…No vacía… de Enclave Danza en la Sala Triángulo
Esta pieza de danza que homenajea a Miguel Hernández y de paso a todos aquellos creadores que fueron silenciados o ignorados en el siglo pasado es un curioso triptico de atmósferas distintas, en la primera parte hay una sugerente presentación del personaje y sus circunstancias personales y creativas; aquí, los elementos escénicos y los tres bailarines componen momentos poéticos de gran calado, esta invitación provoca en el espectador una expectativa que en el ecuador de la pieza, cuando en escena aparecen dos personajes caracterizando el poder, se diluye. La danza contemporánea no debe ser un espacio para el subrayado de lo que se está sugiriendo porque el puzle dramaturgico se desenfoca. En la tercera parte se reconduce el discurso poético de la primera pero se precipita el final. No vacía…es una propuesta arriesgada que debería ser un díptico.
Simón Ribes
Atlas, el gigante y la vértebra de Elena Córdoba dentro de Madrid en Danza
Atlas, el gigante y la vértebra de Elena Córdoba dentro de Madrid en Danza en Teatro Pradillo
La primera vértebra de la columna, la que sujeta la cabeza, se llama Atlas, igual que el gigante al que castigó Júpiter con sujetar el cielo para que no se desplomara sobre la tierra. Vestida de Atlas a mis 50 años, he ido construyendo una ficción donde me imagino que puedo sujetarlo todo o donde todo me aplasta. Una ficción que me acerca al momento en el que el esfuerzo de mi cuerpo sea mayor que sus fuerzas y al momento en el que las fuerzas desaparezcan. Estas reflexiones han llevado a Elena Córdoba ha realizar con esta propuesta, una radiografía agria del estado físico y emocional de su presente vital. Cuando el suelo que pisamos se tambalea, el cuerpo toma su propio camino y vomita niños con alas de la cabeza o trenza el cabello de cristales. Atlas, el gigante y la vértebra es un trabajo vertigionoso y extrañamente bello, en plena madurez expresiva de la creadora.
Adolfo Simón
Khaos de la Compañía O Vertigo dentro de la programación de Madrid en Danza
Khaos es un espacio imaginado por Marilène Bastien, delimitado por unas varillas verticales equipadas con captores sensoriales y de audio que erizan el escenario – como tantas zonas fronterizas, cárceles o refugios temporales que proporcionan una vía de escape al tumulto. Los latidos del corazón, las confesiones y los roces de los bailarines, una vez digitalizados, son emitidos como contrapunto a la composición electroacústica de Martin Messier. Khaos de Ginette Laurin no sólo transmite fe en la vida, sino también en las asperezas de la vida. Con toda la audacia de unos cuerpos abandonados a su intensidad íntima. Hay una primera parte más potente energética y visualmente, conforme avanza la obra, la poética se vuelve monótona para remontar de nuevo en el fin de la espiral de este caos.
Adolfo Simón
Eject de Pablo Esbert Lilienfeld en Madrid en Danza
Eject de Pablo Esbert Lilienfeld en Madrid en Danza
La segunda propuesta presentada en Cuarta Pared dentro del Festival Madrid en Danza ha sido Eject de Pablo Esbert Lilienfeld. Seguramente, durante muchos días seguirá el eco de la pieza en la sala, ya que, algo del bucle que propone el coreografo quedó instalado en las paredes del lugar y del cerebro del público que asistió. El espectáculo empezó demasiado frío y mecánico, proponiendo una des estructuración del lenguaje de la escena y de las circunstancias personales de los interpretes…Pero poco a poco, una misma secuencia de movimiento fue intercalándose con información y planos de perspectivas con tiempos diferentes; todo proyectando sobre una pantalla frontal, creando así una multiplicidad de signos y lenguajes que transitó de lo técnico a una extraña emoción. Al salir del teatro pensé que mi piel y mi cerebro habían sido escaneado.
Simón Ribes
Avalanche de Dani Pannullo en Madrid en Danza
Avalanche de Dani Pannullo en Madrid en Danza
Lo más complicado en un creador contemporáneo es encontrar la medida de su obra, a menudo, una idea o imagen se alarga en el tiempo, sobre todo en danza y termina convirtiéndose en una propuesta aburrida. Dani Pannullo sabe exactamente que duración ha de tener cada pieza que conforma el puzle de sus montajes. En su nuevo trabajo, Avalanche, presentado en los Teatros del Canal dentro de la programación de Madrid en Danza…Todo tiene la medida justa, el tiempo de cada coreografía, la intensidad de la luz, la mixtura musical, el mestizaje de lenguajes coreográficos y todo ello ha dado como fruto uno de los espectáculos más bellos vistos en mucho tiempo; Dani ha conseguido con esta propuesta llegar a una fragilidad y belleza inquietantes…Hay una emoción suspendida durante todo el tiempo, un silencio intenso en el patio de butacas ante cada exquisito eslabón de esa cadena que conforma Avalanche. Dani Pannullo ha conseguido una madurez importante en este trabajo y su público lo agradeció aplaudiendo de pie.
Adolfo Simón
EL VESTUARIO EN EL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA
Vestir el movimiento
Así se tituló la exposición que el Museo del Teatro dedicó a celebrar los 25 años del Ballet Nacional de España. En ella se exponían propuestas escenográficas y de vestuario de muchas de las producciones realizadas desde 1978. Todo el material del proceso de creación de vestuario quedó recogido en un espléndido libro titulado:
EL VESTUARIO EN EL BALLET NACIONAL DE ESPAÑA.
Inner de Sharon Fridman y Silvia Gribaudi en Madrid en Danza-Cuarta Pared
Inner de Sharon Fridman y Silvia Gribaudi en Madrid en Danza-Cuarta Pared
La propuesta de Peeping Tom y la de la Compañía de Sharon Fridman han elevado el nivel de creación en el principio de la recta final del Festival de este año. Aquí, en Inner, nos encontramos ante un paisaje desolado donde el tejado del desván en el que nos refugiamos durante la infancia, está derrumbándose literalmente. Hay una gran instalación creada por oficina 4play arquitectura que nos introduce en el esqueleto araña de esa casa de los sueños que empieza a tambalear cuando dejamos de andar a cuatro patas y jugar en el agua. El espacio está vivo, se transforma durante la función a través del cuerpo y la energía de los interpretes…Esta propuesta podría ocupar la sala de una museo de arte contemporáneo, tiene entidad y discurso para ello y más. Pero no termina aquí la obra, no estamos solo ante un obra plástica, asistimos al juego de dolor y placer de dos niños grandes que no tienen limite en su ritual íntimo. Todo estará permitido con tal de no crecer, de seguir mirando de reojo a la vida, de empujar y acariciarse para comunicarse. ¿Bailan?…¿Y qué más da?…Durante una hora llenan el escenario de poesía y sufrimiento con la necesidad de liberarse de todos los cepos que llevan en la garganta…y nosotros asistimos boquiabiertos a ese viaje.
Adolfo Simón
For Rent de Peeping Tom en Madrid en Danza
For Rent de Peeping Tom en Madrid en Danza-Teatros del Canal
En el ecuador de la edición de este año de Madrid en Danza, ha habido un par de espectáculos excepcionales. For Rent era esperado en nuestra ciudad porque estábamos deseosos de volver a ver otra propuesta de esta estupenda Compañía. Peeping Tom es probablemente un referente internacional de la danza contemporánea tal como se entiende en estos momentos…Un espacio de búsqueda y un cruce de caminos de lenguajes. Por suerte, ya no hay aquellos prejuicios a la hora de calificar como danza un espectáculo donde no se bailase todo el tiempo. Peeping Tom indaga sobre los espacios, sobre los personajes, sobre el discurso y espíritu crítico, tan necesario hoy. En For Rent, asistimos a la disección de una imagen fija que descubriremos al final, cuando el revelado total llegue a su fin. Durante el montaje, asistimos al ritual repetido y caduco de una serie de personajes que viven en otro tiempo, en otra dimensión de las relaciones y así…podemos ir descubriendo como tras las cortinas hay escondidos otros seres y puertas que no llevan a ninguna parte. Hay algo del mito de Sísifo, todo va en una dirección para volver al punto de partida… el absurdo del hombre de hoy, que necesita crear al precio que sea, se instala en los cuerpos de esta formación que hace mucho más que bailar; llena de signos y discurso la escena.
Adolfo Simón
Blush de Gallim Dance en Madrid en Danza
Blush de Gallim Dance en Madrid en Danza-Sala Verde de los Teatros del Canal
En el ecuador de la edición de este año, que de momento tiene un buen nivel, se ha mostrado en nuestra ciudad el nuevo trabajo de Andrea Miller. Hay ecos orientales en la primera parte, que evolucionan de una estética y movimientos cercanos al butho a frases coreográficas de inspiración más convencional…Este tránsito se recorre rápidamente para entrar en una vorágine dancística en la que, con una música más convencional de fondo, los bailes frenéticos de gran intensidad no evolucionan, a partir de este momento se pierde la atmósfera peculiar que se había creado al principio y aunque la obra dura tan solo una hora, esta segunda parte se alarga en exceso, creando una propuesta redundante y plana.
Adolfo Simón
La Compañía Nacional de Danza presenta ESPAÑA CREA en Madrid en Danza
Dentro de la filosofía de la CND está el fomentar la creación y representación española y bajo este título se han unido tres estrenos de creadores españoles para presentarlo en el festival Madrid en Danza. Fuera de su lugar habitual en Madrid, se nos presenta en MATADERO a los bailarines de la CDN coreografiados por artistas españoles con una amplia trayectoria y profesionalidad.
A pesar de que cada coreografía es de personas diferentes existe un hilo de unión de estas tres coreografías son las relaciones personales, la intimidad, los sentimientos,el ser humano y sus relaciones con los demás.
«Unsound», de Juanjo Arqués y Heidi Vierthaler, parte del estudio de las acciones/emociones cotidianas como su principal motivación. En ella los bailarines dan rienda suelta a sus emociones, a su intimidad para enfrentarse a polos opuestos buscando conceptos dentro de sí como libertad-ataduras, deseo-repulsión… La expresividad de la coreografía nos lleva a tener sentimientos encontrados, incluso nos transmite cierto agobio y tensión, lo cual no es fácil de conseguir.
«Babylon» ,de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo, está a la altura de las grandes coreografías contemporáneas. A través del movimiento nos demuestran cómo podemos ser arrastrados por fuerzas intrínsecas a la naturaleza humana. En ella se trabajan los sentimientos a través de la energía corporal mostrándonos a través del cuerpo de baile una gran heterogeneidad de los mismos. Hay que destacar el trabajo en los solos de los bailarines, que transmiten esa energía y poética.
«Demodé», de Iván Pérez, nos lleva a preguntarnos eso de si está de moda no mostrar lo emocional. Toda una duda existencial.A través de un «escaparate» nos vemos reflejados y sumergidos en un baile de ideologías, estilos y tendencias que no sabemos si son pasajeros o se quedarán en nosotros pero que conforman, al fin y al cabo, la creación de una obra artística.
Tres buenas coreografías que demuestran que los creadores españoles están en buena forma y que, aunque no hay que cerrarse a nada, no hace falta salir a buscar fuera de España grandes coreógrafos y compañías para disfrutar de propuestas de calidad.
Luis M. García.
Sin pena ni gloria de Provisional Danza en los Teatros del Canal
Sin pena ni gloria de Provisional Danza en los Teatros del Canal, dentro del Festival Internacional de Madrid en Danza
Carmen Werner ha aprovechado la ocasión de la celebración del veinticinco aniversario de la Compañía para ofrecernos un menú de lujo. Ha podido reunir para la ocasión a veinticinco interpretes que han trabajado en algún momento para Provisional Danza y codo con codo con la creadora. El escenario de la Sala Verde de los Teatros del Canal se quedaba pequeño para el encuentro de tanto artista, reunidos, solo para esta ocasión y por el placer de brindar por un tiempo compartido. Muchos de ellos han volado libremente tras su paso por Provisional Danza y ahora tienen compañía propia o trabajan en prestigiosas formaciones de danza más allá de nuestras fronteras. Y sin embargo, ahí estaban, de nuevo, como si fuese el primer día que bailaron en esa compañía; a la que habrá que cambiar el nombre, porque ya no es nada provisional. Con sencillez y humildad compartieron escenario y nos deleitaron con la experiencia y crecimiento adquiridos en la expresión dancística. Carmen Werner transitaba sola por momentos con su particular humor para fusionarse con todos ellos en ocasiones puntuales de esta experiencia única. El público quedó contento y agradeció el menú de veinticinco estrellas que nos ofrecieron.
Adolfo Simón
bODY_rEMIX/gOLDBERG_vARIATIONS de la Compagnie Marie Chouinard
Desde Canadá nos llega esta propuesta contemporánea a los Teatros del Canal en el Festival Internacional Madrid en Danza, en ella se mezclan elementos de apoyo como picos, muletas arneses, etc. uniéndolos a las puntas de los bailarines. Este espectáculo, estrenado en la Bienal de Venecia en 2005 tiene ya algo de clásico, algo que ha dejado poso al aunar elementos «mecánicos» al ballet de una manera naturalista, creando nuevos seres y formas que nos ofrecen una nueva idea de libertad, en la vida y en sus movimientos. Una visión algo dura por lo que puede verse en el esfuerzo de tener que llevar muletas, andadores, prótesis, arneses… y, más aún, al tener que bailar con ellas. Sin embargo se logra alcanzar una complicidad con esos artilugios, consiguiendo que la danza resulte verdaderamente poética a la vez que cibernética. Ayuda mucho la luz elegida para cada parte, el vestuario y el maquillaje, todo ello consigue que los bailarines se conviertan verdaderas almas en movimiento. Una estética que aún hoy en día está en vigor y que nos demuestra que las cosas bien hechas no pasan de moda.
Luis Mª. García
Trátame como me merezco – Losdedae on the road – Madrid en Danza
¿Has soñado alguna vez que viajas en un camión con cabezas cortadas?…
¿Has soñado alguna vez que alguien te mira con un ojo enorme?…
¿Has soñado alguna vez que un perturbado te señala con el dedo?…
¿Has soñado alguna vez que alguien trepa por las paredes y te sonríe?…
¿Has soñado alguna vez que estás atrapado en la ropa de otro?…
¿Has soñado alguna vez que te dan la cabeza de tu vecino para que te la pongas?…
¿Has soñado alguna vez que un muñeco se ha escapado de su caja de música?…
¿Has soñado alguna vez que el mejor útero en el que esconderte está tapizado de terciopelo?…
¿Sueñas alguna vez?…¿Y bailas en los sueños?…¿En los sueños o en las pesadillas?…
Adolfo Simón
El BNE nos deja buen sabor de boca… y ganas de ver más.
El programa «Clásicos de la Danza Española» apadrinado por Antonio Najarro que hemos podido ver en el Teatro de la Zarzuela nos ha traído un poco de todo y nos ha dejado con ganas de más. De más escuela bolera, de más farruca y de más jota aragonesa. Los bailarines han sabido recuperar, de la mano de su director y de los colaboradores, una obra que será difícil de ver en el futuro. Las obras rescatadas en esta ocasión han sido «Paso a cuatro» de Antonio Ruiz Soler, representando a la escuela bolera que a mediados de los 50 fue recuperada por el ballet de Antonio y que ha quedado bien desempolvada y brillante. La «Farruca» de Juan Quintero quizás adolecía un poco de anticuada y «ya vista» puesto que es una obra que se adapta al flamenco más puro, más académico y que debería verse más actualizado. Carmen Cubillo recuperó el «Viva Navarra» de Victoria Eugenia con muy buenas intenciones y dando lo mejor de sí misma a pesar de que los años no pasan en balde y le costó recuperar la técnica. Para finalizar la primera parte la «Jota de la Dolores» dejó un buen sabor de boca y algunas lágrimas de emoción entre el público con el ballet a toda mecha.
En la segunda parte se recuperó «Medea», obra dramática y puntera en su época con la música de Manolo Sanlucar y que nos volvió a fascinar por su capacidad para transmitir la narración gracias a la dramaturgia de Miguel Narros. En esta ocasión ha sido Maribel Gallardo, que ya interpretó a la novia, la que ha dado fin a las representaciones de Madrid y que ha dejado el listón alto a pesar de tener a Lola Greco por delante.
Alguien dijo que es necesario conocer el pasado para enfrentarse al futuro y parecer ser que esta es la premisa de Najarro al querer recuperar, en este programa tan amplio, estas pequeñas joyas del BNE, así que esperemos que esta labor de recopilación continúe y nos estimule para crear de nuevo grandes obras maestras.
Luis Mª García Grande
Medea- Lola Greco y Lupe Sánchez
El Ballet Nacional de España presenta «Clásicos de la Danza Española»
En el Teatro de la Zarzuela del 25 de octubre al 4 de noviembre.
Antonio Najarro, director del BNE, ha presentado su nuevo programa para esta temporada acompañado de grandes figuras de la danza española y de los bailarines principales de la compañía. Con esta propuesta ha querido recuperar parte del repertorio más emblemático del BNE a través de cinco piezas que muestran diferentes géneros de la Danza Española y con el propósito de rendir homenaje a algunos de los artistas y coreógrafos que más han influido en ella dejándonos un legado insustituible.
Najarro ha puesto énfasis en explicar que ésta recuperación no pretende ser un paso atrás sino que está hecha para mostar auténticas «obras de arte» de la Danza Española y que, según ya había comentado en su presentación como Director del BNE, iba a mezclar nuevos aires con obras de toda la vida.
El espectáculo contará con dos partes: la primera recupera una de las joyas de la Escuela Bolera, «Paso a Cuatro» de Antonio Ruiz Soler, director de 1980 al 83, una obra de gran virtuosismo técnico de la Escuela Bolera que presentó con su compañía Antonio y su Ballet Español en 1956. Cabe destacar que los trajes que se lucirán han sido recuperados de los originales del fondo del BNE.
Seguirá «Farruca» del Maestro Juan Quintero, interpretada por tres primeros bailarines y que muestra la elegancia y sobriedad del baile flamenco de hombre, según Najarro, una pieza «pura».
A continuación «Viva Navarra» que creó la coreógrafa y anterior directora del BNE, Victoria Eugenia y que ella bailó con Antonio de Ronda y para la que se ha invitado a Carmen Cubillo, que ha expresado su ilusión por bailar de nuevo esta obra llena de energía.
Para finalizar la primera parte una obra cumbre de la que Plácido Domingo ha dicho que es «casi el himno nacional de España»: «La Jota de la Dolores», de Bretón. Para ello, Pilar Azorín recupera la esencia del montaje que el maestro Pedro Azorín realizó para el BNE en 1983.
En la segunda parte podremos disfrutar de » Medea», del maestro José Granero con la música de Manolo Sanlúcar y guión de Miguel Narros e interpretada por Lola Greco. Ésta es una de las obras maestras del ballet español de las últimas décadas en la que se ha sabido fundir la danza con el mito de Medea con gran precisión. Lola Greco, primera bailarina y artista invitada del BNE y Premio Nacional de Danza en la modalidad de interpretación ha comentado su enorme satisfacción por volver a interpretar y manifestado la «alegría muy grande» que tiene de representar esta pieza. «Hacer ‘Medea’ es lo que sueña toda bailarina» ha confesado para añadir que Antonio Najarro le ha dejado claro que le gusta «la calidad».
La maestra repetidora Maribel Gallardo representará también esta obra el último de los días programados. «‘Medea’ no es para mi el final sino el comienzo de todo. He revivido lo que el maestro me transmitió en 1984 y que fue un antes y un después en mi carrera. Por primera vez, voy a bailar para mí y significará mucho», ha confesado la artista.
Tanto Greco como Gallardo han puesto en valor los jóvenes de las nuevas generaciones de bailarines, «abiertos y con muchas ganas», «que saben que con esfuerzo, sacrificio y humildad se consiguen las cosas».
Finalmente, Antonio Najarro ha hecho hincapié en la necesidad y la obligación que el BNE, y él como director, tienen de «convencer al público de que la danza española tiene una de las mejores riquezas». Y ha añadido: «el legado, la tradición y el repertorio tiene que ser transmitido con mucho amor de unas generaciones a otras».
Una propuesta de altura y de calidad con la ORCAM en directo y que no va a dejar indiferente a nadie por la emoción que supondrá ver de nuevo estas «exqueisiteces» llenando el teatro de la Zarzuela todos los días.
Luis Mª García.
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- Bailarines principales del BNE en la Rueda de prensa de la presentación «Clásicos de la Danza Española»
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- Bailarines principales del BNE
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- Rueda de Prensa presentación «Clásicos de la Danza Española»
Minimón de Nats Nus Dansa inaugura las 27 Semanas Internacionales de Teatro para niños y niñas
Minimón de Nats Nus Danza inaugura las 27 Semanas Internacionales de Teatro para niños y niñas
Un año más, Acción Educativa pone en marcha el Festival de Teatro para niños y niñas que más tiempo lleva realizándose en la Comunidad de Madrid. Durante más de un cuarto de siglo han estado conectando el buen teatro con la escuela. La 27 edición se ha inaugurado con una propuesta para pequeños a partir de un año, el lugar ha sido Cuarta Pared y la Compañía…Nats Nus Dansa con el espectáculo Minimón. No es habitual ver montajes de danza para niños y niñas tan pequeños, por suerte, la obra es cuestión tenía las características apropiadas para este público. La historia es muy sencilla…la niña protagonista pasa un rato en la habitación de sus juegos, ese lugar que puede estar lleno de aventuras, magia y de la visita del amigo imaginario…Con mucho colorido, unas proyecciones en clave de comic y el trabajo corporal de la intérprete, los niños disfrutaron de una tarde deliciosa.
Adolfo Simón
«Nexo», «Y», «Jaleos» de Víctor Ullate en Los Teatros del Canal
Ullate ha estrenado estas tres obras que conforman un juego de palabras y que aunan en un solo título tres espectáculos bien diferentes.
Nexo
«Nexo» es una creación contemporánea que en sí es fresca y cuyo vestuario (Anna Güell) nos impacta y nos hace pensar que vamos a ver una verdadera obra de arte en la línea de Bejart. Tiene unos matices y creaciones grupales de figuras que nos impactan pero el nivel de los bailarines o la exigencia de la coreografía hace imposible una unión de la que resulte algo bonito. Algo falla y creo que es lo último: o los bailarines no llegan o la coreografía se ha excedido en minuciosidad pretendiendo ser algo sublime. Recordemos aquí esa frase del «menos es más» para pedir un poco más de serenidad en la coreografía de manera que un bailarín pueda asumirla y sentirse a gusto dentro de ella.
«Y»
«Y», interpretada por un duo de bailarines masculinos, va haciendo crecer el espectáculo basándose en los Lieder de Canciones de un compañero errante y apreciamos un mejor apunte en la coreografía y una mayor corresponsabilidad en los bailarines de manera que Ullate llega al nivel de los ballets del S. XX y por lo menos nos deja el consuelo de que este estreno ha merecido la pena.
«Jaleos»
Para finalizar, Ullate recupera, después de dieciséis años, «Jaleos», una creación que podríamos ver perfectamente en el Ballet Nacional de España y que es original y contemporánea. Responde a esa frase de «Si puedes bromear sobre algo muy importante es que has alcanzado la libertad» con esa voz en off marcando el ritmo flamenco tal y como lo piensan los bailarines cuando lo ensayan que nos hace esbozar una sonrisa interior pero que está sumida en un remolino de contemporaneidad que va y viene.
Ullate sigue aportando a la danza bailarines, coreografías y raíces y esperamos que sea así por mucho tiempo.
Luis M. García
Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza
Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza
Con este espectáculo llega su fin la programación de este año del ciclo desarrollado en Cuarta Pared. Durante el mismo nos han deleitado con trabajos de muy distintos formatos y ha sido un acierto aprovechar la programación para incluir propuestas seleccionadas para el X Circuíto de la Red de Teatros Alternativos. Suite 1 nos llega desde la Comunidad Valenciana, dejando constancia que se sigue creando en lugares donde la cultura está literalemte abandonada. En esta Suite 1 hay dos partes, como dos miradas sobre una misma idea, la descomposición y el caos. En la primera secuencia, hay más definición y ajuste en el lenguaje y exposición de los cuerpos, en la segunda, todo adquiere un tono casual que desdibuja el trazado marcado al principio. Hay que dejar constancia del equipo joven que se enfrenta a la escena con decisión y entrega.
Adolfo Simón
Noche de solos en Territorio Danza-Cuarta Pared
Noche de solos en Territorio Danza-Cuarta Pared
Ya es una cita obligada la noche de solos en el programa del Festival Territorio Danza que organiza Cuarta Pared. En esta ocasión, tres intérpretes de la Compañía Provisional Danza que hace unos días veíamos en este mismo escenario, se quedan a solas para mostrar un breve paisaje personal. Tres espacios íntimos instalados bajo las luces definidas en un espacio practicamente vacio, nos permiten entrar en contacto con el pensamiento, el desconcierto y el horror de los tres cuerpos que invaden la escena y que pertenecen a José Luis Sendarrubias, Javir Sangrós y Ricardo Santana.
Simón Ribes
Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared
Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared
El programa de la edición de este año de Territorio Danza, en Cuarta Pared, está entrando en la recta final y ahí, como antesala del espectáculo que estrenarán para celebrar el veinticinco aniversario de Provisional Danza, Carmen Werner ha presentado…Algún día. A estas alturas, hablar de Carmen y Provisional equivale a mirar el viaje posible de la danza contemporánea en la Comunidad de Madrid. Año tras año ha seguido creando y peleando por mantenerse firme a su estilo personsal cuando otros han tirado la toalla o han cambiado en función de las modas de cada momento. Uno sabe qué va a ver cuando acude a la presentación de un nuevo trabajo de esta Compañía y sinembargo, es imposible no ir, porque siempre hay algo nuevo que sorprende. Su lenguaje y codificación coreográfica es reconocible, aunque no pusiese nada en el programa de mano, uno sabría que es de esta creadora infatigable. A veces hay más humor, otras más transparencia en las imágenes…En Algún día, hay una tensión dramática que tal vez es fruto de estos tiempos que vivímos…Y también hay pellizcos de humor…y disparate…y abstracción emocional, es un trabajo Werner 100 %.
Adolfo Simón
Doble programa de danza en el Festival CITEMOR del Teatro Pradillo
Doble programa de danza en el Festival CITEMOR del Teatro Pradillo
Dentro del sugerente programa del Festival CITEMOR en Madrid, a través del cual estamos pudiendo disfrutar de diferentes manifestaciones artísticas de nuestra vecina Portugal. Este fin de semana he asistido a dos piezas de danza. La primera es la mítica propuesta de Francisco Camacho sobre Nuestra señora de las flores de Jean Genet y la segunda, una coreografía de gran teatralidad creada por Rafael Alvarez con el título de sweetSKIN. Ambas piezas habrían sido del gusto de Genet, la primera por la sensorialidad y ambiguedad del personaje atrapado en la piel masculina de la que se libera en la íntimidad mediante un ritual de despojamiento, a través del cual, se funde en la naturaleza poética de un racimo de uvas y un vestido trufado de flores. Francisco Camacho transita con fuerza del movimiento duro masculino al frágil y suave de la feminidad. Rafael Alvarez, en cambio, hace un viaje vertiginoso para dejar al descubierto el imaginario de un skin, su dureza de aspecto deja entrever su verdadero deseo amordazado, mostrándonos un personaje de constrastes brutales, una exhibixión poética y mostruosa de los seres que genera una sociedad enferma como la nuestra.
Adolfo Simón
Lalolabaila de la Cia. La Mandarina en Cuarta Pared
Lalolabaila de la Cia. La Mandarina en Cuarta Pared
Lo mejor de este espectáculo para público familiar es la sencillez, una virtud que no encontramos habitualmente en nuestros escenarios. Una pequeña animación del personaje de Lola nos va guiando por sus pequeñas aventuras en la ciudad…y esta es la excusa para que las dos bailarinas que hay en escena, hagan participar a un grupo de pequeños en sus bailes-juego. Es un placer ver como las propuestas para los niños-as cada vez son más elaboradas, porque al hablar de sencillez no nos referimos a ausencia de trabajo, al revés, las propuestas más sútiles suelen ser el resultado de un intenso y meditado proceso.
Adolfo Simón
Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared
Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared
Hay propuestas de baile que surgen a partir de varias imágenes a desarrollar durante los ensayos, en Tres silencios, hay media docena de ellas, potentes… El abrazo construído, los cuerpos apuntalados con sillas, la silla raspada bajo la luz…y sobre todo la imágen final que se acerca a la instalación plástica… La tentación de estirar las imágenes y de enlazarlas con transiciones vacuas da como resultado un espectáculo que no engancha y que se dilata excesivamente en el tiempo. Los jóvenes intérpretes tratan de mantener la energía y el tempo necesario, pero la sensación en el patio de butacas es de cuando se consigue la atención del público, se le distrae un momento después.
Ignacio Ribes
One of a Kind de Jiri Kylián para el Ballet de L´Opéra de Lyon en el Teatro Real
One of a Kind de Jiri Kylián para el Ballet de L´Opéra de Lyon en el Teatro Real de Madrid
Hay espectáculos que se podrían equiparar a iglesias de barrio y hay otros que son catedrales. One of a Kind de Jiri Kylián es una catedral de la danza, un espectáculo grandioso plásticamente pero también inmenso en sus contenidos coreográficos. One of a Kind es un tríptico compacto que transcurre desde el gélido espacio de la primera parte, al vuelo poético de la segunda para, atravesando el tiempo, viajar a los orígenes de un templo inca en la tercera parte. Para dar vida a estos paisajes, está el espacio escénico creado por Atsushi Kitagawara, la luz de Michael Simón y la música de Brett Dean…y atravesando estos sueños volátiles, la magnífica coreografía de Jiri Kylián para la que, el elenco elegido del Ballet de Lyon es el broche de oro necesario. Hay una maestría y elegancia en la ejecución de cada uno de los pasos creados por Kylián que nos hace sentir que el paso del tiempo se ha detenido…una cierta hipnósis nos atrapa. Todavía queda alguna función por ver, nadie que ame la danza debería perderse este ballet.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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