Raquel i Rachid en el Teatro del Barrio
En un día de huelga general, Raquel, una joven profesora de castellano en un centro de adultos se encuentra sola en el aula con Rachid, un alumno marroquí. En tiempos convulsos, y movidos por el deseo de saber más del otro, aflorarán sus diferencias culturales, religiosas y todo lo que les enfrenta. Raquel y Rachid nos llevan así de la mano por el mapa de su intimidad compartida, con una carga de humanidad que no deja indiferente a nadie. En la línea comprometida de programación del Teatro del Barrio de Madrid, se ha presentado este trabajo sencillo y dialogante donde lo que importa es limar las diferencias que instalamos en las relaciones cuando, es mucho más, lo que nos une que lo que nos diferencia. Teatro para la convivencia.
Adolfo Simón
Confesiones de María de Soledad Oviedo, teatro dentro de un escaparate
Esta ciudad de Madrid nunca deja de sorprenderme, cuanto más se le ha puesto contra las cuerdas, más capacidad de reinventarse ha tenido, gracias, en parte, a los inquietos artistas que siempre buscan opciones diferentes para desarrollar su creatividad y mostrar su obra. Muchas fórmulas de teatro breve hemos visto ya en nuestra ciudad, creo que no hay un rincón donde se haya podido llevar a cabo una representación de formato diferente. Pero faltaba algo tan especial como lo que se está mostrando en el espacio El cinco de Velarde… Teatro en un escaparate. Si, ya sé que hace años, La Cubana hizo unas acciones performáticas en algunos escaparates de la Calle Preciados pero aquí es otra cosa. En este exquisito trabajo, hay varios planos poéticos, por un lado, el lugar es curioso, un espacio que tiene el aroma de otro tiempo para usos de hoy…Y en él, hay un gran escaparate que da a la calle, en el que sus paredes están tapizadas con una tela vintage que nos sitúa en un tiempo sin tiempo…y pretende recrear esas habitaciones de hotel recreadas para la secuencia de una película de David Lynch…Y ahí, como surgida de ese tapizado, una joven frágil que navega en una ensoñación donde sus recuerdos se mezclan con lo que ocurre en la calle, al otro lado del cristal. Esta peculiar propuesta es para un solo espectador, antes de entrar se nos facilita una pequeña maleta que será nuestro equipaje para ese momento íntimo con el personaje. Confesiones de María está interpretado por la propia autora y dirigido con delicadeza por Carmela Lloret… Pocas veces he tenido la sensación de ser el protagonistas de una historia, aquí, la joven te hace sentir que eres especial y necesario para que sus pensamientos existan…Tal vez en su cabeza. Y a la vez, los transeúntes van pasando por delante del escaparate y asisten, atónitos, a lo que pasa en el interior del escaparate, sin saber qué historia se está fraguando dentro. Creo que solo estarán unos días con esta propuesta, no dudéis en vivir la experiencia de ser voyeur y material mirado por otros. Más info en: escenasdeescaparates@yahoo.es
Adolfo Simón
La cantera, exploraciones teatrales x 2
Hay una compañía teatral, inquieta, que produce con asiduidad y cuyo nombre es muy significativo: La cantera exploraciones teatrales, dirigida por Jorge Sánchez. Un espacio donde se abordan dramaturgias contemporáneas de creación propia o a partir del trabajo con autores. En estos momentos, hay dos espectáculos que se pueden disfrutar en la cartelera madrileña. Los jueves, en el Teatro Lara, se representa Famélica de Juan Mayorga, un experimento dramatúrgico desarrollado a partir de la escritura paralela del autor Juan Mayorga sobre el proceso creativo. Pocas veces, un dramaturgo puede escribir a pie de escenario o en los ensayos, suele hacerlo en su gabinete de trabajo y el material resultante, siempre es más frio que si se cocina entre bambalinas. Famélica nos introduce en un mundo laboral donde no hay límites ni control para el abuso y manipulación de sus integrantes, algo que resulta demasiado reconocible hoy en día. Esta propuesta es de formato grande y reparto amplio…NIEVE DE MEDINA, JUANMA DIEZ, XOEL FENÁNDEZ y RULO PARDO. Y al tiempo, en el particular espacio teatral: La puerta estrecha, los fines de semana se puede disfrutar de un plato escénico muy distinto, una creación entre las actrices… MARTA CUENCA y SAUCE ENA y el propio director. Un trabajo de una poética muy especial…Raíces Trenzas en la que, un juego de espejos y bucles dramáticos, nos traslada a un universo mágico trufado de personajes que mutan y se transforman ante nuestros ojos. Un teatro que no es fácil de encontrar en nuestra ciudad, una apuesta por encontrar un personal lenguaje teatral que va configurando, a esta compañía, como una de las más interesantes de nuestra Comunidad.
Adolfo Simón
Todo irá bien de José Manuel Carrasco en el OFF del Teatro Lara
Todo irá bien de José Manuel Carrasco en el OFF del Teatro Lara nos presenta a Pilar, una cajera de supermercado que tiene una “relación” con su encargado, Miguel, el que fuera el chico más popular del instituto. Carmen es la mejor amiga de Pilar. Luis iba al instituto con todos ellos, pero ninguno le recuerda. La acción se desencadena cuando Miguel anuncia a Pilar que se va a casar con otra, al mismo tiempo que la despide del supermercado por los recortes. Todo esto en el día de su cumpleaños…La obra habla de la incertidumbre, el sentimiento de desubicación, el amor, el desamor, el auto engaño, el paso del tiempo y las expectativas no cumplidas. Pero con humor, con mucho humor…Y es verdad, uno sale del teatro con la sensación de haber oído hablar de lo que a todos nos preocupa o nos pasa en el día a día. Esas pequeñas tragedias tan difícil de resolver y que nos impiden ser un poco más libres. Pero con humor y se agradece, porque el humor es una manera inteligente de pensar y si en la obra no todo va bien, al salir uno intenta que todo vaya a mejor.
Adolfo Simón
«Fortune Cookie» de José Manuel Mora en el CDN
Producto de la colaboración de Laboratorio Rivas Cherif (CDN) y el Laboratorio de Creación (LAZONAKUBIK), «Fortune Cookie» aborda el ritmo vital trepidante del individuo de hoy, a merced de estímulos externos, y la paradójica consecuencia de olvidarse de vivir.
Carlota Ferrer dirige este texto de José Manuel Mora en el que las trayectorias vitales de diferentes individuos se entrecruzan en un marco de crisis existencial. Un interesante trabajo corporal, que incluye coreografía de artes marciales, y una fuerte apuesta estética oriental sientan las bases de una ambiciosa dramaturgia que aglutina en una tormenta de nieve las dispares circunstancias de los personajes: la incapacidad de amar que instala al individuo en vacías aventuras pasajeras, la inhumana situación de discriminación de las niñas en China, VIH y la necesaria protección en las relaciones sexuales y un largo etcétera de temas dignos de un gran cenital propio.
El título del trabajo se corresponde con el de una obra que uno de los personajes, Rosalba (Esther Ortega), quiere producir y distribuir como último esfuerzo desesperado por recuperar el amor de su vida. Al mismo tiempo, el personaje Autor (Joaquín Hinojosa) incluye en «Fortune Cookie» reproducciones de conversaciones y situaciones reales. Lleva el teatro a su realidad también como solución a su crisis.
Entre otras cosas, en «Fortune Cookie» se lee una llamada a la libertad y fuerza vital que el teatro ofrece como ningún otro espacio.
Actualmente, hay una creciente tendencia a refugiarse en la filosofía oriental como escape de la hiperestimulación que gobierna nuestras vidas, igual que, en momentos de enfermedad, muchas personas se acercan a la religión en busca de sosiego frente a la idea de muerte. ¿Estamos crónica y espiritualmente enfermos los que vivimos en la vorágine de actividad de este tiempo? ¿Es el teatro la religión que todos, sin saberlo, buscamos para purgar nuestros demonios?
Quique Rojas.
LAS PLANTAS de Pablo Messiez en el OFF del Teatro Lara
Tabaco, alcohol, restos de un habitual naufragio: HUÍDA.
Tristeza, soledad, miedo, confusión: VACUIDAD.
La oscura noche de Alicia da paso a un renovado día en brazos de una de sus verdes y silenciosas compañeras: LAS PLANTAS.
Tal vez no haya tregua en su decisión de descender al pozo profundo de la soledad interior, tal vez la batalla en busca de la verdad sea inaplazable… Acaso haya paz acunando los dolorosos recuerdos.
Sin luna, allí abajo la fuerza de la protagonista de esta íntima y lacerante pieza de Pablo Messiez, me enfrenta a unos oscuros ojos, suplicantes de amor, y tal vez yo quiera gritarles que el amor no se mendiga… Y en ese amargo bis a bis, aceptan llorar de tristeza, porque el llanto fue creado para liberar el dolor, lloran para que el dolor se vaya, para poder limpiar con su aceptación el pasado.
Sus manos en las manos de una guerrera Nina Simone que golpea el piano, acariciando el sufrimiento, porque nos volvemos mejores por las transformaciones debidas a las cosas que nos hacen sufrir.
Es todo tan efímero.
Ni siquiera en la protectora guarida del lecho hay estabilidad, ni permanencia y porque lo que cambia constantemente no puede ser el origen de la verdad, es errada la huída.
Alicia se pregunta acerca de qué hacer con el tiempo que le queda, y en una cómplice interpretación de Fanny de los Santos, galopan al encuentro de sí mismas, caminando resueltamente hacia el AMOR.
Paloma Martín
Tengo tantas personalidades que cuando digo TE QUIERO, no sé si es verdad a partir de textos de Max Aub en el Teatro Español
Un espectáculo nostálgico para inaugurar la sala que llevará el nombre del autor de los textos y que Jesús Cracio ha realizado dando un tono de cabaret literario similar a los que se hacían a mediados del siglo pasado, mezclando textos combativos con retazos poéticos que permiten un recorrido por las emociones y vivencias de un mundo entre la bruma. Los actores, acompañados de una pianista en directo deambulan por ensoñaciones y situaciones intimistas que nos muestran la otra cara de la realidad de una sociedad que se asemeja mucho a la que vivimos hoy.
Adolfo Simón
Tríptico de la Igualdad
En el cierre del Festival Una mirada diferente se ha confirmado que todos somos más iguales de lo que creemos, que hay que apostar por romper de una vez la barreras y dejar de ver al otro como extraño y mirarle como un ser particular. Los tres espectáculos que pude disfrutar en el segundo fin de semana de la muestra me reportaron placer y vi riesgo que no encuentro fácilmente en la cartelera teatral y pude verlos porque estaban en este marco, tal vez, de otro modo, no habría tenido acceso a ellos. Es una lástima que el público y los medios se empeñen en catalogar los espectáculos cuando hay arte en los lugares más insospechados. Y tampoco deberían participar, los propios artistas, por muy particular que sea su poética y discurso, de ese encorsetamiento.
En Signos Encadenados de la Compañía El Grito, pude asistir a una versión de la obra de Jordi Galcerán con una traslación idiomática de gran riesgo ya que, la obra original gira alrededor del juego del lenguaje verbal y aquí, de manera muy inteligente, han traducido las palabras a lenguaje de signos. Pero, además, el montaje tiene una producción a la altura de cualquier espectáculo que se pueda ver en otros teatros de Madrid, interpretado con gran capacidad expresiva por María del Mar Piriz y Carlos Manuel Vázquez y dirigido con aplomo por José Luis Fernández Sánchez. Además, había subtítulos para seguir el texto, por tanto, teníamos valores añadidos…Un texto sugerente que podíamos leer y al tiempo ver su traslación a otro lenguaje…en un espectáculo poderoso…¿Me puede decir alguien qué diferencia hay entonces?… Ninguna.
En Corpo sobre tela del artista brasileño Marcos Abranches no asistimos a un montaje convencional, tuvimos la ocasión de vivir una experiencia sensorial y emocional. En la escena, este creador que, a ojos de otros sería una persona con problemas de motricidad, para mí, era un pincel vivo que transitaba por el escenario construyendo y destruyendo a través de la pintura, para la que su cuerpo, por momentos, era el propio lienzo en el que plasmaba sus emociones e ideas. Al terminar la performance pictórica, un silencio se instaló en el teatro y todo el patio de butacas se puso en pie. De nuevo, la belleza de lo diferente hacia presencia y trascendía a todo lo que habitualmente podemos ver en una exposición o teatro. ¿Alguien me puede decir si esto no es diferente sino excepcional?…Nadie.
La Compañía El Tinglao, volvía de nuevo a presentar su discurso combativo en la escena. Sus integrantes no han bajado la guardia en todos los años que llevan apostando para que sus trabajos estén realizados por personas con todo tipo de capacidades…Unas más evidentes que otras pero todas, llenas de energía y poder escénico. Aquí, en Frikis…Florencio Campo, Ángel Negro, Tomi Ojeda, Alberto Romera y Patricia Torrero nos introducen en un mundo fragmentado donde los obstáculos diarios, en cada momento o situación física o emocional, nos impiden comunicarnos profundamente.
Creo que, en siguientes ediciones, habría que llamar a este ciclo…FESTIVAL DE SERES ESPECIALES.
Adolfo Simón
La estrella de Sevilla de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla en Teatro Alhambra de Granada
Revisando sus producciones, resulta fácil reconocer que a Alfonso Zurro parecen atraerle de manera especial las obras en las que se encuentra presente una tensión entre la política y el ciudadano. Cuando escribe o dirige, es hábil a la hora de representar las diferencias sociales y cómo éstas influyen en la vida de los menos favorecidos. Por eso La estrella de Sevilla, atribuida habitualmente –aunque con no pocas reservas según qué filólogos- a Lope de Vega, viene al veterano director como anillo al dedo. La obra tiene una concepción de tragedia clásica, tan bien plasmada que puede perfectamente utilizarse para enseñar los patrones y recursos habituales del género. Ambientada en el siglo XIII, recoge las intrigas maquinadas por Sancho IV de Castilla al llegar a la capital andaluza para conseguir el favor de Estrella, una bella habitante de la ciudad. Ciego ante la belleza de la joven, hará todo lo que esté en su mano para acercarse a ella. Sus actos de abuso de poder constituirán el motor de la tragedia, que en el texto original están contados de una manera directa, cruda, sin filtros. En el desarrollo de esas intrigas ejerce el director el subrayado social al que yo aludía al principio. A quien, como a mí, le gusten estas obras que basan su tensión en las diferencias de poder, recomiendo un artículo que se puede encontrar fácilmente en la red: “La responsabilidad política en La Estrella de Sevilla”, de Miguel Ángel Auladell Pérez.
El montaje que se pudo ver esta semana en el Teatro Alhambra ha sido nominado en los premios Max como mejor escenografía y vestuario, y como espectador lo considero más que merecido. Curt Allen Wilmer consigue una escenografía bella en su simplicidad, efectiva en su sencillez. Esta Estrella de Sevilla de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla es una recomendación, sin duda.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Green Porno, Live on Stage (Porno verde, en vivo en escena) de Isabella Rossellini dentro de la programación del Festival de Otoño a Primavera
En la sala Verde de los Teatros del Canal hemos disfrutado de esta conferencia-espectáculo trufada de audiovisuales, pequeñas performances y juegos escénicos deliciosamente inteligentes. Cuando estamos cansados de oír la expresión «No es natural» o perderse, a nuestros dirigentes, en disquisiciones sobre si una pera y una manzana pueden cohabitar o no…Llega esta musa del arte que es Isabella Rossellini y llena el escenario de información concreta y documentada sobre la sexualidad de los animales. A lo largo de más de una hora y gracias al humor de la actriz, redescubrimos aquello que ya sabemos o no; y es que la naturaleza es mucho más inteligente que lo que pretende hacer el hombre con ella. Este espectáculo está recomendado a todo el mundo; no se pierdan la función ya que solo estará hasta el domingo…Pero, sobre todo, invitaría a que lo vieran todos esos seres intransigentes que piensan que el futuro del universo está en manos del macho y la hembra. Una lección poética y escénica imprescindible.
Adolfo Simón
Inseguridad social…y tal de Enrique Viana en los Teatros del Canal
Enrique Viana es un todo terreno del teatro lírico musical, creo que no hay un personaje tan particular en la escena culta de este país. Tiene conocimientos, técnica y experiencia para enfrentarse a cualquier proyecto de envergadura alrededor del bel canto y lo hace, pero también, de vez en cuando, aterriza en los escenarios con travesuras como la de este cabaret lírico-psiquiátrico en el que transita por cuplés, zarzuelas y óperas, dándole a todo un aire fresco, loco y transgresor.
Adolfo Simón
Fidelio de Ludwig van Beethoven en el Teatro Real de Madrid
La producción de Fidelio, de Ludwig van Beethoven, con dirección de escena, escenografía, figurines e iluminación de Pier’Alli, fue producida por el Palau de les Arts «Reina Sofía» en 2006. Ópera en tres actos con libreto de Joseph von Sonnleithner, revisado por Stephan von Breuning y Georg Friedrich Treitschke, basado en el libreto de Léonore, ou L’Amour conjugal (1798) de Jean-Nicolas Bouilly. En esta obra, que el compositor de Bonn consideraba “el hijo que me ha costado los peores dolores, el que me ha causado más penas; pero por ello también el más querido”, quintaesencia de su genio musical, la redención de un prisionero por la fidelidad y el valor de su esposa se transforma progresivamente, en lo dramático y musical, en un canto colectivo a la libertad y la esperanza del ser humano que recoge el ideario ilustrado de su autor. Y que se convierte, hoy más que nunca, tras un siglo XX que asistió a la muerte de las ideologías, en la utopía de aquellos que claman por esos mismos valores todavía por conquistar. Una puesta en escena sobria, acompañada de audiovisuales que dan dinamismo a los diferentes lugares donde transcurre la acción y en la que se generan atmósferas opresivas y tortuosas, allí, poco a poco, irá desapareciendo la niebla para que la luz del amor atraviese las tinieblas y permita que la tenacidad de los personajes consiga desbancar a la tiranía. Un espectáculo grandioso en un marco sin artificio.
Adolfo Simón
Diversidad en la diversidad.
Este lunes el Valle Inclán, santuario escénico de la diversidad, nos ha regalado un teatro inclusivo, sin aditamentos, una igualitaria propuesta que, desde la investigación, Desde un lugar inesperado, ha sido partero de la facilidad y la belleza artística de lo raro, en una edición más del Festival Una Mirada Diferente, alumbrado en 2013 por el Centro Dramático Nacional.
Incapacidad
Invalidez
Minusvalía
Inutilidad
Discapacidad
Dependencia,…
Ellos y ellas frente a nosotros y nosotras,
su dignidad o nuestro desprecio,
su problema o nuestra ceguera.
Diversidad en la diversidad.
Sociedades imperfectas imponiendo un modelo pasivo de funcionamiento físico, sensorial, mental, intelectual, sexual,… a seres humanos perfectos tal y como son. Nadie funciona de la misma manera: TODOS y TODAS tenemos una capacidad propia, una forma exclusiva de pensar, sentir y actuar,… una manera irrepetible de funcionar en la vida.
Pensar, expresarnos, movernos, actuar con libertad: esa es la verdadera diversidad, la verdadera igualdad. Lo “normal” es una ficción estadística al servicio de las mayorías desiguales, opresoras. La lucha por la dignidad del ser humano es reconocernos, amarnos en nuestra diversidad.
Alas en unas manos presentes en la ausencia; el peso muerto de la institución familiar en un andador, báculo de un hermoso cuerpo al que no ha sido posible negarle el movimiento, partículas de polvo en unos ojos que no quieren ver el desamor…
Vida en cada objeto, en cada átomo del espacio escénico
La existencia disfrutada con toda su plenitud
por cada SER ÚNICO Y DIVINO.
Paloma Martín
Tríptico Trágico: «Mirar a través del telón del tiempo»
¿Cómo debieron ser las representaciones de las tragedias en su tiempo?…Solo podemos especular sobre la forma y el sentido que tenían para la sociedad de entonces, lo que está claro es que, hoy en día, poco sentido tiene representar las obras de manera museística para mostrar el rito teatral y la función que tenían. Creo que el gran acierto del Teatro de la Ciudad ha sido el intento de averiguar, documentándose e indagando sobre aquel momento para tratar de responder a la pregunta de…¿Cómo habría que hacerlas hoy?…¿Cuál es la forma de hacernos llegar aquellas historias que siguen de plena actualidad?… El cruce de tres directores con poéticas distintas es un buen punto de partida porque garantiza contraste y diferencias en la manera de abordar este material. Las distintas fases que han realizado hasta la materialización de los espectáculos y los profesionales con los que han contado dentro y fuera de la escena, ha supuesto una inspiración que difícilmente habrían conseguido individualmente. Han recuperado la posibilidad de compartir con otros compañeros de viaje, las dudas y miedos en ese trayecto incierto que es la creación de una obra de arte. Por fin he podido ver las tres funciones resultantes, he estado atento a todo el proceso previo pero faltaba ver en qué se había materializado todo ello. Además de en las cuestiones artísticas, también se ha buscado un lugar común en la producción de esta experiencia y el elemento más visible es el espacio escénico único para las tres propuestas, un gigantesco telón negro que permite acotar el lugar de la tragedia, permitiendo que se vea lo que hay tras él; es la metáfora que resume este periplo…»Mirar a través del telón del tiempo».
Medea, la chamana de Andrés Lima
Aitana Sánchez-Gijón es Medea, ella es el elemento dramático que atraviesa la escena durante una hora y pico, transmutándose en los mil rostros de este personaje. Llega desde el patio de butacas, como si estuviese huyendo de una película de Rossellini y queda atrapada en las redes trágicas de la escena, ahí no tendrá más remedio que despojarse de las máscaras enquistadas a lo largo de todos estos siglos en su piel. Esta propuesta es la más ritualista, la que se apoya más en la narración épica y la catarsis física de la intérprete. Por momentos no reconocía a Aitana sumergida en esa fiebre chamánica con aroma de Medea Material.
Antigona, la crisálida de Miguel del Arco
Hay algo en el movimiento de los cuerpos en escena que me hacía pensar todo el tiempo en círculos rituales, como si se estuviera marcando el tempo en que se iba gestando la tragedia y la contaminación fatídica para la caída de todos los personajes al precipicio inevitable del horror. Prender la mecha de la injusticia obliga a que todos los seres dejen entreabrir sus impulsos más salvajes que terminarán devorando a todos sin piedad. Sobre el grupo humano está suspendida una flor maligna que trastorna sus comportamientos y que no permite la redención de ninguno de los habitantes de ese mundo de dolor.
Edipo, el anfitrión de Alfredo Sanzol
Buñuel está bajo la mesa ceremonial llenando de hormigas los zapatos de Edipo y sobre las cabezas de estos comensales malditos sobrevuela el ángel exterminador. Creo que la austeridad de la propuesta le va muy bien a la obra para que entendamos de manera profunda, hoy, lo que significa ser un invitado de piedra a la cena de su propio velatorio. La idea de coro como voces en canon y el reparto de roles según lo va necesitando la acción consigue que el cuento de este niño torpe que quiere huir de su destino para tropezarse con él a cada paso se vuelva transparente y hace que esta versión sea una de las más sorprendentes que he visto en mucho tiempo.
Espero que, el éxito conseguido en las funciones en el Teatro de La Abadía, ayuden a que la experiencia del Teatro de la Ciudad llegue hasta el último escenario de nuestro país y que vuelva en la próxima temporada para terminar de satisfacer a todos el público que no ha podido verlas.
Adolfo Simón
Tríptico sobre la diferencia
Este fin de semana pasado se ha inaugurado la programación de la nueva edición del Festival Una mirada diferente-Desde lo raro organizado por el CDN. Un programa sugerente, lleno de experiencias artísticas y talleres que se irán mostrando a lo largo de las dos semanas que dura el evento.
Para abrir boca, este fin de semana se han mostrado tres espectáculos de muy distinto formato y para público variado. De las manos de Teatro LaFauna nos introdujo en el mundo de la locura a través de un espectáculo de teatro de títeres de factura muy potente. El mundo de Irene de Afonix nos sumergió en la cotidianidad de las personas sordas. A través de los ojos y la inteligencia del personaje de Irene, nos muestran su peculiar manera de afrontar la vida, a través de canciones y humor.
La propuesta más arriesgada y que hace honor al título del Festival, fue If these spams could speak de Robert Softley. Más que una obra de teatro podríamos hablar del testimonio de vida de un ser especial que ha sabido hacer, de sus dificultades, una forma de estar en el mundo. Una mirada particular sobre la vida, con testimonios llenos de emoción y humor, tratando de dar visibilidad a lo que supone el día a día cuando tu pecho está cruzado con una cicatriz enorme y tu cuerpo reacciona de manera independiente a tus deseos. Una lección de coherencia ante un mundo que constantemente se queja sin motivo importante.
Adolfo Simón
Gira el mundo gira de Luis García Ferreras en Espacio Labruc
Vivimos en un mundo donde no hay lugar para los diferentes…Los chicos han de jugar a la pelota y no tener sensibilidad…Si alguien se sale de esta premisa, se quedará fuera de juego y perderá el partido. En esta pieza fragmentada se nos hablaba de estas pequeñas cosas, de la dificultad de ser en una sociedad que se mueve por el tanto tienes tanto vales.
Adolfo Simón
La mentira en micro
La escapada de este mes a Microteatro ha sido por una mentira, no por la que me hayan dicho si no porque el tema era este. Siguen fieles a la idea de mantener un nexo común entre las piezas que se presentan. No obstante, cada lema siempre es susceptible de ser tratado de múltiples maneras y esa es la gracia del asunto. No es el mismo tono el que se usa para las funciones de tarde que para las golfas…
Entre lo programado, he podido asistir a Me quedo muerta de Máxim Huerta, dirigida por Quino Farelo e interpretada por Josele Román y Fran Antón…La muerte es siempre una posibilidad de descubrir cosas ocultas en vida, aquí, los asistentes al velatorio se enteraron de lo que nunca habían sospechado.
Terapia de choque de Rafael Ruíz Pleguezuelos, Los machos te quieren puta en la cama de Alex Aguilá, El topógrafo del pánico de Alberto García y Very much thank you please de Michael Raphan subieron el tono de las mentiras transitando por mundos en los que la usurpación de la personalidad, el chantaje laboral, la sumisión sexual o el tráfico de intereses nos mostraban seres sin escrúpulos a la hora de conseguir sus fines.
Cada vez hay mejor ambiente en Microteatro, se ha convertido en un lugar de encuentro para charlar y tomar algo antes o después de cada pieza.
Adolfo Simón
1982, obertura solemne de Lisandro Fiks en el Teatro del Barrio
Hay obras de teatro que tratan sobre acontecimientos vividos por el autor y en otras ocasiones, los textos se escriben para descubrir qué fue aquello que no vivió y que no le permite conciliar el sueño. Cuando hay un agujero negro en la memoria es imposible respirar con tranquilidad, hay que tratar de descifrar los enigmas que provocan preguntas sin respuesta. En 1982, obertura solemne parece que todo ocurre en una tarde de lluvia cualquiera pero en realidad, hay una tormenta al acecho. Los personajes que se encuentran en una situación casual se manejan con todas las máscaras adquiridas a lo largo del tiempo, tratando de ser civilizados en su conversación y comportamiento pero… Ay! el animal está amordazando en los rincones de la memoria y si se le acosa, saltará al cuello del otro. Lo más interesante de esta propuesta, además de descubrir detalles de la guerra de las Malvinas es encontrarse de frente con la idea de que por debajo de las razones está el miedo rondando y que, al empujar las paredes del consciente, puede surgir el monstruo que llevamos dentro y que nos devore. Todos, al final, tenemos el pánico ante la pregunta de qué sería capaz de hacer yo en una situación así. Un viaje brutal al abismo de la sin razón.
Adolfo Simón
Oraciones de María Guerrero-Confedrama de Ernesto Caballero en el CDN
Suele ocurrir que, una propuesta escénica que surge con una función modesta, se convierta, precisamente por esa falta de ambición, en una deliciosa experiencia para quien la realiza y para los que tenemos la suerte de disfrutarla. Hasta el 4 de junio hay, en la Sala de la Princesa del CDN; espacio que nos ha deparado grandes hallazgos escénicos desde que abriera a tal efecto…Oraciones de María Guerrero-Confedrama de Ernesto Caballero. Un recorrido coherente por las diferentes formas textuales desde que la Guerrero era la referencia escénica del teatro en nuestro país hasta hoy, jugando con delirio todos los estilos literario-dramático que han ido apareciendo en este siglo. La evolución interpretativa y textual fue el material elaborado para una conferencia que se presentó en la Biblioteca Nacional. Por suerte, se ha trasladado a la sala pequeña del CDN durante dos semanas; creo que el boca a boca pedirá que se amplíen las funciones porque es un espectáculo didáctico, atractivo, divertido y ayuda a entender mejor nuestra historia de autores y cómicos. La puesta en escena es sencilla, la esencial para que las actrices hagan su trabajo. Y viendo a estas dos intérpretes fantásticas uno no puede dejar de pensar en el potencial fantástico que hay entre nuestras «mujeres de la escena» a las que se hace homenaje fotográfico a la entrada de la sala. Tenemos buenos actores en este país pero todavía tenemos mejores actrices y en esta función hay la demostración clara: Ester Bellver y Elena González hacen un ejercicio de ductilidad y juego exquisito que se convierte en una lección de amor al oficio al que pertenecen.
Adolfo Simón
Réquiem de Kaos Teatro en La Expositiva de Granada
Como parte del XVII Festival Internacional de teatro con títeres, objetos y visual que se celebra estos días en Granada, este fin de semana ha podido verse en La Expositiva Réquiem, la última propuesta de microteatro del veterano grupo Kaos Teatro, que cumple dieciséis años trabajando la representación con títeres, la escenografía y el teatro de calle. Se trata de un espectáculo de poco menos de diez minutos de duración, dotado de gran intensidad y belleza. Tiene calidad visual y comunicativa, y resulta fácil reconocer que sus creadores son especialistas en escenografía. Réquiem es una propuesta de microteatro que en lo visual bebe del cine de terror de los años veinte y el expresionismo alemán, y en el contenido juega de manera exitosa con el universo onírico del surrealismo, además de ofrecer guiños a Poe y su bien conocida obsesión por la posibilidad de ser enterrado vivo. Conjuga proyección, sombra y títere, componiendo un retablo escénico bien armonizado. El público asiste a la representación visual de una pesadilla en un espectáculo ágil y de buena narrativa. El ambiente íntimo y cercano que ofrece una sala como La Expositiva hizo el espectáculo todavía más disfrutable. Réquiem sigue girando por nuestro país, así que ya saben: si les visita, no duden en regalarse esta propuesta de títeres de calidad.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Daisy de Rodrigo García en el Festival de Otoño a Primavera
Tras su revolucionaria Muerte y reencarnación en un cowboy (2010), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo en 2015 el Festival de Otoño a Primavera con su última creación, Daisy que se puede ver este fin de semana en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda. A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa. Su lenguaje escénico mezcla sensaciones que hacen evolucionar con una gracia devastadora sus fieles intérpretes: Juan Loriente y Gonzalo Cunill. En Daisy hay rituales de la masonería de la cucaracha, hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas que interpreta a Beethoven, pero hay también mucho más de lo que, a primera vista, se puede apreciar en escena, todo el poso que el texto logra dejar en la mente y en los sentidos de cada espectador. De nuevo, Rodrigo García establece un pulso con el discurso expresivo y la recepción del público. No improvisa nada, todo lo que parece casual o arbitrario está elegido con precisión milimetrada. Las imágenes potentes y delirantes que nos propone propician que entremos en un estado casi hipnótico, obligándonos a desterrar nuestros prejuicios para sumergirnos en un estado de profunda percepción. La multiplicidad de lenguajes, ya que la palabra es un bisturí con el que abre nuestro cerebro, bombardean nuestros sentidos para hacernos sentir una cucaracha más en ese recipiente sonoro o esa tortuga que mueve el agua sin desplazar una gota del líquido que la rodea…Y así, sentirnos fantasmas en un paraíso inútil.
Adolfo Simón
La casa de los huéspedes en El Apartamento
Los cómicos ya no saben que inventarse para llevar al público al teatro…Hace años surgió la idea de proponer espacios no convencionales para representar obras, se llamó Teatro en las casas. Y al final, las casas, los salones, las cafeterías…o como en el caso que nos ocupa, El Apartamento, han acogido piezas pequeñas o no para conseguir que el público se sienta dentro de la ficción y como en el salón de su casa. El Apartamento ha sido uno de los espacios sorprendentes en sumarse a una larga lista, es un lugar diferente a todos los demás…Un ático deliciosamente decorado en pleno corazón de Chamberí. Allí se realizan diferentes experiencias creativas y se muestra microteatro, pero, dentro de su programación han incluido el tan celebrado Teatro en serie: La casa de los huéspedes. Allí, por fin, hemos podido disfrutar de los tres capítulos que componen la serie de esta historia. Un tríptico delicioso que nos permite conocer cada rincón del lugar y cada secreto del dueño de esa casa que, al final, es él mismo y sus recuerdos. Porque hay elementos mágicos que nos hacen pensar que el tiempo y las historias no están ocurriendo a la vez, que hay una suerte de cruce de caminos misteriosos que nos hacen dar quiebros en la biografía del dueño de la casa de huéspedes. La escenografía no puede ser más acertada y el viaje en dos sentidos-grupos que realiza el público es muy sugerente. Pero lo más destacable es la historia, el entramado de pequeños universos personales en tono melodramático. Para este tipo de trabajo hace falta un grupo de actores que jueguen con la propuesta, la situación ficcional y real…y por supuesto, que den vida a personajes que no son de un trazo si no que están escritos con la tinta de la vida. Todavía se puede disfrutar de esta propuesta, no se la pierdan, hay muchos elementos de interés en ella.
Adolfo Simón
La señorita Julia y La señorita Elsa: El precio del desarraigo
Hay dos piezas de teatro en la cartelera de Madrid que coinciden a la hora tratar el tema de una mujer que intenta enfrentarse a sus deseos pero encuentra, en la sociedad, un muro infranqueable…
La señorita Elsa es la adaptación de la novela de Arthur Schnitzler realizada por Lola Blasco para la escena. En Sexto Derecha, un espacio en el que la temporada pasada disfrutamos de unas pequeñas joyas escénicas, se presenta, en la intimidad más absoluta, el periplo de esta joven que, al tratar de descubrir su propio deseo, se encuentra con que el resto de la sociedad ya ha decidido cuál será su viaje emocional. Un ejercicio arriesgado que la joven actriz, Angela Boix realiza con temple gracias a la dirección de José Luis Sáiz.
Y en La Pensión de las Pulgas, se ha estrenado una adaptación de La señorita Julia de August Strindberg, con el título de El ojo de la aguja, dirigida por Estefanía Córtez, con Esther Acebo, Sergio Pozo e Irene Escalada. La acción la han trasladado al mundo de las altas empresas donde una rica heredera, atrapada en su soledad emocional, intenta conseguir domar a su chofer ante los ojos de la secretaria. Un viaje al sometimiento físico y afectivo, sin cortapisas.
Adolfo Simón
Algo en el aire de David Harrower en el OFF del Teatro Lara
¿No has tenido, alguna vez, la sensación, al mirar en el fondo de una jarra de cerveza, sentado en una banqueta, delante de la barra de un bar, que pasan, entre la espuma que queda como resto, un montón de momentos de tu vida con los que se va componiendo el puzle de un vacio afectivo?…A veces, en la prisa del día a día, dejamos de pensar en personas a las que hemos querido y que, de repente, han desaparecido de nuestra vida y no sabemos muy bien por qué…Un día, decidimos que nuestros caminos se han de separar, seguramente por un tontería…Y el abismo se abre entre nosotros…Ha de llegar alguien que medie para que los caminos se vuelvan a cruzar. De esto va Algo en el aire, de dos caminos paralelos, como los de una vía del tren, que aunque en la distancia, los raíles se juntan, en el presente es imposible verlos juntos. Y así está planteada la propuesta escénica, de manera sencilla…dos mundos paralelos en los que se recorre, a través de monólogos alternos la peripecia de dos hermanos, que nunca sabremos si se encontraron, se encontrarán o todo es un deseo en paralelo.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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