntas que ya sabe para que el público piense y las responda, sino que debe ser un lugar con forma de pregunta.

lara¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Empecé a hacer teatro en la universidad, cuando estudiaba filología inglesa. Me encontré con un grupo de gente muy talentosa y montamos IN VITRO TEATRO, que aun sigue. Mi primer papel fue Puck en El sueño de una noche de verano de Shakespeare. Lo que yo sentí en ese montaje fue definitivo para lo que hago hoy.

¿Realizaste otras facetas además de la actuación? En el inicio no. Después… después sí.

¿Qué es el teatro para ti?… Es la forma de expresar mi visión del mundo, lo cual te avoca a una forma de vida muy particular. El teatro es mi forma de vida, que se dice.

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¿Por qué haces teatro?… Ahora no sabría no hacerlo. Al principio no tenía la experiencia suficiente para analizar porqué el teatro tiraba de mí, me dejaba llevar por el imán; y después cada vez que me lo he preguntado, la respuesta se ha ido matizando, aunque el sentimiento sé muy bien donde se encuentra. Ahora mismo, te diría algo así: Yo creo que forma parte de mi genética, de lo que se ha construido como mi identidad, que por alguna extraña y mágica razón la intuición me ha llevado al sitio donde descubro cosas que jamás descubriría si no me dedicara al teatro.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Intensa, caótica y muy coherente. Mi principal tarea ha sido la que junto a mis compañeros, Carlota Gaviño, Leticia Rodríguez, Íñigo Rodríguez-Claro y José Padilla, generamos fundando la compañía Grumelot, que por cierto, este año hacemos diez años y estamos preparando algún evento homenaje a nuestra cabezonería y constancia. Y personalmente, he trabajado con gente que me ha dado grandes oportunidades, con la que he vivido experiencias realmente maravillosas, y otra con la que no tanto. No sé, trabajar con Alfredo Sanzol, Carlos Aladro, Pablo Messiez, incluso, fíjate lo que te digo, Gerardo Vera, Jorge Lavelli, y ahora, José Luis Gómez. Diferentes generaciones que se prestan a entenderse para comunicarse hoy, con las personas que hoy se acercan al teatro.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… Yo creo que, primero de todo, el teatro se tiene que quitar de encima la responsabilidad de ser útil para la sociedad de hoy, así quizá, como consecuencia cale más profundamente en las personas que forman esa sociedad, de la cual también forma parte el teatro. La función concreta se va definiendo sola si realmente nos comunicamos mirándonos a los ojos, sin preguntarnos porqué lo hacemos, sintiendo realmente desde dónde nos hablamos. A ver si me explico, y termino así: para mí, el teatro no tiene que hacer preguntas que ya sabe para que el público piense y las responda, sino que debe ser un lugar con forma de pregunta. Ahora estoy sonriendo. Es un misterio. No sé si estoy preparado para responder a esto.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… MI PASADO EN B, el reto más importante de mi vida y el montaje desde donde más profundamente he sabido hablar, desde donde el impulso creativo ha sido más fuerte y claro. Es una historia cuya razón de ser es la ficción de la memoria. Una historia personal y particular, escrita e interpretada por mí; y dirigida y comprendida por Pietro Olivera. He estado de gira con MARIBEL Y LA EXTRAÑA FAMILIA, de Miguel Mihura, dirigida por Gerardo Vera, y con ese pedazo de vendaval escénico que es Lucía Quintana, además del resto de maravillas del reparto. El DON JUAN TENORIO que se monta cada año en Alcalá de Henares, dirigida por Carlos Aladro, donde me vestía de Don Luis Mejía, en compañía de Fernando Cayo y el resto de maravillas del reparto. EL 37 de José Padilla, para STORYWALKER, un extraordinaria inciativa de KUBIK FABRIK que lleva el teatro a la radio, al audio, acompañado por María Adánez y Lucía Quintana. LOS BRILLANTES EMPEÑOS, un trabajo fruto de seis meses de investigación a partir de los clásicos, con los miembros de Grumelot, más Rebeca Hernando, Mikele Urroz y José Juan Rodríguez; y Pablo Messiez, que estrenamos dentro del Festival de teatro clásico de Almagro, en el corral de comedias. Tengo que decir que nunca antes se había desnudado completamente nadie en ese histórico escenario. Y ENTREMESES de Cervantes, con el Teatro de La abadía dirigido por Jose Luis Gómez.

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Háblanos de ellos… Para no extenderme mucho, sólo decir que a esto me refería cuando definía mi trayectoria como intensa, caótica y coherente: Aunque no todos los años son como este en cuanto a cantidad de producciones, siempre he intentado no estar parado; aunque aparentemente nada tiene que ver el Tenorio con MI PASADO EN B, por ejemplo, o cualquiera de las otras entre sí, siempre trato de hablar desde el mismo sitio, o mejor dicho, de buscar el sitio desde donde hablo, más allá de cuestiones de genero o estilo, de ser yo ahí. Quizá, el trabajo que más haya dado coherencia a este caos, haya sido LOS BRILLANTES EMPEÑOS. El reto de ser yo ahí, de estar ahí, en ese mundo tan particular que se fue creando poco a poco, en función de lo que nuestros cuerpos respiraban de esas palabras de Lope, Calderón, Quevedo, Tirso, etc. Según las premisas que Pablo Messiez nos ofrecía, según nuestras inquietudes como compañía y guiados por la sensibilidad de Pablo. Esta producción ha sido quizá la que más se acerque a lo que me preguntabas arriba, la que más responda, dentro de las que he hecho este año, a cuál debe ser la función del teatro para con la sociedad actual. Un lugar de encuentro de voces que se descubren a sí mismas en grupo, creando un espectáculo vivo, alterable con los días, que no está cerrado, que lo comparte con un público que consciente o no lo va modificando. De esta relación de comunicación creo que sale algo útil para las personas.

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¿Cómo surgió tu participación en los ENTREMESES?… Hice el Taller de la palabra que organizó el Teatro de La abadía, con José Luis Gómez, Vicente Fuentes y Ernesto Arias. Allí decían que no era un taller para trabajar en la casa sino para familiarizarnos con el trabajo de la palabra. Yo tengo que reconocer que mis energías estaban totalmente enfocadas en poder formar parte de alguno de los elencos de La abadía. Trabajé mucho y se lo pedí tanto a San Juan de la Cruz como a José Luis Alonso.

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Háblanos de este trabajo… Una vez dentro del elenco de Entremeses, mi trabajo ha sido, por un lado hacer un cursillo acelerado de cómo entendían en la casa, el director y esos actores, los conceptos que yo había trabajado en otros lugares, y hacerme agua con ellos, sin dejar de hacerlo como yo siento, desde donde se me impulsa a mí. Por otro lado, ponerme al servicio de un montaje, de unas energías, que ya fueron generadas hacía 18 años, cuando yo aun era un chavalín. Beber del limbo de la historia de ese montaje y meterme de lleno en ello para defenderlo. Carlota Ferrer también me ha ayudado mucho a hacerlo. Escuchar, reflexionar, y opinar; y jugar. Ahora mismo básicamente lo que hago es disfrutar jugando con mis compañeros y con el público que viene todas las tardes a verlo.

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¿Cómo creas tus personajes?¿Tienes un método?… Con la imaginación y con el cuerpo. Tengo método, sí. Una mezcla de todo lo que he sentido que me hacía descubrir algo escondido o desconocido dentro de mí. El método de mirar afuera, incluso con los ojos cerrados. El método de que después de haber imaginado mucho, sólo tienes que ponerte ahí, estar atento y confiar en quien te acompaña y darle tu confianza. Cada trabajo va a coger de tí lo que necesita, y tu intuición te va a pedir lo que te falte.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Destruyéndolo. No digo nada que alguien no sepa. Hay personas que no sólo no piensan en la utilidad del teatro en la sociedad de hoy, sino que creen que debe ser inutilizado. Aunque, como leí que decía Declan Donnellan, déjame que lo miro en el libro: «Aunque todos los auditorios fueran arrasados hasta sus cimientos, el teatro sobreviviría, porque el ansia que tenemos de actuar y que nos actúen es innata… el teatro no puede morir antes de que el último sueño haya sido soñado.» Espero que no tengamos que llegar a eso.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?… LA CALMA MÁGICA de Alfredo Sanzol ¿Por qué?… Por su valentía tanto temática como formal, porque no hace más concesiones de las necesarias, y porque Alfredo es una buena persona que se estruja el ser para comunicar cosas, de forma aparentemente sencilla, que todos sabemos pero que pasamos por encima. Halla lo sagrado en la anécdota.

¿Proyectos?… Gira de ENTREMESES, alguno que no se puede decir, y escribiendo mi segunda pieza: EL GRAN SCRATCH. También sobre la ficción de la memoria pero no exactamente de mi memoria.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Una vez le oí decir a Marcel Marceau que él le había oído decir a Orson Wells que Suiza era un país intrascendente artísticamente, porque como siempre había permanecido neutral en las guerras no había tenido necesidad de expresarse, ni había tenido visión de cambio de ninguna crisis. No es exactamente lo que dijo aunque yo lo recuerde así. Me acaba de llegar un WhatsApp: reunión de Grumelot.


Festivales y eventos escénicos

‘Escenas del cambio. Festival de invierno de teatro, danza y arte en acción’ se celebrará del 4 al 21 de febrero en el Museo Centro Gaiás de Santiago de Compostela.

La Real Academia Española (RAE), con motivo de la conmemoración de su III Centenario, presenta ‘Cómicos de la lengua’, dirigido por José Luis Gómez. En 2015, desde el 12 de enero hasta el 23 de marzo, en el Teatro de La Abadía y la Real Academia Española.

La Bienal de Teatro ONCE, celebrará su edición número XV entre los días 14 y 17 de enero en el País Vasco.

LaTeatral en Familia, un nuevo ciclo de teatro pensado para toda la familia en Espartinas (Sevilla).

Abierto el plazo de inscripción para participar en el 4 Encuentro Internacional de Teatro Joven de Mairena del Alcor, que se celebrará en la localidad sevillana del 6 al 9 de agosto de 2015. El plazo de recepción de propuestas terminará el día 28 de febrero.

Cinco compañías valencianas ofrecerán funciones en castellano y valenciano en el Escalante de Valencia: Cicle de Companyies valencianes.

II Edición de GRANADA en DANZAFANTASMAGORIA1


Víctor Clavijo: El teatro es un ejercicio de comunión con el público, que tiene su propia liturgia y que busca la transformación a uno y otro lado del escenario.

clavijo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… Mi padre era amigo del director y los integrantes de una compañía de teatro de Algeciras, «Teatro Algarabía», y en algunas ocasiones les acompañábamos en sus bolos fuera de la ciudad. Allí respiré por primera vez el teatro, casi desde dentro. A los 14 años leí casi por casualidad «La construcción del personaje», de Stanislavsky, y tomé la secreta decisión de convertirme en actor algún día. El año siguiente me apunté al aula de teatro del Instituto, de la mano del pintor algecireño Pepe Barroso y, al mismo tiempo, me enrolé en una compañía de teatro que dirigían el actual defensor del pueblo andaluz, Pepe Chamizo, y Carlos Galiana. La compañía se llamaba «Teatro Mejorana» y durante los veranos hacíamos gira por los pueblos de la provincia de Cádiz. Tenía claro que quería ser actor, pero al acabar COU estudié dos años de Derecho en Granada; aquellos dos años eché tanto de menos el teatro que terminé por abandonar la carrera para venir a Madrid a estudiar Arte Dramático en la RESAD a los 20 años.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?… Aparte del montaje y desmontaje técnico cada vez que íbamos a actuar con la compañía de Teatro Mejorana, no. Durante los años de estudio en la RESAD escribí una pieza que montó un compañero con su compañía de teatro en Alcalá de Henares en un par de ocasiones; se trataba de una versión actual y divertida sobre el Don Juan de Tirso de Molina y llevaba por título «Fantasía en do menor sobre Don Juan Tenorio»; empezó como un ejercicio de clase y acabó representándose el 1 de Noviembre en Alcalá de Henares.

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-¿Qué es el teatro para ti?…Es un ejercicio de comunión con el público, que tiene su propia liturgia y que busca la transformación a uno y otro lado del escenario.

¿Por qué haces teatro?… Ahí se encuentra mi origen como actor. El teatro es el único medio que te permite volar como actor, sin interrupciones, con continuidad dramática, sentir esa magia del salto al vacío y ese poder de transformación en uno y en los demás al mismo tiempo.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?… Es difícil hacer un balance, porque no soy objetivo. Quizá le corresponda a otros hacerlo, no a mí. Desde luego trato de escoger proyectos que me supongan un reto, un aprendizaje y que tengan algo estimulante. Aún me queda mucho por aprender y mucho por dar, por supuesto. Digamos que estoy en el camino.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?… El teatro debería ser un lugar para la transformación, para la reflexión, para poner un espejo a la sociedad e invitarla a conocerse, a conocer en más profundidad al ser humano; esto se puede conseguir a través de la comedia más banal o a través de un texto profundo y complejo. Lo importante es que algo quede en quien ha visto la función, que se produzca una transformación ( que puede ser sencillamente emocional: pasar un buen rato no deja de ser una transformación emocional ).

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ello: Arranqué el 2014 con los últimos bolos de «Oddi», una obra de Sergi Pompermayer con la que estuvimos el año anterior en el Teatro del Arte. A comienzos del verano, estrené «Sótano», un texto de Benet i Jornet dirigido por Israel Elejalde, en La Pensión de las Pulgas, donde compartía protagonismo con Juan Codina, En Septiembre volvimos un par de semanas con la función en el mismo espacio. Y acabo de estrenar «Fausto» , de Goethe, dirigida por Tomaz Pandur en el CDN. He rodado dos películas ( «Sicarius» y «Unamuno en Fuerteventura», con José Luis Gómez ) y he participado en las series «El ministerio del tiempo» y «El fin de la comedia».

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Fausto?… Háblanos de este trabajo… Hice una prueba en verano para Tomaz Pandur. Durante la prueba me hizo leer un texto y, como sabía que tocaba el piano, me hizo interpretar una pieza en un teclado. A los pocos días me llamó para decirme que le había gustado la prueba y que me quería en su montaje. El proceso de trabajo con Pandur es muy creativo y te pide que estés siempre en ese estado de creatividad y riesgo; le encanta la inmediatez con la que los actores son capaces de incorporar sus propuestas, por lo que uno debe estar siempre en un estado de predisposición para el juego y el riesgo. Desde un principio entendí su propuesta y el modo de trabajar que proponía. Pandur tiene una imaginación desbordante y te pide que juegues con él, sin cuestionamientos de ninguna clase: en ese ejercicio es donde uno encuentra a veces cosas sorprendentes que se salen de la racionalidad (que tantas veces nos limita como artistas). Al mismo tiempo, todas sus propuestas tienen un fundamento detrás y nada es gratuito. Yo interpreto al Mefisto, que en esta ocasión es el padre de una familia que representa el mal, invade el espacio ( mental ) de Fausto y le seduce de muy distintas maneras: desde el humor, la humildad, la torpeza, el glamour, la tentación.. Esta familia mefistofélica hace todo un despliegue de medios y no duda en usar a sus propios hijos para darle a Fausto lo que quiere a cambio de su alma.

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¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?…
No tengo una, sino muchas maneras de abordar un trabajo. Cada nuevo reto me exige una aproximación distinta al personaje. Por supuesto tienes que saber no sólo quién es y cómo es tu personaje, sino cuáles son sus deseos, su arco dramático, su función dentro de la obra…a partir de ahí te aproximas a él de distintas maneras. A veces me lleno de estímulos que tengan que ver con el personaje, el tema o la obra ( lecturas, referentes cinematográficos, música, artículos, cuadros, referentes personales.. ) y dejo que toda esa información se pose en algún lugar para que el subconsciente haga un trabajo de selección natural. Hay trabajos que requieren buscar profundamente dentro de uno y otros que te permiten jugar más livianamente y encontrar desde ese juego el brillo. No creo que todos los personajes y estilos exijan o permitan incluso el mismo tipo de aproximación…hay veces que me siento perdido, otras en las que doy con la clave en un golpe de intuición, y otras en las que el estudio y el trabajo hacen que aparezca poco a poco el personaje.. Como decía un profesor que tuve: el trabajo que ve el público es como la punta de un iceberg: para que se vea un 10 por ciento, tiene que haber por debajo un 90 por ciento que sustenta ese diez por ciento visible.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del IVA al teatro?… Muy negativamente, como era de esperar, y como es evidente. Nos han puesto palos en la ruedas y muchas compañías y muchos teatros han tenido que cerrar. Gravar la cultura de este modo es una canallada hacia nuestro sector y hacia el público en general y parece evidente que hay una intencionalidad política en ello.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado y por qué?… En el último mes no he tenido mucha ocasión de ir al teatro, al estar inmerso primero en los ensayos y ahora en las representaciones de Fausto. Destacaré tres de los que he visto hace poco: «El largo viaje del día hacia la noche», de O´Neill, que es uno de mis textos favoritos, «Lluvia constante», con unos espléndidos Sergio Peris Mencheta y Roberto Álamo y «A vueltas con la vida», de Juan Luis Iborra, con Beatriz Carvajal, que se estrenará el 19 de Diciembre en el Fernán Gómez y que trata en una clave agridulce del poder revolucionario y regenerador que tiene la lectura en una empleada doméstica que encuentra su propia voz a través de los libros que descubre en las casas que limpia.

EL ACTOR VÍCTOR CLAVIJO

¿Proyectos?… Suenan cosas pero aún no se pueden decir en voz alta.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Desprenderse del miedo y darle rienda suelta a nuestras voces más profundas, a pesar del qué dirán, del éxito, del fracaso o de la falta de dinero. Un creador no necesita excusas para crear: Lo hace a pesar de todo, contra viento y marea. Así ha sido siempre.


Carlota Ferrer: El teatro debe mostrar lo que está ahí y no queremos ver ni oír de nosotros mismos

carlota¿Cómo surge el proyecto de Los nadadores nocturnos?…
Los nadadores nocturnos surge de la necesidad de trasladar al teatro vivencias personales, dudas, crisis sentimentales, frustraciones vitales, pérdidas, deseos etc…del momento en el que vivimos tanto el autor como yo que consideramos de índole universal y que reflejan muy bien el paisaje humano actual de nuestro país y en especial de Madrid. Retratando a Madrid como una ciudad vendida. Vodafone-Sol, «Abu Dabi Santiago Bernabeu » dan pie al autor a imaginar un etc de lugares emblemáticos que acabarán convertidos en marca.
José Manuel Mora tras una larga recopilación de apuntes sobre distintos temas y personajes, que o bien, han aparecido en su biografía o bien, en la de personas cercanas a él, escribe una miscelánea de fragmentos o historias abortadas que retratan el paisaje humano de una ciudad golpeada donde se pueden intuir ciertas lineas de acción o de personajes en su mayoría damnificados del amor, que vienen a unirse en una secta llamada los nadadores nocturnos. Esta secta es liderada por un escritor antiguo profesor de secundaria, Jean G. Cuando leo este texto fragmentado, realizo tal viaje emocional y existencial, a veces… en un lugar difícil de expresar con palabras y muy lejos de lo intelectual y a la vez, me siento muy identificada con todos los personaje que parecen aflorar y reconozco que retrata, justamente en la fragmentación, el mundo en el que vivimos. La rabiosa fugacidad de contar las historias saca a la luz lo esencial del ser humano dejándolo al desnudo de una manera casi impúdica.
!!!Vamos a montarlo esto es una joya!! y lo presentamos al Fringe como un proyecto todavía in working- progress y lo seleccionaron.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…
En la puesta en escena no, pero el viaje lo hacemos juntos. El punto de partida es mi lectura de la obra que construyo con ellos y para ellos.
En la creación de los personajes si, aportan muchísimo hasta donde ellos quieran llegar (a veces alguien se ha negado a contar una intimidad suya en boca del personaje y por supuesto no me queda otra que respetarlo) en general y aquí en especial, propongo a los actores que multipliquen mis sugerencias, proponiéndome cosas nuevas o alimentándolas con ideas suyas, en definitiva, que me sorprendan que no pierdan el juego y la vida en la repetición tanto en los ensayos ni en las funciones. Cada vez me gusta menos que todos los días se haga exactamente igual, los mismos movimientos, las mismas pausas los mismos estados de ánimo, está claro que hay una estructura muy bien afinada pero el actor tiene un margen de libertad de acción. Secretamente incluso hago cambios pactando con un solo actor sin decírselo a los demás, para que estén disponibles, alerta y escuchando cada segundo de la función.
Construyo las coreografías a partir de los materiales y el movimiento personal de los actores, sacados de las diferentes improvisaciones que les planteo, y luego hay que ordenarlo.

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¿Y con el autor?… Jose Manuel Mora tiene un estilo muy perso-nal, de gran potencia poética, plantea universos muy complejos que a la vez son muy primarios en esencia, el ser amigos y conocernos hasta el punto que lo hacemos, me ayuda a saber que hay detrás de cada linea. Empezamos hablando de amor y acabamos hablando de amor. Los textos al «ponerse en boca», a veces… por no decir siempre, necesitan de modificaciones, respetando el estilo del autor y con su consentimiento a través del diálogo. En este caso en concreto, mas que nunca Mora ha estado adaptando el texto y evolucionando de manera paralela a los ensayos. Ha sido el texto en el que mas hemos trabajado juntos antes y durante el proceso de ensayo. Un diálogo muy intenso en el que los dos hemos aprendido y disfrutado mucho, hemos pasado por todos los estados y al final estamos muy orgullosos de la simbiosis texto- puesta en escena. Es nuestro 4º montaje en tandem. En este diálogo se han definido los personajes La mujer rota, el cuerpo equivocado, una mujer invisible, el hombre normal y razonable, La chica de buena familia, solo los nombres de los personajes ya me encantaron, unos estaban y otros los bautizamos juntos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…He partido desde la pulsión primigenia que me provocó el primer borrador del texto. Mi empeño fue trasladar al espectador la experiencia emocional y la sacudida moral que yo había vivido.
En los últimos años he estado mamando de grandes maestros europeos como Gabriela Carrizo (Peeping Tom), Jan Lauwers, en la Biennale de Venezia a la que he asistido como estudiante 3 años y en dos ocasiones en residencia artística como actriz y directora, allí me he nutrido de muchas herramientas de creación, supongo que los referentes nos acompañan queramos o no.
Es la primera vez que no sueño la puesta en escena de una obra en otro país, siempre me busco un viaje en el que crear apartada de mi rutina diaria y esta vez, no fue posible porque cerramos el texto en París, una semana antes del primer día de ensayos. Y volví para empezar.
Mis maestros son un referente José Luis Gómez, Álex Rigola y Kristian Lupa, y también los directores a los que admiro Romeo Castelucci, Falk Richter… pero el pensamiento que planea en Pasolini, Buñuel y Haneke ha tenido mucho que ver en los nadadores.

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Por qué haces teatro?…Por la caña de después del ensayo.

¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?… Creo que en cada montaje crezco y aprendo, uno madura a la vez que su obra, también dudo más de todo, no sé…intento abordar el trabajo cada vez de una manera distinta. Si en algún momento me doy cuenta de que he creído con vehemencia en una especie de reglas…intento desafiarme rompiéndolas. Sin duda, la ayudantía que hice a Krystian Lupa en el Teatro de la Abadía fue muy importante para mi en cuanto a como afronto la dirección desde entonces y el trabajo con los actores.
Carlota Ferrer a. K.L. y d. K.L. Cuando trabajé con Krystian murieron los personajes y nacieron los seres humanos en el escenario.

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¿Te ayuda para dirigir el ser actriz?… Creo que si…Porque se tiene mayor conciencia de las dificultades a las que se enfrenta el actor y me comunico en el mismo lenguaje, hay veces que los directores que no actúan, cuentan al actor una «chapa conceptual» de diez minutos y cuando acaban el actor no ha entendido que tiene que hacer, cómo se traduce eso a la acción presente. El lenguaje del director debe movilizar al actor no aplastarle con toneladas de información. A veces muestro como hacer alguna cosa, cuando el actor está perdido o no encuentra como abordar alguna parte pero está prohibido que me imiten. Cada actor es único, y es esa autenticidad la que quiero encontrar.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…El teatro debe ser una experiencia vital para el espectador, debe salir modificado, como los personajes ninguno empieza y acaba igual. El espectador desde que se sienta tiene que sentirse mas vivo que cuando ha entrado. Y al final debe salir con consecuencias físicas y psíquicas.
El teatro debe mostrar lo que está ahí y no queremos ver ni oír de nosotros mismos. Es una paradoja fascinante ya que tenemos que pagar para que nos despierten, nos causen cierto daño. El teatro debe hacernos mejores personas igual que la pareja y los amigos que te dicen la verdad y te ayudan a crecer. La pregunta es ¿Cual es la Verdad?.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?… ¿Cómo afecta? Al gremio en particular, con el cierre de salas, con sueldos precarios, aumentan los trabajos en negro sin seguridad social, cierre de compañías, reducción de giras, reducción en los salarios, pluriempleo casual. Es un gremio absolutamente maltratado.
Pero no es lo peor… lo peor es que es un síntoma evidente de que los dirigentes de este país, lejos de paliar la picaresca, una losa que arrastramos en los genes y solo hay que encender la televisión para ver que éste es un país de ladrones. El gobierno lejos de invertir en cultura y educación, toma medidas que invitan a la ilegalidad para sobrevivir y merma la calidad de un medio, que debe ser el medidor de la cultura de un pueblo como dijo alguien… Es una forma clara de censura. Porno y fútbol que es mucho mas barato, y al músculo ése, que por lo visto tenemos encima del cuello, no le molestemos. Vergüenza.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?… En el desierto.
¿Qué te pareció?… Muy necesario para el público. Un alarde de valentía y riesgo en el momento actual, cargado de belleza y poesía.

¿Proyectos?…Empezaremos gira con Ámame de Adriana Roffi.
Me voy a Chile y México con Maridos y mujeres de Álex Rigola. Estrenaremos los Entremeses dirigidos por José Luis Gómez en el Teatro de la Abadía. Allí dirigiré la muestra de Espectadores en acción, una creación sobre la ciudad y su transformación, un trabajo pedagógico que me está dando muchas satisfacciones.
Para abril una creación que se va a llamar A las puertas del Edén de Ethan Cohén versionado por José Manuel Mora producido por la Zona-Kubik que se unen en un proyecto donde apadrinan a varios creadores jóvenes, del que pronto vais a oír hablar. Una iniciativa privada que en un sentido pretende dinamizar las formas de investigación y la creación de nuevo público.
Uno de los problemas ante los que no podemos cerrar los ojos es que la mayoría de espectadores fieles a teatros institucionales superan los 60 años, y aunque afortunadamente la media de vida en España es casi de 80 años, deberían hacerse dos preguntas mínimo al respecto, ¿Por qué? y ¿Cómo cambiarlo?.

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¿Qué ha supuesto conseguir el Primer Premio a la mejor dirección del Certamen de Torrejón?…
Un premio siempre es una alegría porque implica reconocimiento al trabajo y especialmente Los nadadores nocturnos que nace desde la libertad creativa y ha sido una sorpresa el éxito de crítica y público que ha tenido. Estaría muy bien que desapareciera el festival, porque su existencia denota que no vamos bien. Si a las mujeres nos tienen que aislar de los hombres para que tengamos una oportunidad de ganar algo…Porque es verdad, incluso en nuestro gremio, las mujeres padecemos las consecuencias del machismo. Es triste que en el siglo XXI la discriminación positiva en cuanto a género tenga necesidad de ser. No me parece triste si el enfoque es la diferencia de mirada, porque las mujeres y los hombres efectivamente debemos ser iguales ante las leyes morales y jurídicas, pero somos muy diferentes y eso es maravilloso.


La Regenta en Los Cómicos de la Lengua

Un nuevo eslabón en esa cadena que se ha ido configurando este año para celebrar el Tercer Centenario de la Real Academia Española. En este caso, le tocó el turno a La Regenta de Leopoldo Alas Clarín. Para la ocasión, La Académica Carme Riera hizo una interesante introducción que dio paso a la lectura de varios pasajes de la novela por parte de Emilio Gutiérrez Caba. Solo queda una última parada de los cómicos, el próximo día 19 con José Luis Gómez.
Adolfo Simón

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Ay! Carmela en el Teatro Galileo

Ay! Carmela de José Sanchís Sinisterra ya es un clásico. Recuerdo el primer estreno en el Figaro interpretado por José Luis Gómez y Verónica Forqué…¿Quién nos iba a decir que estábamos asistiendo a la que, seguramente, es la obra más representativa y representada de la transición española?. Desde aquella noche he visto múltiples versiones de la obra, aquí y fuera de España. Es incombustible, sigue sobreviviendo a montajes acertados o no…Al traslado al musical, al cine…Tiene algo en su estructura que no permite locuras al llevarla a escena. En esta ocasión, Pepe Bornás es fiel al texto, añadiendo tal vez, un toque de expresionismo en los personajes que les da un carácter sugerente. La instala en un escenario sin lugar reconocible, podría ser la realidad o la imaginación. Y Jacobo Dicenta y Elisa Matilla recrean de nuevo, con acierto, esos viejos amigos que son Paulino y Carmela. La memoria es frágil y como los seres del más allá, se va desfigurando poco a poco, es importante que este texto siga transitando por los escenarios, para que no se olvide que la historia es un bucle que vuelve a su lugar de origen.
Adolfo Simón

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La Celestina de los Cómicos de la Lengua en el Teatro Español

Sigue su andadura con paso firme el ciclo de lecturas de clásicos, titulado: Cómicos de la Lengua. Rica experiencia creada por José Luis Gómez para celebrar el Tercer Centenario de la Real Academia Española. En esta ocasión, el Teatro Español de Madrid se ha vestido de gala para recibir a La Celestina o Tragicomedia de Calixto y Melibea de Fernando de Rojas. La lectura de pasajes de la obra leídos con dicción perfecta y excelente actuación por parte de Carmen Machi, Beatríz Argüello e Israel Elejalde ha hecho las delicias de los asistentes. En dos ocasiones, el Académico José Antonio Pascual ha comentado los orígenes y peculiaridad de esta obra que, aunque fue ideada para ser leída, se ha llevado a la escena y la pantalla en múltiples ocasiones.
Adolfo Simón

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Israel Elejalde nos habla de su trayectoria como actor.

IsraelElejalde¿Qué es el teatro para tí?…
El teatro es el vehículo de reflexión mas potente que conozco, es un espejo donde poder mirarnos y reconocernos. Además se realiza en comunión con el resto de personas asistentes lo cual lo dota de una singularidad, de un carácter ritual que lo hace único. En lo personal es mi manera de ganarme la vida, literalmente, no solo en lo económico, el teatro me organiza mi forma de pensar, de crecer, de adaptarme, de vivir.

¿Por qué haces teatro?…
Por todo lo que he dicho antes, pero resumiéndolo podría ser porque soy feliz encima del escenario.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Creo que he tenido la suerte de trabajar con regularidad y también he tenido la suerte de encontrarme en el trayecto con grandes actores y directores que me han permitido crecer y evolucionar. Así que supongo que estoy contento, o más bien tranquilo, pero insatisfecho. Creo que es un buen estado para alguién que se dedica a esto.

¿Cómo surge el proyecto de La funcion por hacer?…
Pues surge de esa insatisfacción tranquila que he dicho antes. De la de Miguel y Aitor que sienten la necesidad de contar una historia y son capaces de sobreponerse a la indiferencia de productores y programadores, esa insatisfacción se une a la de seis actores que creen en una forma de trabajar en equipo, de relacionarse con el teatro, y finalmente todo desemboca en un mes de Agosto encerrados sin cobrar en una sala ensayando el texto, simplemente porque creíamos en él.

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¿Cual es tu personaje?…
Yo interpreto al hermano mayor. Es el cabeza de familia y de alguna forma él junto a la mujer de su hermano son los desencadenantes del drama que traen los personajes. Se siente culpable y sobretodo angustiado con la idea de que su vida siempre será esa, la de un ser recordado por siempre como un adultero irresponsable. Siente la necesidad de contar la historia como él la ve, de liberarse de la culpa, de la mirada reprobatoria de los demás.

¿Hubo ocasión de aportar ideas para la puesta en escena?…
Sí, claro que las hubo. Miguel es un director con las cosas muy claras pero también muy abierto a dejarse llevar por la intuición de los actores. No voy a decir que es una relación horizontal, porque no lo es, pero sabiendo que la última decisión siempre le corresponde a Miguel, en el proceso siempre intervenimos todos. Por ejemplo, el texto siempre está vivo y abierto a sugerencias de los actores.

¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Pues me gustaría decirte que hicimos un trabajo de meses de investigación y que probamos millones de cosas pero la verdad es que no puedo. Ha sido el proceso creativo más mágico y sencillo de toda mi carrera. Nos juntamos tres semanas a ensayar con el texto aprendido al dedillo, eso sí, y recuerdo que a los diez días con la mitad de la obra montada, nos miramos y dijimos:»¿nos hemos vuelto majaras, o esto es bueno de verdad?». Y parece ser que lo era.
Después hemos seguido trabajando sin parar, la función nunca está cerrada, Miguel ha visto más de ochenta funciones y eso significa una hora de notas al día siguiente, seguimos cambiando cosas y hablando entre nosotros para que cada día esté realmente viva.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
Pues en lo técnico tenía claro que quería hablar como K.Branagh en Hamlet, con esa pericia, esa claridad, esa precisión; el personaje maneja texto de un dificultad endiablada y a toda velocidad así que requería de ese manejo. Y en un terreno más onírico, siempre me venía la imagen de Gassman, no sé por qué.

¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como actor?…
Estoy especialmente orgulloso de mi trabajo en «La fiebre» un monólogo que yo mismo produje para el Fringe del año pasado y que volveré a hacer en la Cuarta pared en Julio. Era la primera vez que hacia un monólogo( y probablemente la última) y fue una sensación brutal, mezcla de placer y terror, pero que me dio la oportunidad de poner en práctica muchas cosas que me rondaban por la cabeza. Esta experiencia me permitió encarar el Pepe Rey de Doña Perfecta desde un lugar que no había hecho hasta ahora. Ernesto Caballero me dio mucha libertad para jugar con el texto, mucha confianza, para hacerlo mío, respetando a Galdós por supuesto, pero pude incluso recurrir a la novela para proponer cambios, para que el texto reflejara el Pepe que yo veía, un Pepe muy cercano a mí. En Maridos y Mujeres me lo pasé muy bien, hacia años que no hacía una comedia, y ha sido muy reconfortante, ahí me dejo llevar, el reparto es tan bueno que sólo tienes que dejarte llevar.

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¿Cómo preparas los personajes?…
Pues depende, cada personaje requiere de una preparación. Hace unos años sí que hacía un trabajo concreto y concienzudo, ahora me dejo llevar por la intuición aunque el trabajo con el texto para mí es fundamental, qué dicen y cómo lo dicen es siempre la primera piedra sobre la que construyo.

¿Cual es tu método?…
No tengo un método. Sinceramente no creo que lo haya. Como he dicho antes cada personaje y cada obra tienen una realidad diferente, no es lo mismo hacer un Calderón y afrontar el trabajo de hablar en verso que hacer un personaje de Chejov. Son materiales diferentes y requieren sensibilidades y maneras de trabajo diferentes. Igual que no es lo mismo trabajar con Miguel del Arco que con Alex Rigola o Jose Luis Gómez. Cada uno quiere y demanda una cosa diferente de tí.

¿Qué función debe tener el teatro en la sociedad de hoy en dia?…
Pues la que ha tenido siempre. Como he dicho antes es un lugar de encuentro, de reflexión, un lugar en dónde los hombres como individuos sociales deciden encontrarse para reconocerse, para avanzar. Un lugar para hacer preguntas, para promover un espíritu crítico, para que la sociedad avance. El teatro es casi tan antiguo como la necesidad de los individuos de reunirse en grupos para ser mejores y más fuertes, y aunque nuestro gobernantes parecen desconocerlo, es más antiguo que el fútbol y más necesario, pero a los gobernantes siempre les gustó más los gladiadores, son menos molestos. Supongo que por eso nos castigan a las artes escénicas con el 21% de iva y al futbol no.

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¿Crees que afectará la subida del iva y los recortes al teatro?…
Está afectando ya, pero no solo en lo económico, está afectando también en los valores con los que crece una sociedad. El mensaje es muy claro: La cultura no es necesaria, es solo un entretenimiento, se puede vivir sin cultura. El gobierno se mira en Alemania para tomar cualquier decisión pero no lo hace en esto. A nadie se le ocurre que la cultura es la base fundamental de la identidad de un pais, y que atacarla de esta manera tendrá consecuencias en el futuro. De todas formas es algo típico de este país, este desprecio es demasiado antiguo y así nos va. A veces me cuesta aceptar que mi país es tan cateto y me acuerdo de Cernuda que decía: «soy español a la manera de los que no pueden ser otra cosa».

¿Alguna sugerencia para hacer teatro en tiempos de crisis?…
Afortunadamente no creo que tenga que dar muchas sugerencias. El teatro está más vivo que nunca. Se abren nuevas salas en Madrid, sin parar. Hemos descubierto que se puede hacer muchos tipos de teatro y que no necesitamos grandes locales y grandes presupuestos con escenografías, sólo ganas, muchas ganas de contar algo, de hacer algo con la gente que tu quieres.

¿Que obra has visto últimamente que te haya gustado?…
Pues la última función que me gustó ha sido «Kafka enamorado», un trabajo de actores en estado de gracia, un trabajo sutil, lleno de sensibilidad. Y también me provocó reflexiones «El café» de Fassbinder, un ejemplo de un grupo de actores empeñados en sacar un proyecto adelante. Chapeau!

¿Proyectos?…
En Julio vuelvo con «La fiebre» a la Cuarta Pared, a partir del 19 de Julio, y en Septiembre comienzo ensayos de «Misántropo», el nuevo proyecto de Kamikaze con el equipo original.

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XXX Festival de Teatro de Málaga

XXX Festival de Teatro de Málaga  recibe a Pavlovsky, Nuria Espert en La loba, José Luis Gómez, De ratones y de hombres y el Don Mendo de El Espejo Negro

El 11 de enero empieza un ciclo que trae a los teatros municipales a Juan Diego leyendo a Millás y las alabadas Orquesta de señoritas Siglo de Oro, siglo de ahora, de Ron Lalá

38 funciones de 19 obras componen el cartel, que ofrece los estrenos de Ángel Calvente, Teatroz, los mexicanos Circuito LiquenTenemos Gato, Alfa Teatro y A Telón Cerrado

El Festival de Teatro apuesta por precios muy ajustados y por microteatro en varias suites del hotel AC Málaga Palacio.

Más info en: http://teatrocervantes.es/prensa/FotosXXXFestivalTeatro.zip

Málaga


El principito dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía

El principito, a partir del libro de Saint-Exupéry, dirigido por Roberto Ciulli en La Abadía
Esta obra maestra de la literatura no tiene límite de edad para su lectura, aunque parece un cuento infantil, en el fondo, tiene múltiples lecturas, uno lo puede leer en diferentes momentos de sus vida y encontrar nuevas visiones en sus pasajes. En esta versión para adultos que se presenta en el Teatro de La Abadía, digirida por el prestigioso Roberto Ciulli, parte de un supuesto interesante…¿Qué pasaría si ese pequeño principe en vez de ser interpretado por un niño lo hiciese un actor con la edad apropiada para interpretar al Rey Lear?…Como decía antes, el cuento se abre por otras páginas y no deja de sorprender, contiene, entre líneas, poesía y filosofía para que podamos ver el mundo a través de los ojos de un niño o de un anciano. José Luis Gómez se enfrenta a uno de los trabajos más arriesgados y expuestos de su carrera, por la frágilidad y profundidad con las que ha de abordar esos pasajes fragmentados, a medio camino entre el clown y el teatro del absurdo. Inma Nieto le da la réplica oportuna en la escena, juntos nos llevan en su viaje imaginario, sentados en la silla trasera de la bicicleta.
Adolfo Simón


Teatro de la Abadía presenta la nueva programación para este año

El Teatro de la Abadía ha presentado hoy lo que será su nueva programación anual apostando por el inconformismo y vitalidad. La presentación ha tenido lugar en sus instalaciones con una novedosa y sorprendente puesta en escena a medio camino entre una gala y una representación. A ella han asistido numerosas personalidades y colaboradores y entre ellos su director José Luis Gómez.

José Luis Gómez. Director.

 

Para la misma han utilizado un sistema de audiovisual que se integraba en la original arquitectura de esta sala  que está ubicada dentro dela antigua iglesia de La Sagrada Familia. En ella se nos ha desvelado la historia del edificio y sus anexos y algunos de los secretos que guarda entre sus paredes.

Todo esto lo podrá ver cualquiera que se apunte a sus nuevas «visitas guiadas». Además se ha invitado a los asistentes a subir a su escenario y a hacer esta visita guiada a través de sus camerinos decorados, en esta ocasión, con vestuario y utensilios utilizados en las obras que han pasado por allí a lo largo de su andadura.

Una puesta en escena muy original que se abre a todo el mundo durante este fin de semana de manera gratuita y que pretende acercar el teatro, y esta sala en concreto, a todos los madrileños.

Entre las novedades de la temporada se encuentran cuatro nuevas producciones propias: «El principito», «El diccionario»,» Maridos y Mujeres» y «El Café».

Además vuelven grandes nombres a La Abadía como Eduardo Vasco, Enrique Cabrera, Àlex Rigola, Dan Jemmett o Miguel del Arco y otros grandes que debutan en la sala como Roberto Ciulli, José Carlos Plaza o Sofia Jupither. Todos ellos nos han enviado un mensaje en forma de video-presentación de sus obras.

Completan la programación del año en La Abadía todo el programa de actividades correspondientes a festivales escénicos de la Comunidad de Madrid (Madrid en Danza, Festival de Otoño a Primaver, Teatralia, Suma Flamenca o Clásicos en Verano), a través de las que volverán a albergar interesantes propuestas para públicos muy variados a lo largo de la temporada.

Nos ofrecen además «Abadía Abierta»,un programa que busca la implicación y la experimentación de los amantes del teatro. Nuevos talleres de formación, encuentros y coloquis que irán complementando las exhibiciones.

Una propuesta interesante serán las Visitas Guiadas y un renovado ciclo de «Espectadores en Acción».

Podéis visitar su página en la que informan de todo esto en www.teatroabadía.com 

Luis María García.