Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Rulo Pardo: El teatro ha de mover conciencias y entretener

rulo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
LA PRIMERA VEZ QUE ME SUBI A UN ESCENARIO FUE CON 7 AÑOS, EN LA E.G.B. HACIENDO UNA OBRA PARA PADRES, TENÍA 4 FRASES Y RECUERDO PERFECTAMENTE EL SENTIR EL PUBLICO MIRANDOME AL HABLAR Y REIR CUANDO LAS SOLTABA (REPRESENTABA A LA MUJER DEL PROTAGONISTA NO ERA DIFICIL) Y AHÍ YA PUDE SENTIR ESE PODER DE DIRIGIR LAS FRASES AL PUBLICO, ESA INTUICIÓN DE LA ATENCIÓN DEL PUBLICO.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
PORQUE TENGO QUE HACERLO. PORQUE ES UNA MANERA DE ENTENDER A RULO PARDO, DE ENCONTRARLO EN EL PASO DEL TIEMPO. PARA MI EL TEATRO ES UN TODO, NO ES METERTE EN LA PIEL DE UN PERSONAJE SOLAMENTE, SON MUCHAS COSAS QUE NO SE PUEDEN SEPARAR, LA PARTE ARTISTA, LA CREADORA TAMBIÉN, SE CONVIERTE EN UN ACTO DE NECESIDAD VITAL EL CONTAR COSAS.

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¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
MUY POSITIVA, ME CONSIDERO UN VERDADERO AFORTUNADO (NO SOLO POR TRABAJAR EN ESTOS TIEMPOS) SINO PORQUE SIENTO QUE LOS PROYECTOS EN LOS QUE HE PARTICIPADO HASTA AHORA ME HAN LLENADO, ME HAN HECHO CRECER PROFESIONALMENTE, TIENE QUE VER CON LA GENTE CON LA QUE HE TRABAJADO, HE TENIDO EL PRIVILEGIO DE TRABAJAR CON GENTE A LA QUE ADMIRO Y JUNTOS CREAR MOMENTOS HERMOSISIMOS, TANTO EN EL ESCENARIO COMO FUERA DE EL. ESO ES PARA MI EL TEATRO EN LA VIDA, NO SOLO ACTUAR SINO DESPUES CONSERVAR Y CRECER CON ESAS LINEAS TRAZADAS ENTORNO TUYO.

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Háblanos de Sexpeare y su periplo artístico…
SI SEXPEARE LLEVA 20 AÑOS EN LOS ESCENARIOS DE TODA ESPAÑA ES PORQUE SIEMPRE HIZO LO QUE QUISO, ESO A VECES ES COMPLICADO PARA COMER, SOBRE TODO LOS ÚLTIMOS AÑOS, PERO CREO QUE LA TRAYECTORIA DE SEXPEARE SE EXPANDE DENTRO DE NOSOTROS DOS SIN SABER QUE NOS DEPARARA LA PROXIMA AVENTURA. NUNCA NOS HEMOS SENTIDO ATADOS A TENER QUE HACER ESTO O AQUELLO, EL PERIPLO DE SEXPEARE NO TENGO NI IDEA TODAVÍA CUAL ES PORQUE SIGUE CRECIENDO, ESTAMOS A PUNTO DE CREAR UNA NUEVA HISTORIA CON UN EQUIPO DE PROFESIONALES MARAVILLOSOS PARA TEATROS DEL CANAL, FUE UN ENCARGO DEL FESTIVAL DE ALMAGRO Y PARA HACERLO HEMOS TENIDO QUE APARCAR LA SIGUIENTE PIEZA EN LA QUE ESTABAMOS YA TRABAJANDO. PERO ESO ES LO BONITO, EL DECIDIR QUE AHORA VAMOS A DARLE UN TIEMPO A ESTO NUEVO A VER QIUE OCURRE, SIN MIEDO A NADA. (Ojo; no pensar que con lo que digo Sexpeare no para de currar, estamos jodidos como todo hijo de vecino… Pero estamos contentos)

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
CREO QUE AHORA MAS QUE NUNCA DEBE SER FIEL A LAS DOS PARTES QUE DEBE CUMPLIR, LA DE MOVER CONCIENCIAS (DADO LOS DIAS QUE TENEMOS) Y POR OTRA PARTE LA DE ENTRETENER SIN MAS (PRECISAMENTE PARA OLVIDARTE DE LOS MOMENTOS QUE TENEMOS).

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
EMPECÉ EL AÑO CERRANDO LA GIRA DE «LOS MACBEZ» DE ANDRES LIMA, UNO DE LOS VIAJES MAS DIFICILMENTE HERMOSOS QUE HE TENIDO, PUES LA FUNCION SE CRITICO MUCHO (EN MADRID) Y DURANTE EL TRANSCURSO DEL AÑO SE CONVIRTIÓ EN UNA OBRA NECESARIA Y ME ATREVERÍA A DECIR QUE VISIONARIA, (FUERA DE MADRID ARRASAMOS)
«CANICULA» UN EXPERIMENTO PRECIOSO CON UNOS COMPAÑEROS DE VIAJE REALMENTE HERMOSOS, CUANDO LEI EL TEXTO ME ENAMORE DESDE LA PRIMERA PAGINA, Y EL TRABAJO QUE HIZO VICENTE COLOMAR COLOCANDOLA EN UN LUGAR TAN EXTREMO HIZO QUE SE CONVIRTIERA EN ESA PIEZA DIVERTIDAMENTE INCOMODA, EL PUBLICO REIA SORPRENDIENDOSE DE LAS COSAS DE LAS QUE SE REIA, FUE TODA UNA DELICIA QUE REGRESA EN SEPTIEMBRE A MADRID.
«H» DE SEXPEARE, ES LA TERCERA VEZ QUE REPONEMOS ESTA FUNCIÓN EN MADRID, LA ULTIMA FUE HACE 10 AÑOS Y LO MAS INCREIBLE DE TODO, HA SIDO QUE MUCHA GENTE DE LA QUE HA VENIDO HA HECHO LA REFLEXION DE COMO HA CAMBIADO TANTO EL PANORAMA TEATRAL DE LA CIUDAD, LLEGARON A DECIR: «-COMO ANTES SE HACIAN ESTAS BARBARIDADES DE FUNCIONES Y AHORA CUENTA MUCHO ENCONTRAR ALGO ASÍ»-(juro que son palabras del público)
«FAMELICA» DE MAYORGA, UN VERDADERO RETO PARA UN ACTOR, UNA DE ESAS OBRAS PARA QUE TE RELAMAS DE GUSTO COMO ACTOR EN EL ESCENARIO, CREO QUE HASTA EL MOMENTO UNO DE LOS TEXTOS MAS DIFICILES A LOS QUE ME HE ENFRENTADO. CUATRO ACTORES SOLOS DELANTE DE UN TEXTO DURANTE UNA HORA CUARENTA Y CINCO, SIN NADA QUE DISTRAIGA, ESO ME HACE MUUUUCHO TILIN EN ESA PARTE QUE NO CONTROLO DE MI MISMO, EN ESA «PATATA» QUE EN OCASIONES SE CONVIERTE EN «BRAVA»
«DANZAD DANZAD MALDITOS» NO PUEDO DECIR MUCHO PORQUE ESTOY EN PLENO PROCESO, PERO TRAS VER LOS ENSAYOS, HE DE DECIR QUE NO DEJARA INDIFERENTE A NADIE, QUE ESA BESTIA PARDA LLAMADA ALBERTO VELASCO VA A CREAR UNO DE ESOS ESPECTACULOS QUE NECESITA MADRID, NO SOLO POR LA FUNCIÓN SINO POR LA ENTREGA Y ENERGIA QUE TIENE ESE GRUPO, SON TRECE ACTORES DANDO LO MEJOR DE SI MISMOS Y ESAS COSAS SON NECESARIAS PARA QUE SALGAS DEL TEATRO «DANDO LAS GRACIAS POR DEDICARME A ESTO», ESTOY MUY ORGULLOSO DE ESTAR AHI.

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¿Cómo surgió tu participación en Famélica?…Háblanos de este trabajo…
ME LLAMO JUANMA DIEZ PARA HABLARME DEL TEXTO, TENÍA MUCHAS GANAS DE HINCARLE EL DIENTE A UN MAYORGA, LO RECONOZCO, PERO LA PRIMERA VEZ QUE LO LEÍ ME ATRAPO COMPLETAMENTE, NO SE SI TANTO POR EL CONTENIDO, CREO QUE ME ATRAPO POR TENER LA VISION COMO ACTOR DE PODER DECIR ESOS TEXTOS TAN HERMOSOS. ENTRAR EN ESOS LUGARES TAN COMPLEJOS. EL PROCESO FUE BASTANTE EXTRAÑO, DURO MUCHO Y EN ESE TIEMPO TRAZAMOS TODAS LAS LINEAS POSIBLES QUE PERMITE EL TEXTO, DE ESA MANERA LLEGO UN MOMENTO QUE ENLOQUECIMOS, FUE CUANDO LO TUVIMOS QUE MOSTRAR Y SEGUIR TRABAJANDO EN ELLO, ES UN TEXTO DE UNA COMPLEJIDAD EXTREMA, POR ESO NECESITABAMOS SABER COMO LLEGABA Y QUE ES LO QUE EL ESPECTADOR RECIBIA, POR ESO DURO TANTO EL PROCESO, CASI SEIS MESES. CREO QUE ESO HA HECHO QUE AHORA PODAMOS HACER LLEGAR DE UNA MANERA MAS CLARA LAS IDEAS QUE PLANTEA LA DRAMATURGIA DEL TEXTO. ESTAMOS MUY CONTENTOS CON EL RESULTADO… Y JUAN MAS.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
TODO EL MUNDO TIENE UN METODO AUNQUE NO LO LLAME ASÍ, YO POR EJEMPLO SE QUE LO TENGO PERO NO SABRÍA DECIRTE BIEN COMO ES. SE QUE PARTO DEL EXTERIOR DE LOS PERSONAJES, ME VIENE DE LA INMEDIATEZ DE SEXPEARE, TENER QUE CREAR HISTORIAS CON PERSONAJES MUY EXTREMOS DESDE LA ESCRITURA DEL GUIÓN. YO TENGO UNA VISIÓN DEL PERSONAJE QUE LUEGO A LA HORA DE ENSAYAR POCO A POCO SE VA ASENTANDO EN MI. NO TRABAJO DE DENTRO HACIA FUERA, NO SOY PARTIDARIO DE TENER QUE REBUSCAR EN MI PARA SENTIR, TRATO DE PONERME EN LA PIEL DE ESE PERSONAJE Y ENTENDER SU SITUACIÓN. TIENE MAS QUE VER CON APOYARME EN LAS PALABRAS QUE ELIJO PARA QUE SEAN LAS DE ESE CARACTER. LAS PALABRAS SON LAS QUE ME CONECTAN EMOCIONALMENTE CON EL.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
MUY MAL, PERO QUE MUY MAL. ESTAMOS VIVIENDO UNA LOCURA DE SITUACIÓN, NO HABLO SOLO DEL IVA CULTURAL, LA CRISIS HA HECHO QUE LA GENTE SE LANCE A HACER COSAS SIN PARAR, LO CUAL ESTA MUY BIEN, DE VERDAD, NO CRITICO COMO CADA UNO SE GANA EL PAN, ME ENCANTA Y YO TAMBIÉN LO HE HECHO, PERO ESO TAMBIEN TIENE UNA CARA NEGATIVA: (ARTISTICAMENTE) LA MULTIPROGRAMACIÓN ESTA ACABANDO CON GRAN PARTE DE SECTORES DE ESTE OFICIO, PARTES IMPRESCINDIBLES PARA UNA FUNCIÓN, ESCENOGRAFIAS, ILUMINACION, ETC… NO VOY A CRITICAR QUE AHORA ENTRAS CORRIENDO A MONTAR SIN PODER ESTAR EN EL ESCENARIO UN RATO TRANQUILO PORQUE EN EL ALFIL SIMPRE LO HICE, PERO EL HECHO DE ACTUAR UN DIA A LA SEMANA POR EJEMPLO, HACE QUE UNA FUNCIÓN NO CREZCA BIEN, ES IMPOSIBLE RECORDAR LA SENSACION DE LA FUNCION ANTERIOR DE UNA SEMANA PARA OTRA. ESO NO ES BUENO PARA DOMINAR BIEN UNA FUNCIÓN. Y (EMPRESARIALMENTE) NO TENGO LOS DATOS CIERTOS PERO CALCULO A OJO, SI EN MADRID HAY UNAS SESENTA SALAS, ENTRE TEATROS, OFF, AUDITORIOS, SALAS, ETC… (puede que me quede corto) Y ALGUNAS DE ELLAS TIENE CUATRO ESPECTACULOS, ESTAMOS HABLANDO DE QUE HAY UNOS CIENTO OCHENTA ESPECTACULOS AL DIA Y QUEREMOS QUE TODOS ESTEN LLENOS. ESTO EN TIEMPOS DE CRISIS… VOLVIENDO AL PRINCIPIO DE LA PREGUNTA, MAL…MAL VAMOS POR AQUI.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
TEATRO EN LA CIUDAD (ABADIA) VER LOS TRES ESPECTACULOS, ME HA GUSTADO POR LA INICIATIVA DEL PROYECTO, CREO QUE ES IMPORTANTE QUE AHORA SE UNAN FUERZAS PARA HACER COSAS INTERESANTES.

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¿Proyectos?…
LO MAS INMEDIATO, «DANZAD, DANZAD MALDITOS», RETOMAR «SEXQUETCHES» CON SEXPEARE PARA JULIO, VAMOS A RESCATAR EL PRIMER ESPECTACULO DE SEXPEARE CON LA PRIMERA FORMACIÓN, FELE MARTINEZ Y DAVID TENREIRO, LO HACIAMOS POR BARES Y AUNQUE NOS HAN OFRECIDO SALA VAMOS A HACERLO POR BARES, REIVINDICANDO ESE MADRID CANALLA DE HACE 20 AÑOS QUE ENTRABAS EN UN LUGAR Y HABÍA UNA ACTUACIÓN, PERO NO POR ELLO TIENES QUE PAGAR EN ESE LUGAR COMO SI FUERA UNA SALA PARA HACER TEATRO, ES UN BAR CON UN ESCENARIO, NO AL REVÉS.
REPONER «CANICULA» SEPTIEMBRE.
Y EL MAS IMPORTANTE. EMPEZAR LOS ENSAYOS DE LA NUEVA DE SEXPEARE «RINCONETE Y CORTADILLO» (DE CERVANTES) CON DRAMATURGIA DE ALBERTO CONEJERO Y DIRECCION DE SALVA BOLTA.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?.
SI; COMER BIEN… SEGUID TENIENDO PUNTO DE VISTA… HACER EJERCICIO… SABER VER TEATRO… SENTIRSE GUAPO… SENTIRSE TEATRO.

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Eva del Palacio y Fernando Aguado-Morboria: Cada uno de los trabajos realizados ha sido una maravillosa aventura.

morbo¿Cómo surgió Morboria?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?… De la necesidad de crear y mostrar el trabajo. Somos personas muy creativas e inquietas que no podíamos esperar a que sonara el teléfono. La calle: un campo de experimentación. Llevamos el teatro a todos los espacios : calles, plazas, cuevas, parques, bosques, discotecas, salas de fiestas , barcos, bares, televisión…
Los proyectos surgen de una manera natural y según las necesidades de expresar
(pueden ser ideas, imágenes, poemas, textos)…Pero en todos nuestros espectáculos siempre hay una gran dosis de juego y sorpresa.
El trabajo se desarrolla en dos partes: la parte plástica en el Taller de Morboria, creación de vestuario, caracterizaciones, atrezzo, efectos especiales …..Y otra fase de ensayos, trabajo de cuerpo, voz y puesta en escena , incluyendo todos los elementos que se han elaborado previamente. Para facilitar la composición de personaje y el trabajo con los objetos.

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¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?…
Poder vivir durante tantos años de esta profesión es un privilegio que no todo el mundo puede conseguir, lo valoramos como todo un éxito. Cada uno de los trabajos realizados ha sido una maravillosa aventura. La mayoría de las veces muy gratificante con mucho trabajo, sudor , risas y alguna que otra lágrima. Una Compañía de teatro es una familia y en Morboria de manera especial. Hemos pasado por momentos muy difíciles pero si hay un objetivo claro y te rodeas de personas a las que admiras y quieres, se superan los problemas. En 30 años, en Morboria ha participado muchos artistas, pero el equipo humano es prácticamente el mismo.

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¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
La influencia del cine, el amor por la caracterización y el maquillaje, la danza ,el teatro y la pantomima nos hizo crearen nuestros comienzos historias cortas (con un máximo de 15 minutos ) La mayoría de las veces sobre fondo musical, con todo tipo de temas: Terror, gore, ciencia ficción, fantasía, aventuras, humor, surrealismo…
Esto nos dió la posibilidad de trabajar en nuevos espacios donde hasta ese momento nadie había hecho teatro… De los años 80 al 94 hicimos infinidad de acciones en calle y en espacios no convencionales con todo tipo de improvisaciones y performances, en discotecas, desde la mítica sala Rock ola a Jácara, Joy Eslava, etc…
Mucha creatividad y energía, cada semana creábamos nuevas historias y guiones unas veces escritos y otras improvisados con unas directrices establecidas y nos lanzábamos a la acción y al juego con el público. Había que tener mucho valor y ser muy temerario. Aprendimos a captar la atención del espectador y a sorprenderle sin bajar la guardia.
Trabajabamos con actores muy preparados en diversas técnicas tales, como la danza, la esgrima, canto, escalada que aplicamos a la escena, malabaristas, acróbatas…
Así, un día éramos gárgolas encaramadas en el tejado de un edificio que descendían reptando por sus paredes hasta encontrarse con los asombrados asistentes … otras, espíritus del bosque , un murciélago enloquecido entre efectos de fuego y humo se precipitaba lanzándose en tirolina desde el campanario de una iglesia sobrevolando las cabezas de los incrédulos vecinos …una operación a corazón abierto en el centro de la pista de baile de una discoteca sembraba el pánico entre los asistentes cuando un monstruo horripilante que salía de las entrañas del paciente y se precipitaba sobre los bailones. Ninfas desnudas surgían de las ondas de un rio y danzaban a la luz de la luna …Seres demoniacos hacían invocaciones diabólicas y aterrorizaban a todos los asistentes a un programa de televisión. Y todo esto, aplicando escrupulosamente el método de Stanislavsky, por supuesto, todo con mucha verdad, mucho estudio, muchas horas en el Zoo observando a los animales…y a los transeúntes…

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Con los años necesitamos un poco más de “sosiego “y decidimos llevar a sala uno de nuestros más queridos espectáculos de calle “Piratas, corsarios y otros temerarios.”…Un montaje creado con mucho juego y trabajo a partir de improvisaciones e interacciones con el público en la calle. Una locura maravillosa, todos llevamos un niño dentro que quisiera jugar a ser pirata …escribíamos el resultado de nuestras aventuras callejeras y así día a día se fue creando el argumento que fue creciendo con acciones y canciones luchas y gamberradas . Fue la primera vez que tuvimos críticas teatrales, pues hasta entonces, en este país, donde existe tanta hipocresía y mediocridad por parte de las Instituciones, nunca, hasta hace poco, se han valorado Las Artes de la calle, si exceptuamos Cataluña dónde hay más tradición, por su cercanía con Francia donde realmente se valoran y existe una larga tradición y muchas compañías que se dedican al teatro de calle.
La crítica fue unánime, desde el ABC al País y se reconoce nuestra labor como actores y creadores.
La gran revolución es en el 94, el gran salto, nuestro primer clásico: “El burgués gentilhombre”, salto mortal con doble tirabuzón, sin red y mucho valor: diez actores y treinta y tantos personajes, todos vestidos de época, creados de la nada y sin ayudas de ningún tipo.
Llegan los premios en el Festival de Almagro y una gira estupenda, ¡por fin estábamos en el panorama teatral por la puerta grande y se aprecia nuestro trabajo…. Cosa que desde el principio hizo el público….
Con los años llegan otros clásicos, pero nunca hemos querido abandonar nuestra faceta en el Teatro de calle que es nuestro campo de pruebas y proporciona a nuestros actores no sólo la formación académica, que la tienen, sino ese punto de juego malicioso, gamberro,, insólito y descarado, valiente, temerario, sorpresivo y la energía especial que se establece en el vis a vis con el público.
La cuarta pared puede caer en cualquier momento si es que alguna vez existió…

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¿Es importante tener uno colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… A lo largo de los años puede decirse que trabajamos con el mismo equipo de artistas, debido al paso del tiempo hay nuevas incorporaciones de actores jóvenes que vamos preparando en nuestro estilo.

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los trabajos de creación?¿Se trabaja así con menos presión?…Poder contar con un espacio estable es vital para la creación, pero necesidad obliga, hemos pasado por todos los espacios imaginables: Mercado del Pescado, Funeraria (C.C. Galileo), Naves del Matadero (Legazpi –C. Danza), acuerdos del intercambio por una función, lo que resulta muy costoso para nosotros pues llevamos muchos actores, además es un horror trasladarse con todo el material que utilizamos.

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¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante e proceso?¿Hay una línea ética y estética de la Compañía?… Nuestra linea estética está clara desde el principio, nos alimentamos de la historia del arte, como pintura, música, el cómic, literatura fantástica, cine de aventuras y ciencia ficción…Y por otra parte nuestra línea ética consiste en dar lo mejor de nosotros en cada montaje y dejarnos l piel en cada función. Y sobre todos, disfrutar cada momento de la creación y cada instante frente al público. En definitiva, hacer de nuestra vocación una forma de vida y gozarla al máximo. A la hora de encarar un espectáculo, desde la primera idea hasta e día del estreno la dedicación es absoluta. No sólo somos actores Eva del Palacio y Fernando Aguado, sino que desempeñamos una larga serie de oficios artísticos junto a Ana del Palacio. De este modo, cuando el proceso se pone en marcha, a la vez que estudias el papel te adentras en la época en la que se enmarca el espectáculo, su arte, sus costumbres, su música y mientras trabajas en el Taller creando el vestuario, modelando una nariz, construyendo un atrezzo o practicando la esgrima o ensayando un coreografía o una canción.
Cuando termina la jornada y vuelves a casa sigues erre que erre. Esto es así: obsesivo.
El proceso es maravilloso y divertido y a la vez agotador, pero muy enriquecedor.

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¿Se pueden realizar apuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?… Por supuesto que existen las apuestas, pero para Morboria resultan difíciles de mantener pues siempre como productora acarreamos una serie de gastos, locales, pagos ensayos, gestores, oficina, gastos S.S., etc
Derechos por los que hemos combatido estos últimos 25 años que dignifican nuestra profesión y que pretendo mantener a pesar de no ser una productora al uso, pues somos artistas, actores que obligados por las circunstancias hicimos empresa, en nuestra mente no está el forrarnos con lo que hacemos sino reinvertir en otros montajes y poder seguir con nuestra gente en esta maravilla de profesión.
Me cuesta crear falsas cooperativas que es lo que están haciendo los actores y creadores para subsistir, todos sabemos que es reparto de miseria, pero casi es la única manera legal de poder crear.
De momento tenemos encargos de eventos en calle y festejos…..que nos permiten reinvertir en teatro de sala.
En los últimos años hemos dejado los clásicos para reducir un poco el equipo. Hemos llevado a escena n Ghelderode y un Arrabal, procesos de creación gozosos y llenos de trabajo e ilusión pero la venta ha resultado ruinosa.

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¿Tenéis espectáculos en repertorio?¿En gira?… En estos momentos tenemos y así ha sido a lo largo de estos últimos 25 años: Piratas y algunos espectáculos de calle que en una semana están pulidos y dispuestos, otros duermen.
Hemos llegado a temer en repertorio 4 clásicos: El avaro, El enfermo imaginario, El sueño de una noche de verano, La ventana Rojas (Rojas Zorrrilla) y varios de calle. En algunos meses interpretamos hasta cinco espectáculos con el mismo elenco. Una auténtica gozada al alcance de muy pocos.

¿Qué proyectos tenéis entre manos?… Seguiremos con los clásicos. Pero en este caso nos gustaría volver a los españoles, retomar el verso….hay que estudiarlo. También nos gustaría montar un espectáculo musical, con una buena banda en directo y mucha gente cantando y levantando la pierna. El espectáculo total.

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¿Cómo os están afectando los recortes y el aumento del IVA a vuestros proyectos de teatro?… De una manera nefasta, para toda la profesión e aumento del IVA ha sido demoledor. El paro entre los acores es algo lamentable, pero no sólo eso…El hundimiento de las redes de teatros que se han vista reducidas a la mínimo expresión, los presupuestos para contratación en Ayuntamientos y Comunidades, amputados salvajemente y las políticas del “figurón” en las que se contratan “caras conocidas” o de “la tele”, han hecho que las oportunidades de trabajo para las gentes “sin rostro”, se vean reducidas al mínimo.

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¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?… “Al Señor Chen le gustan los dragones” y “Priscilla, reina del desierto”, el primero por ser un texto fantástico de Paco Becerra con unas interpretaciones soberbias y que te hace reflexionar sobre un fututo incierto y oscuro y el segundo por ser un espectáculo total, divertido, desenfadado y que te hace salir del teatro con alegría.

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¿Cómo veis la realidad teatral de nuestra Comunidad y País en estos momentos?
La respuesta tiene que ver con una pregunta anterior. Las salidas laborales para las gentes del teatro se ven reducidas a pasos agigantados. Los cachés han mermado penosamente, y si vas a taquilla te expones a cualquier desastre; en nuestro caso el riesgo es descomunal, pues con doce personas en la compañía cada salida en estas condiciones es casi un suicidio. Además, al no tener en la compañía ninguna “cara conocida” somos víctimas de las nefastas políticas de programar “famosos” y la búsqueda de resultados económicos a toda costa. La ciencia, la educación y la cultura deberían ser una inversión en futuro.

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Beatríz Bergamín y Ángeles Martín nos hablan sobre su trayectoria aprovechando el estreno de «No hay papel»

¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
beaBeatriz: En el escenario del desaparecido Teatro Martín cumplí 17 años, haciendo La Estanquera de Vallecas de J. L. Alonso de Santos junto a la que luego se convirtió en mi abuela para siempre, la genuina Conchita Montes. Después entré en la RESAD y fui alumna de un gran maestro espléndido ser humano, Pepe Estruch, que me enseñó entre otras muchas cosas, la importancia en escena – y en la vida – del silencio. También recuerdo con inmenso cariño a Marta Schinca. Y allí conocí a muchos de mis amigos del alma, los que me acompañan desde entonces y hasta hoy. A raíz de la Estanquera me independicé de mis padres, así que trabajaba por las noches de camarera, por las mañanas iba a la RESAD y por las tardes posaba como modelo de pintores y escultores. Intenso, duro, feliz.
angel1Ángeles: Empecé en el hostal que regentaban mis padres en la calle Valverde de Madrid, actuando para la gente que pasaba por ahí desde muy pequeña. Me inscribí en la Escuela de Arte Dramático de Madrid tan pronto acabé el bachillerato, determinada a hacer lo que sentía.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Beatriz:El teatro es mi vocación, mi manera de estar en el mundo, de mirar, de respirar, de sentir, de mostrarme y expresarme, de vivir, de bucear en mi misma y de empatizar o no, con los demás, mi lucha, mi sueño en curso, mi responsabilidad.
Ángeles: El teatro para mi es poder vivir lo que sienten los personajes que habito.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Beatríz: Un balance sin balanza, más en el desequilibrio que en la línea continua. He trabajado mucho, es cierto, pero cada día que pasa me siento más transparente, menos sabia, más abierta, más sensible al presente. Todos mis trabajos están en mi, todos han dejado huella, los buenos, los malos, los regulares poca huella han dejado pero también han sido y ahora, menos mal, recuerdo más intensamente a las personas que han estado conmigo en esos procesos, esas funciones, esas giras, que las obras en sí mismas o los personajes que interpretaba en ellas. La suerte, y a veces también lo difícil de “entender” o mirar a vista de pájaro mi carrera, es que he trabajado y trabajo con personas muy diferentes entre sí, en estilos o modos de ver las cosas incluso opuestas, no tengo claramente una “familia” teatral. No tengo sentido de pertenencia y tampoco de permanencia, pero sí de fidelidad y respeto hacia lo que de verdad me atrae, me atrapa, me apasiona o me emociona y me cambia. He hecho cabaret, teatro de calle, recitales, teatro infantil, he sido una salvaje con la Fura dels Baus, he trabajado en la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en el Centro Dramático Nacional, he producido mi propio teatro personal, he estado en La Abadía y en el Teatro de la Latina casi a la par, o en series de televisión horteras y en otras muy buenas. Qué más da. Se trata de ser coherente en lo personal y en la aceptación de las diferencias humanas o poéticas que uno percibe en uno mismo y en los otros, creo, pero siempre que en lo que uno hace haya implicación, dignidad, ilusión, entrega y sentido del humor, por supuesto. Siempre ha sido difícil trabajar en lo nuestro, pero es que ahora es un milagro, y además suele pasar que lo que más te gustaría hacer es lo más difícil de conseguir, porque se te ven las ganas, el temblor, la fragilidad.
Ángeles: He tenido el privilegio de trabajar con grandes directores y compañeros que me han enseñado mucho sobre la interpretación, es decir, sobre la vida.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Beatríz: Como mínimo la función de existir o seguir ahí, siendo y estando, porque ya casi ni eso tiene, el pobre. La función de tocar, tocar algo, como cuando un sable toca al adversario y al adversario le duele el pecho, o como un amor que te toca y no sabes si eso te gusta o te da miedo pero sabes que te están tocando y estás vivo. La función de abrir las carnes, de sensibilizar ante situaciones extremas, políticas, indignantes o delicadas, crear una mirada nueva ante lo efímero, frente al hoy, ante lo que no queremos ver o lo que no nos han dejado mirar, lo ya pasado o lo que podría suceder; y servir como reflexión o pausa ante la prisa, la barbarie y como no, la belleza. Y la función por y para la que nació el teatro en Grecia, comunicar, conectar, empatizar a unos seres humanos con otros seres humanos. Mucho, ¿verdad? Pues parece que no lo ven, en España.
Ángeles: La función del teatro es ser testigo del tiempo en que vivimos, o del tiempo en que otros, muy parecidos a nosotros vivieron.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Beatríz: He vivido una experiencia sorprendente, participando como actriz en la ópera Les Contes d´Hoffmann de Offenbach que se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid con dirección de escena de un creador singular, yo diría genial, Christoph Marthaler, generoso, cercano, divertido, un mito del teatro alemán internacionalmente reconocido. Actualmente sigo con la gira de El Lenguaje de tus Ojos de Pierre de Marivaux con dirección de Amelia Ochandiano para la compañía Teatro de la Danza, que se pudo ver en julio de este año en el Festival de Almagro. Nunca antes había trabajado con Amelia y he descubierto con admiración su disciplina, su meticulosidad y su amor incondicional hacia nuestra profesión.
Ángeles: Este último año he trabajado junto a Blanca Portillo y Eva Hache, en la muy personal comedía de Ferrán González, dirigida por Victor Conde. Teniendo el privilegio, con los tiempos que corren, de hacer una gira como las de antes con los teatros llenos hasta la bandera.

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¿Cómo surgió la propuesta de NO HAY PAPEL?…Háblanos de ella…
Beatríz: NO HAY PAPEL es ahora mi hijo y el hijo de Ángeles Martín, es nuestra apuesta, nuestro proyecto, nuestra decisión. Algo pequeñito que hay que proteger con extrema sensibilidad y con muchísima humildad pero con impulso, pulso y confianza. Surgió porque yo estaba, a inicios del 2014, sin papel, sin trabajo, sin dinero, sin sitio, sin alegría, así de crudo, sin confianza en ser capaz de sacar adelante nada o poco. Surgió por la necesidad profunda de escribir, de actuar, de equivocarme, de reírme más, de estar. Y surgió porque Ángeles me insistía: escribe escribe escribe, yo estoy aquí, mírame, hazlo ahora, sal fuera de tí. Ahora es ahora y aquí estamos, juntas. Con la contundente apuesta, desde el inicio y sin reservas hacia nuestro proyecto, del director Víctor Velasco, que sabe, puede y quiere mirar este texto y a nosotras dos, desde sí mismo, repleto de talento, lo cual ha desembocado en una propuesta de montaje personal, desnuda, honesta. Ahora somos un equipo, y estamos despegando gracias a la inestimable ayuda de la sala Off de La Latina, unos valientes que nos apoyan e impulsan porque han apostado por No hay Papel, ferozmente. Gracias.
Ángeles: La propuesta surge cuando nos damos cuenta mi amiga Beatriz Bergamín y yo, de que tenemos todos los elementos para poder realizar nuestro proyecto personal y poder decidir lo que queremos hacer y como queremos hacerlo.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Beatríz: Leo mucho, cosas que tiene que ver con la propuesta o el personaje y otras que no pero que me inspiran. Se da por hecho que mi voz y mi cuerpo ya están ahí disponibles y entrenados, claro. Estudio en voz baja, en voz alta, por la casa, por la calle, mientras corro, mientras nado, mientras duermo. Me impregno de cosas, de gente, de músicas. No cierro ninguna puerta, me dejo, luego tomo decisiones claro, porque hay que tomarlas y porque se toman ellas mismas a sí mismas, y porque escucho, me vuelve loca confiar, confiar en las personas que me acompañan en ese trabajo en concreto. Me encanta jugar jugar jugar…
Ángeles: En cada proyecto que recibo intento adaptarme a lo que el director quiere. Para eso es imprescindible llevar el texto aprendido. Eso es lo que me permite jugar al juego que me proponen.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Beatríz: Están afectando terroríficamente a la cultura en general, no solo al teatro y al cine español, están golpeándonos, maltratándonos, borrándonos, dejando nuestras propuestas creativas y nuestra forma de vida aterida, parca e insostenible económicamente. Estamos en un momento durísimo, de absoluta desventaja frente a otros países de Europa, desangelados, pero no acobardados ni muertos.
Ángeles: No nos queda más remedio que hacer de la necesidad virtud. La subida del IVA ha sido demoledora para la industria teatral, así como la desaparición de las ayudas. Pero,intentando verlo desde el punto de vista positivo, creo que han abierto la caja de Pandora, porque han dejado de controlar lo que se hace.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Beatríz: Este año, que ya está otoñando, he visto montajes que me han emocionado y cambiado, por ejemplo en La Abadía, en Matadero y en los Teatros del Canal y en diversas salas alternativas, donde se están fraguando y estrenando propuestas interesantísimas.
Ángeles: Hay una oferta increíble, llena de creatividad y competencia en la cartelera. Me interesa mucho los trabajos que se están haciendo en las salas alternativas, y todos ellos se merecen una mención por el riesgo que implican y su desbordante creatividad con medios escasos.

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¿Proyectos?…
Beatríz: En Enero del 2015 me espera un texto barroco y revolucionario de un autor español, al que quiero y admiro profundamente, un regalo. Empiezo la gira de El Lenguaje de tus Ojos y estaré entregada cada miércoles de octubre y cada jueves de noviembre y diciembre 2014 a No Hay Papel en Off de La Latina, nuestra apuesta personal.
Ángeles: Ahora mismo apostamos por nuestro proyecto “No hay papel”, con la dirección del enorme Victor Velasco, escrita por mi gran amiga Beatriz Bergamín y con un equipo inmejorable. Y el resultado es consecuencia de lo anterior, aunque esa opinión, como siempre le corresponde a los espectadores.
Tengo el privilegio de hacer la próxima función de mi gran amigo y maestro Paco Nieva, “Salvator Rosa” interpretando el maravilloso mundo de “Floria”, producida por el CDN.


Mari Paz Sayago: Los profesionales estamos como el hombre orquesta; tocando todos los palos para sobrevivir…

sayago¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé a interesarme por el teatro cuando tenía 17 años más o menos, entré en un taller de teatro y hasta la fecha, aquí sigo. Me formé como actriz en el desaparecido Instituto del Teatro de Sevilla, completé mis estudios en París en la escuela de Jacques Lecoq y aunque en seguida comencé a trabajar como actriz, no he dejado de formarme con maestros muy diferentes entre sí; desde el Colombaioni, a David Perry o Andrés Lima…

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en la interpretación?…
Podría decirte que el balance es bueno, positivo y no te mentiría, y también podría contarte que ha sido duro y difícil y tampoco faltaría a la verdad. Depende del día te diría una cosa u otra…
Si te refieres a lo puramente técnico, desde los inicios me interesé por la comedia más que por otra disciplina; esto es debido a que he tenido la suerte de coincidir con grandes maestros payasos y cómicos. A lo largo de mi experiencia profesional se han abierto otras ventanas para explorar otras técnicas y en ello estoy…

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¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Qué pregunta más difícil…el teatro siempre ha acompañado a la sociedad a lo largo de su historia, a veces con más presencia y otras con menos presencia en la vida de la gente. Para mí el teatro es una especie de “conciencia latente”.
Hoy día la realidad es tan brutal, vivimos un tiempo tan convulso y contradictorio, todo pasa tan rápido y a pesar de ello tengo la impresión de andar hacia atrás en el tiempo, de involucionar de manera inevitable…

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¿Qué papel puede tener el teatro en esta realidad?…
Creo que quizá pueda recordar la parte más humana de una sociedad que se ha convertido en caníbal para sí misma.

¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Cada proyecto es diferente, la chispa que prende el motor de cada espectáculo es distinto. A veces es el equipo que forma parte del proyecto lo que me atrae, otras el proyecto en sí…otras es la necesidad de ganar dinero (aunque en esta profesión los cómicos de la legua somos más obreras que reinas)…

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¿Cómo surgió tu participación en El buscón?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
El Teatro Clásico de Sevilla abrió casting para un espectáculo que proyectaba en colaboración con el Centro Andaluz de Artes Escénicas y La Jácara, me llamaron para hacerlo y Alfonso Zurro (autor y director del espectáculo) me escogió para participar en el montaje.
Éste ha sido uno de los proyectos más gustosos en los que he tenido ocasión de participar últimamente. El texto de Zurro es magnífico, es un auténtico placer sumergirse en un texto que tiene vida propia, es como degustar un jamón de pata negra…
Zurro es un director generoso y respetuoso, él tiene muy claro qué es lo que no quiere, y lo que quiere se construye entre su texto y el actor que da vida a ese texto. Me gustaría destacar la producción de este proyecto, que corría a cargo del Teatro Clásico de Sevilla, con Juan Motilla y Noelia Díaz, que hicieron un trabajo extraordinario. Y también la escenografía y el vestuario de Curt Allen, un crack.
Por otro lado están los compañeros de reparto con los que he compartido un proceso muy especial; todos y cada uno de ellos son excelentes actores, de lo mejor que hay en el mercado, entre todos rondamos lo 70 personajes y entre todos hemos creado una maquinaria de relojería para construir un espectáculo trepidante, dando lo mejor que podíamos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
En teatro he participado en el espectáculo “Lear” de Abao teatro, que se estrenó en el Festival de Almagro del pasado año, es un espectáculo muy especial, donde he tenido ocasión de dar vida a una de las malvadas hijas del Rey Lear.
En cine formo parte del elenco de “Carmina y Amén” de Paco León, un gustazo.
También he rodado un par de cortos y lo que ha ido surgiendo…

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estoy en mitad de los ensayos de un espectáculo producido por Histrión teatro ( una de las compañías más interesantes a día de hoy en Andalucía) llamado “Desmontando a Isabel”, sobre Isabel la Católica. Con los estupendos textos de Luis Felipe Blasco y la magnífica dirección de Julio Fraga. Todo ello bien arropado por una música emocionante (de Depipió y Viana), escenografía y demás elementos cuidados hasta el detalle.
Es la primera vez que estoy sola en escena y me impone el hecho, aunque me siento muy bien acompañada por el resto de compañeros del proyecto. Está siendo toda una experiencia, hay mucha ilusión en el equipo y esperamos lograr que esta ilusión se traduzca en calidad para el espectáculo.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Si hace unos años me hubieran contado que un gobierno tomaría una medida de este tipo para la cultura de su país, no lo habría creído. No tiene sentido ni desde el punto de vista práctico (la cultura en España representa casi el 4% del PIB) ni moral, ya que condenas al sector en una época de profunda crisis.
Hay pocos ayuntamientos que se atreven a programar si no eres alguien muy conocido. Prefieren gastarse el presupuesto para cultura de un año entero en un espectáculo o concierto de alguien famoso, antes que hacer la programación con muchos espectáculos de teatro independiente de gente que no conoce ni Perry.
El mercado se ha hundido y lo que nos queda es la imaginación; teatro mínimo, micro-teatro, actuaciones en el salón de casas particulares, pay after-show…lo bueno de esto es que la inventiva se ha disparado, la parte negativa es que este tipo de economía sumergida tiene un futuro incierto, sobre todo para los artistas…

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De danza he visto un espectáculo llamado “Hora de cierre” de Isabel Vázquez, dirigido por Paloma Díaz que me pareció precioso. Me interesó por el tema que toca; la madurez de una bailarina que ha dedicado su vida a la danza y como a pesar de su experiencia y talento tiene que echarse a un lado. Está contado de manera muy directa y bella.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Se me da fatal dar consejos, no los tengo ni para mi misma. Creo que cada cual es conocedor en mayor o menor medida del medio en el que se mueve…lo que yo hago es sumergirme en cada proyecto al 100%, no sabría hacerlo de otra manera….pero ya te digo que para cada cual será de una forma diferente…

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¿Cómo es la realidad teatral en Sevilla?…
Hace veinte años Sevilla era un hervidero de compañías independientes, nuevas y potentes, que se vieron apoyadas por la administración y que tejieron una red teatral de la que muchos nos hemos nutrido. Hoy en día han desaparecido la mayor parte de los apoyos y con ellos muchas de esas compañías. El problema está en que no se creó un mercado real, con público motivado y acostumbrado al teatro independiente, se han intentado varias estrategias para conseguirlo, pero de momento no hay grandes resultados. De todas maneras, la cultura debe ser apoyada desde las instituciones siempre, somos un sector muy vulnerable y que sin embargo aporta mucho a la sociedad.
En la actualidad, entre la crisis, el IVA y la falta de apoyos, es la imaginación la que nos mueve. Hay muchos buenos profesionales buscándose la vida como pueden. Pero sin un apoyo institucional más fuerte es difícil sostener nuestra industria.
Es cierto que el cine ha encontrado en nuestra ciudad un lugar estupendo para rodar películas en un marco ”incomparable”, con un clima estupendo, con muchos profesionales disponibles para lo que haga falta y muy asequible a nivel económico…
Sin embargo el teatro independiente está machacado en esta ciudad, se han eliminado la mayor parte de las ayudas a nuestro sector, se promueven concursos en los que se busca talentos ocultos entre los aficionados a las artes, mientras se niega el apoyo a los profesionales de la ciudad…
Así que esto es una guerra de guerrillas donde los profesionales estamos como el hombre orquesta; tocando todos los palos para sobrevivir…


Jose Luis Patiño nos habla sobre su fructífera trayectoria en el teatro

patiño¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Me es difícil resumir lo que es el teatro para mi. Un juego exigente y divertido, una forma artística de comunicación, un lugar de encuentro con los otros y con uno mismo, un acto simultáneo de vanidad y generosidad…
Empecé en el grupo de teatro del instituto, después en el de la facultad y cuando llevaba dos años en la universidad me presenté a las pruebas de ingreso para la RESAD. Me cogieron y estando en el primer curso empecé a trabajar en la Compañía Nacional de Teatro Clásico, primero como figurante y enseguida haciendo pequeños papeles… Hago teatro porque la vida me ha llevado por este camino y porque siempre he sentido que éste era mi camino.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…Háblanos de tus últimos trabajos…
El balance que puedo hacer de mi trayectoria es muy positiva: He tenido la fortuna de haber estado en espectáculos estupendos y haber hecho personajes muy interesantes y muy variados. Gracias a este oficio he podido conocer gentes y sitios inolvidables, a mis amigos, (casi todos) a mi mujer… Llevo más de 25 años haciendo teatro, viviendo con pasión esta profesión y siento que mi condición de actor es mi gran tesoro (algunas veces también mi maldición).
En los últimos meses antes de «EL Triángulo Azul» he estado interpretando a Tomás Moro en «Tomás Moro, una utopía», bajo la dirección de Tamsin Towsand. Una función muy curiosa escrita por varios autores isabelinos,( Shakespeare entre otros).Se estrenó en el último Festival de Almagro y hemos girado con ella hasta el mes de abril, con temporadas en Madrid (teatro Fernando Fernan Gomez) y Barcelona (Teatro Barts). Ha sido un trabajo muy intenso y muy agradable, con un equipo fantástico.

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¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El Triángulo azul?…Háblanos de tu personaje…
«El Triángulo Azul» es un proyecto muy personal de Mariano Llorente y Laila Ripoll que el CDN ha acogido como producción propia. Laila y Mariano son unos de mis mejores amigos, con los que, junto a Juanjo Artero, fundamos en 1991 la compañía Producciones Micomicón. Desde entonces hemos compartido muchas cosas. Mi participación en este espectáculo, como la de varios actores más, habituales en los espectáculos de Micomicón,(Manuel Agredano, Marcos León) viene de esa trayectoria de grupo.
Mi personaje en la obra es Toni (Antonio García en la realidad), uno de los miles de republicanos españoles que después de haber tenido que huir de España tras la guerra civil, acabaron en el campo de concentración de Mathausen.
Toni y Paco (Francisco Boix en la realidad) fueron asignados al laboratorio fotográfico del campo y consiguieron salvar miles de fotografías,(que los nazis intentaron destruir al final de la guerra), en los que quedaba exhaustivamente documentado todo el horror al que fueron sometidos aquellos seres humanos.
Aparte de este personaje también participo en los números musicales del espectáculo.

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¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
«EL Triángulo Azul» es un espectáculo complejo y muy exigente. El proceso ha sido muy intenso con la sensación en algunos momentos de que no había tiempo suficiente. Entre la mayoría de las personas del equipo ya había de entrada una gran complicidad por haber trabajado juntas muchas veces, y «las nuevas incorporaciones» gente maja,como Paco Obregón, enseguida fueron como compañeros de toda la vida y, especialmente los más jóvenes (Elisabet Altube y Jorge Varandela) nos han puesto las pilas a los más talluditos. Laila Ripoll es una directora que quiere a los actores, confía en ellos y que, teniendo muy claro el espectáculo, escucha.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
En este caso los referentes son básicamente históricos. Nos hemos documentado sobre la peripecia que pasaron estos hombres, leyendo, viendo imágenes reales y también alguna película que aunque no tratara directamente el tema, nos alumbrara sobre la vida en los campos.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
En general, mi manera de prepararme los personajes parte de la lectura del texto. Esto puede parecer una perogrullada pero creo que a veces no se le otorga la importancia que tiene. Una lectura atenta del texto puede darte las claves fundamentales para crear el personaje. Lo siguiente es descubrir cómo anda, escuchar y por último ponerte la ropa.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro tiene una función maravillosa de entretenimiento, ese mecanismo por el cual el espectador te concede el permiso para llevártelo a «otro lado» con la única condición de que no le aburras, en sí mismo es fascinante y nos conecta con algo muy básico, muy primitivo que todavía llevamos dentro. Pero es que además desde ahí podemos encontrarnos y hacer reflexionar sobre aspectos profundos del ser humano con una intensidad,creo,mayor que en ninguna otra manifestación artística.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Es evidente que entre la subida del IVA y los recortes en los presupuestos dedicados al teatro, tanto para la producción como las partidas destinadas a la contratación por parte de los teatros de titularidad pública, han dejado al sector sumido en una auténtica depresión de la que no sé como y cuando saldremos.

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¿Cómo ves el teatro en estos momentos en Madrid?…
Creo que esta ciudad, a pesar de la crisis y de unos políticos municipales que no nos merecemos, tiene una vitalidad y una creatividad potentísima y creo que en los últimos años mucha gente joven encuentra en el teatro su forma de expresión. Teatralmente esto es lo más interesante de Madrid ahora mismo.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No rendirse.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Dionisio Ridruejo, una pasión española. interesante, buena dirección, buenos actores, factura impecable.

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¿Proyectos?…
Tengo la sensación de que «El triángulo Azul» nos va a dar sorpresas agradables, tenemos funciones de «Tomás Moro» para el otoño y también hemos remontado un espectáculo histórico de Micomicón: «Atra Bilis». También hay algún proyecto con UNIR (la productora de «Tomás Moro»).


JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


Javier Veiga nos habla de sus experiencias en el teatro.

veiga¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es sobre todo el oficio al que decidí dedicarme hace ya más de 20 años (joder, que viejo soy), y hasta el momento lo voy consiguiendo. Hago teatro por muchas razones, pero quizás la principal es porque me hace feliz. No hay nada metafísico en ello. Es una felicidad mundana, me subo a un escenario y me siento bien, feliz, como cuando de chaval me ponían de titular en el equipo de balonmano.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
Buf, yo qué sé, depende en cuanto a qué. Creo que lo más positivo es que he tenido la fortuna de trabajar en más de 20 espectáculos teatrales y en un montón de proyectos audiovisuales distintos en cine y televisión. A veces te entran momentos de flojera, de insatisfacción o hasta de ansiedad… pero el principal balance que puedo hacer es que si, cuando estaba en la Escuela de Arte Dramático, alguien me hubiese dicho: «dentro de 20 años vas a haber hecho todo esto», yo hubiese firmado con los ojos cerrados y con el culo apretado.

¿Cómo surge el proyecto de El Caballero de Olmedo?…Háblanos de la obra…

A mí el proyecto me llega directamente desde la productora, Secuencia 3. Yo estaba representando ‘Amigos hasta la Muerte’ en el Teatro Muñoz Seca de Madrid. Y el productor y el director vinieron a ver la función. En realidad venían a ver a Marta Hazas para ofrecerle el papel de Doña Inés. Pero a la salida del teatro nos tomamos un vinito con el productor(Eduardo Galán); y aprovechando el estado de confraternización etílica le dije que yo era un enamorado de esta función. A los pocos días me llamaron para ofrecerme protagonizarla y aquí estoy. Y encima pagó los vinos él!!!

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Pues la verdad es que fueron unos ensayos muy tranquilos. Tuvimos bastante tiempo para trabajar. Empezamos por el verso para intentar dar a todo una coherencia de estilo en la manera de decir. Y a partir de ahí nos pusimos en manos del señor director y a trabajar. Él tenía clara su puesta en escena y a nosotros nos tocó ir a sudar la camiseta.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Mi referente técnico es mi formación. Tuve algunos muy buenos profesores en la RESAD, que creo que es una escuela que te prepara muy bien, sobre todo para proyectos de este tipo. A partir de ahí, he seguido trabajando y, quiero suponer, perfeccionando mis recursos técnicos. Y como referente artístico no creo que haya uno concreto. El actor que soy es la suma de todos los distintos trabajos que he hecho y que he visto; y cada vez que te vuelves a subir a un escenario, te subes con la suma de todo lo anterior.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No sé si se puede llamar método. Me leo el texto 1.500 veces, normalmente nunca tengo que estudiar, me lo acabo aprendiendo de tanto leerlo. Luego pienso en el personaje compulsivamente, en la cama, en el desayuno, en el metro, mientras me habla mi cuñado… y voy apuntando cosas en papelitos que luego suelo perder. Y luego voy al ensayo preguntándome de cuánto habrá servido todo ese trabajo anterior. Y finalmente me limito a un método absolutamente revolucionario: Repetir y repetir hasta que me salga bien.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que los teatreros hemos sido un poco pretenciosos respondiendo a esta pregunta. Hasta el límite en el que hemos perdido cualquier capacidad movilizadora porque nos hemos vuelto endogámicos y autocomplacientes. El resultado es que una gran parte del público nos ha dado la espalda. Y la mayoría de la otra gran parte tienen descuento en taquilla porque hace años que peinan canas. Creo que la primera función del teatro debe ser interesar a su público. Un espectáculo sólo tiene sentido si hay espectadores dispuestos a escuchar. Lo demás es onanismo y vanidad. Y una vez que volvamos a interesar a nuestro público, allá cada uno con las ideas que quiera y tenga talento para transmitir.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que es una canallada impresentable. Es una tomadura de pelo que el estado nos deje de facilitar el acceso a la cultura y a la vez nos suban los impuestos. Si me acribillas con estas tasas, el estado tiene que garantizar el acceso del ciudadano a los productos culturales. Y si quieren un sistema liberal, estupendo, que nos quiten los impuestos, y que dejen la cultura en manos de la sociedad civil, yo encantado. Me fío más, a pesar de todo, de la gestión privada que de la gestión pública. Pero no hacer ni una cosa ni la otra, es una estafa.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Yo lo que creo es que no podemos seguir trabajando en cualquier tipo de condiciones. Creo que no podemos ofrecer al público espectáculos gratuitos o a precios ridículos sólo porque preferimos subirnos a un escenario gratis que quedarnos en casa. Eso sólo conduce al amateurismo de esta profesión. Y por ese camino vamos directos al: -«¿A qué te dedicas» -«soy actor» -«ya, ya, ¿pero a qué te dedicas?»… Pero esto daría para un largo debate, y seguramente muchos de mis compañeros no estarían de acuerdo conmigo.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Este verano estuve en el Festival de Almagro, actuando y como espectador. Y tuve la suerte de ver ‘Siglo de Oro, Siglo de Ahora’ de Ron Lalá. Una auténtica fiesta teatral. Creo que este grupo, con Yayo Cáceres a la cabeza, es uno de los proyectos más interesantes que hay el panorama teatral actual. Una propuesta de teatralidad, lejos del micronaturalismo que se extiende como una peste por los escenarios.

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¿Proyectos?…
Por lo pronto 5 semanas en el Fernán Gómez con El Caballero de Olmedo. A finales de año espero que se estrene en Barcelona la versión catalana de ‘Amigos hasta la Muerte’. Y acabo de terminar de escribir un nuevo texto que espero estrenar a principios del próximo año.

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Javier Hernández-Simón en verano…

javierhernandez¿Qué balance artístico haces de este año?…
Desde el punto de vista personal, no me puedo quejar. He estado inmerso en la gira de “La vida es sueño” que ha sido todo un fenómeno de crítica y público, y en el proceso de ensayos de “La verdad Sospechosa” que se estrenó en el pasado Festival de Almagro. Ambas producciones de la CNTC. En este aspecto he tenido la grandísima suerte de contar con la confianza de Helena Pimenta y ser su ayudante de dirección.
En un nivel más general, artísticamente creo que ha sido un buen año, en el que han surgido proyectos muy interesantes. Siempre ocurre en épocas de crisis, los ingenios se agudizan…aunque por desgracia, no siempre estos proyectos tienen la repercusión que deberían. Verdaderamente nos encontramos en una situación agonizante.

¿Cómo estás pasando el verano?…
La verdad es que está siendo un verano intenso y feliz, ya que tras el estreno de “La verdad Sospechosa” en Almagro…me he sumergido en los ensayos de “Los Justos” de Albert Camus, en el que participo como director de escena, y que está siendo producido por mi compañía 611teatro. Esta obra es un sueño que yo tenía desde hace algo más de 10 años, y por fin hemos reunido el dinero para levantarla…nos dejamos todos nuestros ahorros…pero bueno…hay que arriesgarse ¿no?. Se trata de una versión de la obra de Camus que hemos realizado entre el dramaturgo bilbaíno José A. Pérez y yo, situando la acción en una célula de E.T.A. a finales de los 70.

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¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Pues entre la gira y los ensayos, apenas he podido ver nada… si creo que “la verdad sospechosa” es una obra que va a despertar el interés del público, la verdad es que Helena Pimenta está en un momento artístico impresionante. Soy muy afortunado de poder trabajar a su lado, porque estoy aprendiendo muchísimo.
Tengo muchas ganas de ver el último trabajo de la compañía La Tristura “El sur de Europa, días de amor difíciles” y también el último trabajo de la compañía Almaviva “Fuenteovejuno, ensayo sobre la violencia”.

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¿Qué libro estás leyendo?…
Como estoy en proceso de ensayos de “Los Justos”, ahora mismo no estoy leyendo nada que no tenga que ver con el tema. Ahora mismo mi libro de cabezera es “Sangre, votos, manifestaciones: ETA y el nacionalismo radical 1958-2011” De Gaizka Fernández y Raúl Lopez.
En cuanto termine los ensayos de “Los Justos” y estrenemos “La verdad sospechosa” en Madrid, me está esperando “Viaje al fin de la noche” de Louis-Ferdinand Céline.

¿Proyectos para el otoño?…
En Otoño será el estreno oficial de Los Justos en Alcira (Valencia) y estaré haciendo temporada en el Pavón con la CNTC…con eso creo que estaré mucho más que ocupado…por suerte.

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Consagrados y debutantes en Microteatro Por Dinero

Mientras sigan proponiendo, profesionales de la escena de reconocido prestigio como Eusebio Poncela, Chevi Muraday, Miguel Hermoso o Luis Sánchez-Polack, pellizcos de ficción en el local de Microteatro, no dejará de haber interés por acercarse a su recoleto lugar para seguir sumergiéndonos en las historias que nos hagan volar la imaginación sentados en una banqueta. Este mes tenía como tema: Por los sentidos y la programación general se componía de varias propuestas: Contrarios comunes, Sopa, Romance Bizarro, Como Dios y Azotes. Estas pequeñas joyas se pueden disfrutar de miércoles a domingo hasta el 2 de junio. El equipo de Microteatro es inquieto y además de estar preparando una experiencia de teatro clásico que se podrá ver en el Festival de Almagro de este año sobre El caballero de Olmedo, han dedicado los martes de la semana a presentar propuestas que han llamado DEBÚ…un espacio en el que se vaya creando la cantera de autores, actores y directores que se curtan en el lenguaje del micro teatro, para que sigan surgiendo profesionales que mantengan este espíritu vivo. En la última pieza que vi en los martes debú: Photocall en tu cama, una actriz, integrada en la acción, traducía la representación al lenguaje de signos a un grupo de espectadores sordos; emocionante iniciativa.
Adolfo Simón

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Julie Vachon y Francisco de Paula de Claroscuro nos hablan de sus proyectos escénicos.

claroscuroBalance de vuestra trayectoria…
J.V.(Julie Vachon) y F.P.(Fco. de Paula): Tortuosa…ha sido un largo camino por el desierto el que hemos recorrido, nada de ayudas, silencio absoluto por parte de programadores que ni siquiera contestan a tus propuestas, problemas para encontrar músicos especializados en música barroca española que vivan en la zona… al final el Festival de Almagro nos abrió unas puertas que se han quedado abiertas. La apuesta de Teatralia ha sido incondicional… es maravilloso ver que hay quien valora tu trabajo aunque no te conozca de nada y aunque tu trayectoria sea corta…

¿Cómo surge el proyecto que presentáis en Teatralia?…¿De qué va la obra?…
F.P.: Este proyecto surgió en el año 2010…
J.V.: Yo vine del Québec con una concepción distinta del teatro de títeres y con la idea de que los niños de hoy son los espectadores del futuro y que por tanto hay que presentarles obras con el mismo rigor y seriedad que a los adultos.
F.P: Por mi parte era consciente de la grave crisis que sufre la música «culta» con el convencimiento de que debería ampliar su público presentándose de otra manera. Además queremos que la gente ponga en valor la maravillosa música barroca española, una música de gran raíz popular, muy distinta a la del resto de Europa; se puede resumir en una frase de Lope al hablar de una danza española de la época: «La Chacona, esa india amulatada»
«Yo soy la Locura» es un cuento para mayores y niños que narra una aventura de amor y sacrificio entre un personaje real, Manuel -un titiritero que viajó junto a cuatro músicos y otro colega a América en la expedición de Hernán Cortés- y Zyania, una joven azteca en el terrible escenario bélico de la Conquista.

¿Cómo fue el proceso de montaje y dramatúrgico de la obra?…
FP: Difícil y laborioso: comenzamos a distancia cuando Julie aún estaba viviendo en Montréal.
JV: Al llegar tuvimos ¡tres semanas para poner en el escenario lo que se había escrito!… y apenas hablaba español. Hubo mucho trabajo teórico que vino muy bien, pero luego hubo que encajar esto con la música…
FP: Afortunadamente la música antigua es muy maleable: puedes repetir estribillos, quitar coplas, hacer glosas instrumentales, en cierto sentido es como el jazz, y esto hace que se adapte. A partir de ahí la obra ha sufrido muchas modificaciones y ampliaciones. Esta de ahora es la versión «C» y está cerrada al milímetro entre texto, música y movimientos.

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¿Conocéis la obra de otros creadores de teatro para niños y jóvenes en España?…
JV y FP: Sí, claro. Existen muchos y aunque no somos «alumnos» de nadie, repetamos especialmente la Compañía Etcetera y su director Enrique Lanz heredero de una tradición que se remonta a su abuelo Hermenegildo titiritero de Lorca y Falla.

¿Qué opináis de la programación de Teatralia 2013?…
JV y FP: Muy inteligente: variada y comprometida con una idea muy clara de que el niño es un ser más sutil de lo que algunos creen…

¿Qué función creéis que ha de tener hoy la creación escénica para niños y jóvenes en la sociedad que vivimos?…
FP: Tras 30 años de promoción teatral y musical entre los niños el resultado es que cada vez van menos personas a los teatros. Sin dejar de lado razones sociales, creo que el problema radica en que se ha creado un teatro para niños y jóvenes que se parece demasiado a la televisión, a los videojuegos, al cine, excesivamente infantilizado y minusvalorando las capacidades de este exigente público. Alguien dijo que un adulto es un niño que ha perdido la curiosidad…
JV: Teatro es teatro: hay que darles a los niños y jóvenes la sensación de que están en algo diferente, un arte ancestral y milenario; hay que hacerles vivir una catarsis emocional e intelectual estimulando su imaginación. Cuando llegué a España me sorprendió que en el mundo de los toros al público se le llame «respetable»; creo que eso es la llave del teatro: respetar al público y dar por sentado que ellos son inteligentes.
FP: … y ser modestos y generosos con ese público…

¿Qué os motiva o inspira para realizar proyectos que mostrar en vivo?…
JV: Contar una historia, tener una conversación con el público. Para mí el teatro es comunicación. Me inspira mucho la danza, la pintura, la música, la poesía… y los cuentos tradicionales ¡sin censurar! :-). También me motiva tratar un tema que desconozco y saber que aprenderé.
FP: A mí, aparte de la música, especialmente la música «antigua», es decir la anterior a la Revolución francesa cuyo poder sobre los afectos humanos es bestial, me inspira mucho la pintura y las películas de los años 40: su sencillez y sus inteligentes diálogos.
JV y FP: También nos motiva encontrar músicos como los que tenemos que se comprometen con el teatro, que no lo tratan como algo menor y que creen en lo que estamos haciendo o tratando de hacer…

Guillermo Casas Baruque

¿Creéis que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la escena alternativa?…
FP: A nosotros ya nos afecta: somos 7 personas y la subida del IVA encarece aún más el espectáculo. Respecto a los recortes nos afectan a la hora de ser contratados, como ya hemos dicho no hemos recibido dinero de administración alguna. Este es un espectáculo creado con dinero propio y con el esfuerzo de todos sus integrantes.

¿Qué obra de teatro, danza o performance habéis visto últimamente?¿Qué os pareció?…
JV y FP: Una de las últimas que más nos impactaron fueron «Se Alquila» de la Compañía Peeping Tom y «Prometeo» de Jan Fabre. En teatro de títeres «Pedro y el lobo» de Etcétera, un montaje sencillo pero muy efectivo.
JV: El teatro que está más cerca de mi sensibilidad es la danza-teatro de los Países Bajos.
FP: Totalmente de acuerdo…

¿Cómo véis la creación para la infancia en el lugar donde trabajáis?…
JV y FP: Granada es un lugar con una gran actividad teatral de títeres, con un abanico muy amplio. Se puede uno encontrar desde lo más tradicional hasta lo más vanguardista, pero estamos todos bastante desconectados, la verdad…

¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
FP: Nosotros nos hemos adelantado a la crisis creando un espectáculo sin la más mínima ayuda. Creo que la clave estará en hacer más con menos, volver a las raíces y ser capaz de conseguir la ayuda no necesariamente pecuniaria de diversas instituciones (Universidades, Asociaciones, Festivales, etc)…
JV: … No hace falta mucho ni para contar ni para expresar; que no se nos olvide que «menos es más». En el teatro de títeres hay, además, posibilidades más abordables como el papel maché o la gomespuma.

¿Proyectos?…
JV y FP: Estamos trabajando actualmente en dos proyectos, distintos al primero pero con unos criterios muy similares en cuanto a lo que nos mueve a subirnos al escenario. El primero basado en un clásico español, el segundo más universal, pero ambos con música en vivo…

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Convocatorias para creadores

RED DE TEATROS ALTERNATIVOS – CIRCUITO 2013
http://www.redteatrosalternativos.org

CONVOCATORIA ABIERTA PARA PROYECTOS DESTINADOS A LA PROGRAMACIÓN DEL PRÓXIMO FESTIVAL DE ALMAGRO
http://www.festivaldealmagro.com/

El CA2M y la Casa Encendida lanzan una iniciativa de apoyo a artistas
El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid y La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid colaboran conjuntamente para ofrecer Residencias 2013, un programa cuyo propósito es apoyar la creación dentro del campo de la danza y el trabajo con el cuerpo ofreciendo a los artistas espacios para la experimentación y para la presentación de sus propuestas.
Las incripciones pueden realizarse a través del correo electrónico artistasenresidencia@lacasaencendida.es . Se puede consultar más información, así como las condiciones en las página web https://www.lacasaencendida.es/ y http://www.ca2m.org/index.php

I Encuentro Internacional por las Jóvenes Audiencias se celebrará en septiembre en Córdoba (Argentina)
El GITIJ (Grupo de Investigación de Teatro Infantil y Juvenil) radicado en el Centro de Producción e Investigación en Artes (CePIA, Fac. de Artes, UNC) / Chocolate con Churros -Teatro para jóvenes audiencias, convoca a participar del II Foro Nacional de Teatro para Niños – I Encuentro Internacional por las Jóvenes Audiencias que se llevará a cabo durante la primera quincena de setiembre de 2013 en la Ciudad de Córdoba, Argentina. El tema general del foro es Identidad, Memoria, Inclusión, al desarrollarse 30 años después del retorno de la democracia en Argentina y analizando estos conceptos hacia adentro de las prácticas del teatro para jóvenes audiencias.
http://cordoba.portalmundos.com

ABIERTA LA CONVOCATORIA DE «TEATRO BREVE», en el café teatro de la Sala Triángulo.
Si tienes una obra corta de 15 minutos de cualquier género, envíanos tu propuesta junto con el cartel y dossier a: pindadoalfonso@yahoo.es.

Drama and comedy


José Ramón Fernández, dramaturgo

José Ramón Fernández, autor teatral y novelista nos habla en la siguiente entrevista de su momento creativo actual y sus proyectos.

¿Cuál ha sido tu último trabajo como dramaturgo presentado escénicamente?…

Mi último trabajo ha sido Yo soy Don Quijote de la Mancha, que se ha estrenado en el Festival de Almagro el 5 de julio, dirigido por Luis Bermejo y producido por Metrópolis Teatro. En los carteles verás que pone «dramaturgia de». He recogido fragmentos de la novela, frases, detalles, y he escrito un texto en el que hay una gran cantidad de escritura original, utilizando muchas palabras de Cervantes y, por supuesto, a Don Quijote y Sancho. Los críticos no saben si decir que es una adaptación o una obra nueva. Yo creo que ese es el trabajo del dramaturgo, desde Guillem de Castro a Christopher Hampton.

¿Adáptación…Texto original? ¿Cómo surgió la propuesta?…

La propuesta vino de Natalia Menéndez, directora del Festival: hacer un Quijote esencial, que iba a interpretar José Sacristán. Al principio se valoró que fuera un monólogo, yo consideré que necesitaba la mirada de Sancho… cuando se me ocurrió dibujar a Sanchica encontré la clave contemporánea que necesitaba. Más tarde, hablando con Luis Bermejo, el director, surgió la posibilidad de abrir ese universo a la fórmula de teatro dentro del teatro, que nos permitía romper las costuras de la novela para dialogar con el mito. Desde el principio decidí que quería que una buena parte de lo que dijeran los personajes fuesen frases de la novela. Ahora jugamos a ver quién adivina de dónde sale cada frase.

¿Qué diferencia para ti una versión de una adaptación?…

Tengo alguna experiencia, una docena de estrenos, más o menos. En la versión existe tu mirada. La adaptación es algo técnico: ajusta tiempo, espacios, personajes, para que esta compañía pueda hacer esta función. Pero los límites entre los dos trabajos a veces son muy difíciles de percibir; incluso a veces ves que te han puesto en el cartel como versión lo que era una traducción, sin más. Por otra parte, la versión se completa en la puesta en escena. En el trabajo que hice con Lavelli sobre El Avaro, la mirada de Jorge dibujó ese Harpagón totalmente distinto del estereotipo, por ejemplo; algo que no podíamos hacer sólo sobre el papel.

¿Cómo es el proceso de escritura de un texto original?…

Yo parto de una pregunta, de algo que me llama la atención. Veo algo que me provoca y me lleva a preguntarme sobre lo que veo. A partir de ahí, intento habitar el lugar en que sucede, ver moverse a los personajes, oírles, unas preguntas llevan a otras… es un proceso lento en el que la escritura, la poesía, llega hacia el final. Con todo ese material, me pongo el mono de dramaturgo y trato de darle forma para el escenario: la estructura, la elección del uso o no de didascalias… Finalmente, el diálogo con los otros, el director, los actores, el equipo artístico y de producción. Trato de ser parte de un equipo.

¿Se puede aprender una técnica para escribir teatro?…

Se puede aprender lo que han hecho otros para conocer modos de resolver problemas y usarlos si los quieres usar. El conocimiento de la técnica no perjudica al artista, ese es uno de los conceptos básicos en música o pintura. Sherlock Holmes no era solo un genio de la deducción: había estudiado todos los crímenes del último siglo, de modo que muy a menudo encontraba precedentes en los modos de hacer de sus criminales. Yo encuentro en Sófocles o en Moliere técnicas que usa David Mamet.

¿Qué texto o puesta en escena te ha interesado de lo que has visto ultimamente?…

En directo, dos cosas de las últimas semanas: SOS en la Triángulo, de mis amigos de El Zurdo Teatro; una propuesta especial, con actores haciendo personajes y el músico Tozo haciendo de sí mismo, con buenos actores, momentos de gran poesía y el descubrimiento de Luis Crespo como director de escena. Y Duda razonable, de Borja Ortiz de Gondra, en Cuarta Pared: un texto magníficamente escrito, maduro y sabio, que si lo hubiera firmado Stoppard se estarían dando de hostias por él muchos productores y directores, con una impecable puesta en escena. Y en vídeo – veo muchísimo teatro en vídeo – he visto hace pocos días un montaje que me ha conmovido por su hondura en la búsqueda y porque lo he sentido muy cercano: Veraneantes, de Miguel del Arco y su grupo Kamikaze.

¿Qué proyectos tienes a corto plazo?…

Ahora, la compañía Palmira Teatro ensaya un texto enteramente original, Mi piedra Rosetta, que dirigirá David Ojeda. Se iba a estrenar en el Festival Madrid Sur, pero ha desaparecido, parece que el estreno será en Leganés a final de noviembre. Será mi último texto de teatro durante un tiempo, porque me he metido en una novela y porque siento que me he vaciado en la escritura de esta obra, volviendo al riesgo y a la desnudez con que escribí La tierra y cavando muy muy hondo. La propuesta de Palmira fue: tenemos estos cuatro actores y este director, escribe lo que quieras y tarda lo que necesites. Ha sido un proceso maravilloso que he podido disfrutar sin los agobios de otros encargos. Estoy aprendiendo mucho con David y con todo el equipo.

¿Cómo ves la realidad del teatro que se hace en nuestro país?…

Hasta hace un par de años: un próspero teatro de consumo (comedias, stand-up, variedades…); un poderoso teatro público con grandes títulos clásicos que ha atendido singularmente en los últimos ocho años (CDN y Español) a autores de mi generación, nacidos en los sesenta; y un circuito alternativo brillante, lleno de propuestas interesantes en el que está surgiendo una nueva generación que me ilusiona. De dos años para acá: una situación de zozobra económica (y de criterios) en la que corre peligro, sobre todo, este tercer modo, y por ello el desarrollo de la creación más joven.

¿Crees que va a cambiar el panorama de producción teatral tras los recortes en cultura?…

Va a suponer un ajuste brutal y se va a empobrecer mucho el panorama: cierran compañías, salas, festivales… Como he dicho, lo más preocupante es que puede dificultar el desarrollo de los procesos de creación más jóvenes y más arriesgados. Por otra parte, aquella expresión que acuñó nuestra amiga Itziar Pascual hace casi veinte años, «producciones amigo mío», nunca nos ha abandonado del todo. Nos podrán impedir vivir del teatro que hacemos. Pero no nos pueden impedir hacer el teatro que queremos hacer. Hemos crecido viendo a Brook hacer milagros con una caja. Haremos lo que queramos, no lo que quieren los que pretenden decidir qué teatro es el correcto.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

La que me hacía mi bisabuela: ten paciencia. No hay que correr, no hay que dejarse llevar por el ansia. Precisamente, porque no hay «mercado», o eso nos dicen, podemos no correr, saborear el proceso y mantener vivo un proyecto, no estrenarlo donde sea, no matarlo a las tres semanas, no meternos a montar otra cosa, seguir investigando en lo que hacemos. Despacio. Sin prisa.