La ópera de cuatro notas de Tom Johnson en los Teatros del Canal
La ópera de cuatro notas-Comedia lírica firmada por Tom Johnson ha sido dirigida por Paco Mir para presentarla en la íntima sala verde de los Teatros del Canal. Compuesta exactamente con cuatro notas, hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas, son interpretadas por un pianista; el libreto, escrito sin acotaciones, con el fin de que cada director de escena juegue con los cinco personajes que parodian las cinco voces de una ópera: Tenor, barítono, soprano, mezzo y bajo…Se convierte en una excusa para llenar de juego y locura el escenario. Paco Mir nos tiene acostumbrados a llenar de gags las propuestas que dirige, aquí, los cantantes y el pianista se vuelcan en un disparatado mecanismo de entradas y salidas donde dan rienda suelta a su jocosidad, haciendo las delicias del respetable. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-opera-de-cuatro-notas/
Adolfo Simón
Mentes alteradas en el Teatro Alfil de Madrid
La vida se puede ver en directo o en play-back. En el Teatro Alfil hay dos propuestas a caballo entre el café teatro y pequeño musical que nos muestra una galería disparatada de personajes llenos de tics y personalidades confusas. En play-back nos hablan de su mundo las Hijas de la gran puta y en directo lo hacen los personajes de mente alterada de Mi, me, conmigo.
Adolfo Simón
Juana, la loca de Histrión Teatro en el OFF del Teatro Lara
Juana, la reina que no quiso reinar, es el imaginado testimonio de Juana I de Castilla, más conocida como Juana la loca. Hija de los Reyes Católicos, fue casada de adolescente contra su voluntad y después encerrada durante 46 años por la única locura de ser mujer antes que reina y defender el amor por encima del poder. Gema Matarranz realiza un ritual íntimo en el que a través de su voz y su cuerpo hace una radiografía sobre los pensamientos y sentimientos que inundan la cabeza de Juana, rebuscando en el recuerdo y la desesperación, intentando entender una vida y encierro absurdos, impuestos por las necesidades de un Estado intolerante. La atmósfera del espacio y la sensibilidad de la actriz, a unos centímetros del público, nos invita a sentir lo que ella vivió en esa cárcel inútil.
Adolfo Simón
Eterno Creón en el Teatro Galileo
Eterno Creón es una adaptación contemporánea del texto del Siglo de Oro Francés La Tebaida (Jean Racine) dirigida por Manuel De. En esta revisión del legado de Edipo a sus hijos, se exponen los engranajes políticos que, a través de los tiempos, han generado y generarán lucha de poder, odio, ambición desmedida y, consecuentemente, terribles vertidos en la naturaleza del ser humano. Cuatro actores desarrollan esta tragedia griega sobre un suelo en espiral en blanco y negro en paralelo con un discurso audiovisual sobre la situación de conflicto global que vivimos.
Por desgracia, el valor humano siempre es el justo que paga por todos. Yocasta como madre por igual de dos hijos enfrentados hasta la muerte y, por su parte, Polínice y Etéocles como hermanos que, confiesan, necesitan sentir el odio del otro para poder odiar también, puesto que pervive en ellos aún un amor fraternal que se escurre entre sus ansias de poder. En la sombra, aguarda expectante Creón, a la espera de que sus sobrinos acaben el uno con el otro y le dejen a él la vía libre…
Como he oído y compartido tantas veces, hacer teatro es hacer política. El otro ingrediente de esta propuesta es el recordarnos con metateatro que la política está premeditada, está estructurada, está ensayada… Es decir, está interpretada. Hacer política se acerca peligrosamente a hacer teatro. El discurso que se usa es uno y no otro por necesidad y la escena que viene a continuación se prevé con todo detalle. O casi todo, puesto que en escena, como en la vida, también surgen cambios inesperados. Quizás es ese “casi” el margen de maniobra y sorpresa que tenemos como pueblo, la bolsa de aire que nos queda cuando estamos de puntillas con el agua al cuello.
Quique Rojas
Dos peor que uno en los Teatros del Canal
Tras el fulgurante éxito en el National Theatre, en el West End de Londres y en Broadway, llega Dos peor que uno (One man, two guvnors) a los Teatros del Canal, ambientada en una ciudad mafiosa, en los años sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el criado de dos amos: un gángster y un supercriminal. Los enredos evolucionan entre la commedia dell’arte, el vodevil, la sátira y la improvisación. Esta comedia, dirigida por Alexander Herold con texto de Paco Mir a partir de Arlequín, servidor de dos patrones de Goldoni es un juguete delicioso y disparatado donde el público es protagonista en muchos momentos. La propuesta bebe de una estética camp que funciona muy bien en nuestro imaginario para aceptar la convención sobre unos personajes y situaciones que están al límite de la realidad, rayando el comic. Hay un acierto en las transiciones de las escenas a cargo de un cuarteto musical lleno de chispa e ingenio. El decorado homenajea a las obras del music-hall donde los telones pintados recrean las diferentes localizaciones y se superponen como en un teatrito de guiñol. Los actores están exquisitos en su melodramática actuación que hace más creíble esta locura de personajes-espejo. Y la adaptación del texto a la actualidad tiene grandes aciertos y guiños a nuestra realidad mafiosa. Quedan pocos días y una larga gira, si pueden, no se la pierda. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dos-peor-que-uno-teatro/
Adolfo Simón
El legado de Don Juan en el Off del Teatro Lara
Don Juan ha existido siempre y existirá mientras haya hombres y mujeres sobre la tierra. A veces ha sido más seductor y otras un fantoche. En El legado de Don Juan nos presentan a los descendientes de un burlador reciente, tal vez vivió hace cincuenta años. A través de unos personajes extremos en sus rasgos de personalidad, vamos descubriendo, en su espera inútil, la peculiar personalidad de este particular Don Juan; más humanizado, menos truhán. Aunque su paso por la vida de una serie de mujeres, ha dejado bastante víctimas, no solo por ellas si no por sus descendientes. Así, descrito, parece una obra de Albert Camus y no, es un divertimento jocoso de Guillermo Amaya en el que los actores están deliciosos en su rol. Al final, se deja una puerta abierta a la esperanza con esta herencia insólita.
Adolfo Simón
«DELIZIA», la nueva sensación de Teatro Bodevil.
Las noches de Madrid nos traen una nueva propuesta de fusión: teatro y gastronomía. Una gran apuesta, en estos tiempos en los que las buenas producciones escénicas escasean, que despliega todo lujo de detalles y no escatima en gastos para ofrecernos un gran espectáculo de cabaret mientras se nos ofrece una cena suculenta, que cuenta con un menú integrado en el espectáculo y regado con los mejores vinos y espirituosos.
Teatro Bodevil acoge el espectáculo «Delizia», una elaborada y cuidada producción que ha pasado por ciudades como Barcelona, Marrakech o El Cairo. Podríamos compararlo con varios espectáculos que ya hemos visto, pero ninguno ha conseguido esa mezcla tan especial y además en un espacio impresionantemente decorado, cuidado y completamente adecuado para ofrecernos exclusividad, buen ambiente, diversión asegurada, y artes escénicas como protagonistas.
El mismísimo cocinero del espectáculo, Litus, nos recibirá convenientemente ataviado y transformándose poco a poco en un gran maestro de ceremonias que llevará la batuta de todo un espectáculo que mezcla los mejores éxitos del cabaret con la música disco, toda una bomba con la estupenda voz de Keisy, y que hace del mismo algo alocado, glam e impresionante y que transmite una energía que provoca que salgas bailando y con ganas de más fiesta. El elenco de artistas incluye una selección muy variada de artes escénicas entre las que se incluyen acrobacias, música en directo, humor, … y mucho Bodevil. Todo está pensado para que pases una noche única y experimentes nuevas sensaciones.
Una nueva propuesta que llega a Teatro Bodevil bajo la batuta del maestro Luka Yexi director artístico y creador de maravillosos espectáculos que han trasformado el panorama escénico de nuestro país.
Luis Mª García
Buena gente de David Lindsay-Abaire en el Teatro Rialto de Madrid
Hay una idea equivocada sobre los teatros de nuestro particular Broodway madrileño, parece que en él, en la Gran Vía, solo pueden verse propuestas de musicales y ballets, pues no, también podemos encontrar espectáculos de los mal llamados, comerciales que, pueden ofrecernos una tarde deliciosa riendo y pesando…emocionándonos. ¿Por qué el humor no puede ser un arma contra el aburrimiento que alimente nuestra inteligencia?…No cualquier humor, claro… David Serrano está deparándonos gratamente, en los últimos tiempos, con versiones y dirección de textos muy interesantes como Lluvia constante y esta Buena gente que se está representando en el Teatro Rialto de Madrid. La historia no es de gran complejidad pero si tiene una trama ingeniosa que no voy a desvelar aquí y sobre todo, tiene un elenco elegido con minuciosidad para llevar a cabo la función de forma ingeniosa y emotiva. Parece que David Lindsay-Abaire hubiera escrito el personaje protagonista para Verónica Forqué, la actriz despliega su amplia experiencia y técnica para llenar de vida un personaje de la galería de anti-heroínas que mueven el mundo gracias a un espíritu de lucha por sobrevivir. Junto a ella, un grupo de interpretes entregados con entusiasmo para defender este mundo sin sentido en el que nos ha tocado vivir y del que solo salen triunfando aquellos que hay elegido bien los números de su bingo personal.
Adolfo Simón
Alma de Arturo de Arturo Turón en Nave 73
Tras el éxito de “Confesiones a Alá”, Arturo Turón vuelve a los escenarios con una nueva personal propuesta, una experiencia basada en la película “Persona” de Ingmar Bergman. Una obra de teatro preciosista e íntima, un retrato del Alma, un espejo en el que dos seres se miran constantemente para redescubrirse. Elisabeth es actriz, durante una representación teatral de la obra Electra, pierde el habla y es ingresada en un hospital, ante su nulo avance, será llevada con su enfermera a una casa de verano buscando así una pronta recuperación. Alejadas, apartadas de todo, ambas comienzan una relación en la que la palabra y el silencio son el lenguaje invertido para mostrar los más ocultos secretos de ambas mujeres. Un espectáculo en el que se cruzan la danza, el teatro y el audiovisual armónicamente.
Adolfo Simón
Guissepina y Peppina de El Retablo dentro del Festival Teatralia en La Casa Encendida
Una historia de amor ambientada en el circo, delicada, optimista y llena de ternura, que combina diferentes técnicas escénicas aunque donde más hincapié se hace es en la transformación creativa de objetos desechables encontrados y que son convertidos en simpáticos personajes con los que nos van mostrando los diferentes números circenses y las relaciones que tienen todos los personas que habitan ese divertido lugar. Toda esta ceremonia de canciones y juegos las llevan a cabo Giuseppina y Peppina, los dos intérpretes-manipuladores de la Compañía El Retablo, en una creación de Pablo Vergne. Todavía pueden disfrutar de esta pieza mañana domingo.
Adolfo Simón
La ciudad oscura de Antonio Rojano dentro del ciclo Escritos en la escena del CDN
El suicidio de un jockey, tras vencer en su última carrera, reabre las viejas heridas de una nación. Un escritor en horas bajas, una inspectora de policía y una joven en busca de su origen cuentan esta historia sobre el pasado y el futuro de España. Esta es la breve sinopsis que podemos leer en el programa de mano, unas pistas para entrar en el laberinto de espejos que es esta pieza. Como si atravesáramos las estancias de la memoria, vamos ocupando o abandonando habitaciones en las que el propio autor nos muestra sus dudas sobre como reconstruir unos acontecimientos vividos en su época y al tiempo, revisar como es su propia biografía personal en la actualidad. La obra empieza con unas sugerentes sensaciones paranormales que pronto nos llevarán al meollo de la cuestión, convocando así al pasado y desvelar los enigmas del presente. Algo muy propio del teatro.
Adolfo Simón
Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva en el CDN
No me cansaré de decirlo nunca, si este país fuese un poco menos necio, tendría un teatro dedicado a estrenar y reestrenar las obras de Francisco Nieva. Tenemos la suerte de que todavía esté vivo y siga creando pero no parece que le importe mucho a esta sociedad cateta de este nuevo milenio, preocupado por la vida privada de seres anodinos, vista a través de la televisión. Francisco Nieva es un hombre de teatro total y así concibe cada una de sus obras, sus personajes, los lugares donde los sitúa, las relaciones que teje entre ellos, su perfil dramático y el verbo que borda en los labios para ser dicho por actores y actrices de raza como son todo el reparto de esta función. Hay textos teatrales que los pueden interpretar actores de mayor o menor experiencia escénica pero las obras de Nieva solo pueden ser encarnadas por seres tocados por la barita mágica de Talia. Esta obra mira al pasado para denunciar nuestro presente, así es el autor, parece que hace teatro histórico y escribe el teatro más contemporáneo que se puede ver en nuestros escenarios. Hace un tiempo, un inepto que controlaba bastante los tejemanejes del teatro alternativo, me dijo…»No puedo estrenar a Nieva en mi sala porque no es contemporáneo ni alternativo». Ese señor ya no está en el teatro por suerte y Nieva sigue subiendo sus delirios y locuras a las tablas. Solo queda una semana de funciones, no se la pierdan, es una fiesta para los sentidos y Guillermo Heras ha dirigido la función con mano invisible, para que el autor se instale por derecho propio en el cuerpo de los geniales actores y en el escenario del María Guerrero. No pude celebrar de mejor modo el Día Internacional del Teatro que acudiendo a ver Salvator Rosa.
Adolfo Simón
A-creedores de Claudia Faci dentro del Festival de Otoño a Primavera en el Teatro Pradillo
La autora, actriz, coreógrafa, bailarina y directora de vanguardia Claudia Faci cambia de tercio con su última creación y se atreve a explorar todo un clásico del teatro, Acreedores de August Strindberg. Estructurada en tres cuadros que se suceden sin solución de continuidad, la pieza narra la historia de un ajuste de cuentas entre una mujer, su ex marido y su actual pareja. En el encabezamiento de esta publicación he escrito que A-creedores es de Claudia Faci porque creo que es una creación personal inspirada de lejos en la obra del autor nórdico. Pero, a diferencia de otras adaptaciones que tan solo conservan el título original y la creación se aleja totalmente del contenido o forma de la obra inspiradora, aquí, Claudia ha hecho un trabajo de cirugía preciso, ha cortando en los lugares más sangrantes del texto, sin tenerlo en cuenta en primer plano, pero rasgando por la mitad las palabras, para ver que destilan y después, lo ha llevado a su universo escénico, a su idea de un espacio privado para voyeurs. También habría que nombrar como autores a los dos intérpretes: Pablo Messiez y Fernanda Orazi que se abren en canal para mostrar sus vísceras y fantasmas sin pudor. Si el teatro ha de acercarse a la vida, a veces…la vida se cuela en la escena.
Adolfo Simón
«El Eunuco» se pasea por La Latina
El Festival de Mérida en Madrid nos permite disfrutar de esos clásicos que nos hemos quedado con ganas de ver todos los que no podemos desplazarnos a tan romano lugar en verano… No es lo mismo verlo en un anfiteatro, pero el teatro de La Latina es el lugar idóneo para trasladar esta comedia revisitada por Pep Anton Gómez y Jordi Sánchez.
La comedia se tiene que tomar como un juego, como un divertimento en el que también se pueden tratar temas serios pero barnizados con grandes toques de humor. Esta ha sido la consigna de los autores para crear una versión muy libre de la obra homónima de Terencio. Ellos mismos reconocen que el texto original está de plena actualidad y que no habría que tocar mucho para llevarlo a escena, pero que les perdió la imaginación y su espíritu lúdico a la hora de reinterpretar la obra y claro, han creado un gran desparrame, un bombón para cualquier actor ávido de demostrar todo lo que sabe hacer.
Si además se elige bien a los actores y se cuenta con pesos pesados cómicos como Anabel Alonso, Marta Fernández Muro, Jorge Calvo, Pepón Nieto o María Ordoñez,… si se pone el punto erótico festivo con un poquito de carne fresca y se rompen los esterotipos…el resultado es una gran comedia a la española, para todos los públicos, digna de La Latina y que nos brinda la oportunidad ver a los actores en todo su esplendor cómico y con todas sus tablas puestas al fuego para que arda bien. Pero ahí no queda la cosa. El Eunuco es una obra redonda, en la que la escenografía, el diseño de vestuario, la coreografía de Chevi Muraday, y las creaciones musicales de Asier Etxeandía y Tao Gutierrez ponen la guinda a un pastel muy apetecible.
Luis Mª García Grande.
Cabaret Chihuahua en el Teatro Nuevo Alcalá
Cabaret Chihuahua es un musical crítico, irónico, vasco-mexicano y un poco zombi, para tiempos de crisis. Un exorcismo desde el más allá para ahuyentar los malos rollos del más acá.
El cabaret siempre ha tenido algo de crítica social, de muestra del esperpento y de mofa ante las injusticias que vivimos cada día. Imaginen que transitan a la otra vida… una vida mejor, como suelen decir, y además les dan la oportunidad de convertirse en un mito famoso, pero muerto. Marilyn Monroe, Amy Winehouse, Freddy Mercury, Celia Cruz… y que se montan un show, el mejor de su vida, perdón el mejor de su muerte. Pues ante esto nos encontramos cuando visitamos Cabaret Chihuahua. Un cabaret desternillante, con su toque vasco y aderezado con maquillaje a lo catrina mejicana que nos hace pensar en personajes de Tim Burton y que le aporta ese toque transgresor e incongruente que tiene que tener todo buen cabaret.
La calidad del montaje, una escenografía cuidada, la música aducuada, una dramaturgia excelente, y unos actores que dan el do de pecho de sobra permiten que se nos pasen las casi dos horas que dura en un santiamén. Solo queda esta semana para disfrutar de esta fiesta de muerte, pásense por las catacumbas del Nuevo Alcalá.
Luis Mª García Grande.
«Ayuda» de la Compañía Los Lunes en Sala Cuarta Pared
Durante estas semanas podremos ver en la Sala Cuarta Pared las tres obras que tiene en su currículo la compañía Los Lunes. Empezamos con Ayuda, su último montaje que investiga las relaciones individuales en tiempos de crisis. Ayuda parte de una brecha existencial en un especialista en inversiones que en menos de veinticuatro horas ha sido abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo en el Banco donde trabaja. Inmovilizado en su casa por una lesión en su espalda no le queda otra alternativa que compartir toda esta situación con su empleado del hogar, el cual le va a cuidar «desinteresadamente» durante este tiempo de crisis. Una nochevieja le regala 40.000 euros para que pueda abrir una farmacia en su país. A partir de aquí se desencadena una historia en la que se reflexiona sobre las relaciones humanas y el interés que las mueve.
¿Qué sucede cuando nuestro cómodo sofá de repente se hunde en el abismo cenagoso de la incertidumbre? ¿Cuando hay un naufragio existencial somos capaces de reaccionar y cambiar nuestra manera de pensar? Nos encontramos con una dramaturgia aparentemente simple que no lo es tanto una vez que se empiezan a desgranar los acontecimientos que dirige la mente humana, da igual que sea un banquero o un inmigrante, siempre hay algo que huele a podrido y a interés y que se va imponiendo subrepticiamente en nuestra forma de actuar. Ayuda es una obra que nos descoloca, nos inquieta y nos hace reflexionar sobre nuestra actitud ante la vida.
Luis Mª García Grande
La gran duquesa de Gerolstein en el Teatro de la Zarzuela
Al programar esta opereta de Offenbach con libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy, el Teatro de la Zarzuela está recuperando un género que, durante los siglos XIX y XX, se mostró con mucha frecuencia sobre sus tablas. Eso sí, convenientemente «arreglado» (traducido y adaptado al español) para procurar el disfrute del público que acudía al coliseo madrileño. En esta ocasión, la conocida pieza antimilitarista francesa sube a escena traducida al español, como entonces, con dirección musical a cargo de Cristóbal Soler y con una emblemática producción de Pier Luigi Pizzi. Esta puesta en escena, sumamente sencilla, es una muestra del estilo y colorido del regista italiano, capaz de llegar, con los recursos más simples, a la escena misma del teatro lírico francés. Esta opereta, que relata la divertida historia de una extravagante y tiránica aristócrata, resulta una interesante ocasión para corroborar cómo el género aparentemente más despreocupado del momento, también se convirtió en ocasiones en mecanismo de denuncia y crítica social. La propuesta estrenada inclina la balanza sobre los disparatados deseos amorosos de la Duquesa para dejar de fondo toda la temática militar. Un montaje enloquecido y jocoso.
Adolfo Simón
MANTÉNGASE A LA ESPERA en el TEATRO DEL ARTE de MADRID
MANTÉNGASE A LA ESPERA en el TEATRO DEL ARTE de MADRID nos proporciona un rato distendido y jocoso los lunes por la tarde. La Compañía de Los Absurdos ha iniciado una trayectoria que les va a deparar momentos estupendos en los que podrá conectar con un público que necesita sentirse identificado con las situaciones disparatadas que a todos nos ocurren a diario…¿Quién no se ha sentido un tonto esperando que, al otro lado del hilo telefónico, le digan qué tecla ha de presionar?…Pues eso, aquí hay múltiples opciones, incluso la de reírse de ello…que es muy sano.
Adolfo Simón
Tríptico familiar
En la recta final de Teatralia hemos podido disfrutar de dos propuestas muy distintas, una poética y delicada y otra disparatada y sur real…
Skabelse (Creación) presentada en Teatro Pradillo, visita España por primera vez en el marco de Teatralia 2015, es un cuento con dos titiriteros y un músico. Es un paisaje, poesía, delicadeza y un profundo ejercicio sobre la belleza. La luz del espectáculo nos habla de su origen geográfico y nos transporta inmediatamente al norte de Europa. Una de las propuestas más delicadas y elaboradas de la edición de este año del Festival. Hay espectáculos que debería recorrer toda nuestra Comunidad una vez han llegado hasta aquí desde su lejano lugar de origen.
La pecora nera (La oveja negra) se presentó en Cuarta Pared…un montaje sin palabras, basado en el movimiento de los actores y el juego de objetos utilizados en el escenario. Es el resultado de un proyecto creativo que nació en 2011 con jóvenes estudiantes de jardín de infancia y escuela primaria. Una obra en clave de clown físico a través del lenguaje objetual y corporal.
Y como cierre de este tríptico: Ylusicala, un cuento en luz negra con imprescindible participación de los niños que se puede disfrutar los sábados por la mañana en La Puerta Estrecha. Juego y narración hacen las delicias de pequeños y mayores.
Adolfo Simón
Edipo dirigido por Denis Rafter en el Teatro Bellas Artes
Edipo reina en Tebas contando con la veneración del pueblo y el amor de Yocasta, la viuda de Layo, el rey muerto, ahora convertida en su esposa. La ciudad está asolada por numerosos males y sus habitantes acuden a Edipo para que interceda por ellos. Desde Delfos, desde el altar de Apolo llega la noticia, traída por Creonte, que señala a quien mató a Layo como causante de todos los males. Sólo su castigo salvará a Tebas. Edipo se compromete ante el pueblo con castigar al culpable. Tiresias, el ciego adivino, previene a Edipo y le ruega que mida sus palabras porque su destino está señalado por Apolo. Esta premisa da pie a la obra cumbre del teatro griego. En ella se establecen los parámetros de la tragedia tal como ha llegado hasta nuestros días. Es difícil realizar una versión sobre el papel y la escena para que esta obra llegue al público actual, sin embargo, tanto la adaptación de Miguel Murillo como la puesta en escena de Denis Rafter, hacen que el espectador de hoy conecte con aquel legado sin moderneces inútiles. El espectáculo huye de efectismos para poner el acento en los puntos claves de la historia, arropados de elementos estéticos que nos ayudan a leer la peculiaridad de aquel tiempo. Es una suerte para los madrileños la oportunidad de ver obras que se estrenaron en Mérida y que, gracias a la extensión que se ha hecho del Festival Clásico de aquella ciudad, también se pueden disfrutan en nuestros escenarios.
Adolfo Simón
«The Rocky Horror Dramakuin Show» en Teatro del Arte
Volvemos a disfrutar de nuevo del proyecto Rocky Horror Dramakuin Show en el Teatro del Arte, en un espacio más diáfano y que se adapta más al tipo de performance que requiere ver este clásico underground de los setenta y disfrutar de los números en directo de este grupo de actores. Una vez al mes nos convocan para petardear y pasarlo en grande con todos los añadidos en forma de bolsa de cotillón para que a nadie le falte su trozo de periódico cuando llueve, su matasuegras para la fiesta en la mansión de Rocky o el guante de latex con el que hacer molestos ruidos delante de los invitados.
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Teatro del Arte. Rocky Horror Dramakuin Show. Con la película The Rocky Horror Picture Show como telón de fondo, los actores de Dramakuin, caracterizados como los personajes, recrean los números musicales delante de la pantalla. Es como ver la película en 3D! Una noche especial para un Show especial que se convierte en una fiesta donde uno puede gritar a la pantalla, bailar, sudar y cantar las canciones.
«Tengo una muñeca en el ropero» en Teatralia
Muchas veces, al hacer una mudanza, o volver a nuestra antigua casa, nos encontramos de casualidad con un juguete que ha marcado nuestra infancia, y por extensión nuestra vida futura y nos vienen a la cabeza recuerdos no sólo de cómo éramos nosotros, sino también de lo que nos rodeaba, de nuestros familiares, amigos del colegio, del equipo de baloncesto… y de repente, nos damos cuenta de que situaciones que nos parecían insuperables, problemas grandísimos, importantes secretos,tabús, miedos y represiones han sido superados de una manera natural y sin muchos traumas… simplemente ha tenido que pasar el tiempo.
«Tengo una muñeca en el ropero» es un espectáculo dirigido a adolescentes que quiere cuestionar y romper estereotipos sin tener que mostrarlos necesariamente a través de un personaje. Julio debe vaciar el armario de su infancia, donde guardaba objetos y escondía secretos. Una pelota, una camiseta de baloncesto, cómics de Batman y la Barbie que robó a su hermana y que ocultó entre un suéter, porque jugar con muñecas le estaba prohibido.
El grupo de Teatro Buenos Aires nos presenta a un personaje cálido y cercano que nos va desgranando los recuerdos que le generan esos objetos a través de su persona y de la trasposición en sus familiares más cercanos de las actitudes que tomaban ante ciertos comportamientos del protagonista. Los sentimientos, la risa, y la emoción de revivir estas escenas aflorarán a lo largo de la obra. Una dramaturgia y escenografía sencillas, pero bien conseguidas, para una obra de pequeño formato que pretende no sólo entretener sino también educar nos deja buen sabor de boca en esta buena apuesta de Teatralia.
Luis Mª García Grande
Invernadero de Harold Pinter en el Teatro de la Abadía
Pinter nos presenta una sátira del funcionamiento burocrático y el gobierno autoritario de un establecimiento cuya naturaleza exacta no se desvela. No está sometido a ningún control y al parecer cualquier comportamiento sobre los alojados está permitido. En plena celebración navideña, el director y su equipo se enfrentan con un nacimiento y una muerte que han tenido lugar en el interior de este lugar. ¿Quiénes serán los responsables? ¿Y cómo hay que actuar ante semejantes sucesos, tan inesperados como comprometedores?… Como en sus grandes obras y esta lo es, el autor nos sitúa ante un mundo de dos caras, la que se muestra a la sociedad y otra oculta tras el espejo en el que pretende que nos veamos reflejados. El espacio escénico juega con estas dos imágenes, en unas escenas, vemos el lugar donde se recibe y organizan las actividades de este extraño centro y cuando se da la vuelta, encontramos, en otras secuencias, las entrañas de este mundo absurdo lleno de violencia soterrada. Mario Gas lidera una apuesta escénica entre realista y esperpéntica que da jugo y juego al texto pinteriano, para ello se apoya en un reparto de lujo.
Adolfo Simón
Muerte en Venecia, una danza de la muerte de John Neumeier para el Ballet de Hamburgo en el Teatro Real
“Danza macabra” es el subtítulo que acompaña al ballet Tod in Venedig, una adaptación libre del coreógrafo John Neumeier de Muerte en Venecia de Thomas Mann, narración que ya había fascinado con anterioridad a creadores como Visconti y Britten. En este ballet, estrenado en la Staatsoper de Hamburgo el 7 de diciembre de 2003, el personaje de Aschenbach se reencarna en un prestigioso coreógrafo en crisis. Dividido en diez escenas, utiliza la música de Bach y Wagner para ilustrar el viaje de Aschenbach del arte a la vida… y la muerte. El montaje es sobrio y estéticamente muy bello, los bailarines crean con sus cuerpos un sin fin de espacios reales e imaginarios. Durante la crisis emocional y creativa, el personaje protagonista vive en una pesadilla donde lo que imagina se confunde con la realidad. Un espectáculo complejo, de gran factura técnica y estética.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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