Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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María Caudevila: El teatro es tan sumamente necesario que seguir haciéndolo es mi pequeña lucha diaria contra la corrupción en su sentido más amplio.

adri¿Cómo surge el proyecto que presentas en LaZonaKubik?…Háblanos
del montaje…
Surge de Ximena Vera. Ella escribe Nobilmente y piensa en mi para
su dirección. Decidimos unir fuerzas y surge así la coproducción entre
UpATree y Baraka Teatro.LaZonaKubik es un referente y son
compañeros que ya han apostado por Baraka en varias ocasiones. El
espacio en si es perfecto para este montaje y siempre es un placer
trabajar con gente tan luchadora y profesional.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del
equipo en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Claro, siempre. El teatro es un trabajo en equipo o, por lo menos, así
es como yo lo concibo. Partimos de un lenguaje común que es la
dramaturgia y lo que queremos contar con ella, y a partir de ahí
buscamos una plástica, una sonoridad…una tridimensionalidad que
nos ayude a contar eso tan imprescindible que nos mueve a hacer lo
que hacemos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear
esta propuesta?…¿Por qué haces teatro?…
Supongo que los referentes siempre me acompañan: Pina Bausch,
Arianne Mnouskine, Robert Lepage…Pero cada pieza tiene unas
necesidades únicas que hay que descifrar durante las reuniones, los
ensayos e incluso entre sueños con la almohada. Ikerne Giménez, con
quien tengo el inmenso placer de trabajar es otro referente muy
importante para mi: le pone paleta de color y textura al sentimiento y
genera universos plásticos fascinantes.

¿Por qué haces teatro?…
Hago teatro porque es el medio en el que más disfruto y mejor me
desenvuelvo para aportar mi diminuto grano de arena en el camino de
hacer el mundo un lugar un poquito mejor. El teatro es tan sumamente
necesario que seguir haciéndolo es mi pequeña lucha diaria contra la
corrupción en su sentido más amplio.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como directora de teatro?…
Háblanos de los más recientes…
Aprendo haciendo. Por eso guardo cada montaje con un gran cariño y
respeto, sobre todo por todas las personas que han confiado en mi y lo
han hecho posible. Cada pieza encierra grandes dosis de gratitud y un
gran aprendizaje como directora, si, pero también como persona.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la
que vivimos?…¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y
los recortes al teatro?…
El teatro es un servicio absolutamente necesario en la sociedad.
Es a través del juego simbólico, de la interpretación de roles, y del
trabajo creativo en equipo, que se construyen seres humanos
empáticos, asertivos y emocionalmente inteligentes. Debería ser parte
integral de la educación infantil y se debería fomentar una pedagogía
teatral para los educadores, como ya existe en la Música o las Bellas
Artes por el impacto y posibilidades que tiene dentro del desarrollo
curricular no solo para la profesión sino para el abordaje y
comprensión de otras ramas de conocimiento.
El teatro es un arte total que nos invita a reflexionar sobre los grandes
temas, nos alienta a sentir, a reír, a llorar, a empatizar con lo que pasa
sobre las tablas en un tiempo único y efímero, imposible de capturar o
piratear.
En cuanto al I.V.A y los recortes, dejaré palabras de uno de los
Grandes, para no repetir lo que todos ya sabemos: “Un pueblo que no
ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo”-
Federico García Lorca.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Estuve viendo John de DV8 en los Teatros del Canal. Son unos
“bestias”- ¡que manera de contar! Me preguntabas por referentes, ellos
lo son, sin lugar a dudas.

¿Proyectos?…
Tengo una historia rondándome cada noche…si sigue así no me
quedará más remedio que escribirla. ¡Y a seguir luchando!

¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
¡Eso espero!
El tema está en qué consideramos combativo y contra qué queremos
combatir, no sea que acabemos siendo quijotes contra molinos de
viento… La palabra escrita tiene mucha más fuerza que la palabra
dicha, todos lo sabemos; pero la palabra escrita que se sube a un
escenario es un arma poderosa. Supongo que de ahí que haya tantos
intereses por mantenerla a raya.

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Needles and Opium de Robert Lepage en el Festival de Otoño a Primavera

Con un montaje altamente visual, a medio camino entre la magia y el teatro, Robert Lepage revisita, veinte años después de su producción original, Needles and Opium (Agujas y opio). Una nueva e impactante escenografía, imágenes originales y un acróbata en escena, complementan las palabras de Cocteau y la interpretación sensible e ingeniosa del actor Marc Labrèche. Robert Lepage nos tiene acostumbrados a querer dominar la técnica en escena y con ello controlar los actos del sueño…como dice al final del espectáculo y está al borde de la perfección efectista con mecanismos virtuosos pero con ello, no termina de conseguir emocionarnos. La historia del cruce de tres amores imposibles atravesadas de una serie de efectismos visuales no termina de pellizcarnos el corazón, en otras ocasiones ha conseguido mayor virtuosismo y sobre todo, no hay nueva propuesta en que consiga superar aquel poema inmenso que fue La Trilogía de los dragones, donde sin efectismo, nos hablaba, de manera sencilla, de la vida y la identidad, así, sin más.
Adolfo Simón

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga

Ablas¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.

¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.

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¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.

¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.

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FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA. ROBERT LEPAGE. COMPAÑIA: EX MACHINA.

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“Juegos de cartas 1: PICAS”
Compañía: EX – MACHINA
Dirección: ROBERT LEPAGE

Robert Legape ha presentado muchos trabajos en España a partir del estreno de aquella maravillosa experiencia que fue La trilogía de los dragones, unas con mayor acierto que otras. En este caso se presenta la que será la primera parte de un ciclo de propuestas a partir del juego… Juegos de cartas 1: PICAS. Esta producción está gestada aquí y participan en ella algunos profesionales españoles. Es un proyecto ambicioso que ha sido presentado sin estar rodado, tal vez habría sido más sensato presentarla para cerrar la edición de este año. Sería bueno que para futuras funciones revisase dramatúrgicamente la obra, hay demasiadas líneas de acción que se abren y se cierran precipitadamente para desembocar en el hotel donde transcurre el grueso de la acción. Técnicamente está a la altura de todos los espectáculos que ha dirigido últimamente, tal vez abusa de mucho cambio que hace perder poesía en la propuesta. Lo que hay que destacar por encima de todo es el equipo de actores y técnicos, literalmente se dejan la piel en escena.
ADOLFO SIMÓN