Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


JACOBO DICENTA nos habla de su pasión por la interpretación

jacobo¿Qué es el teatro para ti?…
VIDA, así, con mayúsculas. Es mi manera de entender la vida y compartirla, de tocar un poco la vida de los demás, de vivir múltiples vidas que de otra manera no sería posible y en definitiva, que también es importante, es mi forma de ganarme la vida.

¿Por qué haces teatro?…
Si te soy sincero porque desde que lo probé no quiero hacer otra cosa y además creo que no sabría hacer otra cosa o por lo menos no me apetece intentar otra cosa. Todo lo que gire en torno al mundo de la interpretación en todas sus vertientes y medios es lo que deseo que me sumerja en su torbellino. Que eso es también esto, un torbellino fascinante del que , afortunadamente, llevo viviendo ya 21 años.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Que no va mal la cosa, pero me queda tanto…

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Háblanos de tus últimos trabajos…
Mi anterior trabajo fue una pequeña y deliciosa joya musical llamada “Forever Young”. Allí nos interpretábamos a nosotros mismos, ya de viejecitos, en una residencia para artistas retirados. El espectáculo lo produjo y dirigió Tricicle y estuvimos dos años con él. La respuesta del público fue brutal.
Antes había interpretado a una especie de don Juan trasnochado y venido a menos en la maravillosa “Angelina, o el honor de un brigadier” de don Enrique Jardiel Poncela.
También he tenido la inmensa suerte de interpretar al Tenorio en Alcalá de Henares en dos veladas inolvidables ante 25000 personas cada día.
Y tantas cosas…

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¿Por qué no has hecho más cine o televisión?…
Jajajajajaja. Pregunta que me hacen familiares y amigos. “¿Es que no quieres hacer cine y televisión?” Y yo siempre respondo: “Es el cine y la televisión los que no quieren…” Ahora en serio, no lo sé. Son dos medios que me encantan, pero por lo que sea me llaman más para teatro. Es cierto que alguna vez andaba con teatro y ha sido difícil compaginarlo. Desde aquí hago un llamamiento: si tienen a bien, me encantaría hacer más cine y televisión. Ahí lo dejo.

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¿Cómo surge el proyecto de El buscón?…
Daniel Pérez, director del Teatro Principal de Zamora, dramaturgo y versionador, adaptó este Buscón para monólogo pensando en mi. Cuando alguien te hace un regalo así… te lanzas de inmediato sin preguntar. Las respuestas ya se encuentran en el camino y, de momento, todas son, pues eso, un regalo.

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Háblanos de tu personaje…
Para mi, más que la esencia del pícaro español, que también, es la historia de un superviviente. Un hombre que ha de enfrentarse a lo que el destino le ha deparado con las únicas armas a su alcance, es decir, su ingenio para salir adelante en cualquier situación, su humor afrontando el día a día, a veces cruel, su picaresca inofensiva, sólo se vuelve destructiva contra él mismo cuando las cosas le salen mal, su humanidad y su bondad. ¿Es un pecado querer prosperar? Creo que no, siempre y cuando se haga con honestidad y creo que este pícaro es siempre honesto. Es un ser, en el mejor sentido de la palabra, bueno. Pero no lo dejan. Lo pisotean, lo hunden en el fango y él siempre intenta salir a flote de nuevo. Seguro que todo esto, lamentablemente, nos suena de algo.

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¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Primero comencé por releerme la novela de Quevedo, o si te soy sincero de leerla por primera vez, porque aquello que hice en la escuela, obligado, creo que no sirvió de mucho, o por lo menos yo no lo recuerdo. Me fascinó. Rescatamos algún episodio que no estaba en la versión de Daniel, eliminamos otro, quizá demasiado literario, que no hacía avanzar la historia de cara a una puesta en escena… Estudio y a ensayar. Un espacio vacío, un director, un actor y la PALABRA. No se necesitaba más. Con el tiempo introdujimos el laud renacentista y la guitarra barroca que me acompaña en escena maravillosamente interpretada por Dulcinea Juárez, actriz, músico y cantante. Y se creó la magia.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
No especialmente. Más bien partí del hecho concreto con que se inicia esta aventura. Un ser magullado, con la voz dolorida que lleva ocho días pidiendo a la puerta de una iglesia y que para que caigan los dineros rodando va a relatar su historia. Lo demás está en Quevedo y en la libertad que te deja para imaginar e interpretar su mundo.

¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Si te soy sincero no tengo un método concreto. Estudié el Método en la Escuela de Arte Dramático de Madrid. Mi maestro, Juan Pastor, siempre nos decía: “esto es la base, después tendréis que crear el vuestro propio”. Y así fue. Cada personaje, con ese método de base y mucha intuición, me lleva a prepararlo, cómo te diría, como él lo pide. Me dejo llevar. Investigo, si hay que investigar y luego sobre el propio texto voy jugando, inventando, siempre de acuerdo con lo que previamente haya pactado con el director o directora.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Hoy, más que nunca, de denuncia, de apoyo al que lucha por sus derechos, de reclamo de una situación, sino ya mejor, mínimamente decente para el ser humano que la transita, la sufre, la vive. Perdón, mínimamente no, máximamente. ¿O quizás eso es demasiado pedir?

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Pues nos está hundiendo, o ¿es que no se ve? Con esta subida cada vez se ven más salas vacías y que tienen que cerrar. Pero hay otra realidad. Lógicamente, con o sin subida, si la gente no tiene trabajo ni perspectivas de tenerlo, si la gente no puede pagar su hipoteca o su alquiler y tiene que tirar de la familia o amigos que a veces están tan ahogados como ellos, si no puede comer, ¿cómo van a ir al teatro o al cine? Dan una vuelta, ven escaparates y sueñan con que algún día todo esto cambie. Mientras los que están en la Poltrona, bien instalados, se ríen de nosotros. Lo que me extraña es que la situación no estalle de alguna manera. Demasiado poco está ocurriendo. Y francamente, como vi hace en poco en Facebook, menos alarmarse por ver un contenedor quemado y más por ver gente rebuscando en ellos algo que llevarse a la boca.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse. No nos queda otra.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“El cojo de Inishmaan”. Un fascinante trabajo de todo el reparto. Dulce y amarga, divertida, tierna, doliente. Se desarrolla en la misma Irlanda de los años 30 que curiosamente estoy leyendo en “Las cenizas de Ángela”. No sabes la cantidad de “Buscones” que salen en sus páginas y en la función. No hemos mejorado mucho.

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¿Proyectos?…
Alterno este “Buscón” con “Ay, Carmela”, la espléndida función de Sanchís Sinesterra que tengo el placer de interpretar con Elisa Matilla, una actriz de altura.
También estoy participando en la tercera temporada de la serie de TVE “ISABEL”, ¡coño, mira, tele! y en Abril comienzo a ensayar un Marivaux.


El cojo de Inishmaan de Martin Donagh en el Teatro Español

Hay historias de personajes que parece que solo pueden existir en las tierras húmedas de Irlanda y sin embargo, cuando dejas de lado la peculiaridad de su lugar de origen y el tipo de vestuario que llevan, te quedas con las emociones que mueven a los hombres y mujeres de la obra. Aquí, en El cojo de Inishmaan lo más sobresaliente es el equipo de actores que hacen propios los personajes que han de interpretar, por muy alejados de su realidad que los sientan. Y al final, todo se reduce a…historias y emociones.
Adolfo Simón

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