Confêrencia de Crinabel en el ciclo Una mirada diferente en el CDN
Alguna vez me he sorprendido con la boca abierta, en el patio de butacas, ante una obra contemporánea incomprensible y he pensado…»Debo tener una cara de tonto…». Más de una vez, me he preguntado, desde el patio de butacas, al ver la gran obra conceptual y transgresora del artista rompedor del momento…»¿Y qué me quiere contar este tonto?». Tenemos la mala costumbre de usar el lenguaje para expresar cosas negativamente haciendo alusión a peculiaridades de determinados grupos de población o para descalificarles. Hoy he asistido a la presentación de Confêrencia en el ciclo Una mirada diferente en el CDN, una propuesta de la compañía portuguesa Crinabel y he disfrutado con la inteligencia y la ironía con la que expresan sus intérpretes, con supuestas deficiencias psíquicas. A mí me ha parecido que por primera vez tenía sentido que usasen lenguajes clásicos con fórmulas contemporáneas para mostrar lo absurdo que es el hombre y la sociedad. Ellos trabajan muy en serio sobre lo que se quiere mostrar pero lo hacen con una ingenuidad y transparencia que adquiere un sentido total. Viendo este espectáculo me preguntaban con una gran sonrisa dibujada en la boca…»¿Por qué no ha estado programada esta obra en Escena Contemporánea o en el Festival de Otoño a Primavera?…¿Porque son «tontos» sus intérpretes?». No, los tontos sonlos que piensan que genial es igual a grandes efectos y provocaciones. Algún día se recuperará el rito sencillo de comunicar que siempre tuvo el teatro, de momento, la Compañía Crinabel lo hace: Gracias.
Adolfo Simón
Mano a mano de Magda Labarga en el ciclo Una mirada diferente en el CDN
¿Quién no se ha sentido patito feo alguna vez?…¿Quién no ha encontrado alguna vez las palabras apropiadas para expresar lo que siente?…¿Quién no se ha perdido en el silencio alguna vez y no ha podido decir lo que piensa?…Todos, sin duda hemos sido patitos feos, torpes con las palabras y confusos con los gestos. El ciclo Una mirada diferente en el CDN apuesta por mostrar experiencias escénicas que rompan las barreras entre los que se siente cisnes y los que nos sentimos patitos feos ante sus comentarios. Y la propuesta realizada entre Magda Labarga y Chistian Gordo es la prueba más exacta de que las barreras existen porque las creamos nosotros con nuestros miedos ante la mirada y el comentario del otro. En el fondo y en la forma no somos tan distintos, bastaría con encontrar un espacio común, un lugar donde las palabras y los gestos no sean un obstáculo si no un idioma, un mismo país común. Contar un cuento parece muy sencillo pero lo importante no es lo que se cuenta si no lo que se despierta en la imaginación de quién lo escucha. En Mano a mano nos cuentan cuatro historias con palabras, lenguaje de signos y con un idioma nuevo que nos sintoniza a todos, para no sentirnos diferentes e inferiores, para poder ser patoscisnes.
Adolfo Simón
La Danza de la Muerte de Strindberg en la Puerta Estrecha
En La Danza de la Muerte, Strindberg muestra a dos personas marginadas, que viven aisladas en una isla y al margen de la población. Un matrimonio burgués de dos fracasados: él, un militar dejado de lado en los ascensos, y ella, que ha abandonado una carrera teatral, probablemente muy mediocre. Tras años de vida en común, no tienen ya nada que decirse; están muertos en esa casa que más parece una cárcel o un panteón. Llega de visita un tercer personaje y su presencia es recibida como una bendición del cielo. Hay posibilidades de conversación; esposa y esposo encuentran en él un interlocutor para confiarle el infierno en que viven. Este infierno arrastra a la visita, que se ve envuelta contra su voluntad en aquel remolino de miserias. Y para no sucumbir, huye. La vida en esa casa, como forma simbólica de los juegos de la imaginación, seguirá su curso, ya sólo viviendo en apariencia, parasitariamente. En la propuesta de la Puerta Estrecha se nos conduce al laboratorio en el que se diseccionan las relaciones de los personajes, asistimos a un ritual macabro en el que la autopsia de la memoria de esos seres apartados del mundo es implacable.
Adolfo Simón
Lointain intérieur de la Compañía Le Théâtre du Cristal en el CDN
Lointain Interieur mezcla poemas, música en escena, magia y coreografías para hablar de un mundo complejo. El Théâtre du Cristal confronta el mundo del teatro con el mundo de la discapacidad con un doble objetivo: crear una estética nueva y fuerte dentro de la creación contemporánea, luchar contra la exclusión social de las personas con discapacidad o con enfermedades mentales, poniendo de manifiesto sus capacidades artísticas para el oficio de actor. Y su objetivo lo consiguen en esta propuesta intensa y comprometida en la que nadie está de adorno, todo el equipo se implica de la misma manera para conseguir un resultado sin fisuras, totalmente profesional.
Adolfo Simón
“Tú no, princesa” en Peluquería Garret
“Tú no, princesa” es una mirada a tres mujeres en tres momentos diferentes de su vida, la obra se divide en tres secuencias entre los que transcurren veinte años. Ellas son Carla que interpreta Jaime Zataraín, una peluquera transexual enamorada y rechazada, a la que el espectador verá conquistar el amor y el respeto a lo largo de esas dos décadas; su amiga Alfonsi, ama de casa abnegada, sufridora, sacrificada y frustrada a la que da vida Juliana Sesmero y su hija Alba, un personaje que nos muestra la influencia que provoca en los jóvenes la televisión y la idea de triunfo rápido, a este personaje, Ana del Rey, da gran credibilidad, tanto de niña como de adulta. El escenario siempre es el mismo, la peluquería en la que el tiempo va transformando el calendario y la vida de estos entrañables personajes. La pieza está dirigida por Olga Iglesias que al frente de Efímero Teatro se plantea propuestas no convencionales como esta, en la que el salón real de una peluquería, en este caso el Centro de Estética Garret, se convierte durante una hora en un espacio a medio camino entre la vida y el teatro.
Adolfo Simón
Aires de Zarzuela en el Centro de Arte Fernán Gómez
Aires de Zarzuela es un recorrido por una cuidada selección de algunos de los mejores momentos musicales del gran género lírico español. Romanzas, dúos y danza, nos acercan los aromas de aquellas calles, de aquellas flores, de aquellos recuerdos y amores que reviven gracias a compositores como Vives, Moreno Torroba, Chueca , Sorozábal, Chapí, Bretón… Si bien la selección musical es acertada y bien ejecutada al piano, el planteamiento dramatúrgico de mostrar el ensayo de las piezas para dar lugar a que una escena de el relevo a otra, no termina de funcionar porque crea cortes en el ritmo y no da claro sentido a que los intérpretes sean solo cuatro, acompañados de dos bailarines. Una propuesta demasiado ligera para el material que hay en juego.
Adolfo Simón
«Solo Fabiolo» en el Alfil
¿Existe el cabaret pijo? Sí, ¿sabes? yo lo he visto. Como te lo cuento: se lo ha inventado Rafa Maza y nos lo demuestra en el teatro Alfil. ¿Puede un pijo ser provocador, crítico, malabarista y africano a la vez? Sí, tía, Fabiolo puede ponerte tu cara de choni roja en dos palabras, puede meterse con tu camisa floreada de hipster y puede hacer malabares con sus pelotas…de tenis, oyes. ¿Son los pijos los más atrevidos y dicen las cosas como son o no se dan cuenta de las verdades que pueden decirte a la cara?
Si quieres pasarlo de muerte con Fabiolo y sus amigos, los más selectos, en un espectáculo que roza lo esperpéntico y lo políticamente incorrecto, solo tienes que acercarte a verlo con tus amigos (llámalos con tu smartphone, cari), eso sí…no cojas el metro…vente en tu Cayenne.
Luis Mª García.
«Fósil» de la Compañía Alta Realitat.
Dentro de «Una mirada diferente» del CDN se ha estrenado esta abra dirigida por Jordi Cortés y que nos hace reflexionar sobre nuestro espacio privado y el público.
En el día a día de nuestra comunicación hemos ido construyendo nuestro mundo, nuestra personalidad y hemos ido poniendo barreras a los demás. ¿No las ven? Esas gafas de sol, para ocultar nuestra mirada; esos tacones altos, para estar por encima de los demás, las mascarillas, que evitan un «contacto aéreo» de contagiosas enfermedades; los auriculares que todos llevamos en el metro para escuchar nuestra música favorita y no esos desafinados acordeones que nos piden limosna… sí señores, es así, y lo hemos hecho nosotros…Pero ¿y si las barreras vinieran dadas obligatoriamente por nuestra condición física? Ser ciego, sordo, cojo, parapléjico…no se elige, no se construye… ¿Han probado ustedes a sentirse como un ciego en el medio de una gran ciudad? ¿Cómo se baila con una silla de ruedas? ¿Cómo canta un mudo? Inténtenlo: A más de uno le darán ganas a partir de esa experiencia de estampar sus Ray Ban contra el suelo, desnudarse y salir corriendo a ver el sol.
Juegen, experimenten, profundicen en esto y… ¡bájense de esos ridículos tacones!
Luis Mª García.
En contrucción en Teatro del Arte y Las hermanas Rivas en Cuarta Pared
La familia ya no es ese espacio que nos protege del mundo, la familia es el país al que uno se adscribe cuando se queda sin horizonte. Y tiene su peligro porque puede crear monstruos que al final nos devoren. En la pieza En construcción, una pareja abandona su país de origen, dejando atrás el vínculo profundo con sus familiares, con su origen, a la búsqueda de un futuro que les permita vivir en este mundo a la deriva. Poco a poco se va desdibujando la foto familiar para ser sustituida por una nueva, compuesta de amigos encontrados durante el trayecto; serán importantes en los momentos difíciles pero al final, solo se construye un edificio melancólico, frágil al derrumbe. Las hermanas Rivas son siamesas sin serlo, viven la vida y las emociones de la mano, cuando un hombre irrumpe en sus vidas hay que ubicarle entre las dos, como ese jarrón que adorna el día a día debajo de la ventana, pero todo tiene su tiempo y sentido…al final, la familia creada entre los tres no dará como resultado lo deseado, por tanto, hay que volver sobre los pasos andados, llegando, para ello, a una situación límite y sorprendente.
Adolfo Simón
La CND se despide en Punta’s del teatro de la Zazuela
El programa que ha presentado la CND, del que ya hemos hablado en otro artículo, ha mejorado con el tiempo, como el buen vino. Por hacer una breve reseña, podemos decir que una reordenación del repertorio, empezando por «Who Cares», provoca ya en un principio una visión diferente de la propuesta «en puntas» de José Carlos Martínez y hace que entremos más positivamente en la propuesta. Lacarra y Dino, los artistas invitados, son lo mejor de la noche con diferencia con «La dama de las Camelias», que ha sustituido a «El lago de los cisnes» que pudimos ver en el Real.
Se ha incluído la apuesta por un coreógrafo de mayor proyección como es William Forsythe con su pieza «Herman Schmerman» que redondea un programa que andaba más cojo que de puntas.
Luis Mª García.
Sorolla del Ballet Nacional de España
Cada década y no siempre, aparece un espectáculo que marca un antes y un después. Nuestro baile y folklore propio ha tenido a lo largo de la historia nombres geniales que han creado piezas que siguen siendo actuales hoy en día. Nombres, conjuntos, bailes emblemáticos los hubo muy buenos. Lo que no es habitual es que un espectáculo ralle la genialidad en su conjunto, consiguiendo hacer un recorrido que respeta las raíces y las presenta en un marco de modernidad exquisito. Antonio Najarro se ha propuesto el objetivo de renovar y dar internacionalidad a nuestro acervo popular y a este paso, va a conseguir mucho más, logrará que el público recupere el placer y las ganas de ver nuestros bailes, de escuchar nuestras músicas y de ver a nuestros bailarines mostrando virtuosismo en escena. Sorolla no solo es un merecido homenaje al pintor de la luz si no que es también, un aliento importante para el Ballet Nacional de España que no terminaba de encontrar la personalidad propia que esta compañía merece y precisaba. De manera inteligente, el director ha sabido rodearse de la compañía de unos profesionales de primer orden internacional… Ha conseguido que Franco Dragone se encargue de realizar una puesta en escena en la que fusiona de manera perfecta el recorrido de los bailes de nuestra geografía con una escenificación de una belleza y sensibilidad deslumbrante, a la altura del pintor que se homenajea. Las coreografías de Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y del propio Najarro tienen el aroma de antaño al tiempo que el ritmo y la belleza del presente. La música creada por Juan José Colomer es bella y potente y el vestuario de Nicolás Vaudelet es respetuoso con la tradición pero lleno de detalles que modernizan y embellecen las estampas del paisaje de nuestra historia dancística. El espacio escénico y la luz completan un universo pictórico insertado con unos audiovisuales que fluyen de los marcos en perspectiva donde van desgranándose baile a baile, con una fluidez que sorprende, como si cada danza diera, de manera lógica, el relevo a la siguiente. Una figura en blanco, el color que contiene todos, va acompañando cada estampa, observando el transcurrir del tiempo del baile, disfrutando del grupo de intérpretes que, más que nunca, se dejan literalmente la piel en escena. Durante mucho tiempo, se oirá hablar de este Sorolla del Ballet Nacional de España.
Adolfo Simón
Les Follies París-Berlín-New York en el Teatro Alfil
El Burlesque ha sido y sigue siendo una respuesta artística a los tiempos de crisis y a las épocas de cambio social. Así fue en el París de finales del XIX, en los “locos años 20”, en el Berlín de entreguerras y en la euforia americana de la post guerra. Cristiane Azem nos propone un recorrido sátiro, sexy y colorido por la evolución del burlesque: de la bohemia parisina de la Belle Epoque a la locura de los años 20, entre flappers y Charleston; de ahí a la sátira y sordidez del Cabaret Berlinés, entre muñecas rotas y ritmos militares; y finalmente al swing, al jazz y al rock and roll de las Pin-Ups y los musicales de Bob Fosse. Ambicioso objetivo se proponen este grupo de artistas, recorrer el siglo XX en dos horas de espectáculo y aún así, hay momentos deliciosos en la propuesta, sobre todo a partir de la aparición de la emulación de la mítica Jhosepine Baker y su célebre traje de plátanos, a partir de aquí, los momentos de solos o pocos componentes tienen fuerza, los de grupos grandes pierden fuelle. El vestuario es delicioso.
Simón Ribes
Wozzeck en el Teatro Real
El Teatro Real ofrece entre el tres y el veinte de junio las funciones de Wozzeck, obra fundamental del repertorio lírico de todos los tiempos cuyo autor, Alban Berg, se basó en el texto dramático del escritor Georg Büchner de quien se conmemora este año el bicentenario de su nacimiento. La dirección escénica, enigmática y sorprendente es de Christoph Marthaler que trabaja por primera vez como director en el Real. Hay un reparto de lujo para este nuevo estreno, entre los que destacan Simon Keenlyside como Wozzeck, Nadja Michael como Marie y los tenores Jon Villars, Gerhard Siegel, Roner Padullés junto al bajo-barítono Franz Hawlata. Sylvain Cambreling es el encargado de la dirección musical de esta nueva visión de Wozzeck en la que participan cerca de dos centenares de intérpretes entre solistas, actores, dos coros y una gran orquesta. La obra de Büchner es una pieza fundamental en el puente dramatúrgico entre el teatro romántico del siglo XIX y la modernidad del siglo XX. Obra inconclusa, ha atraído a muchos creadores para indagar en ese misterioso libreto, la ópera no podía ser menos y Alban Berg consigue completar el texto con una música excepcional. Este material ha provocado múltiples puestas en escena operísticas, la gran mayoría de las veces se han decantado por la espectacularidad, dejando de fondo la historia del primer anti-héroe de la historia del teatro. Aquí, Marthaler, opta por un montaje en dos planos, en el primero, un hangar a medio camino entro lo festivo y lo psiquiátrico donde los personajes vagan perdidos en el tiempo y al fondo, un espacio de atracciones infantiles donde los niños aprenden a jugar a la guerra. La imagen final es espeluznante y da sentido totalmente a esta visión de hombre de hoy imaginada por el director.
Adolfo Simón
Poder Absoluto en el Teatro Bellas Artes
Un prestigioso político aspira a la presidencia de su país. Todo está a su favor. Todo menos algún trapo sucio, todavía por lavar. Un joven y ambicioso miembro del partido le ayudará en esta misión. Pero en política nada es gratuito, nada suele ser lo que parece. Un trepidante thriller político que se sumerge en el mundo de la corrupción, desenmascarando la realidad de la vida pública política. Viendo esta obra, en estos tiempos de descrédito político, es terrible la sensación que nos queda de que nos tratan como a tontos desde el poder. La trama va desgranándose poco a poco, desvelando las caras ocultas de los personajes. Tiene la duración precisa para mantener atrapado al espectador.
Simón Ribes
¡Marx en Lavapiés! en La Puerta Estrecha
Benjamín Jiménez de la Hoz ha escrito un texto sobre el recorrido vital por los acontecimientos más significativos ocurridos en la vida de Marx, provocando encuentros con otros personajes que nos muestran su humanidad e ideología. La puesta en escena de Victoria Peinado Vergara sitúa la acción y a los espectadores en un café con aroma parisino que podría existir en Lavapiés, allí nos sumergimos en debates político-filosóficos en sepia…Conforme avanza la acción y el recorrido ideológico, el color de las fotografías y la indumentaria de los actores va mutando para acercarnos al presente, a colores más vivos pero a la misma frustración por no poder hacer realidad esa utopía del hombre dueño de sí mismo y no esclavo de otros. Como acostumbra el espacio de La Puerta Estrecha, nos invitan a participar de propuestas escénicas que van más allá de la representación en sí, la razón de su existencia combativa es dar opción al público de encontrar belleza pero también discurso. ¿Qué pasaría si Marx saliese a tomar cañas por Lavapiés?…Tendrán que ir a ver la propuesta de Turlitava Teatro.
Adolfo Simón
La Gente de Pérez&Discla en Cuarta Pared
Cuarta Pared está prestando atención en la programación de esta temporada a proyectos que tienen un hilo directo con la realidad que estamos viviendo…Recortes, Teatro x Alimento y ahora La gente. En La gente, se simula teatralmente una reunión en la que hay que debatir y decidir un acuerdo de cooperación con el poder para mejorar las circunstancias de un colectivo. Desde el principio se nos sitúa en un plano de igualdad física y con posibilidad de opinión pero cuando surgen dudas y preguntas desde los «no» actuantes, hay poco espacio para ello, todo está muy medido y cuadriculado escénicamente, tal vez así pasa en la realidad y los que parecen interlocutores que van a darnos espacio de expresión, no van a darnos lugar. La burocracia se instala en este espacio que de alguna forma representa, en pequeño, a la sociedad. Y aunque hay voces discordantes, el cauce democrático cada vez está más seco, con menos esperanzas posibles de obtener los derechos que merecemos. Aunque hay momentos de humor, el desarrollo de la reunión escénica, va creando amargura en nuestra garganta, poco a poco vamos descubriendo que no hay salida, que las estructuras macro y micro de la sociedad, están enfermas de lo mismo, de…Sálvese quien pueda!.
Adolfo Simón
Safronia en La Casa de la Portera
Safronia podría ser un país creado dentro de un bunker tras un cataclismo económico y existencial. ¿Qué queda en el ser humano cuando es atrapado en la celda de sus miedos y fantasmas?…fragilidad, impotencia…vacio. Las cuatro mujeres uniformadas de una ideología nueva, se reflejan unas en las otras, tratando de conseguir encontrar respuestas mirando el pasado. Pero el virus del caos acecha y la oscuridad invadirá el lugar donde habitan…Las cámaras de seguridad quedarán por siempre en negro.
Adolfo Simón
Olga Pericet, Jesús Fernández y «El Muñeco» en Suma Flamenca
El Corral de la Morería acoge en su tablao a dos jóvenes bailaores que ya tienen mucho que enseñarnos: Olga Pericet, Premio Nacional de Flamenco «Pilar López» y Jesús Fernández. Están acompañados por la guitarra de «El Muñeco».
Pericet nos trae a un tablao tradicional su flamenco renovado y contemporáneo, algo que es difícil de ver en los típicos tablaos. Lo que más nos atrae de Olga es su magnetismo reposado. No hacen falta grandes afectaciones para transmitir la tensión y sufrimiento de una soleá y ella lo demuestra constantemente. Aunque está acostumbrada a coreografiar para escenarios más grandes puede recoger su baile en un pequeño tablao y seguir transmitiendo su sentimiento de la misma manera. Una oportunidad para ver a esta bailaora que, entre otras colaboraciones, fue artista invitada del Ballet Nacional de España en la producción de 2012: “Ángeles Caídos”.
Jesús Fernández también está en esta línea de expresividad contenida del quejío flamenco y demuestra que la técnica y la sencillez en la ejecución no restan puntos a la hora de transmitir la esencia del flamenco. Se ha dicho de él que sabe envolver la armadura de su baile con la intención precisa… y yo estoy de acuerdo.
Juntos y con el respaldo del equipo de El Corral nos ofrecen un espectáculo con el tiempo y actuaciones justas para disfrutar de una buena noche flamenca.
Luis Mª García
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- Jesús Fernández
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet
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- Olga Pericet y Jesús Fernández
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- «El Muñeco»
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- El Corral de la Morería
Luma, cirque of light
El principio de todas las cosas, parece ser que fue la luz y el inicio de los organismos vivos…un átomo. Luma, cirque of light tiene una estructura cíclica que empieza con un punto de luz que irá creciendo y formando cuerpos…organismos escénicos que fascinan por su espectacularidad y magia. La música enlazada con la luz nos transporta, gracias a la técnica de luz negra, a paisajes inauditos, a mundo soñados, donde el movimiento en el aire crea un efecto virtual sorprendente en cada pieza del puzle plástico teatral que se dibuja ante nuestros ojos. Un grupo de actores acróbatas se mueven en la escena como sombras que provocan mil y un mundo de ensoñación.
Adolfo Simón
Broche de oro para cerrar el Festival de Otoño a Primavera
Tras visitar hace apenas dos años España con La comedia de los errores y Ricardo III, metiéndose en el bolsillo a espectadores y críticos, la formación británica Propeller, especializada como nadie en la interpretación de las obras de Shakespeare, regresa de nuevo a los escenarios madrileños con dos nuevas producciones: Twelfth Night (Noche de reyes) y The Taming of the Shrew (La fierecilla domada). Una de las mejores comedias de amor y enredo de Shakespeare, Twelfth Night (Noche de reyes), narra una enrevesada historia de confusión de identidad, transformación y decepción. Con un hombre interpretando a una mujer disfrazada de niño, ilusión y realidad son casi indistinguibles en la isla de Ilyria ideada por Propeller. Oscura y encantadora, la obra se pregunta sobre lo que ocurre cuando te enamoras de la persona equivocada, y la respuesta es al mismo tiempo hermosa y agridulce.
El estreno absoluto de Twelfth Night (Noche de reyes) tuvo lugar en el Belgrade Theatre de Coventry el 8 de noviembre de 2012. Habitualmente, esta obra se representa con aire de vodevil, de líos entre unos que van y otros que vienen, entre los intereses de los que mandan y la aceptación del juego por parte de los que obedecen, sin embargo, en esta propuesta de Propeller aparece un inquietante atmósfera en la que el juego de travestismos y máscaras, agudiza la sensación de confusión sobre lo que se desea realmente.
En The Taming of the Shrew (La fierecilla domada), dos clamorosos pretendientes disfrazados compiten por la mano de la hermosa Bianca, mientras Petruchio, en busca de la fortuna de su progenitor, accede a contraer matrimonio con su malhumorada hermana Catalina. Una historia insolente, brutal y oscuramente cómica, en la cual la diferencia entre casarse por amor y casarse por dinero parece cada vez más difícil de juzgar. Shakespeare escribió probablemente The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) entre 1590 y 1591, casi al principio de su carrera, y Twelfth Night (Noche de reyes) en 1601, en su época de mayor apogeo, más o menos al mismo tiempo que Hamlet. Sin embargo, ambas comedias abordan temas comunes como el amor, el matrimonio, la transformación y las decepciones que la verdad revela. Ambas obras exploran de forma hermosa cómo el estar enamorado de la persona equivocada hace que afloren los verdaderos sentimientos, al tiempo que nos incitan a examinar qué es lo que realmente nos hace alcanzar la felicidad. El estreno absoluto de The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) tuvo lugar en el Teatro Real de Norwich el 24 de enero de 2013. En cada adaptación que se ha hecho de esta obra, aparece el pulso divertido entre la fierecilla y el domador, aquí, en cambio, dan un giro a ritmo de musical de jazz para mostrarnos la dureza que los hombres ponen en juego cuando su deseo se cuestiona.
Ha sido un broche perfecto para cerrar este Festival que ha ido apareciendo y desapareciendo de la cartelera, dándonos pequeños placeres puntuales.
Adolfo Simón
Por tres en Microteatro por dinero
Este mes, en Microteatro, la cosa va de Por tres que no necesariamente han de ser tríos. Tanto en las sesiones golfas como en las de tarde, hay un denominador común, este mes no hay nombres famosos como reclamo, hay propuestas diferentes y provocadoras de las que tal vez surja la cantera futura del proyecto de Loreto y Chicote. A destacar…Princesas de cartón, Esto es ser padre, ¿Quién mató a mi cuñado? y 80 metros cúbicos, esta última, con una sorprendente utilización del espacio de la sala 5. Acudiendo a Microteatro, se comprueba que la creatividad sigue viva.
Adolfo Simón
La noche toledana de Lope de Vega en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
No hay nada más placentero para los que nos dedicamos a las artes escénicas y para el público en general que salir de un teatro donde hemos asistido a un espectáculo lleno de ingenio y belleza, de suerte dramática y aciertos escénicos. Sin duda, la gestión de la nueva dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico está midiendo cada paso que da para que sume y no reste. La presentación de la Joven Compañía no podía ser más acertada…Un grupo de actores entregados, disfrutando de lo que hacen, llenando de vida cada momento y verso. Y un equipo artístico, liderado por el director de escena Carlos Marchena que con un montaje sencillo y moderno, nos deleitó durante casi dos horas. ¡Larga vida a la joven Compañía!.
Adolfo Simón
Atlas en operadhoy 2013
Atlas-Islas de utopía/Inseln der Utopie(2011-2013). Ópera -Instalación de José M. Sánchez-Verdú para cinco solistas vocales y doce instrumentistas…
Bosque de sonidos…
Paisaje de voces…
Mapa de cuerpos y ecos…
Un trabajo inquietante y sugerente que envolvió al público y al tiempo le proponía surcar entre las notas musicales y las voces. Sin duda, un cruce de creación contemporánea.
Simón Ribes
SEXPEAREMENTE en el Teatro Alfil
SeXpeare, una compañía teatral con más de dieciocho años de trayectoria, se ve obligada a actuar en un pequeño escenario de apenas un metro cuadrado, tamaño que evidencia los actuales recortes económicos y artísticos a los que ha sido reducida la cultura. Sus dos miembros, los actores Santi y Rulo, se transforman en los personajes “Santi y Rulo” y representan todo su periplo teatral hasta llegar a esta situación. Y así, nos llevan desde sus comienzos cabareteros pasando por su etapa en los grandes teatros hasta llegar al “cataclismo actual” en un viaje que mezcla ficción y realidad, verdades y mentiras, y en la que personajes, autores y actores dialogan sobre teatro, y se preguntan: ¿Es la calavera de Lorca la que sostiene el joven Hamlet? Todo esto y mucho más… con mucho humor evidentemente, o mejor dicho: SEXPEAREMENTE. He visto casi todos los trabajos de la Compañía SeXpeare y algunos de los trabajos que cada uno de sus integrantes han hecho en otras producciones y siempre aparece una peculiar manera de interpretar, de estar en el escenario, a medio camino entre la gamberrada y el compromiso. En cada uno de sus trabajos anteriores había mucho disparate y juego, algo esencial en el teatro. Aquí, dan un salto cuantitativamente para construir un espectáculo que viaja por la experiencia escénica de la Compañía para situarnos en la realidad terrible que todos estamos viviendo, el arte incluido. Provocan risa pero también reflexión, con grandes toques poéticos. Han prorrogado en el Teatro Alfil hasta finales de julio, no se lo pierdan, no les defraudarán.
Simón Ribes
Que Revienten los Artistas 
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